Postales Dramáticas: The Beatles – Get Back Sessions

terraza

El pasado 30 de enero se cumplieron 40 años del recordado espectáculo que los Beatles brindaron en la terraza de los estudios Apple en la ciudad de Londres. La banda más grande de la historia ofrecía gratuitamente y de manera espontánea un concierto que dejaba atónitos a los transeúntes londinenses que cruzaban Saville Row. La idea de tocar allí surgió como un proyecto de grabación del disco que marcaría el final en la carrera de los cuatro de Liverpool, ‘Let it Be’. Y aquella presentación sería la última de los Beatles en vivo, quienes cansados de los gritos de sus fans habían decidido no tocar más en público.

El histórico concierto de 42 minutos (interrumpido por agentes de la Scotland Yard) fue capturado en un video en el que se incluyen escenas de la grabación del disco antes mencionado. Esta recopilación de imágenes muestra la intimidad de la banda dentro de los estudios y si bien se hace tedioso las reiteradas veces que tocan temas como ‘Get Back’ principalmente, las escenas constituyen un deleite para los beatlesmaníacos. Más de uno habrá visto con recelo las constantes apariciones de Yoko Ono, quien según cuentan, le está dedicada por Paul, justamente la canción que da nombre al video. ‘Get Back to where you once belong’ (regresa de dónde has venido) deja muy en claro la sensación de McCartney frente a la omnipresente presencia de la artista japonesa en la vida de la banda.

Finalmente el video concluye con la famosa presentación durante aquel frío día de enero. Acompañados del tecladista Billy Preston y los camaristas, los Beatles tocaron Get Back» (tres veces), «Dont Let Me Down (dos veces)», I’ve Got A Feeling (dos veces)», «One After 909» y «Dig A Pony», una breve versión del himno nacional británico, el «God Save The Queen», y un corto ensayo de «I Want You (She’s So Heavy)».

Un comentario final del concierto a cargo de John quien en tono irónico se despidió del público diciendo: “Me gustaría decir ‘gracias’ en nombre del grupo y espero que hayamos superado la audición”.

Los fantásticos de Liverpool se despedían para siempre de la misma manera como habían dejado su sello en la historia, con total ingenio y enorme talento. God Save The Bealtes

Piro

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Keane – Hopes And Fears (2004)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Somewhere Only We Know: 9
  2. This Is The Last Time: 8
  3. Bend And Break: 8
  4. We Might As Well Be Strangers: 7,5
  5. Everybody’s Changing: 8,5
  6. Your Eyes Open: 7,5
  7. She Has No Time: 7,5
  8. Can’t Stop Now: 7,5
  9. Sunshine: 8
  10. On A Day Like Today: 7
  11. Untilted 1: 7
  12. Bedshaped: 8,5

    Mientras Coldplay pelea por desprenderse de la sombra de Radiohead, una serie de grupos toma su estilo para mostrarse en el mercado de la música. Un claro ejemplo de este fenómeno es Keane.

    Keane es un grupo formado por solo tres integrantes: Tom Chaplin como vocalista; Richard Hughes en la bateria; y el multifacético Tim Rice-Oxley, quien se destaca en el piano, en el teclado y en el bajo simultáneamente. De aquí nace la única diferencia que le encuentro con la banda de Chris Martin: no hay guitarrista.

    Pero al igual que como sucede con Coldplay, lo que se puede encontrar son baladas que cuentan con pianos y lindas atmósferas. En realidad Hopes And Fears esta integramente compuesto por este tipo de temas, todos similares (es muy difícil distinguir uno del otro), buenos pero nada espectaculares. Temas hechos a la medida de la voz suave de Chaplin. Sin embargo, el gran problema justamente es la falta de variedad en las canciones. En Hopes And Fears solo vas a escuchar baladitas con melodías lindas, pero las vas a escuchar hasta el hartazgo. Desde Somewhere Only We Know (el hit más importante del disco) hasta Bedshaped.

    A pesar de esta uniformidad, Hopes And Fears es un buen disco inicial, el cual le permitió a Keane establecerse en el mundo de la música actual con cierto renombre.

