Elliott Smith – Either/Or (1997)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Speed Trials: 8,5
  2. Alameda: 9
  3. Ballad of Big Nothing: 9,5
  4. Between the Bars: 10
  5. Pictures of Me: 9
  6. No Name No. 5: 8
  7. Rose Parade: 8
  8. Punch and Judy: 8,5
  9. Angeles: 9
  10. Cupid’s Trick: 9
  11. 2:45 AM: 8
  12. Say Yes: 8

En  1997, Elliott Smith lanzó Either/Or, su tercer álbum de estudio. Fue grabado en la casa de Elliott Smith y en los estudios Undercover y los Laundry Rules en Portland. Smith produjo y tocó todos los instrumentos del álbum. El nombre del disco está inspirada en un libro del filósofo existencialista danés Søren Kierkegaard, “O lo uno o lo otro”.

El álbum es una magistral colección de canciones indie folk, low-fi, pop y folk rock. Smith con su temblorosa voz, envuelve las canciones, que cuentan historias de soledad, amor, amistad, inseguridad e insatisfacción. Las canciones más destacadas son la pop, “Ballad of Big Nothing”, la nostalgica “Between the Bars”, las evocadoras “Alameda” y “Angeles”, y la más roquera del conjunto “Cupid’s Trick”. Sin dejar fuera a cortes tan destacable como “Speed Trials” con su oscuro riff de guitarra, o  la diversa “Pictures of”. En fin, un fantástico trabajo donde las dulces y melancólicas líneas de guitarra que acompañan a cada una de las canciones, son fortalecidas por la emotiva interpretación de Elliott Smith.

El álbum ganó popularidad cuando el cineasta Gus Van Sant invitó a Elliott Smith para formar parte de la banda sonora de “El indomable Will Hunting”. Las canciones de Either/Or incluidas en la película, fueron “Between the Bars”, “Angeles” y “Say Yes“. Además, de la excepcional “Miss Misery”, que no formó parte del disco y obtuvo una nominación a los premios Oscar en la categoría de mejor canción original. En un principio Smith se negó cantar en la ceremonias de premiación de los Oscar, pero la organización le advirtió que si él no asistia, la canción sería interpretada por un artista que ellos elegirían. Ante esta situación, Elliott interpretó “Miss Misery” en la ceremonia de los oscar de 1998, vestido de blanco, con su guitarra acústica en la mano y con la mirada perdida en el vacío. El tímido Elliott terminaría perdiendo ante la famosa “My Heart Will Go On” de Celine Dion. Tiempo después el artista recordaría este hecho. “Los Oscar fueron un espectáculo muy extraño, donde el programa era de sólo una canción reducida a menos de dos minutos, y la audiencia era un montón de gente que no había venido a escucharme tocar. No me gustaría vivir en ese mundo, pero fue divertido estar cerca de las estrellas por un día”. Ahora Elliott está con las estrellas y es una de las más brillantes.

Diego

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Entrevista a Prusia

La banda de Rock Instrumental, Prusia, se presenta ante nosotros en esta entrevista en la cual nos cuentan su historia y sobre el lanzamiento de su primer disco larga duración “Las Uniones Posibles”.

Cuentennos de ustedes ¿Cómo nació Prusia?

Nació de un encuentro muy azaroso en las calles de Padua, en el conurbano bonaerense, donde nos conocimos Roa, Fabris y yo (Catriel). Luego de cruzarnos varias veces y de charlar sobre música que nos gustaba. La primera vez nos encontramos solo para improvisar un rato, pero luego decidimos continuar con esos encuentros pero “sin compromisos”. Fabris en realidad tocaba la guitarra, pero decidió empezar con la batería. Y bueno Roa el bajo y yo la guitarra eléctrica.

Después de algunas juntadas simplemente dejamos que siga y empezamos a tocar en lugares. Nuestra primera fecha fue en una plaza mítica de Morón en un evento contra el gatillo fácil. Quizás de alguna manera esa primera fecha haya marcado el resto de nuestras tocadas en vivo.

