Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Yes – Close to the Edge (1972)

 

Puntaje del Disco: 10

  1. Close to the Edge: 10
  2. And You and I: 9,5
  3. Siberian Khatru: 8

¡Locura progresiva! Luego de la excelencia de Fragile, Yes se encontraba en su mejor forma como banda y, como no podía ser de otra manera, sucederían este álbum clásico, con otro trabajo de excelencia en el mismo año (1972). Estamos hablando de Close to the Edge.

Si algo caracterizó a Close to the Edge, es que es un álbum integrado por solo 3 canciones, pero… de larga duración. Ya en sus trabajos previos como en Fragile habían dado ciertos indicios en temas longevos como “Heart of the Sunrise”, pero romperían el molde con la canción que le da nombre del disco “Close to the Edge”, que se transformaría en su composición más épica hasta entonces.

En sus impresionantes 18 minutos, “Close to the Edge” te hace transitar distintas emociones. Primero una locura frenética entre guitarra y el teclado de Rick Wakeman, luego un pasaje más melódico, para luego darle lugar a una calma atmosférica y un cierre a todo pulmón. Mientras tanto, se pueden apreciar las influencias de la novela de Hesse y la temática religiosa/espiritual que arraigaba Jon Anderson.

A este clásico de Yes lo sucede otro, “And You and I”, con una duración nada despreciable de 10 minutos, también con sus diferentes fragmentos excelentemente logrados. Hay quienes la pueden llegar a preferir por sobre “Close to the Edge” por su melodía y lo que transmite.

Y para cerrar, “Siberian Khatru” la más normaloide y rockera de las tres,, y la que menos se destaca en lo que ofrece Yes, quedando eclipsada por sus antecesoras. De todas formas es un buen tema, pero pese a ser la más corta es en donde más se nota que el estiramiento innecesario de minutos puede ser contraproducente.

Close to the Edge sería reconocido con el tiempo como uno de los mejores discos de Yes y de Rock Progresivo (aunque en aquellos años no todos lo destacaban de esa forma). Pero no todo sería color de rosas porque tiempo después de terminar las grabaciones  Bill Bruford abandonaría su puesto en batería.

Persy

Anuncios

Jim O Rourke – Eureka (1999)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Prelude to 110 or 220/Women of the World8
  2. Ghost Ship in a Storm: 8,5
  3. Movie on the Way Down: 7,5
  4. Through the Night Softly: 8,5
  5. Please Patronize Our Sponsors: 7,5
  6. Something Big: 8,5
  7. Eureka: 9
  8. Happy Holidays: 8

Antes de implicarse de lleno en su participación con el legendario grupo de rock alternativo Sonic Youth en 1999, Jim O’Rourke grabaría, Eureka, para muchos uno de los mejores trabajos del año y hasta de la década del noventa.

O’Rourke, es un loco querible oriundo de Chicago que atravesó el circuito under por años, puede ser productor, multiinstrumentista, compositor o miembro de una banda, pero la única certeza es que sus proyectos llevaran su sello e identidad, de sorprendente talento.

Eureka es quizás su obra más llamativa y reconocible. Rock alternativo creativo y sofisticado pero bastante accesible a la vez, dentro de sus estándares, placentero para todo tipo de oídos.

Perfectamente planeado y sin detalles librados al azar, con canciones memorables y frescas, hacen de Eureka el primer disco a recomendar (a pesar de su perturbante portada) a la hora de descubrir a un artista avant-garde variado y totalmente desconocido por muchos y que merece una oportunidad para disfrutarlo.

F.V.

Oceansize – Music For Nurses (2004)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. One Out of None: 9,5
  2. Paper Champion: 8,5
  3. Drag The ‘nal:
  4. Dead Dogs An’ All Sorts: 8
  5. As the Smokes Clears: 8,5

Después de la salida de su mítico Effloresce, Oceansize decide abandonar un poco el rock alternativo duro y furioso que presentaba dentro de su terreno joven para embarcarse un poco más dentro de la experimentación y con ciertos entornos musicales agarrando para el lado del Post-Rock y la fuerte influencia de otros sonidos como el Sludge Metal en este caso.

