Stevie Ray Vaughan – Texas Flood (1983)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Love Struck Baby: 8,5
  2. Pride and Joy: 9,5
  3. Texas Flood: 9,5
  4. Tell Me: 9
  5. Testify: 9,5
  6. Rude Mood: 8,5
  7. Mary Had a Little Lamb: 9
  8. Dirty Pool: 9
  9. I’m Cryin’: 9
  10. Lenny: 9

Su asombroso estilo para tocar la guitarra llevo a Stevie Ray Vaughan a comandar un revival del blues que estaba lejos de ser popular en los 80’. Influenciado de manera notoria por genios de la guitarra como Jimi Hendrix, BB. King, entre otros, desarrollo un estilo furioso, crudo y explosivo; que más adelante, fue imitado por innumerables guitarristas quienes lo citan como principal influencia.

Nacido en Texas, Estados Unidos el 3 de Octubre de 1954, a los 7 años tuvo su primera experiencia con una guitarra. En el verano de 1970 forma su primera banda y en los siguientes años participo en distintos grupos sin tanto éxito. Hasta que en 1977 formaría su banda definitiva Double Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble) junto a Tommy Shannon (bajo) y Chris Layton (batería).

La fama no le llego de golpe a Stevie en 1982 contribuyo en en disco Let’s Dance de David Bowie y en 1983 es descubierto por John Hammond quien le ofreció un contrato para el sello Epic Records donde grabarían ese mismo año su primer trabajo Texas Flood con el que sería elegido por la revista Guitar Player «Mejor Nuevo Talento», «Mejor Álbum de Guitarra» y «Mejor Guitarrista de Electric Blues».

Texas Flood fue el álbum de blues más popular en mucho tiempo con temas fundamentales como el hit “Pride and Joy”, blues clásicos como “Dirty Pool” y “Lenny” y otros temas donde se destaca la calidad de Vaughan con la guitarra “Mary Had a Little Lamb”, “Tell Me”, “Testify” y el tema que le da el nombre al disco “Texas Flood”.

A partir de su trabajo inicial la carrera de este gran guitarrista seguiría en ascenso en los años 80 hasta que llegaría a su fin con un trágico accidente el 27 de Agosto de 1990 cuando un helicóptero que llevaba a Stevie a Chicago después de una presentación se estrellaba después de su despegue.

F.V.

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Postales Dramáticas: Radiohead en Argentina – Club Ciudad de Bs As 24/03/2009

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Y un día Radiohead llegó finalmente a la Argentina. Después de años de espera, más de 35 mil fanáticos pudimos disfrutar en el Club Ciudad de Buenos Aires al quinteto de Oxford en su gira para promocionar su último trabajo In Rainbows, en el que por el momento es el único Show que brindaron en el país.

En el concierto se presentó un Set List que varió respecto a los otros shows que ya habían dado en México y Brasil, en el que se incluyo casi por completo todas las canciones de In Rainbows (salvo “Faust Arp”) combinándolo con grandes clásicos de la banda de diferentes períodos.

Radiohead salió al escenario cerca de las 21:30 y el recital comenzó con todo con “15 Step”, el primer corte de su último disco. Ya desde este primer tema Thom Yorke demostró la asombrosa calidad que tiene a la hora de cantar. Su voz en vivo suena de la misma manera que en estudio, cualidad que se hizo notar en temas lentos como “Nude y “All I Need”. Luego vinieron los primeros clásicos de discos anteriores “Airbag” y “There There”, que generando los primeros revuelos en el público. Sin embargo, el primer gran momento de la noche fue “Karma Police”, una de las baladas más celebradas y cantadas por la gente, junto a la “multidimensional” y explosiva “Paronoid Android” (cerca del final del recital).