Con el tiempo sacamos tres EPs que forman una especie de trilogía (Vol I, Vol II, y Vol III) y sentimos que tras cada disco avanzamos un poco más en nuestra forma de tocar, pensar la música y grabarla.

Para nuestro primer disco o LP comenzamos a ensayar y componer ya con Fer J. en el sinte y samples. Definitivamente eso fue fundamental para componer los nuevos temas ya que agregar una nueva paleta de sonoridades le dio un vuelco a lo que estábamos haciendo hasta el momento.

¿Qué sienten que los distingue frente a otros grupos de Rock instrumental?

No sabemos si hay algo puntual que nos diferencie del resto de las bandas instrumentales. Todas las bandas que llevan un tiempo tocando sean o no instrumentales tienden a tener su propio estilo. Lo que sí podemos ver es que las bandas actuales quizás se vuelvan un poco genéricas, es decir que tocan un estilo en particular, ya sea math rock, post rock, progresivo, stonner, etc. Si bien somos un poco deudores de esos géneros, nos interesa explorar distintas variables musicales y sonoras y no tanto imitar directamente un género, por eso suele ser difícil responder a la pregunta de “a qué música se parecen?”… En todo caso nos interesan las sonoridades, la mezcla que se da entre nuestros instrumentos y entre las referencias, engañar un poco el oído o invertir los roles esperables en cada instrumento, jugar con las expectativas y lo predecible e impredecible. Claro que son cosas que nos llevan mucho tiempo entender y digerir y que no se resuelven solo tocando o ensayando, sino también conversando y compartiendo tiempo juntos.

La banda suena bien instrumentalmente ¿Nunca pensaron en agregar un vocalista?

No. En todo caso si agregaramos un vocalista no sería para hacer canciones ya que lo que hacemos se aleja de eso, sino quizás para que construya desde el mismo lugar que nosotros como un instrumento más y no como sucede normalmente en las canciones donde el foco de atención está puesto primero en el o la cantante y luego en la banda.

¿Qué sensaciones les deja su reciente disco “Las uniones posibles”? ¿Qué es lo que más destacan del mismo?

De mucha satisfacción y aprendizaje. Lo que más destacamos es el proceso de grabación el antes y el durante, al ser nuestro primer disco largo hablamos mucho al respecto. Queríamos entender cómo construirlo y desde qué lugar. El disco tiene mucho de esas conversaciones, de las charlas durante los viajes hacia el estudio Mikrokosmos de Fer J, conversaciones sobre música, nuestras influencias y gente que admiramos, política, filosofía, nuestrxs amigxs y la música que hacen, lo que nos gusta y lo que no. Un poco el disco es la unión de todos esos retazos y segmentos que entran en relación, colisionan entre sí y dan como resultado el trabajamos que hicimos. Por otro lado, creemos que el aspecto visual del disco es también muy importante, contactamos gente amiga que nos gustaba como trabajaba, tanto para la portada como para el diseño de la edición física, además nosotros mismos salimos a sacar fotos con una cámara analógica a capturar momentos que podían relacionarse con los tracks… en definitiva “Las uniones posibles” tiene mucho de lo extra musical.

¿Cuáles son los próximos proyectos de la banda?

Estamos pensando en viajar a algunas provincias y armar una suerte de tour veraniego, además de seguir tocando y ensayando.

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Florence + The Machine – Lungs (2009)

Puntaje del Disco: 8

  1. Dog Days Are Over: 8
  2. Rabbit Heart (Raise It Up)8,5
  3. I’m Not Calling You a Liar: 8
  4. Howl: 8,5
  5. Kiss with a Fist7,5
  6. Girl with One Eye8
  7. Drumming Song: 7,5
  8. Between Two Lungs: 7
  9. Cosmic Love8
  10. My Boy Builds Coffins7
  11. Hurricane Drunk: 7,5
  12. Blinding8
  13. You’ve Got the Love: 8,5

Nacida en Londres el 28 de Agosto de 1986, Florence Welch, se crió en una familia intelectual de periodistas, escritores y profesores universitarios. Aunque sería su padre Nick, un publicista que se define como músico frustrado quien le inculcó el rock and roll.

