La generación del fracaso

Pertenezco a una generación volcada en la desilusión, nacida en la comodidad (sí) pero heredera del desencanto. El grupo de estadísticas al que pertenezco es de ociosos inconformes pero, al mismo tiempo, de activistas conformistas. Somos los vegetarianos, veganos, naturistas, ecologistas, ateos, agnósticos, cientólogos, conspiranoicos, facebookeros, twitteros, yutubers, instagramantes, lesbianas, gays, bisexuales, trasvestis, transgéneros, transexuales, intersexuales, pansexuales, asexuales, demisexuales, queers, zoosexuales, feministas, feminazis, emos, hipsters, morenórdicos, vikingóticos, emprendedores, universitarios, sabionditos, que saben mucho pero no saben qué hacer con lo que saben. Somos una población que tiene toda (¡TODA!) la información a la mano (literal “a la mano”) en un teléfono móvil con veinte pesos de saldo para internet pero que, aún, nos la pasamos viendo videos insulsos y compartiendo memes bobos, entretenimiento ambos para pasmarotes y patosos. En fin, pertenezco a una generación que fracasó. Y ya. Fracasamos y punto.

Las historias de mi antepasado más antiguo que se contaban (las de mi tatarabuelo) eran sobre un hombre paupérrimo entregado al trabajo duro, de campo, de sol a sol, sin descanso más que el lecho amoroso de su esposa y las risas joviales de sus hijos. Él era un hombre que enseñó a mi bisabuelo el valor del trabajo y la familia, hombre de fe que inculcó la devoción y la virtud en toda su decendencia, practicante de buenos hábitos, cariñosos, trabajador (eso ya lo dije pero era tan trabajador que quizá debiera repetirlo tres veces) y, por sobre todas las cosas, trabajador.

Mi bisabuelo fue un revolucionario que peleó por defender a su nación. Era un hombre de principios, de valores, lleno de orgullo y patriotismo. No se amedrentaba ante hombre alguno y era capaz de acomodar una bala en cualquier sien con tal de asegurar el bienestar de su familia, su pueblo y su dios. Él era un hombre valiente, valeroso y honorable.

Mi abuelo, hijo de la revolución, aprendió de su padre sobre honor, fidelidad y patriotismo, y de su abuelo aprendió sobre trabajo, ahorro y sensibilidad. Él aprendió a leer y escribir gracias a que curso tres años de primaria. Heredó de su padre un gran terreno de milpas y ganado, además de la casa y todas sus pertenencias. Aprendió a disparar su arma pero nunca la usó porque nunca fue necesario, ya que todos en el pueblo lo respetaban. Se casó a los quince años y murió sonriente junto a su esposa. Trabajó desde los diez años y no se detuvo hasta los setenta; hizo una fortuna con sus manos enlodadas y su frente bajo el sol; a cada uno de sus hijos le dejó terreno, casa y educación escolar. Era amoroso con sus nietos y nos daba mejores consejos y enseñanzas que cualquiera de nuestros padres o maestros.

Mi padre fue uno de esos hippies revoltosos, luego punketos anarquistas y después rockeros rebeldones. Estudió animosamente hasta la preparatoria y, aunque dejó trunca la universidad tras darse cuenta que no pasaría jamás del segundo semestre, participó de todos los movimientos sociales de posguerra que surgieron en su juventud. Se gastó la riqueza de su padre en banalidades para disfrutar la vida al máximo pero, finalmente, se enroló en una empresa donde trabajó diariamente durante más de treinta años hasta su jubilación por seis mil pesos cada quince días de ocho horas más bonos, aguinaldo y prestaciones. Financió toda mi educación escolar hasta el posgrado y murió en la cama donde duerme mi madre. Él solía decirme que yo podía lograr todo lo que yo quisiera hacer y que lo más importante de todo era mi felicidad. También solía decir que él había superado a su padre y que deseaba que, igualmente, yo lo superara a él en todos sentidos.