Además de interpretar canciones de In Rainbows como “Weird Fishes/Arpeggi” y “Jigsaw Falling into Place” (unas de las mejores del álbum) junto otros hits de Ok Computer como No Surprises, en el medio del show se sucedieron temas del experimental Kid A como “National Anthem”, “Idiotique” y la siempre bizarra “Everything In Its Right Place”, junto a otros clásicos de Hail To The Thief y Amnesiac como “2+2=5” y “Pyramid Song” respectivamente. De The Bends hubo poco, como si fuera una época a olvidar. Solo “Street Spirit” y “Planet Telex”, esta última fue una grata sorpresa. Pero si de sorpresas hablamos, Radiohead también se dio el gusto de tocar un lado B de In Rainbows, “Go Slowly”, y para conmemorar la trágica época de los desaparecidos (con discursito de Ed O’ Brien incluido) interpretaron “How To Disappear Completely”.

Para cerrar el evento, después de 2 horas de espectáculo, llegó la mediática “Creep”. Le guste al fanático o no, demostró ser un tema inmortal, uno de los más recibidos y coreados por el público.

De esta manera, Radiohead dio un excelente espectáculo. Un recital sofisticado, “flashero” (con tubos de luces que colgaban en el escenario que por momentos parecían que te sumergían en la Matrix), experimental, único, para moverte siguiendo el ritmo “freak” de Yorke, en otras palabras, como solo Radiohead podía hacerlo. Demostrando así que a pesar de no ser tan populares como otros grupos (léase U2 y Coldplay), son la mejor banda de la actualidad.

Persy

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The Yardbirds – Having a Rave Up (1965)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Mr. You’re A Better Man Than I: 9
  2. Evil Hearted You: 8,5
  3. I’m A Man: 8
  4. Still I’m Sad: 8,5
  5. Heart Full Of Soul: 8
  6. Train Kept A Rollin’: 8,5
  7. Smokestack Lightning: 7
  8. Respectable: 7
  9. I’m A Man: 7
  10. Here ‘Tis: 6,5

Los Yardbirds (no confundirse con los Byrds) formaron parte de la famosa Invasión Británica de mediados de los 60. Algunos pueden tomarlo como un grupo de segunda línea si tenemos en cuenta la importancia de las otras bandas (The Beatles, The Rolling Stones, The Who, The Kinks) y sobretodo porque pocos conocen a los Yardbirds en este país. Pero hay un hecho que destacó históricamente a esta banda inglesa por sobre el resto. Parece una leyenda, una fantasía de Disney, que Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page hayan estado en la misma banda. Creanlo o no los Yardbirds pudieron disfrutar de estos 3 legendarios guitarristas, no al mismo tiempo (no es muy común que haya 3 guitarras en la misma banda), pero los tres se iniciaron en este grupejo.

Dentro de la discografía de los Yardbirds, Having A Rave Up fue tomado por muchos críticos como parte del mejor material que se dio a conocer en los sesenta. Este disco improvisado se divide en 2 lados: el lado A está compuesto por 6 canciones de estudio, que contaba con Jeff Beck como guitarrista; y el lado B, formado por 4 canciones en vivo que sobraron del álbum en vivo Five Live Yardbirds y que tenían a Clapton como guitarrista.

Having A Rave Up carece de grandes temas, de hecho este es un defecto que caracterizó a la banda históricamente a la hora de despegar. Por otro lado, lo mejor en este disco a mi juicio se encuentra en las canciones de estudio, siendo Mr. You’re A Better Man Than I, Evil Hearted You, Still I’m Sad y Train Kept A Rollin’ algunas de las más destacadas. Suenen bien pero no son realmente memorables. El segundo lado de Having A Rave Up es intrascendente y podría catalogarse solo como material histórico de la banda, que por aquel entonces tenían hambre de gloria, estando Clapton en sus filas, quien luego se alejaría del grupo para adentrarse en su “Blues” y no para orientarse al camino “Pop” que buscaba la banda.