A sus veinte años Florence comenzó a hacer música con su amiga Isabella Summers presentándose en clubes locales con el nombre Florence Robot / Isa Machine, de allí surge la posterior denominación de su banda reduciéndose a Florence + The Machine o Florence and the Machine.

Su primer trabajo, Lungs (2009), grabado con cinco productores distintos: Paul Epworth, James Ford, Stephen Mackey, Eg White y Charlie Hugall la estableció como un suceso internacional del indie y art tock, con una predilección por los arreglos cuidados, toques de soul, folk y hasta jazz, canciones de corte épicas, emocionales y la potencia y el atractivo especial en la voz de Florence, solo comparable con figuras femeninas de la talla de PJ Harvey, Fiona Apple, Regina Spektor o Björk.

Luego de este sobresaliente debut la carrera de Florence + The Machine continuó en forma ascendente presentándose en innumerables festivales y gracias a su mejorada continuación Ceremonials de 2011, que los establecería como una de las novedades más celebradas y premiadas del Reino Unido de esta década.

F.V.

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Bob Dylan – Knocked Out Loaded (1986)

Puntaje del Disco: 5

  1. You Wanna Ramble: 6
  2. They Killed Him: 5
  3. Driftin’ Too Far from Shore: 4
  4. Precious Memories: 5,5
  5. Maybe Someday: 5
  6. Brownsville Girl: 5
  7. I’ve Got My Mind Made Up: 5
  8. Under Your Spell: 5

La década de los ochenta fue una época de decadencia para numerosos artistas y grupos. Bob Dylan no fue la excepción, quien ya venía demostrando un pronunciado bajón compositivo y en su calidad como artista desde fines de los setenta. En los ochenta Dylan tambaleaba. Con  Infidels y con Empire Burlesque, había logrado discos medianamente decentes con apenas un puñado de buenas canciones. Pero a partir de Knocked Out Loaded volvería a decaer recibiendo críticas negativas de manera casi unánime.

En Knocked Out Loaded Dylan vuelve a repetir errores del pasado, con el aliciente de que se nota de que Dylan no le pone mucho esfuerzo al álbum. Para empezar es un disco de Blues Rock y Gospel bastante genérico y mediocre que recuerda a su peor etapa cristiana. Pero a eso se le suma en que hay muchos covers. O sea, que las líricas de Bob que son su punto fuerte tampoco aparecen. El tema que más sobresale (aunque no por lo bueno) dentro de sus composiciones es la balada Gospel recitada “Brownsville Girl”, que dura más de 11 minutos. Y entre las canciones no propias sorprende (aunque no de gran manera) haciendo el Reggae “Precious Memories”.

Otro problema que hay que sumar, es que se vuelve a notar que está infectado por la producción de los ochenta (la espantosa percusión de “Driftin’ Too Far from Shore” es en donde más se nota). Todo en su conjunto hace notar que a mediados de los ochenta Dylan se encontraba en un claro punto muerto de su carrera. Y Knocked Out Loaded no es otra cosa que la demostración de su falta de lucidez en aquellos años.

Persy

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Entrevista a Ismo de las Fauces

Lucas Bustos, integrante de la banda Ismo de las Fauces, nos brindó está entrevista en la cual nos cuenta la historia del grupo, sobre el lanzamiento de su segundo disco “Emerger” y sobre su próxima presentación en Originarte este sábado 17/11 (Paso 17, Quilmes).

Cuéntennos su historia ¿Cómo fue que nació Ismo de las fauces?