Recuerdo que en mi infancia y adolescencia escuchaba canciones con alto entusiasmo en el mensaje social que promovían la unión de los pueblos contra la opresión, dispuestos a todo para conseguir una mejoría en nuestro estilo de vida. Desde la ya para ese entonces vieja Abuso De Autoridad de Three Souls In My Mind hasta la novedosa Energía Contra Ley de Sekta Core. Con sólo los títulos de las canciones ya se sentía un impulso por levantar el puño exigiendo justicia: Andamos Armados de Control Machete, La Carencia de Panteón Rococó, El Vals Del Obrero de Ska-P. Cómo olvidar ese grito insistente, orgulloso de estar entre el proletariado, y aquel gran himno de Molotov, Gimme The Power, en contra de los poderosos, los barbajanes y el gobierno.

Tres grandes bandas que promulgaban la consciencia social y la resistencia de clase eran Resorte, A.N.I.M.A.L. y Brujería. La primera canción del primer disco de Resorte, América, era ya una invitación a la congregación de todo Latinoamérica en pro de los derechos humanos (tal como lo hizo nuevamente Molotov en Voto Latino y A.N.I.M.A.L. en Poder Latino) y no sólo era un mensaje de unión sino de pensamiento; así se reflejaba en Think y en Opina O Muere (las cuales son comparables con Habla Y Piensa de Sekta Core), qué maravilla es que alguien te dé a elegir: opinar o morir.

Las dos Revolución, de Brujería y A.N.I.M.A.L. respectivamente, eran un gran grito de fuerza y coraje. En realidad, Brujería se preciaba de valentía casi al grado de guerrilla: División Del Norte y Marcha De Odio son ejemplo de ello. A.N.I.M.A.L., por su parte, tiene un gran historial de memoria, fuerza y unión: Gritemos Para No Olvidar, Usa Toda Tu Fuerza y Fuerza Para Aguantar por mencionar algunas de las mejores.

Creo que se esperaba demasiado de una generación que creció con tan emblemáticos ídolos de fuerza, resistencia, rebeldía y unión; pero no fue así. Seguramente mi tatarabuelo, mi bisabuelo, mi abuelo, mi padre y todas las bandas que escuchaba en mi juventud estarán decepcionados de un tipo macilento con estudios de maestría en una materia que a nadie interesa y que en nada ayuda a este mundo, sin empleo, sin metas a futuro, sin hijos, que se casó y se divorció por razones estúpidas ambas veces, que vive en casa de su madre y nunca va ni a una junta vecinal porque no le importa su pueblo, su nación ni su integridad propia aunque presume de consciente, tolerante, empático e incluyente. Qué otra cosa se podría esperar de un tipo que pertenece a una generación exitosa para fracasar.

Kobda Rocha

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Haikyū!!

Puntaje de la Temporada:

  • Año: 2014
  • Género: Anime, Drama, Comedia, Deporte
  • Director de Serie: Susumu Mitsunaka
  • IMDb Rating: 8.7/10 (Votes: 5,889)

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Nickelback – Dark Horse (2008)

Puntaje del Disco: 5

  1. Something in Your Mouth: 5
  2. Burn It to the Ground: 6
  3. Gotta Be Somebody: 2
  4. I’d Come for You: 3
  5. Next Go Round: 7
  6. Just to Get High: 6,5
  7. Never Gonna Be Alone: 5
  8. Shakin’ Hands: 7,5
  9. S.E.X.: 4
  10. If Today Was Your Last Day: 5
  11. This Afternoon: 5

Nickelback siempre fue conocida por hacer música horrible, en particular por su sobre producido y exasperante soft rock, y en su sexto trabajo de estudio Dark Horse (2008) continuarían reafirmando esa fama, aun cuando se pensaba que podrían mejorar un poco luego del aceptable All the Right Reasons (2005).

A pesar de todo Dark Horse fue exitazo. Vendió 326.000 copias en su primera semana y debutó en el número 2 en los conteos de Estados Unidos, manteniéndose en ellos por varios meses y hasta se hizo acreedor de numerosos premios y nominaciones. Conclusión: es definitivamente se trata ante el peor disco exitoso que alguna vez haya escuchado.

El disco encuentra a Chad Kroeger en un punto bajo creativo. Sólo en contados pasajes como en “Next Go Round”, “Just to Get High” o “Shakin’ Hands” despliega su fuerza previa para componer temas post grunge. El resto se reduce a pésimas baladas mainstream genéricas como “I’d Come for You”, “Never Gonna Be Alone” y “If Today Was Your Last Day” o letras ofensivas y de mal gusto, tal es el caso de “Something in Your Mouth” o “S.E.X.”.