Surgido de este experimento, nació el EP Music For Nurses un año después de la salida de Effloresce, y a pesar de ser un trabajo de corta duración, es el trabajo más oscuro y pesado de la banda, debido a la influencia de géneros como el Post-Metal, llegando a ser casi comparado con trabajos como los de Neurosis o Isis, totalmente alejados del sonido de su disco debut y definiendo el sonido único posterior de la banda.

Así tenemos pistas duras como “One Out of None”, la canción más pesada de la banda jamás hecha. Pistas casi vanguardistas y con pasajes casi jazzísticos como “Paper Champion”, semi-baladas complejas y súper experimentales como “Dead Dogs An’ All Sorts”, que conecta con la pesadez de “As the Smokes Clears”.

Fruto del sonido este mítico EP, saldría al año siguiente su segundo LP, Everyone Into Position, que vendría a demostrar mucho de este trabajo pero más consolidado, aunque no con estas mismas canciones y tornándose para un ambiente mucho más melódico y menos pesado.

Toto

Eric Brosius, Josh Randall, Ramin Djawadi – System Shock 2 (1999)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Irrational Games Logo:
  2. Med Sci 1: 9
  3. Med Sci 2: 9
  4. Engineering: 9,5
  5. Ops 1: 8
  6. Hydro 1: 9
  7. Hydro 2: 7,5
  8. Ops 2: 7,5
  9. Ops 3: 7
  10. Command 1:7
  11. Command 2: 8,5
  12. Command 3: 7,5
  13. Rec: 8
  14. Credits: 7
  15. Intro Cutscene:
  16. Cutscene 2:
  17. End Cutscene:

System Shock 2 es un juego que dejó maravillado a cualquier persona por tener unos elementos únicos de acción, estrategia, RPG y Survival Horror en su máximo esplendor. Un juegazo que estuvo demasiado arriba en su tiempo, y que hasta el día de hoy por muchos es considerado uno de los mejores juegos de horror y de ciencia ficción de todos los tiempos.

Sin embargo, nunca se lanzó un soundtrack oficial, los fans se tomaron la tarea de compartir libremente su banda sonora (es un bootleg, un lanzamiento no oficial y sin autorización). Y si el videojuego era totalmente envolvente y atrapante, esta mística banda sonora, no es la excepción.

Compuesta por Josh Randall, Ramin Djwadi (sí chicos, si, es el mismísimo compositor de la banda sonora de Game of Thrones, mucho antes de que se volviera famoso) y Eric Brosius, la OST de System Shock 2 está caracterizada por envolver en un ambiente completamente tenso al jugador en cualquier parte del videojuego en el que se encuentra.

A pesar de que es un disco que tiene muchos elementos de Drum And Bass y Electrónica, también tiene muchísimos elementos ambientales y atmosféricos sumamente tensos.

Los primeros tracks se caracterizan por una música industrial sumamente fuerte que se escuchan al iniciar el juego, y realmente estas son lo mejor de la OST. Si bien resultan ser composiciones algo simples, ponen en un estado de frenetismo y locura al jugador mientras juega los primeros terroríficos niveles.

El resto de la OST, desarrolla su atmósfera tensa y turbia, pero no mucho menos interesante. Se encuentra en su mayoría después de los primeros niveles del juego. Realmente se pierde la energía escuchándola aparte como OST pero dentro del videojuego es sumamente atrapante y chocante.

No hay mucho más que decir acerca de la banda sonora, es excelente. Pero sí hablando del videojuego, si les encanta un buen survival horror, RPG o cualquier juego relacionado a la ciencia ficción, no se pierdan esta maravilla de videojuego. Tiene muchos elementos que caracterizaron a muchos juegos RPG futuros de primera persona (Incluyendo Bioshock, que es de los mismos creadores). La historia y la trama son brutales y realmente te hacen entrar en miedo absoluto.

En fin, recomendable ambas cosas. Jueguen este clásico del survival horror y se darán cuenta por qué fue tan innovador en su época.

Toto

Talk Talk – The Party’s Over (1982)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Talk Talk: 7,5
  2. It’s So Serious8
  3. Today: 8
  4. The Party’s Over: 7
  5. Hate: 8
  6. Have You Heard the News?: 6,5
  7. Mirror Man7,5
  8. Another Word: 7,5
  9. Candy: 7

Mark Hollis es EL hombre detrás de Talk Talk. Tras la ruptura con su anterior banda, The Reaction, a principios de los ochenta, se juntó con el bajista Paul Webb, el baterista Lee Harris y el teclista Simon Brenner, con quienes grabaría una serie de demos llevándolos a grabar sesiones con la BBC y a firmar con la discográfica EMI.