Persy

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Green Day – Dookie (1994)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Burnout: 8
  2. Having A Blast: 7
  3. Chump: 7
  4. Longview: 8
  5. Welcome To Paradise: 9
  6. Pulling Teeth: 8
  7. Basket Case: 10
  8. She: 8
  9. Sassafras Roots: 7
  10. When I Come Around: 9
  11. Coming Clean: 8
  12. Emenius Sleepus: 7
  13. In The End: 7
  14. F.O.D.: 8
  15. All By Myself: 7

Formada a fines de los años ochenta en Berkeley, California, Billy Joe Armstrong y Mike Dirnt formaron su primera banda Sweet Children. Luego se les uniría Al Sobrante en la batería y el conjunto pasaría a tomar el nombre actual.

Influenciado principalmente por los Sex Pistols y The Ramones, Green Day reflotaría la música punk rock que había perdido terreno con el surgimiento en la década de los 90 del grunge.

Tras dos discos de estudios respetables, en 1994 salió al mercado Dookie. Aclamado por la crítica y reconocido con diversas distinciones, este álbum es considerado el mejor del grupo y uno de los más característicos de los últimos años del siglo XX.

El arte de tapa del disco muestra un mundo gobernado por seres caninos y personajes y escenas tan desopilantes y sin sentido, como las figuras de la Mona Lisa, Elvis Presley y una foto de Angus Young.

Basket Case es uno de los sencillos que más difusión tuvo (sobre todo en MTV) y sirvió de impulso comercial para que los acordes del punk rock llegaran a miles de jóvenes post generación X.

Otros sencillos destacables son When I Come Around, She y Welcome To Paradise.

Dookie es un disco esencial para embarcarse en la exitosa carrera de Green Day.

Piro

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The Beatles – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band: 9
  2. With a Little Help from My Friends: 9,5
  3. Lucy in the Sky with Diamonds: 9,5
  4. Getting Better: 9
  5. Fixing a Hole: 8,5
  6. She’s Leaving Home: 7
  7. Being for the Benefit of Mr. Kite!: 8
  8. Within You Without You: 9,5
  9. When I’m Sixty-Four: 8,5
  10. Lovely Rita: 8,5
  11. Good Morning Good Morning: 8
  12. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise): 7,5
  13. A Day in the Life: 10

Luego del quiebre tanto de calidad como en importancia que significo Revolver en 1966, los Beatles estaban preparados para dar el siguiente paso y en junio del siguiente año editarían el histórico Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band disco que conceptualmente cambiaría la historia de la música en ese momento, si bien tienen mejores discos este sería distinto en muchos aspectos innovador en el sentido artístico y técnico.

La idea central del álbum consistió en que los Beatles tomasen el papel de La banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta, dejando atrás limitaciones y transformando al rock en objeto de culto. En 13 canciones llevan al límite el concepto del rock, agregando orquestaciones, instrumentos hindúes, grabaciones tocadas al revés y sonidos de animales. Rock psicodélico, baladas, jazz y hasta música oriental se mezclan en Sgt. Pepper.

El disco se destaca por una gran cantidad de muy buenas composiciones de Paul como el tema que da nombre al trabajo “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club”, “Getting Better”, “Fixing a Hole”, Lovely Rita”, una muy buena canción de Harrison como “Within You Without You”. Pero dos temas donde Lennon aporto considerablemente como “Lucy in the Sky with Diamonds” que fue compuesta mayoritariamente por John y principalmente “A Day in the Life” a mi entender son los puntos más altos e importantes del disco.

Sgt. Pepper no solo se destacó por su música, sino por el concepto y la portada diseñada por el artista pop Peter Blake: una fotografía de los cuatro Beatles vestidos como sargentos delante de un collage de rostros célebres, entre los que se cuentan Marilyn Monroe, Marlon Brando, Bob Dylan, Karl Marx entre otros.

F.V.

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Pink Floyd – Atom Heart Mother (1970)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Atom Heart Mother: 8
  2. If: 7
  3. Summer ’68: 8
  4. Fat Old Sun: 8
  5. Alan’s Psychedelic Breakfast: 6

Luego de trabajar como banda sonora para la película More, en 1970 llegaría Atom Heart Mother, un disco que representa un nuevo paso de Pink Floyd hacia el rock progresivo que los hizo grandes.