    Persy

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    Red Hot Chili Peppers – One Hot Minute (1995)

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    Puntaje del Disco: 8

    1. Warped: 8,5
    2. Aeroplane: 8,5
    3. Deep Kick: 8,5
    4. My Friends: 9
    5. Coffe Shop: 8
    6. Pea: 8
    7. One Big Mob: 7,5
    8. Walkabout: 9
    9. Tearjerker: 8
    10. One Hot Minute: 8
    11. Falling into Grace: 7,5
    12. Shallow Be Thy Game: 8,5
    13. Transcending: 8

    Luego del exitoso Blood Sugar Sex Magik los Red Hot sufrirían la perdida de John Frusciante en Mayo de 1992 por culpa de sus adicciones, volvería en 1998. Fue reemplazado por Dave Navarro guitarrista de Janes Addiction. Navarro también es un muy buen guitarrista pero su presencia alteró considerablemente el sonido incorporando mas riffs de guitarra del estilo Heavy Metal mas distorsionados pero le costaría adaptarse a los estilos mas funk y sensuales de la banda.

    One Hot Minute se lanzo a las ventas en Septiembre de 1995, este disco es raro siempre fue considerado como el trabajo mas flojo del grupo desde BSSM aunque tiene buenos momentos que valen la pena recalcarse. Anthony Kiedis, había reincidido en 1994 a sus adicciones a la heroína y las anfetaminas luego de estar limpio durante más de cinco años y por ello abordó sus letras con una mirada a las drogas y sus duros efectos. El disco fue un fracaso en ventas comparado con su antecesor y la crítica que recibió el disco tampoco fue tan buena, el disco encontraba a la banda como desenfocada se notaba la ausencia de Frusciante y el estado emocional de Kiedis.

    Entre las canciones mas rescatables se encuentra el primer sencillo Warped que estuvo orientada directamente a la angustia y depresión de Kiedis, Aeroplane es un tema histórico del grupo con un muy recordado video musical, My Friends una balada típica de los Chilli Peppers al estilo Under the Bridge o Soul To Squeeze, aunque no tan lograda como ellas que trata sobre los oscuros pensamientos de Kiedis sobre «sus amigos», Walkabout un tema funk subestimado pero a mi entender el mejor del disco, Tearjerker que fue un tributo a Kurt Cobain que había fallecido hacia poco tiempo. También en este disco se produjo la primera participación compositiva de Flea escribió la mayor parte de Transcending, y la introducción de Deep Kick e inclusó escribió toda la letra de una canción, Pea, en la que canta y toca el bajo.

    Para abril de 1998, la banda no había escrito material nuevo, Kiedis y Flea decidieron despedir a Navarro que reacciono mal, pero posteriormente acepto. Luego de rumores sobre la disolución de los Red Hot la banda invitaria a Frusciante a unirse nuevamente luego de concluir su rehabilitación y comenzaría una nueva época exitosa para el grupo.

    F.V.

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    Bon Jovi – 7800º Fahrenheit (1985)

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    Puntaje del Disco: 8

    1. In and Out of Love: 9
    2. The Price of Love: 7
    3. Only Lonely: 8,5
    4. King of the Mountain: 6
    5. Silent Night: 6,5
    6. Tokyo Road: 7
    7. The Hardest Part is the Night: 8
    8. Always Run to You: 7
    9. To the Fire: 5
    10. Secret Dreams: 7,5

    Luego de haber pasado dos años del lanzamiento de su primer CD, la banda de New Jersey lanza su segundo material discográfico, 7800º Fahrenheit.

    Este disco lanzado en el año 1985, no llego a tener el éxito que la banda hubiera querido, si bien llego a ser disco de ORO. Esto se debió principalmente a baladas que se podían escuchar, como lo era SILENT NIGHT, la cual contrastaba con lo que era la música del momento, encabezada principalmente por bandas como MOTLEY CRUE.

    A pesar de lo anterior, del álbum se pueden destacar varios temas característicos de hard rock de los 80, como: In and Out of Love, The Hardest Part is the Night, Only lonely.

    De los anteriormente nombrados el más recordado y destacado por la banda misma es Only Lonely, ya que fue escrita por John Bongiovi en un momento complicado sentimental, en el cual su mujer le habría dicho que elija entre la música y ella.