Lo cierto es que Nickelback continúo creciendo en los siguientes años gracias a sus fieles seguidores y también debido a otra cantidad más o menos igual de gente que los odia y decide mostrarlo de la manera más pública y directa que encontraron: la Internet.

F.V.

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Thom Yorke – Tomorrow’s Modern Boxes (2014)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. A Brain in a Bottle: 7
  2. Guess Again!: 7,5
  3. Interference: 7,5
  4. The Mother Lode: 5
  5. Truth Ray: 6
  6. There Is No Ice (For My Drink): 3
  7. Pink Section:  4
  8. Nose Grows Some: 5,5

Cuando Thom Yorke inició su carrera solista con The Eraser dio señales de que iba a dedicarse a la Electrónica. Y lo confirmó en su segundo disco, Tomorrow’s Modern Boxes.

En esta nueva placa, básicamente la fórmula es Thom Yorke jugando con electrónica para marcar los ritmos del álbum, con una pisca de piano y por su puesto su interpretación vocal. A eso se le suman atmósferas oscuras y misteriosas que buscan sumergir al oyente en otra dimensión. Pero que lo que logran es aburrirte. Honestamente, no hay nada que particularmente entretenga en el álbum. Sino que parece hecho para relajarte, pegarte una alta siesta, ponerla de fondo para no prestarle atención mientras estudias, y algunos dirían para cortarte las venas un domingo.

En ese aspecto Tomorrow’s Modern Boxes es un disco inocuo y críptico. No hay grandes melodías, o mejor dicho las melodías raramente existen. Pero Thom Yorke no parece estar muy preocupado por eso, de hecho, es un patrón que ya venía demostrando hace tiempo (no solo con The Eraser, sino también en Radiohead). Incluso se da el lujo de incluir canciones como “There Is No Ice (For My Drink)” y “Pink Section” que son rellenos monótonos y sin sentido.

Tomorrow’s Modern Boxes son 38 minutos en las que busca madurar artísticamente desde la electrónica, pero que termina haciendo un gran bodrio.

Persy

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Scream Masters

Hoy haré algo diferente con la digresión de esta semana, algo que no había hecho hasta ahora y que probablemente sea un ejercicio recurrente a partir de ahora. El recurso será una lista, una especie de top. Comenzaré esta primera lista con los mejores gritos, los cantantes con las cuerdas vocales más fragorosas. No he querido enumerar la lista porque eso supondría que estoy posicionando a unos sobre otros, de mejores a peores o viceversa, y no es ésa mi intención; por ello, he optado por utilizar incisos para que no refleje soberbia superioridad sino coexistencia y comunión.

Probablemente, debiera comenzar con King Diamond, Rob Halford, Bruce Dickinson o alguno de los afamados y siempre nombrados clásicos padres del género; sin embargo, atenderé más a mis preferencias personales y mencionaré los que yo considero más significativos en mi repertorio auditivo, además así no terminaremos repitiendo lo mismo de siempre…

A) Glen Benton es lo más hosco, corpulento y desgarrador que conozco en cuanto a gritos se refiere. Su tratamiento combinado del grave al agudo es sinigual. La escala de alcance que tiene, cada vez mejorado con el tiempo y la práctica, ha hecho de Benton el amo y señor de la maldad vocal. Una invocación al señor oscuro en boca de Glen Benton es el mayor himno a las tinieblas.

B) Peter Tägtgren es poseedor de una garganta estruendosa. Sus gritos, sobre todo los agudos, son un deleite sonoro. Él ha logrado perfeccionar sus desplantes vocales en exacta comunión con sus composiciones; desde los inclementes remates de Roswell 47 en Hypocrisy hasta el ejemplar intermedio de Just Hate Me en Pain, Tägtgren se ha posicionado como un maestro del grito.

C) Dani Filth es otro de los vocalistas con suma potencia vocal. Sus predominantes agudos son el ingrediente explícito de profundidad y malevolencia que dan a su desempeño vocal su peculiar excelsitud. Dani Filth es una eminencia de profundidad, es una aguja que llega hasta el fondo del abismo, es un glorioso taladro en el oído.