Ismo de las Fauces nace en 2014 por iniciativa mía, con la idea de llevar adelante las composiciones que forman parte del primer álbum. Sin demasiadas complicaciones, formé la etapa inicial de la banda junto a tres músicos brillantes: Augusto Vega (guitarra), Gonzalo Miñana (batería) y Matías López (bajo). Ese grupo atravesó el período de gestación y grabación del disco.

Desde el comienzo, el objetivo fue concretar aquella primera placa. Mientras tanto, tocamos en varios lugares de Capital Federal y GBA. Tras finalizar el disco, atravesamos cambios de miembros. Entraron Isaías Bisio (batería) y Agustín Velurtas (bajo). Con esta formación grabamos el segundo disco, de reciente aparición, “Emerger”.

Hoy, para defender las nuevas canciones en escena, la banda está compuesta por Augusto Vega (guitarra), Agustín Velurtas (bajo), Pablo Jimenez (batería) y yo, Lucas Bustos (voz y sintetizadores).

Tienen un sonido que por momentos se remite a Spinetta, pero no se encasillan y toman otras influencias. ¿En base a qué artistas piensan que definieron su estilo?

Creo que toda la música que escuchamos nos fue moldeando, y por lo tanto moldeando lo que tocamos. Creo que Radiohead, creo que Charly Garcia, Fito Páez  (quitando a Spinetta que bien lo mencionaste) entre los artistas relacionados al rock. Sin embargo no puedo obviar cancionistas de otros géneros…como Carnota, Jobim, Chico Buarque, Juan Quintero. Al final, toda la música que escuchamos nos modifica, y la variedad de música que escuchamos es muy amplia.

Como compositor de los temas creo, también, que las influencias trascienden la disciplina musical. La literatura, el cine, las series. Hacer canciones siempre implica atravesar dos órdenes artísticos: el musical y el literario.

¿Qué destacan de “Emerger” respecto de su disco previo?

Hay varias diferencias: desde la manera de grabar (el disco anterior fue grabado instrumento por instrumento, en este tocamos en vivo todo lo que pudimos) hasta el modo de composición. Lo que me abrió distintos panoramas a la hora de encarar una canción fue el taller de composición que hice con Edgardo Cardozo en 2016. El me transmitió una forma de crear mucho más relacionada al aspecto comunicativo: entender que el contexto musical en que se desarrolla una letra es tan importante para comunicar como el contenido de la letra misma. Eso, a su vez, me llevó a buscar mejoras en la dicción como cantante, a dejar dicho lo que se canta con la mayor claridad posible. Por otro lado, el hecho de que la ejecución de la batería y el bajo no sea realizada por las mismas personas que en el primer disco también genera otras perspectivas. Sin embargo, luego de escuchar “Emerger” descubrí que los dos discos están mucho más emparentados en sonoridad y temática de lo que pensaba.

¿Cómo fue la experiencia de trabajar con Amilcar Gilabert como productor?

Fue un gran aprendizaje. Al momento de encontrar el sonido del álbum, resultó vital la presencia de Amílcar.

Es curioso como su rol de productor musical se desarrolla desde la consola, y no sobre las canciones en aspectos técnicos de la música. Amilcar hizo lo que más sabe, la ingeniería en sonido del disco, y desde ese lugar nos generó una perspectiva de trabajo muy dinámica. Desde el primer momento nos dejó en claro que la música, al ser del plano subjetivo, no tiene que ser otra cosa que lo que nos represente genuinamente. Nos persuadió de la importancia de captar a la banda tocando el vivo de modo natural, sin demasiado arreglo ni retoque de post-producción. Grabar todos juntos, tocar de la manera en que estamos acostumbrados para lograr una ejecución relajada. Encontrar el lugar para las voces al frente, darle a las letras la importancia que demandan. Intentar ser fieles a un sonido que luego pueda llevarse al vivo. Así que Amilcar modificó nuestra manera de trabajar de esos encuentros en adelante.

¿Qué nos pueden adelantar de su próxima presentación en “Originarte”?