    También hay que nombrar temas como: Price of love, Always run to you, Secret dreams y Tokio road, el cual se ha utilizado muchas veces para la apertura de recitales en esa época.

    El material en cuestión igual, no es muy recordado, tal es así que al año la banda saco su tercer álbum el cual los mando a la fama absoluta, Slippery When Wet.

    Luquitas Bonjo

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    Arcade Fire – Funeral (2004)

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    Puntaje del Disco: 9,5

    1. Neighborhood #1 (Tunnels): 9,5
    2. Neighborhood #2 (Laïka): 8,5
    3. Une année sans lumière: 8
    4. Neighborhood #3 (Power Out): 9,5
    5. Neighborhood #4 (7 Kettles): 8,5
    6. Crown of Love: 9
    7. Wake Up: 9,5
    8. Haïti: 8
    9. Rebellion (Lies): 10
    10. In the Backseat: 8,5

    Desde Canadá nacería una banda que sería muy grande para el Indie rock. Grande por la cantidad de miembros que tiene así como también por su relevancia en la última década. Esta banda es Arcade Fire, que está liderada por la pareja Win Butler y Regine Cassagne. Sin embargo, como comentaba, es un grupo muy numeroso. Sus otros integrantes (en total son como 15 personas) incorporan una gran variedad de instrumentos que hacen de Arcade Fire una banda más orquestada, orientada al Art Rock.

    En el año 2004 editarían su álbum debut Funeral, cuyo titulo hace clara referencia a la muerte, más concretamente esta dedicado a los familiares de la banda que murieron durante su grabación. Funeral tendría un rotundo éxito frente a la crítica. Esto es comprensible, ya que es una de las obras cumbre del indie rock.

    El álbum comienza con la poderosa apertura “Tunnels”, que simultáneamente le da inició a esa suite denominada “Neighborhood” (vecindad), que la integran: el new wave de “Laika”, la preciosa canción barroca “Kettles” y la soberbia “Power Out”. De todas ellas especialmente me encanta “Power Out”, cuyos arreglos sutiles que junto a su melodía trascendental y a la intensidad oscura que transmite Win Butler lo hacen un clásico conmovedor.

    Casi en el mismo nivel que esta última están “Wake Up” y “Rebellion (Lies)”, himnos tremendos que transfieren emoción por su orquestación y sus coros.

    Pero Funeral es perfecto. Sus otras canciones tampoco decaen. La orquestada “Crown Of Love” y “Une Année Sans Lumière” son hermosas baladas. Y si bien Butler es el vocalista principal, Chassagne interpreta muy bien bellas canciones como “Haiti” y “In The Backseat” (es Björk puro).

    Funeral es un álbum espectacular, para muchos el mejor de la década. O por lo menos uno de los mejores junto a In Rainbows, Is This It y Elephant.

    Persy

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    Kasabian – Kasabian (2004)

    kasabian

    Puntaje del Disco: 8,5

    1. Club Foot: 8
    2. Processed Beats: 9
    3. Reason Is Treason: 9
    4. I.D.: 8,5
    5. L.S.F. (Lost Souls Forever): 9,5
    6. Running Battle: 8
    7. Test Trasmission: 7,5
    8. Cutt Off: 8,5
    9. Butcher Blues: 8
    10. Ovary Stripe: 6,5
    11. U Boat: 8,5

    Kasabian es una de las bandas más prometedoras de la andanada de nuevos grupos que surgieron en la última década en Gran Bretaña como The Libertines, Artic Monkeys, Kaiser Chief, The Coral por solo nombrar algunas.

    El grupo mezcla rastros de Primal Scream, Happy Mondays, Oasis y The Rolling Stones con otras influencias electrónicas que la diferenciaron de las bandas inglesas del momento. Se formaron en la ciudad de Leicester en 1999. El grupo tomó su nombre de Linda Kasabian, la joven embarazada que condujo el coche en que huyó Charles Manson tras la matanza en la casa de Sharon Tate. Además también significa carnicero en armenio, muy apropiado para una banda con un estilo ecléctico.

    Su primer álbum fue editado a finales del 2004, y llevo el mismo nombre del grupo. El cantante Tom Meighan reúne los atributos que necesita una banda de su cantante con presencia sobre el escenario y la banda suena muy bien tubo buen recibimiento por parte de la crítica y alcanzo el puesto 4 en los charts británicos.