Por ese entonces EMI buscó que la banda no se escapara demasiado del new wave y synth pop imperante, por ello les asignó al productor de Duran Duran con quien grabaría su disco inicial, The Party’s Over, un albúm totalmente alejado de lo que más adelante se especializarían, pero así y todo demostraron que podían desenvolverse más que dignamente en ese rumbo.

A pesar de ser criticados por su similitud a Duran Duran y que no haya nada demasiado novedoso, The Party’s Over cuenta con pasajes agradables y bien logrados dentro de su género como “It’s So Serious”, “Today”, “Hate”, “Mirror Man” y “Talk Talk”.

A partir de este despegue inicial que los dio a conocer, Talk Talk iría sofisticando su música y ofrecer propuestas mucho más elaboradas lanzamiento tras lanzamiento, desprendiéndose cada vez más de los sintetizadores y apostando por temas largos, experimentales, artísticos, con influencias de jazz y a su vez nulamente comerciales.

F.V.

Panic! at the Disco – Pretty. Odd. (2008)

 

Puntaje del Disco: 8,5

  1. We’re So Starving: 9
  2. Nine In the Afternoon: 9
  3. She’s a Handsome Woman: 7
  4. Do You Know What I’m Seeing?: 7
  5. That Green Gentleman (Things Have Changed): 10
  6. I Have Friends In Holy Spaces: 9
  7. Northern Downpour: 9
  8. When the Day Met the Night: 8
  9. Pas de Cheval: 9
  10. The Piano Knows Something I Don’t Know: 7
  11. Behind the Sea: 8
  12. Folkin’ Around: 8
  13. She Had the World: 9
  14. From a Mountain In the Middle of the Cabins: 7
  15. Mad as Rabbits: 7

Lanzado en 2008, Pretty. Odd. fue el segundo disco de Panic! at the Disco, el cual significó un gran cambio con respecto a su predecesor (A Fever You Can’t Sweat Out del 2005). Tanto en el disco, como en la portada, sus videos, su ropa y en absolutamente todo se destaca una influencia “beatle” extrema. Y también es notorio es que Ryan Ross, guitarrista de la banda, toma el mando en cuanto a la composición musical (apareciendo como autor o coautor de 13 de las 15 canciones). En toda la obra Ross y Urie juegan a ser Lennon y McCartney.

Como los Beatles en el Sgt pepper’s, la banda arranca el álbum presentándose con “We’re So Starving”. Luego aparece “Nine In the Afternoon” y de nuevo suenan como los “fab four” de Liverpool, con un aire a “A day in the life” y “Hello Goodbye”.

Uno de los puntos fuertes del disco son las armonías vocales, muy bien logradas por ejemplo en “That Green Gentleman (Things Have Changed)”, una de las mejores canciones de la placa. En “I Have Friends In Holy Spaces”, una de las dos canciones no compuestas por Ross, Brendon Urie canta con su ukulele en un estilo music hall escuchado desde un vinilo. Esta canción le da paso a “Northern Downpour”, donde se empieza a oír cada vez más a Ryan Ross, quien será la voz principal en “Behind the Sea” (que arranca con un ritmo lento para terminar con uno totalmente festivo).

Otras canciones destacables son “Folkin’ Around”, de genero country con violines y guitarras, y “She Had the World”,  donde la música clásica está fuertemente presente.

Debido al rotundo giro musical, el disco no fue tan bien recibido por los fans y las ventas no fueron las esperadas, a pesar de no haber recibido malas críticas.

Este trabajo fue un antes y un después debido a que Ryan Ross y Jon Walker (bajista) dejarían la banda, quedando solo en ella Brendon Urie y Spencer Smith (baterista), volviendo a sus raíces musicales, y más adelante convirtiéndose en un proyecto solista de Urie. Por su parte Ross y Walker armaron The Young Veins, banda que seguiría la línea de Pretty. Odd. En las siguientes giras no se volvieron a tocar ninguna de las canciones del disco, algo lógico al no estar Ross en la banda.

Lamentablemente no será tan recordado, pero es increíble como la banda se animó a hacer algo tan distinto y tan bien logrado cuando podrían haber seguido con el estilo de su álbum debut que los había llevado a la fama previamente.