La presentación del disco va a ser, además, la inauguración de un nuevo formato para nuestros vivos. Buscamos trazar, desde una propuesta interdisciplinar que reúne fotografía, teatro y música, el universo que comprende “Emerger”. Todo eso cuidando la horizontalidad y el diálogo de los lenguajes. La idea es que la fotografía y el teatro no funcionen como un adorno de la banda. Si bien la música va a hilvanar el espectáculo, los lenguajes que se apropien del primer plano van a ir cambiando sus posiciones, conversando entre sí. Buscamos proponer un concierto en formato de show íntegro, romper con los espacios que se establecen tácitamente cada vez que toca una banda. Así que nos preparamos con mucho entusiasmo, una expectativa enorme y trabajando la contundencia escénica, el porqué de cada cosa que ocurra.

¿Cuáles son sus próximos proyectos a futuro?

En principio, el show del 17 de noviembre en Fundación Originarte de Quilmes va a tener un registro audiovisual. También existen canciones nuevas, la propuesta de otra presentación del disco el año que viene y la idea de lanzarlo en formato físico (por ahora solo está en Spotify, Bandcamp y Youtube). Planes inmediatos hay muchos; trabajo por hacer, también.

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Ubicuidad

Toda mi vida he estado vacío, sin compañía. No hubo momento en mi infancia en que no me sintiera perdido en la nada. Mi adolescencia fue una saeta de abisales tristuras. En mis veintes, me suicidé nueve veces y siempre desperté al siguiente día con la misma deprimente decadencia espiritual con que había caído muerto la noche anterior. Un tiempo traté de refugiarme en el alcohol, luego fui a terapia psicológica, también quise enamorarme, salir con amigos, hundirme en la poesía y trabajar arduamente para hacer mucho dinero. Pero la amargura nunca me abandonó.

Sinceramente, no tengo razones fuertes para sentir tales pesares; jamás he sufrido desgracias tan tremendas capaces de maniqueizar el alma de alguien. Cuando yo aún era un mamón, mi padre se marchó a Estados Unidos; nunca llamó, nunca envió el dinero prometido, nunca regresó y nunca lo necesitamos. A mis quince, unos gañanes de la escuela me golpearon saliendo de clases, dejándome con múltiples moretones y dos costillas fracturadas. Tuve que trabajar desde los diecisiete años para ayudar con los gastos de la casa. A mis veintinueve, mi madre falleció en mis brazos por culpa de un cáncer de pulmón causado por su adicción al tabaco. Jamás he tenido carro propio y me han diagnosticado gastritis. En resumen, he llevado una vida común, simple, como cualquier otra, con sus altibajos… No hay razón suficiente para sentir esta oscuridad que me presiona el pecho veinticuatro siete.

Mi último intento por sonreír fue buscar a dios. ¿Qué es eso? ¿Qué es un dios? ¿Acaso existe siquiera? Me pareció una empresa complicada, pero, si tenía éxito, tal vez podría deshacerme de esta pesadumbre de una vez por todas. Primero fui a varias iglesias de religiones diferentes, pero pronto descubrí lo que ya todos saben a estas alturas del milenio: la religión es una farsa político-capitalista. Después me embutí en la meditación espiritual, pero así no se encuentra a dios; a lo más, uno se encuentra a uno mismo, pero no a dios. Finalmente lo busqué a través del arte, la ciencia y la filosofía. Por el arte, me convencí de que existía. Por la ciencia, supe que era omnipotente. Y por la filosofía, comprendí que de todos modos él no me libraría de mis abismos.

Yo sigo igual, vacío y sin sentido, pero una cosa sí cambió: ahora dios está en todas partes. Su omnipresencia resultó ser real; no lo veo en todo lugar, pero sí lo escucho en cada sonido. Ésa es la verdad: dios no es una imagen, es un sonido. Sólo falta poner un poco de atención para lograr escuchar la divinidad en una tarde lluviosa, en los ladridos de un perro callejero, en los balbuceos de un niño en brazos de su madre, en los truenos desplegados de un beso apasionado, en el llanto de una viuda, en la quinta danza húngara de Brahms, en tu garganta leyendo este texto en voz alta, y aun en los conticinios más solitarios. Ahí, incluso en el silencio, ahí está dios.