D) Los gritos de Morgan Lander en Spit son poderosísimos. Todo el álbum debut de la banda tiene una intensidad en sus desempeños vocales, los cuales tienen una correlación directa con las letras y temáticas, sin mencionar la fuerza rítmica musical. Kittie, en el año 2000, nos ofreció la novedosa epifanía de un new metal femenino con intención y maestría. Éste es un discazo lleno de emoción, de sinceridad, de revelación.

E) Sakis Tolis es también uno de los maestros del grito. El suyo es un grito un poco más mesurado en cuanto a brío se refiere, mas no por ello menos vigoroso. Es intenso, profundo, emotivo, cargado de intención y sentimiento. Su trabajo en Kata Ton Daimona Eaytoy es prueba de su magnanimidad. A lo largo de la biografía de Rotting Christ, Sakis ha tenido grandes etapas con distinto desempeño de buenos alaridos en cada una, aunque quizá su mejor entrega es Elthe Kyrie donde, a dueto con la fabulosa Danai Katsameni, evoca una sonoridad impresionante… inevitable… imprescindible.

F) In This Moment es quizá mi favorito personal. El desenvolvimiento de Maria Brink como vocalista la ha llevado a niveles supremos de emotividad. La música exacta creada a la medida de su voz, sus letras llenas de furia y su agresividad repentina hacen de Maria Brink una garganta estrepitosa, potente, desgarradora y perfectamente sublime. Es ella la mejor de todos.

Ha llegado el momento de nombrar a aquellos que entran a las filas de esta lista por un solo grito en toda su carrera. Y no es que sean malos (de hecho en general su trabajo vocal es bueno… aunque no suficiente para compararse con los grandes, en cuanto a gritos se refiere) sino que en algún momento lograron superarse a sí mismos y nos ofrecen un deleite peculiar, único, casi eventivo.

G) El primero de esta categoría es J Mann de Mushroom Head en These Filthy Hands. Como dije, todo su desempeño en el álbum debut XX y su secuela XIII es excelente; sin embargo, en esta canción en particular se lució al gritar “I gotta get clean! The rain will cleanse me, and I’ve got to wash these filthy hands…” con un perfecto contrapunto a lado de Jeffrey Hatrix.

H) El segundo de la categoría en mi lista es Tavo Limongi, quien ya se preparaba desde su grito de apertura en América. Al igual que J Mann con Jeffrey, Tavo encontró su contrapunto perfecto con Juan Chávez. El grito máximo se encuentra en Mal Te Equivocas del álbum XL con el tan tremendo y desgarrador “Maaaal…!!!”.

I) El tercero es el gallo Micky Huidobro de Garay en la canción Apocalypshit. De hecho, ya tenía sus antecedentes, por ejemplo, desde ¿Por qué no te haces para allá… al más allá? y Que no te haga bobo Jacobo, pero en esta rola de verdad se le metió el diablo en ese grito final desinteresado siquiera cuando termina la canción, pues el grito no cesa sino hasta que el demontre es exorcizado.

Hasta aquí dejaré esta lista por ahora. No obstante, algo que no se debe olvidar es que los gritos no son aislados, siempre están acompañados de todo a su alrededor, todo influye y participa en la calificación del grito: la letra, el ritmo, el momento, incluso el volumen, la duración, el tono, la posición interna en la estructura, aun la ecualización y el motivo. No es lo mismo gritar de dolor, de sufrimiento, de miedo, de placer, de coraje, de nervios, de odio, en fin, los hay de todos tipos y no puedo enlistarlos todos porque es un trabajo largo y exhaustivo; sólo he puesto algunos de mis predilectos sobre la mesa y que cada quien arme su propia lista atendiendo a su gusto personal.

Kobda Rocha

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Arte Visual Musical: Nueva sección

Hola, gente. Mi nombre es Motorik. Bueno, no. No es mi nombre real, sino mi nombre artístico (ya me gustaría conocer a alguien llamado Motorik. Lo demandaría por apropiación de marca registrada). Visto que, dentro de este grupo, los únicos que tienen permitido lucirse son los que saben escribir, decidí ayudar a crear una sección para los artistas gráficos también. Un lugar para nosotros.