Atención: el disco no se digiere totalmente en la primera escucha ya que las siguientes reproducciones del mismo harán que se noten coros y arreglos instrumentales que no se percibieron la primera vez. En definitiva es un álbum de pop barroco y psicodélico grabado en 2008.

Tomás

The Kinks – Low Budget (1979)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Attitude8
  2. Catch Me Now I’m Falling8,5
  3. Pressure8
  4. National Health8
  5. (Wish I Could Fly Like) Superman8
  6. Low Budget7,5
  7. In a Space4,5
  8. Little Bit of Emotion5,5
  9. A Gallon of Gas7
  10. Misery6,5
  11. Moving Pictures7,5

La versión más rockera de los Kinks aunque no la más sobresaliente. Luego de varios fracasos tratando de hacer discos conceptuales u operas Rock, Ray Davies en Misfits había decidido girar hacia una versión más convencional que ya tenía insinuaciones hacia el Hard Rock. En Low Budget eso se profundiza pero tomando elementos de bandas que sonaban en aquellos años.

De esta forma en Low Budget diversifican mucho. Encontramos Hard Rock dinámico (“Attitude”), con cambios de ritmo (“Catch Me Now I’m Falling”), Punk Rock  (“Pressure”),  Blues Rock (“A Gallon of Gas”) o incluso elementos de la música disco (“National Health”). Pero la mayoría de los cortes tienen un común denominador, que los Kinks ya no eran la banda  Britpopera de los sesenta, sino que estaban apostando a un estilo más Rockero y también efectivo.  Y en ese sentido Dave Davies ofrece sus Riffs distorsionados y por momentos parece más endemoniado en guitarra.

Eso lo combina Ray con letras que hacen más foco en problemas contemporáneos de esa época. Crisis energética, inflación, una síntesis de lo que es Argentina hoy en día. Por lo que parece un disco muy atractivo. Y ciertamente es bastante divertido en la primera parte del disco.

Lamentablemente en la segunda mitad, a partir de “In a Space” (un tema lisa y llanamente malo, por su melodía que apesta) marca un quiebre negativo, donde los temas se tornan un poco más genéricos y menos divertidos. De todas formas, Low Budget es un buen disco, el mejor de los Kinks luego de varios fracasos.

Persy

Air – Pocket Symphony (2007)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Space Maker: 7
  2. Once Upon a Time: 6,5
  3. One Hell of a Party: 7,5
  4. Napalm Love: 7
  5. Mayfair Song: 6,5
  6. Left Bank: 7
  7. Photograph: 6
  8. Mer du Japon7,5
  9. Lost Message: 6
  10. Somewhere Between Waking and Sleeping7,5
  11. Redhead Girl: 7
  12. Night Sight: 6,5

Jean-Benoît Dunckel y Nicholas Godin son Air, una de las agrupaciones electro pop fundamentales de las últimas décadas que supo entregar espléndidas obras como su extraño y cautivador debút Moon Safari (1998) y el memorable y elegante Talkie Wakie (2004), pero con Pocket Symphony, lanzado el 6 de Marzo de 2007, se quedarían a mitad de camino.

Repetitivo, por momentos hasta somnoliento y aburrida, se trata de las obras más accesibles y menos interesantes de los franceses, donde predominan los medio tiempos y los temas instrumentales.

Las colaboraciones de Jarvis Cocker en “One Hell of a Party” y Neil Hannon en “Somewhere Between Waking And Sleeping” aportan menos de lo esperado, aunque junto al delicado y sexy “Mer du Japon” (inspirada en la banda también gala Taxi Girl, donde participó el reconocido productor Mirwais en los ochenta) resultan ser las piezas fundamentales.

Pocket Symphony solo logra despegar en cuentagotas y el resultado final es discreto con pocos indicios de momentos brillantes anteriores que recuerden minimamente al universo hipnotizante que Air puede ofrecer.

F.V.