Kobda Rocha

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The National – Sleep Well Beast (2017)

Puntaje del Disco: 8

  1. Nobody Else Will Be There: 9
  2. Day I Die7,5
  3. Walk It Back8,5
  4. The System Only Dreams in Total Darkness: 8
  5. Born to Beg7
  6. Turtleneck8
  7. Empire Line: 7
  8. I’ll Still Destroy You: 8
  9. Guilty Party: 7,5
  10. Carin at the Liquor Store8
  11. Dark Side of the Gym: 8,5
  12. Sleep Well Beast7

Sleep Well Beast (2017) es el séptimo trabajo de The National, una banda claramente subvalorada que produjo una de las publicaciones de aquel año. Los de Cincinnati desde sus inicios hace más de una década aportaron melodías tan ricas como intimistas y oscuras, con los puntos más altos en Boxer y High Violet, de 2007 y 2010 respectivamente.

En este nuevo material, al nivel de los antes mencionados, le imprimen a su música una energía e intensidad inusual y renovadora, en especial en pistas como “Nobody Else Will Be There “, “Walk It Back “, “The System Only Dreams in Total Darkness” y “I’ll Still Destroy You”, sonando mucho más ambiciosos, expandiendo sus horizontes y pronosticando una reinvención importante para su carrera.

Sobre el presente y el futuro de la agrupación comparándose con otros grupos, Aaron Dessner explicaría porque están conformes con el rumbo que están tomando: “Estamos contentos de estar dónde estamos. No queremos ser U2, de la misma manera que lo son Arcade Fire… Queremos ser interesantes y mantener cierto punto íntimo en la propuesta.” Y su hermano Bryce agregaría: “No tenemos los egos que podéis imaginaros. Nos sentimos afortunados. De hecho, en esta próxima gira hemos intentado tocar más en teatros que en pabellones. Tenemos que ir con cuidado. La industria siempre te tienta a ir hacia lo “más grande”, “más grande” y “más grande”, sin pensar el lugar al que pertenece el material. Debemos preguntarnos: ¿a dónde pertenece esta canción?¿Dónde te gustaría escucharla en vivo?”

F.V.

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Entrevista a Juan Rosasco en Banda

Juan Rosasco en Banda, un grupo en pleno auge, recientemente lanzó su EP “Niebla de otoño”, y para coronarlo se estarán presentando este jueves 15/11 en La Tangente (Honduras 5317, CABA). Todo lo demás en la siguiente entrevista.

Para quienes todavía no tuvieron el gusto de conocerlos ¿Cómo se presentarían para llamarles la atención?

Siempre decimos para los que no nos conocen que lo que hacemos son canciones con fuertes influencias de nuestro Rock Nacional, influencias como por ejemplo Charly Garcia, Fito Paez, Spinetta, Los Tipitos, etc. Trabajamos mucho en las letras, para nosotros es importante que el arte lleve consigo algún tipo de “mensaje”, creemos por supuesto que somos también comunicadores y respetamos infinitamente el valor de la Palabra.

La banda ya tiene varios años de trayectoria ¿Qué piensan que fue en lo que más crecieron a lo largo de los años?

Creo que son muchos los puntos en lo que hemos crecido. Creo que aprendimos a convivir con mucho amor entre nosotros, aprendimos a producir y lo que significa la producción de un tema y de un disco en sí mismo, también creo que aprendimos un poco más a tolerar las diferencias del “otro”, y creo que lo más importante, aprendimos a disfrutar de lo que hacemos sin pedir nada, o casi nada a cambio. Aprender a disfrutar de lo que amas en este horrible mundo que siempre va para el lado contrario al del amor.