Atom Heart Mother es un disco más sinfónico que los anteriores. Esta dividido en dos lados. En primer lugar se encuentra la eterna suite instrumental con coros de fondo que lleva el nombre del disco. Atom Heart Mother es realmente una pieza interminable, dura más de 23 minutos (ocupa la mitad del LP) y esta dividida en 6 secciones: “Father’s Shout”, “Breast Milky”, “Mother Fore”, “Funky Dung”, “Mind Your Throats” Please”, and “Remergence”. Teniendo en cuenta su longitud Atom Heart Mother por momentos es tan llevadera (como en “Father’s Shout”) como densa. Esto la hace interesante pero inferior a otras de su misma calaña como Echoes.

En el segundo lado del disco se encuentran en primer lugar 3 canciones que cumplen una decente función de “acompañamiento” (acompañan, pero no sorprenden). Primero está el aporte de Waters If, la cual puede resultar tan lenta que tiende a dormirte. Luego figura Summer ’68 de Wright, el tema más pop del álbum por su melodía. Finalmente, aparece la agradable y delicada balada Fat Old Sun aportada e interpretada por Gilmour.

Para concluir con el álbum y esta segunda parte, está la otra extensa y singular suite, Alan’s Psychedelic Breakfast. En ella vas a escuchar el “arte” de cómo una persona prepara y consume su desayuno con un asombroso nivel de detalle en sus sonidos.

A pesar de no impresionar, ni alcanzar el rotulo de clásico, la influencia de Atom sería esencial para los exitosos trabajos de Pink Floyd que lo sucedieron.

Persy

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Lou Reed – Berlin (1973)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Berlin: 7
  2. Lady Day: 8,5
  3. The Man Of Good Fortune: 8
  4. Caroline Says I: 8,5
  5. How Do You think It Feels: 8
  6. Oh Jim: 7
  7. Caroline Says II: 7
  8. The Kids: 8
  9. The Bed: 7
  10. Sad Song: 8

Luego realizar Transformer con la ayuda de Bowie, Lou Reed se adentraría en su proyecto para producir el que para muchos críticos fue el disco más ambicioso de su carrera y el más depresivo de la historia: Berlin.

Berlin es un album conceptual que cuenta la trágica historia de amor entre un traficante de drogas americano de nombre Jim y una prostituta drogadicta alemana llamada Caroline, trancurriendo todo en la capital de Alemania.

Respecto a su música, se puede decir que es un disco en el que por momentos predomina el piano imprimiendo un sonido cabaretesco, como el reconocido Hunky Dory de David Bowie, sumandosele además guitarras, organos y diversos instrumentos que dejan una espeluznante atmósfera depresiva. Por otro lado, se nota la ausencia de gancho comercial. Desde ese ángulo se puede hallar la falla del disco. Es un álbum bastante lento, oscuro y macabro. Sus letras son incluso más crudas que las de Transformer, como sucede en The Kids, donde se narra la separación de la madre de sus hijos por sus problemas. Un tema triste con los chicos gritando por su madre de fondo, tan depresivo como The Bed, la cual implica el suicidio. Dentro de este conjunto de canciones las que más sobresalen son Lady Day y Caroline Says I, pero no se acercan a los mejores temas que Lou Reed dió a lo largo de su carrera. Hay muy buenos temas pero ninguno llega a alcanzar el nivel de hits como Perfect Day o Satellite Of Love.

Por estos motivos Berlin no fue del todo exitoso comercialmente. Además, durante 33 años Reed no interpretó este album en vivo. Sin embargo, en el 2006 se dió el gusto y luego se hizo una pelicula basandose en los shows que brindó en St. Ann’s Warehouse Brooklyn.