Nothing But Thieves – Broken Machine (2017)

Puntaje del Disco: 9

  1. I Was Just a Kid: 9,5
  2. Amsterdam: 10
  3. Sorry: 8,5
  4. Broken Machine: 9
  5. Live Like Animals: 9
  6. Soda: 8,5
  7. I’m Not Made by Design: 10
  8. Particles: 10
  9. Get Better: 8
  10. Hell Yeah: 9
  11. After Life: 8
  12. Reset Me: 9
  13. Number 13: 10

En un mundo donde la sociedad cada vez está más y más enfocada en ir de fiesta, salir de divertirse y hacer de todo menos enfrentar sus problemas, llega este disco, Broken Machine, por parte de una de las bandas “promesa” del Rock actual, con un estilo bastante dinámico que pasa de lo energético a lo tranquilo canción a canción.

Después de atravesar por una depresión bastante fuerte, el cantante de esta agrupación, Conor Mason, toma lo mejor y lo peor de la experiencia para construir bastante bien este álbum. Cada tema sin lugar a dudas te transmite lo que debe transmitir, como el enojo en “Amsterdam”, o la tristeza e impotencia en “Particles”. Y a pesar de tener letras un poco abstractas, como el caso de “Sorry”, que sin ver el video la gente podría darle diversas interpretaciones, es una canción que transmite arrepentimiento. Sin olvidar mencionar que al prestar atención a las letras se pueden encontrar mensajes de protesta a la religión y el sistema que actualmente rige al mundo, tal es el caso de “I’m Not Made By Design” y “Live Like Animals”.

Esta banda hace un uso muy acertado con las nuevas tecnologías como sintetizadores, octapads, pedales de guitarra y bajo, además de contar con una producción que sobra de calidad, las baterías y los bajos potentes con los que cuenta cada canción, que dan solidez al sonido que Nothing But Thieves fue formando desde su anterior álbum. Los contrapuntos que hacen ambas guitarras y la potente voz del intérprete hacen denotar minuto a minuto el compromiso que estos chicos tienen con entregar un trabajo de calidad. Sin embargo, el disco cuenta con un par de canciones que bien podrían ser catalogadas de relleno, como el caso de “Get Better” y “After Life”, ya que considero que incluso sin ellas la narrativa se mantiene bastante constante.

El trabajo más notable de esta agrupación puede verse reflejado en vivo. Nothing But Thieves es una banda que mantiene encendida la llama del rock, que con su estilo musical y sonido puede lograr mucho más que otros grupos actualmente que han olvidado la parte más importante de la música: sentir.

Jack In Blue

Animal Collective – Here Comes the Indian (2003)

Puntaje del Disco: 3,5

  1. Too Soon: 4
  2. Native Bell: 3,5
  3. Daylight: 5
  4. Chant: 3,5
  5. Two Sails: 3,5
  6. Slippi: 5,5
  7. Infinite Dressing Table: 4

Más integrantes no siempre implica más calidad. En sus primeros discos Animal Collective había demostrado que había llegado al mundo para ser una banda experimental, pero no había logrado grandes cosas desde su avant garde. En Here Comes the Indian incorporan al cuarto miembro que faltaba para terminar de conformar su alineación definitiva. Sin embargo, con la agrupación ahora conformada por Avey Tare (David Portner), Panda Bear (Noah Lennox), Geologist (Brian Weitz) y Deakin (Josh Dibb), en lugar de empezar a pulir y mejorar su sonido lo único que logran es seguir profundizando su sinsentido experimental.

Here Comes the Indian es puro ruido caótico. No es exactamente como Metal Machine Music de Lou Reed, que es puro ruido uniforme, sino que al menos varían un poco en su sonoridad. De todas formas no estamos hablando de Noise Rock en el cual podemos disfrutar de alguna atmósfera o melodía. Eso nunca llegan a lograrlo en Here Comes the Indian, como si se hubieran olvidado de hacer lo esencial: música.

Así desde “Too Soon” arrancamos este camino de puro caos, pasando por momentos de bullicios histéricos (“Native Bell”), pasajes de Noise lentos y eternos que no llegan a nada (“Daylight”, “Two Sails” y “Infinite Dressing Table”, para terminar de redondear un álbum realmente decepcionante.

Persy

The Dandy Warhols – This Machine (2012)

Puntaje del Disco: 7

  1. Sad Vacation7
  2. The Autumn Carnival8
  3. Enjoy Yourself: 8,5
  4. Alternative Power to the People: 7,5
  5. Well They’re Gone: 6,5
  6. Rest Your Head: 7,5
  7. 16 Tons: 6,5
  8. I Am Free7
  9. Seti vs. the Wow! Signal: 8
  10. Don’t Shoot She Cried: 6
  11. Slide7

Los estadounidenses Dandy Warhols vuelven luego de unos discos variados, alternativos y sin demasiada cohesión a su versión más roquera y directa con su octavo trabajo con nuevas canciones, This Machine, publicado en Abril de 2012.