Pese a que “Niebla de otoño” es un EP de solo 3 canciones, ¿Qué es lo que más destacan del mismo?

Nos encanta Niebla de otoño en todo sentido, amamos profundamente a los tres temas y estamos muy orgullosos de como ha quedado el producto al final de todo el laburo. La producción de Willy Piancioli nos parece como siempre BRILLANTE, y nos encanta mucho trabajar con él.

¿Cómo fue la experiencia de trabajar con Willi Piancioli de Los Tipitos como productor?

Justamente como recién decía trabajar con Willy nos encanta porque es un tipo que sabe mucho de producción y obviamente es un tremendo compositor de canciones. Tiene todo muy claro a la hora de producir y nos enseñó también a disfrutar del camino y a ponerle garra y muchas ganas a lo que hacemos.

Hablennos de “Hipnosis”, tema con el cual ganaron popularidad, ¿Qué opinan de que mucha gente los empezó a conocer porque lo transmitieron en “6-7-8”?

Hipnosis es un tema absolutamente trascendental para nosotros, y por su puesto nos abrió puertas más que importantes que antes nos costaba un poco abrir. El hecho de que haya sido cortina de 678 fue para nosotros MUY especial y estamos y estaremos siempre muy orgullosos de eso.

¿Qué nos pueden contar de su próxima presentación en “la Tangente”?

Estamos esperando la fecha de La Tangente con mucha ansiedad y con muchas ganas, es un lugar que nos encanta y esta va a ser la segunda vez que tocamos ahí! El jueves vamos a tener invitados muy especiales, por supuesto grandes amigos, vamos a recorrer temas de todos nuestros discos, obviamente también incluyendo los tres temas de nuevo EP “Niebla de otoño”.

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Golden Kamuy: Primera Temporada

Puntaje de la Temporada: 

  • Año: 2018
  • Género: Bélico, Anime
  • Dirección: Hitoshi Nanba
  • Guion: Noboru Takagi
  • Reparto: Chikahiro Kobayashi, Haruka Shiraishi, Kentaro Ito, Houchu Ohtsuka, Kenjiro Tsuda, Yoshima Hosoya, Eiji Takemoto, Jouji Nakata, Takayuki Sugo, Kenji Nomura

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Boom Boom Kid – Okey Dokey (2001)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Okey Dokey: 7
  2. Feliz: 7,5
  3. Tomar Helado: 6
  4. Let Me Go6,5
  5. My Smiling Fragile Heart: 8
  6. Jenny: 7
  7. La Vida Esta Bien Si No Te Rindes: 7,5
  8. Kitty: 7,5
  9. Endless Kinder7
  10. Julio: 6
  11. Pei Pa Koa: 8
  12. I Do: 8,5
  13. Medicina (música es)7
  14. Insulina7,5
  15. 20 Años: 8
  16. Automatic: 8
  17. Ticky Tak Fire: 4
  18. ¿Dónde?: 6,5
  19. I Don’t Mind: 8
  20. Brick By Brick7,5
  21. Blu: 7
  22. Strong: 7,5

Tras la disolución de Fun People, su principal referente el cantante y compositor Carlos “Nekro” Rodríguez forma un nuevo proyecto en este caso solista y bajo el nombre artístico Boom Boom Kid.

Manteniendo su sello característico y casi como una continuación de su anterior banda pero más accesible, lanzaría al poco tiempo Okey Dokey (2001). Donde continúan con la tónica de canciones cortas y de mezclar el ingles y el español constantemente, entre las cuales consiguieron cierta rotación en las cadenas musicales de la época como “Kitty”,  “I Do” o “I Don’t Mind”, convirtiéndose en una especie de icono o referente del rock under por aquel entonces.