Persy

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Metallica – Kill ‘Em All (1983)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Hit the Lights: 9
  2. The Four Horsemen: 7,5
  3. Motorbreath: 7,5
  4. Jumping in the fire: 8,5
  5. (Anesthesia) Pulling Teeth: 9
  6. Wishplash: 8
  7. Phantom Lord: 9
  8. No Remorse: 8,5
  9. Seek & Destroy: 9,5
  10. Metal Militia: 9

Metallica es una de la banda de heavy Metal más importante y con más éxito de la historia. Para 1981 el grupo estaba constituido por el vocalista y guitarrista James Hetfield y el baterista Lars Ulrich (que se mantienen hasta hoy como miembros del grupo) junto a la primera guitarra y en ese entonces vocalista principal Dave Mustaine y el bajista Cliff Burton. Mustaine fue despedido un año después de ingresar en la banda debido a su excesiva adicción a las drogas y al alcohol, y fundó la también exitosa banda Megadeth, siendo sustituido por Kirk Hammett, y pasando Hetfield a ser el cantante manteniendo esta formación hasta 1986 cuando trágicamente moriría Burton y sería reemplazado por Jason Newsted.

Su debut discográfico fue Kill ‘Em All lanzado al mercado en el verano de 1983, con el correr de los años sería considerado un disco clásico del metal. Las letras de Kill ‘Em All hacen alusión a temas sórdidos y duros como la guerra, la muerta, historias oscuras desde comienzo el disco muestra la energía única con la que Metallica cuenta, no dejándola de lugar en ninguno de los 10 temas.

Las guitarras presentan unos riff con un sonido fuerte y energético y unos solos muy rápidos y originales, solos que creo Mustaine y resentido por haber sido despedido del grupo acusa a Hammett de haberse hecho famoso gracias a él. Aparte de la guitarra de Hammet se destaca el bajo de Burton uno de los mejores bajistas del heavy metal con gran creatividad y técnica.

Aparte del clásico “Seek and Destroy” otros temas importantes son “Hit the Lights”, “Phantom Lord”, “Metal Militia” y el tema instrumental con un gran solo de bajo “(Anesthesia) Pulling Teeth”. Con este trabajo Metallica incursionaría en la gran escena musical y Marcaria el rumbo de sus futuros trabajos manteniendo como característica principal esa energía y entusiasmo en sus trabajos posteriores.

F.V.

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Final del Persi Woman Festival

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Con Patti Smith, Janis Joplin y Madonna damos por finalizado el Festival de Mujeres solistas en el Persi Music.

No te pierdas el Festival de Indie Rock durante el mes de abril, ni te pierdas las crónicas de los recitales de grupos que están visitando el país, ni tampoco los próximos discos y bandas que estarán apareciendo en el sitio.

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Madonna – Like A Virgin (1984)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Material Girl: 10
  2. Angel: 9
  3. Like A Virgin: 10
  4. Over And Over: 9
  5. Love Don’t Live Here Aymore: 8
  6. Into The Groove: 7
  7. Dress You Up: 8
  8. Shoo-Bee-Doo: 8
  9. Pretender: 8
  10. Stay: 9

Madonna no sólo es una de las cantantes más emblemáticas de la historia de la música moderna sino que también es bailarina, actriz, diseñadora de moda y en este último tiempo, directora de cine. Icono de los años ochenta, la reina del Pop, personifica el típico sueño americano. Ha experimentado éxitos y fracasos, pero siempre ha sabido salir adelante y reinventarse a sí misma para mantenerse más vigente que nunca.

Con su segundo disco de estudio, Like A Virgin, Madonna logró lo que no había conseguido con su primer trabajo, convertirse en una mega estrella. Desde la portada, luciendo un traje de novia con la inscripción en el cinturón Boy Toy, se advertía la impronta audaz, desafiante y sexy que tendría este material. Las canciones describen diferentes facetas y temáticas: el flechazo inicial de Angel, las heridas de una relación fallida en Love Don’t Live Here Aymore, el desengaño en Pretender, el deseo de reconciliación en Stay y la vuelta a las relaciones amorosas en Like A Virgin. En cambio Material Girl y Dress You Up reflejan un aspecto más sarcástico que podrían asemejarse al carácter de la diva.