Los de Portland logran sonar revitalizados, continúan con su estilo psicodélico y denso pero con melodías sencillas y accesibles que rapidamente se destacan como “The Autumn Carnival”, “Enjoy Yourself” y “Seti vs. the Wow! Signal”, pero a su vez carecen de sorpresa y algunas composiciones son repetitivas, algo aburridas y de escasa inspiración.

This Machine supone que los Dandy Warhols se encuentran mejorando con la edad y simplificando su propuesta sin complejos y sin tratar de encajar en las modas pasajeras. Si mantienen esta postura y continúan estables sin dudas van a entregar lo mejor de su repertorio en el futuro cercano.

F.V.

10cc – Deceptive Bends (1977)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Good Morning Judge: 9
  2. The Things We Do for Love: 9
  3. Marriage Bureau Rendezvous: 8,5
  4. People in Love: 7,5
  5. Modern Man Blues: 7,5
  6. Honeymoon with B Troop: 8,5
  7. I Bought a Flat Guitar Tutor: 8
  8. You’ve Got a Cold: 7
  9. Feel the Benefit: 8

La versión dúo de 10cc pero con el estilo y el nivel intactos. Previo al quinto disco de estudio de 10cc, la banda sufriría dos bajas que casi determinarían su disolución absoluta. Kevin Godley y Lol Creme partiría en 1976 para conformar el dúo Godley & Creme. De esta forma quedarían solo  Eric Stewart y Graham Gouldman como dúo sobreviviente y un año más tarde lanzarían Deceptive Bends.

Según Eric Stewart el disco fue grabado rápidamente buscando tener un sonido más directo. Y en parte se nota, porque nos encontramos con un Pop Rock más bien convencional, pero entretenido y de muy buenas melodías. Y ese Pop Rock tiene ciertas variantes en lo que hacen. Por momentos pueden hacer un estilo más Hardrockero como “Good Morning Judge” (que parece una mezcla entre Zeppelin y Lynyrd Skynyrd) o pueden tener una onda más Pop recordando a Paul McCartney como en “The Things We Do for Love”.

Justamente ese doblete inicial es lo mejor que van a escuchar del álbum, luego paulatinamente las composiciones se vuelven un poco más genéricas. Por ejemplo, la balada “People in Love” y el Pop Rock “Modern Man Blues” tienen un nivel bastante promedio que no dice mucho.

De todas formas lo que ofrecen en Deceptive Bends es bastante sólido, encontrando algún momento interesante como el extravagante Pop “Honeymoon with B Troop” o la Suite de 11 minutos tributo a los Beatles “Feel the Benefit” (con su sonido demasiado parecido a “Dear Prudence”).

Persy

Deadsoul Tribe – The January Tree (2004)

Puntaje del Disco: 8

  1. Spiders and Flies: 8
  2. Sirens: 8
  3. The Love of Hate: 7,5
  4. Why?: 9
  5. The Coldest Days of Winter: 7,5
  6. Wings of Faith: 8
  7. Toy Rockets: 8
  8. Waiting For The Answer: 8,5
  9. Just Like a Timepiece: 8,5
  10. Lady of Rain: 8

Deadsoul Tribe es una banda formada en Austria en el año 2000, por el cantante, guitarrista y compositor Devon Graves, anteriormente miembro y líder de la mítica y oscura banda de metal progresivo Psychotic Waltz. Se disolvieron en el año 2010.

La música de Deadsoul Tribe consiste principalmente en un metal progresivo, totalmente influido por bandas como Tool, pero con una atmósfera mucho más oscura, como la de Psychotic Waltz, y con mucho uso de elementos tribales. Esto se esclarece más a partir de este disco y el anterior, A Murder of Crows del 2004, aunque ya se veían ciertas atmósferas en su debut del 2002.