No, miento de nuevo. Yo no soy diseñador y carezco de cualquier capacidad para dibujar. Sin embargo, sí que me las arreglo moderadamente con Photoshop, y pensé en que un lugar en esta gran web para gente que se expresa mediante el diseño visual. Para todos ellos, bienvenidos a “Arte visual musical”, lugar donde podrán presentar sus diseños relacionados con música y bandas. Quién sabe, quizás hasta ampliemos el espectro artístico dentro de un tiempo. Tan solo quizás. Como dirían los Beach Boys, solo Dios sabe.

Motorik

PD: la imagen de The Notorious Kim’s Brothers fue comentada por el mismísimo Roger McGuinn de los Byrds:

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Abdi, una metáfora de la esperanza

Puntaje del Libro:

  • Año: 2004
  • Género: Cuento infantil
  • Texto: Madonna
  • Ilustraciones: Olga Dugina – Andrej Dugin  
  • Editorial: Callaway / Ediciones Destino

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Entrevista a Astrománticos

Con fuertes influencias del Glam Rock de los 70s, el Britpop, Powerpop, entre otros géneros, Astrománticos lanzó recientemente su primer EP llamado “Marionetas Olvidadas”. Y Diego Vieites (Juana la loca, Starpunks, Animo) y Junior Fernandez (Zero, Bandoleros) nos cuentan sobre este proyecto, su historia y demás en esta entrevista.

¿Cuentennos la historia de cómo nació el proyecto?

Nació de la necesidad de generar en estos días atípicos que estamos viviendo, habíamos compartido banda con Diego y Hector, (guitarrista y baterista), a fines de los 90´s, y muchas de esas canciones nos habían quedado pendientes, y fue una excusa para empezar a sumar nuevas y grabar.

¿Qué es lo que distingue a Astrománticos de otras bandas?

Creo que lo que distingue a Astrománticos de otras Bandas es la composición y la manera de Producir las canciones, somos una banda con gustos musicales amplios y eso nos da la posibilidad de movernos creativamente dentro de ellos y no con una sola postura. Si bien, el marco es el rock/pop clasico, en ese contexto, elegir sin limitación.

¿Qué es lo que más destacan de su primer EP “Marionetas olvidadas”?

Definitivamente las canciones. La idea innegociable desde el minuto 0 es que lo único inamovible e intransigente sea priorizar el deseo artístico, la «necesidad» musical de la canción, sin que otros factores altere eso. Es un primer paso, que para este año pensamos en tres etapas, segundo EP y disco.

¿Qué opinan del Rock Argentino de hoy en día? ¿Qué otras bandas y artistas escuchan de la actualidad?

Como siempre, hay una escena con mucha vitalidad y diversidad en cuanto a generos, nombrar solo a algunos, es injusto, pero, Excursionistas, Ovnis, Ludomatic, Lic. Pyterson, Toboganes a Marte, Traje desastre, Juguete ruidoso, Siempre es medianoche, Lucas stay free, Triste Realidad, Brixton, Placer, Valle, Juana, y un montón más, siempre están en nuestros playlists.

¿Cómo están sobrellevando la cuarentena general como grupo? ¿En qué sienten que los afectó más el contexto actual?

Mas allá de la cuestión obvia de la socialización y de lo laboral, el hecho de reformular la manera de intercambiar las canciones y generarlas, es lo que más nos afectó del contexto actual, estamos acostumbrados a ensayar para grabar, y eso, hoy es algo en lo que tuvimos que reinventarnos.

¿Qué nos espera para la segunda parte de “Marionetas olvidadas” que estarán lanzando en agosto?

Otras 5 canciones, en la misma línea de melodía y guitarras, de Glam, Power Pop y Brit, creemos que es un poco más «rockero» que “Marionetas”, más cerca de los discos de los 70s de Cheap Trick o Slade, o por lo menos esa es nuestra intención.