A poco de celebrarse 25 años de Like A Virgin y con 50 muy bien llevados en su haber, Madonna sigue siendo la única Reina del Pop y parece no tener intenciones de ceder el trono.

Piro

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Janis Joplin – Pearl (1971)

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Puntaje del Disco: 10

  1. Move Over: 9
  2. Cry Baby: 10
  3. A Woman Left Lonely: 8,5
  4. Half Moon: 8,5
  5. Buried Alive in the Blues: 8
  6. My Baby: 8
  7. Me And Bobby McGee: 10
  8. Mercedes Benz: 9
  9. Trust Me: 8,5
  10. Get It While You Can: 8,5

Considerada por muchos como la mejor cantante de blues de la historia, con incluso la revista Rolling Stone ubicándola en el puesto numero 28 junto a los más destacados cantantes que existieron, Janis Joplin se trasladaría a Los Ángeles en 1970 para grabar Pearl con su banda Full Tilt Boogie.

Pearl sería el trabajo póstumo de Joplin, ya que sería encontrada sin vida durante las grabaciones del mismo. De hecho Buried Alive in the Blues es un tema instrumental porque Janis no llegó a trabajar e incorporar su voz en este.

A pesar de su muerte, Pearl es el mejor disco de Janis Joplin, quien imprime su resonante voz y pasión en todos los cortes, salvo en el ya descripto Buried Alive. Es un álbum de rock y blues muy sólido por el nivel alcanzado en cada corte, destacándose la versión del tema de Kristofferson Me And Bobby McGee, la enérgica y reconocida Cry Baby, el fabuloso rocker Move Over y la humorística Mercedes Benz (la antitesis de Buried Alive, ya que no se escucha instrumentación alguna de fondo, solo está presente la voz de Joplin).

El álbum fue finalmente lanzado en 1971, pero Janis Joplin murió a causa de una aparente sobredosis de heroína el 4 de octubre de 1970. Su imagen quedaría inmortalizada junto a la de otros legendarios personajes como Jimi Hendrix y Jim Morrison.

Persy

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Patti Smith – Horses (1975)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Gloria: 10
  2. Redondo Beach: 9,5
  3. Birdland: 9,5
  4. Free Money: 9
  5. Kimberley: 8,5
  6. Break It Up: 8
  7. Land: Horses/Land of a Thousand Dances/La Mer (De): 9
  8. Elegie: 8
  9. My Generation (Live): 8

Patti Smith es reconocida por ser cantante, compositora, poeta y artista, se destaco por ser un icono punk y fue de gran influencia para el estallido del punk rock con su disco debut Horses en 1975 aunque no solamente fue pionera en este sentido sino que también es considerada como una de las mujeres que mas influyo en el rock and roll en general. Fue destacada como la más excitante fusión de rock y poesía desde Bob Dylan.

Nació el 30 de Diciembre de 1946 en Chicago, aunque creció en Nueva Jersey, en sus comienzos no le fue fácil ingresar en el mundo de la música. Sus padres no tenían dinero para pagar sus ambiciones artísticas lo que la llevo a entrar a trabajar en una fábrica de colchones.

Patti grabó su primer álbum, Horses, en 1975, con la producción del ex Velvet Underground, John Cale. La tapa del disco es una foto mítica donde Smith no es hombre ni mujer. El disco se convertiría en un clásico y seria incluido por la revista Rolling Stone en el puesto 44 de los mejores 500 discos de la historia.

El álbum comienza con un tema donde Smith delira e improvisa de manera brillante como “Gloria” lo que Marcaria la tónica del disco que también se puede apreciar en «Birdland» y «Land: Horses / Land of a Thousand Dances / La Mer (De)»

Otros temas importantes son el clasico «Redondo Beach», “Free Money” y “Kimberly” que estaban inspirados en momentos familiares de Patti, mientras que «Break It Up» y «Elegie» fueron escritos para sus ídolos. El disco concluye con una alocada pero no tan lograda versión en vivo de “My Generation” de The Who.

F.V.

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