Okey Dokey también es un disco con cierta bajada de línea política, aunque el propio “Nekro” lo relativice: “Está compuesto de mis flashes, de mi cosas. Si te hace bien fantástico, si te sirve, buenísimo. Yo no digo que sea la verdad. Sí quiero afectar haciendo chispa, buscando una reacción. Pero no creo que sea una biblia, ni pretendo que lo sea. Eso es peligroso y no me gusta. No quiero lavarme las manos de lo que digo, pero quiero que cada uno haga su propia interpretación. De la misma manera que yo interpreto y uso las cosas que me interesan y me hacen bien.”

F.V.

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Daredevil: Tercera Temporada

Puntaje de la Temporada: 

  • Año: 2018
  • Género: Acción, Superhéroe, Drama
  • Show Runner: Drew Goddard
  • Reparto: Charlie Cox, Vincent D’Onofrio, Deborah Ann Woll, Elden Henson, Wilson Bethel

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Entrevista a Lucas Guinart y Los Ciclistas

Con su disco debut recientemente lanzado, titulado “Crónicas del Hombre Nuevo”, y en la antesala de su presentación en La Tangente (Honduras 5317, CABA) el 15/11 a las 21hs, Lucas Guinart y los Ciclistas  nos cuentan su historia en la siguiente entrevista.

Para quienes todavía no conocen su disco “Crónicas del hombre nuevo” ¿Cómo lo presentarían en pocas palabras y qué les dirían para que los empiecen a escuchar?

“Crónicas del Hombre Nuevo” de Lucas Guinart y Lxs Ciclistas es un disco de canciones de rock en castellano. Es bien ecléctico y te sorprende canción a canción. Una de las premisas de trabajo en la composición y producción del disco fue dejar que el estilo de cada canción se revelara por sí solo y así fue. Te invita a escucharlo completo y a volver a él. Las letras y el mensaje tienen mucho peso en la propuesta y es uno de los hilos conductores a lo largo de las 8 canciones que componen el disco. Voces bien al frente y estribillos para cantar marcan el estilo general.

¿Cuáles definirían como sus principales influencias?

Intentamos recuperar o incluirnos en la tradición del rock nacional en la vertiente marcada por Spinetta, Seru Girán, Soda Stereo entre otros. Hay pasajes bien cancioneros y otros que podríamos decir que son más progresivos con climas y synthes creando atmósferas. Todo esto sumado al intento de dejar nuestra propia impronta, formación y experiencias de vida.

 ¿Qué sensaciones les deja su primer disco “Crónicas del hombre nuevo”?

“Crónicas…” nos deja una sensación de plenitud, como disco debut del proyecto tiene todo los cuidados y detalles que se pretendían. También la sensación de alegría de haber trabajado con Juan Rosasco en Banda que tiene mucho que ver en que esto hoy en día esté funcionando. No podríamos pedir más. Ahora viene el tiempo de tocarlo en vivo y que crezca y se difunda.

¿Alguna anécdota para contarnos del proceso de grabación?

En el tema “Hombre Nuevo” teníamos que terminar con un coro con muchas voces, reverb así tipo cancha, así que metimos a todos los que estábamos en el estudio a cantar al mismo tiempo. El momento quedó registrado en video. Esto y otros clips de cómo se grabó el disco lo pueden encontrar en el canal de Youtube de la banda. Hay varias de esas, bromas, risas y mucha música.

¿Qué nos pueden adelantar de su próxima presentación en “La Tangente”?

La presentación del 15 de noviembre en La Tangente es un broche de oro para todo este año de presentación del disco. Vamos a compartir la fecha con Juan Rosasco en Banda y la verdad es que no se puede pedir más. Como siempre en nuestros shows le ponemos especial atención a que el público disfrute de un muy buen sonido y pueda apreciar no sólo la música sino que también las letras. Las voces son centrales más cuando tenés algo para decir. El show va a incluir los temas del disco más alguna que otra sorpresa que esperamos les guste.

Más info sobre la banda en sus Redes Sociales:

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"Tu dosis diaria de discos, películas, series y más"

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