Escucha “Marionetas Olvidadas”:

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Bachman–Turner Overdrive – Not Fragile (1974)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Not Fragile: 8,5
  2. Rock Is My Life, and This Is My Song: 7,5
  3. Roll on Down the Highway: 8
  4. You Ain’t Seen Nothing Yet: 9,5
  5. Free Wheelin’: 8
  6. Sledgehammer: 8,5
  7. Blue Moanin’: 8,5
  8. Second Hand: 8
  9. What Was It You Wanted7

En tiempos donde lo que estaba en boga era el rock progresivo, el glam rock y la música disco, Bachman-Turner Overdrive se mantuvo fiel a su estilo, un rock sin rodeos, potente y efectivo en su disco que lo lanzo definitivamente al estrellato: Not Fragile (1974), su primer y único álbum en alcanzar el primer lugar en los charts de Estados Unidos.

Not Fragile es exactamente lo que dice ser. Desde su título antagónico con el clásico Fragile (1971) de Yes, como por su portada (una sólida caja llena de engranajes) y por su música de guitarras eléctricas donde los solos de Randy Bachman son los principales protagonistas.

Los canadienses continúan lanzando temazos roqueros como “Not Fragile”, “Free Wheelin’”, “Sledgehammer”, “Second Hand”, “Blue Moanin’” y en especial “You Ain’t Seen Nothing Yet”, el corte más famoso de la placa un clásico al nivel de “Takin’ Care Of Business”, con su riff calcado a “Baba O’Riley” de The Who y hasta voz con tartamudeos a lo “My Generation”. Así y todo, se trataron de inspiraciones bien logradas con un gran resultado final.

Not Fragile nos entrega una colección de temas ideales para la carretera, para estadios o para simplemente abrirse una cerveza y disfrutar del pico de rendimiento de BTO que les ganaría el reconocimiento alrededor del mundo.

F.V.

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La tierra de Nunca Jamás

Donde vivo nunca pasa nada. Todo lo que pasa en el mundo sólo pasa allá, en el mundo, pero aquí nunca pasa nada. Cuando hay una guerra, siempre pasa en otros países donde hay algo por qué pelear, pero aquí nunca hay guerra porque no hay nada qué defender porque no tenemos nada qué perder… y nuestra propia vida no es razón suficiente para pelear y morir por ella (aún con su irónica contradicción).

Las personas importantes, ricas, poderosas, inteligentes, nunca son de aquí. Ninguno de mis vecinos es un científico, un presidente, un astronauta, un artista, uno de esos personajes que salen en la tele. Aquí nunca viene nadie de afuera; es más fácil que nosotros salgamos al mundo a que alguien de allá afuera venga de vacaciones para acá. Es éste un lugar donde nunca ha nacido nadie que a la historia le valga la pena recordar.

Los grandes edificios de las grandes empresas nunca se establecen aquí. Los deportivos, los auditorios, las salas de arte, las universidades, las súper autopistas de dos pisos, los trenes y teleféricos, cualquiera de los magnos proyectos urbanos nunca se lleva a cabo por estos rumbos. Todo lo bonito e importante sucede en las grandes ciudades, no aquí. Lo más que ha llegado a pasar es que mandan un camión maroma a echar chapopote en las calles para emparejar las rúas rellenando los baches.

En las noticias siempre dicen que hay ataques terroristas, conflictos bélicos, epidemias sanitarias, locos asesinos, violadores, marchas pacifistas exigiendo mejoras sociales, pero nada de eso pasa aquí, ni las marchas ni las mejoras sociales. Aquí importan poco los derechos humanos, igual nos asaltan y nos matan por cualquier bicoca sin motivo ni justicia. Y cuando dicen que las cosas van a mejorar y que ya vendrán mejores tiempos, en realidad, no se refieren a nosotros; aquí siempre estaremos igual, ni peor ni mejor, sino como siempre ha sido: igual.

A nosotros no nos inmuta si en Medio Oriente se está negociando la paz ni si en China se muere la gente por montón. En donde vivo es irrelevante si el humano ya llegó a Marte o a la Luna. También carece de importancia si hay robots que facilitan la vida y si ya hay cura para el Cáncer o el SIDA. Nada de lo que pase en el mundo altera lo que pasa aquí porque, de todos modos, ese mundo perfecto aquí nunca llegó… ni llegará.