    Aunque el disco pasa por momentos altos y otros que no lo son tanto, es un auspicioso debut para lo que puede ofrecer el conjunto ingles destacándose los temas Processed Beats, Cutt off, Reason is Treason y L.S.F.

    F.V.

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    The Verve – Forth (2008)

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    Puntaje del Disco: 7

    1. Sit And Wonder: 8
    2. Love Is Noise: 6,5
    3. Rather Be: 9
    4. Judas: 7
    5. Numbness: 5
    6. I See Houses: 7,5
    7. Noise Epic: 5
    8. Valium Skies: 8,5
    9. Columbo: 6,5
    10. Appalachian Springs: 7,5

    Como Richard Ashcroff no estaba teniendo una carrera de solista del todo exitosa (hacia agua y poco ruido) y por su lado, la labor del guitarrista McCabe no era muy importante (estaba literalmente al pedo), influyó a que The Verve vuelva. Así es, el grupo se reunió tal como sucedió con varias bandas en los últimos tiempos por cuestiones monetarias.

    La vuelta de The Verve desde mi opinión no fue del todo exitosa. Es más, se acerca mucho a la decepción. Es que Forth viene a ser un extraño epilogo de Urban Hymns. Es dolorosamente inferior a este último, de hecho es el peor álbum de toda la discografía de esta banda.

    En principio puede resultar a más de lo mismo. Es más del space rock que caracteriza a la banda. Pero el problema no es ese, el mismo radica en que todos los temas son excesivamente largos. Todo el potencial que puedan llegar a tener se embarran en su molesta duración. La mayoría de los temas duran alrededor de 6 o 7 minutos, en el mejor de los casos 5. Además suenan bastante inflados, con melodías menos atrapantes y con atmósferas que no son atractivas como sí lo fueron muchos de sus mejores canciones. Por todo esto, se podría decir que no es un álbum comercial. No tiene claros hits como Urban Hymns, sino más bien está hecho para los devotos del grupo. El triste single «Love Is Noise» es un claro ejemplo de lo que argumento. El sonido de fondo de este tema es francamente irritante. Solo se podría rescatar un poco su estribillo. Canciones como esta abundan y lo peor, como remarque antes, es que se estiran en duración, dejando resultados mediocres como «Numbness» y «Noise Epic». Más allá de estos defectos, Forth safa, no es algo atroz, algunos cortes son buenos como «Sit And Wonder» y «Valium Skies». Pero el único tema que realmente vale la pena es «Rather Be», una balada que nos retrotrae a la mejor versión de The Verve, la que esperamos volver a escuchar pronto.

    Persy

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    Sos un 10 y La Linea del Tiempo Actualizadas

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    Las secciones Sos Un 10 y La Linea del Tiempo ya fueron actualizadas con los últimos discos posteados durante el mes de enero.

    Además, proximamente podrán disfrutar en el Persi Music del Festival de los Mejores Discos en Vivo del Rock

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    The Strokes – Room On Fire (2003)

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    Puntaje del Disco: 9

    1. What Ever Happened?: 8
    2. Reptilia: 9
    3. Automatic Stop: 7
    4. 12:51: 8,5
    5. You Talk Way Too Much: 9
    6. Between Love & Hate: 8
    7. Meet Me In The Bathroom: 8
    8. Under Control: 9,5
    9. The Way It Is: 7,5
    10. The End Has No End: 9
    11. I Can’t Win: 9

    Cuando un álbum debut alcanza un éxito inusitado como Is This It de The Strokes, su siguiente trabajo es esperado y analizado por parte de la prensa y los fans para ver si el grupo logra mantener el nivel comparándolo con el primero o si logra sorprender con algo nuevo.

    Room On Fire se publicó en Octubre del 2003, para encarar su segundo disco la banda contrato a el afamado productor ganador del Grammy, Nigel Godrich (Radiohead, Beck), pero con el correr de las grabaciones The Strokes sintieron que él hizo sus canciones «carentes de alma», así que volvieron con su productor de Is This It, Gordon Raphael.