Kobda Rocha

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New York Dolls – Dancing Backward in High Heels (2011)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Fool for You Baby (Dom Dom Dippy): 7
  2. Streetcake: 7
  3. Fabulous Rant:
  4. I’m So Fabulous: 8
  5. Talk to Me Baby: 6,5
  6. Kids Like You: 6,5
  7. Round and Round She Goes: 6,5
  8. You Don’t Have to Cry: 7,5
  9. I Sold My Heart to the Junkman6
  10. Baby, Tell Me What I’m On: 6,5
  11. Funky But Chic: 7,5
  12.  End of the Summer: 5

La segunda etapa (versión siglo veintiuno) de la historia de los New York Dolls, continuaría y se cerraría con Dancing Backward in High Heels (2011). La banda que con solo dos discos grabados en los setenta es considerada referente en el punk rock y el metal extendió su vida con dos de sus miembros originales el cantante David Johansen, y el guitarra Sylvain Sylvain por casi una década.

Acerca de esta nueva etapa Sylvain comentaría años más tarde con cierta ironía: “Me gustan esos discos, pero deberían haber ido a nombre del David Johansen Group. Todo fue bien hasta que él se empeñó en interpretar en vivo los temas nuevos, pese a que le dije que solo debíamos hacerlo si llegaban a ser hits. No me niego a crecer con la música, pero los contratos pedían a los New York Dolls, no otra cosa.”

Volviendo a Dancing Backwards On High Heels, es mi disco menos favorito de su nueva etapa. Abandonaron su estilo marca registrada para para buscar las raíces del rock n’ roll, navegando por el sonido de la década del sesenta o anteriores, sonando como lo que eran dos tipos de avanzada edad que claramente aman el rock & roll clásico, pero con otra actitud a la que tenían a comienzos de los setenta.

Funciona bien en algunos temas como la ingeniosa “I’m So Fabulous”, “You Don’t Have to Cry” o “Funky But Chic”, destacando como siempre la voz aguardentosa de Johansen, y aunque las guitarras son cada vez menos protagonistas, dominando teclados y el saxo todavía podemos disfrutar algunos pasajes de los Dolls como los conocimos.

F.V.

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Últimos Lanzamientos: Marzo y Abril del 2020

Morrissey – I Am Not a Dog on a Chain

Fecha de Lanzamiento: 20/03/2020

Puntaje del Disco:

«Jim Jim Falls» arranca lo nuevo de Morrissey con impronta frenética y electrónica, como resumen de la búsqueda del ex The Smiths en estos catorce nuevos temas, justo cuando más recalcitrantemente reaccionario se nos volvió desde lo discursivo con innumerable cantidad de polémicas con sus declaraciones, se muestra menos conservador que nunca en lo musical, aunque no en todos los casos el resultado termine siendo placentero.

Así y todo, más allá de sus letras y de sus posturas polémicas su voz continúa siendo un imán en su música, aun cuando en los últimos años pareciera repetirse musicalmente y sacar álbumes prescindibles y poco novedosos.

Childish Gambino – 3.15.2020

Fecha de Lanzamiento: 22/03/2020

Puntaje del Disco:

Donald Glover es uno de los actores de comedia más encumbrados de los Estados Unidos en la actualidad por sus trabajos en 30 Rock y en especial en la serie Atlanta (de la que también es guionista y productor ejecutivo). Sorprendentemente ese talento para la actuación lo ha sabido replicar a la música bajo el seudónimo Childish Gambino (inventado de una página de nombres creados al azar), destacando con los éxitos “This is America” y “Redbone”.

El flamante 3.15.20, se basa principalmente en un funk experimental, pero a lo largo de tracklist hay momentos de hip hop, R&B y hasta de pop y trap, con temas que se llevan indudablemente todas las escuchas como “Time” con Ariana Grande, “12.38” con colaboraciones de Ink, Kadhja Bonet y 21 Savage y mi preferida la personal e intensa “53.49”.

Waxahatchee – Saint Cloud

Fecha de Lanzamiento: 27/03/2020

Puntaje del Disco:

Waxahatchee es un Proyecto musical americano creado por Katie Crutchfield en el 2010, que este año lanzó su quintó álbum, Saint Cloud, cosechando comentarios muy positivos de la crítica especializada. Adentrándonos de lleno en Saint Cloud, es un disco de Indie Rock, que tiene algunas influencias el Folk y el Country, que tiene melodías agradables y su propio encanto, aunque sinceramente no ofrece nada particularmente revelador. De hecho, si lo comparamos con otros trabajos del género, es bastante promedio.

Pearl Jam – Gigaton

Fecha de Lanzamiento: 27/03/2020

Puntaje del Disco:

Gigaton es el primer disco de Pearl Jam en siete años, si bien es apenas una ligera mejora con respecto a su antecesor, Lighting Bolt, tampoco es la renovación de su sonido como prometían con su single adelanto “Dance of the Clairvoyants”.

El flamante lanzamiento tiene algo para todos los gustos, el equilibro perfecto que dejará conforme a los admiradores de su conexión de grunge, rock alternativo y rock clásico con temas que apenas dan respiro, ideales para disfrutar cuando se pueda volver a disfrutar de conciertos al aire libre, y también hay medio tiempos necesarios donde destaca la interpretación de un grande como Eddie Vedder.

Thundercat – It is What It is

Fecha de Lanzamiento: 03/04/2020

Puntaje del Disco:

Thundercat es un artista muy pero muy interesante. Ya había demostrado en Drunk de lo que es capaz, transformándose en una revelación del 2017. Esta vez reapareció con Is is What It is, un álbum en el que hace una combinación de géneros que no recuerdo de otros artistas, electrónica, R&B, Funk y hasta Jazz!! Y pese a parecer una ensalada que no pega, el resultado es impresionante. No solo desde lo experimental, sino también por ofrecer composiciones muy sólidas. Un serio candidato a integrar el Ranking de los mejores discos del 2020.

The Strokes – The New Abnormal

Fecha de Lanzamiento: 10/04/2020

Puntaje del Disco:

Tras una larga inactividad The Strokes volverían en plena pandemia a nivel global con su sexto trabajo de estudio, The New Abnormal, producidos por el genial Rick Rubin alcanzarían la madurez en una mezcla de indie rock, electrónica y new wave, con una colección de canciones tan fuerte como las de sus consagratorios primeros años.

A lo largo del disco se puede ir percibiendo cada etapa de la Carrera de los neoyorquinos: en temas como “The adults are talking” o “Not the Same Anymore” estamos ante los Strokes de siempre, más cercana a los primeros discos de la banda, en otros highlights como “Brooklyn Bridge to Chorus” o “Endless Summer” podemos ver su versión más pop con sintetizadores, en definitiva, es un gran regreso que nos deja con ganas de poder disfrutarlos en directo pronto.

Laura Marling – Song For Our Daughter

Fecha de Lanzamiento: 10/04/2020

Puntaje del Disco:

Laura Beatrice Marling es una cantautora británica de folk, que para la crítica en general editó uno de los discos más valorados del 2020, Song For Our Daughter. En este álbum Laura utilizando su guitarra y su voz como principales armas, sumando buenas melodías, buen ritmo y buenas influencias, armó un trabajo sin grandes pretensiones, lejos de ser algo espectacular, o fuera de lo normal, resaltando por su simpleza como buena artista de Folk Rock. Un muy buen disco, muy consistente en sus canciones.

Fiona Apple – Fetch the Bolt Cutters

Fecha de Lanzamiento: 17/04/2020

Puntaje del Disco:

Fetch the Bolt Cutters, es otro maravilloso álbum de la cantante y música femenina más relevante del siglo veintiuno (como mínimo en Estados Unidos): Fiona Apple. Un trabajo conmovedor, profundo y estimulante, no es común escuchar un álbum y no tener idea de lo que viene después.

Apple siempre rompió el molde pero desde su disco despegue, Extraordinary Machine, se convirtió en una artista de culto que se destaca por sus arreglos complejos, letras ingeniosas y melodías vertiginosas con standars de jazz. Se lo podría resumir como una compilación de todas las virtudes de la artista, aunque el piano sea menos protagonista que en sus antecesores, así y todo, resulta atractivo y ya se lo comienza a señalar como uno de los lanzamientos tops del 2020.

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"Tu dosis diaria de discos, películas, series y más"

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