    En el caso particular de Room on Fire mas haya que sus críticas al principio no fueron tan favorables como su antecesor considero que logro consolidarse como un muy buen segundo disco, no tan bueno como su álbum debut pero que auguraría que The Strokes no era un grupo pasajero y que se instalarían en el mundo de la música por mucho tiempo.

    El disco cuenta con Under Control tal vez uno de sus mejores temas hasta hoy y muy buenas canciones como “The End Has No End”, “Reptilia”, “You Talk Way Too Much”, “I Can’t Win” todas manteniendo el «estilo Stroke» con Julian Casablanca como compositor absoluto salvo en Automatic Stop donde también participo Albert Hammon Jr.

    F.V.

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    Wilco – Being There (1996)

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    Puntaje del Disco: 9

    Disco uno:

    1. Misunderstood: 9,5
    2. Far, Far Away: 8,5
    3. Monday: 8,5
    4. Outtasite (Outta Mind): 9
    5. Forget The Flowers: 8,5
    6. Red-eyed and Blue: 9
    7. I Got You (At The End Of The Century): 9
    8. What’s The World Got In Store: 9
    9. Hotel Arizona: 9
    10. Say You Miss Me: 9

    Disco dos:

    1. Sunken Treasure: 8
    2. Someday Soon: 7,5
    3. Outta Mind (Outta Sight): 8,5
    4. Someone Else’s Song: 8
    5. Kingpin: 8
    6. (Was I) In Your Dreams: 7,5
    7. Why Would You Wanna Live: 7,5
    8. The Lonely 1: 8
    9. Dreamer In My Dreams: 8,5

    Muchos grupos de Indie nacieron en los últimos años, Wilco, encabezada por se principal compositor y cantante Jeff Tweedy, sería uno de las más importantes surgidas en EEUU. Su nombre proviene de la abreviación de la frase militar «We´ll accomplished», la cual se asocia al cumplimiento del deber.

    Wilco lanzaría al mercado su segundo trabajo Being There en 1996, un excelente álbum doble en el cual desentrañan su clásico pop y folk experimental.

    Being There es un disco doble remarcable principalmente por su asombrosa consistencia. Es difícil mantener el nivel durante 19 cortes, sin embargo Wilco logró que ningún tema tenga desperdicio.

    La segunda cualidad atractiva de Being There es que puede ser tomado como un tributo a bandas e ídolos de los 60 y 70 que influyeron en Wilco (o en Tweedy). Sus canciones son ejemplos de este hecho. “Monday” rockea con un sonido muy Stone, a lo “Brown Sugar”. “Outta Mind” son dos versiones de un mismo tema, como el famoso “Hey, Hey, My, My” de Neil Young. La primera más roquera que la otra. La segunda es más armoniosa, con coritos y pianos de fondo, anclando su referencia en bandas como The Beach Boys. Además está la acústica “Someone Else’s Song”, que suena a una mezcla de Dylan con el superclásico Beatle “Norwegian Wood”. Finalmente, “Dreamer In My Dreams” es un cierre vibrante que retoma a los Rollings Stones nuevamente.

    Más haya de sus influencias, Being There también se caracteriza en que su primer disco es más explosivo que el segundo. En la segunda parte se destacan números folkys y acústicos que no desentonan. Sin embargo a la hora de analizar los temas, me resulta más atractivo el primer CD destacandose números como la experimental apertura “Misunderstood” con su melodía lenta al principio hasta su excitante final. También me gusta “Red-eyed and Blue”, una balada con una melodía que suena a clásico instantáneo. Las canciones que la suceden también son excelentes, como “I Got You” y “Hotel Arizona”, números pops bastante dinámicos y atractivos para cualquiera que las escuche.

    Sobran argumentos para decir por qué Being There fue bien recibido por la crítica y es considerado como el mejor trabajo de Wilco.

    Persy

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    Beck – Odelay (1996)

    Odelay

    Puntaje del Disco: 9,5

    1. Devils Haircut: 9
    2. Hotwax: 9,5
    3. Lord Only Knows: 9,5
    4. The New Pollution: 8,5
    5. Derelict: 8
    6. Novacane: 9
    7. Jack-Ass: 8,5
    8. Where It’s At: 10
    9. Minus: 8,5
    10. Sissyneck: 9
    11. Readymade: 7,5
    12. High 5 (Rock the Catskills): 9,5
    13. Ramshackle: 8
    14. Diskobox: 9,5
    15. Clock: 7,5

    Beck Hansen es uno de los artistas más originales e interesantes que han surgido en las últimas décadas. Es capaz de hacer un disco totalmente de un estilo y cambiar a otro tiene una particular facilidad para cambiar de estilos y sorprender de un disco a otro. Esto demuestra que se trata de un tipo que sabe lo que hace y que tiene un cierto nivel cultural que se lo permite.

    Nació el 8 de julio de 1970 en Los Angeles, California (Estados Unidos). En 1993 grabo el tema “Loser” que lo llevaría a la fama sonando en las radios de todo el mundo y recibiendo también alabanzas por numerosos figuras del mundo musical. En 1994 edita su primer disco Mellow Gold donde incluiría “Loser”.

    Pero el verdadero reconocimiento llegaría en la primavera de 1996 con el aclamado Odelay disco que se convertiría en un gran éxito, contó con la producción de los Dust Brothers y exploraría una gran diversidad de estilos, desde indie rock hasta funk, blues o country, hip hop y electrónica.

    Los singles “Where it´s At” y “Devil´s Haircut” llevaron a Beck al superestrellato definitivo aunque también temas como “Hotwax”, “Lord Only Knows”, “Novacane”, “Sissyneck” y “High 5” valen la pena y demuestran la diversidad de estilos que Beck podía abarcar con facilidad y lo bien que lo hacía. Los dos últimos temas “Diskobox” y “Clock” fueron incluidos como bonus track en algunas publicaciones fuera de Estados Unidos.

    Odelay demuestra que Beck no se conformaría con lo fácil y lanzar los típicos hits radiales como “Loser”, lo suyo sería dar cátedras de experimentación y creatividad y lo sigue haciendo a lo largo de su carrera convirtiéndose en uno de los artistas más importantes de los noventa y de la actualidad.

    F.V.

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    The Kinks – Face To Face (1966)

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    Puntaje del Disco: 8,5

    1. Party Line: 8
    2. Rosie Won’t You Please Come Home: 9
    3. Dandy: 8
    4. Too Much On My Mind: 8,5
    5. Session Man: 7,5
    6. Rainy Day In June: 9
    7. A House In The Country: 7
    8. Holiday In Waikiki: 6,5
    9. Most Exclusive Residence For Sale: 7
    10. Fancy: 8
    11. Little Miss Queen Of Darkness: 7
    12. You’re Lookin’ Fine: 6
    13. Sunny Afternoon: 10
    14. I’ll Remember: 7,5

    En los inicios de su carrera Los Kinks editaron discos que incluían pocos temas buenos. Sin embargo, a pesar de no abundar, muchos de estos eran fantásticos clásicos como «You Really Got Me» o «Tired Of Waiting You». Lamentablemente, el resto del material en los LPs no acompañaba.

    Años más tarde darían a luz a Face To Face, que viene a ser el primer gran álbum de Los Kinks. El mismo se caracteriza por retratar en sus canciones la vida cotidiana inglesa.

    Sin embargo, para ser honesto, el problema antes descripto todavía se denota en Face to Face pero en menor medida. Salvo por el inicio del álbum que es lo mejor (destacando «Rosie Won’t You Please Come Home» como un mini clásico), después de «Rainy Day In June» el disco parece decaer en una línea de temas no del todo buenos, más bien irrelevantes. Más allá de esto, cerca del final de este disco también está su mejor canción, superando ampliamente a todas: «Sunny Afternoon». Este es un verdadero himno de los Kinks. Tiene un ritmo y una interpretación que transmiten la atmosfera de una pereza lujuriosa única, fabulosa y muy distinta al resto. «Sunny Afternoon» es el principal exponente, junto a un puñado de temas de Face To Face, que representan el avance de la banda respecto a sus discos anteriores, marcando un rumbo más claro al cual se orientarían los Kinks en el futuro.

    Por otro lado, este álbum fue también editado incluyendo seis bonus tracks, dentro de los cuales hay excelentes números como «Death End Street», los cuales hubieran ayudado a levantar el nivel de la versión original de Face To Face.

    Persy

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    "Tu dosis diaria de discos, películas, series y más"

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