The January Tree es el tercer disco de la banda y fue lanzado un año después del mítico A Murder of Crows en el año 2004. Principalmente consiste en la misma estructura y atmósferas de su álbum anterior, aunque dentro de este disco las canciones son un poco más básicas en composición, no llegando al mismo ambiente claustrofóbico y aterrador de canciones como “Angels In Vertigo” e “In The Garden Made of Stones” (ambas de A Murder of Crows), pero aún con ciertos sonidos lentos que no quedan lejos de mencionadas composiciones.

Y así tenemos composiciones solidas como “Spiders and Flies” con un interludio acústico melódico, las crudas y sombrías “Sirens” y “Love of Hate”, la excelente “Why?” y canciones semi acústicas, dandole un ambiente nuevo a la banda sin perder su característica como “Just Like a Timepiece” y la hermosa “Lady of Rain”, también yendo a ambientes casi industriales como “Wings of Faith”.

La voz de Devon Graves es excelente, llegando a notas altísimas y dándole un ambiente más sombrío a las canciones acompañados ya de los instrumentos como la flauta y piano. Un claro ejemplo es “Waiting For The Answer”, con un estribillo sumamente frío. Los riffs y la batería son dignos de bandas como Tool, pero la instrumentación y la composición de Devon Graves hace que no suenen como a una copia, sino más bien a una banda sumamente influida pero con personalidad propia.

No queda nada más que decir de este álbum. Si andan buscando bandas similares a Tool, prueben escuchando esta, su discografía es excelente, sobre todo para la corta vida que tuvo.

Toto

Tyler, The Creator – Flower Boy (2017)

Puntaje del Disco: 8

  1. Foreword: 7
  2. Where This Flower Blooms8,5
  3. Sometimes…:
  4. See You Again: 8
  5. Who Dat Boy: 9
  6. Pothole: 8
  7. Garden Shed: 8
  8. Boredom: 7
  9. I Ain’t Got Time!: 8
  10. 911 / Mr. Lonely: 9
  11. Droppin’ Seeds7
  12. November:
  13. Glitter: 7,5
  14. Enjoy Right Now, Today: 8

De herencia nigeriana y afroamericana, Tyler Gregory Okonma, conocido como Tyler The Creator, comenzó a rapear en su Los Angeles natal casi como un juego a los siete años. Ya cumplida la mayoría de edad lanzaría su primer mixtape, Bastard (2009) y dos años después fue capaz de lanzar su primer LP solista: Goblin y además de eso participar de distintas grabaciones junto al grupo de rap, Odd Future.

Con una carrera en constante ascenso, Tyler comenzó a ser tomado en serio el año pasado en forma casi unanime gracias a su cuarto lanzamiento individual, el sorprendente Flower Boy. Producido enteramente por el y con apariciones de luminarias del hip hop como Frank Ocean, Lil Wayne y Pharrell Williams, entre otros.

Flower Boy es su trabajo más honesto desde las letras (sugiriendo que es bisexual o homosexual) y complejo desde lo musical. Es a su vez ecléctico e introspectivo y compuesto por algunas composiciones experimentales influenciadas evidentemente por el soul como “Who Dat Boy”, “911 / Mr. Lonely” y “Where This Flower Blooms” forman los momentos culmines del álbum para este joven artista (una de las revelaciones del 2017) que parece haber alcanzado la madurez y estar atravesando el pico de su creatividad.

F.V.

The Brian Jonestown Massacre – Give It Back! (1997)

Puntaje del Disco: 8

  1. Super-Sonic: 8
  2. This Is Why You Love Me: 8
  3. Satellite: 7,5
  4. Malela: 8,5
  5. Salaam: 8
  6. Whoever You Are: 8,5
  7. Sue: 7,5
  8. (You Better Love Me) Before I Am Gone: 8
  9. Not If You Were the Last Dandy on Earth: 8
  10. #1 Hit Jam: 8
  11. Servo: 7,5
  12. The Devil May Care (Mom & Dad Don’t): 8,5
  13. Their Satanic Second Request:

La obsesión por las bandas de los sesenta no parece tener límites para The Brian Jonestown Massacre. Luego de la muy buena trilogía que lanzaron en 1996, la banda de Anton Newcombe, no detuvo su marcha y en 1997 siguió arremetiendo lanzando Give It Back!  en el cual siguen rindiendo tributo a sus héroes de esa década.

En Give It Back! el espectro de bandas sesentosas se amplia, dejando en claro que pese a la adoración hacia los Rolling Stones (como su nombre lo sugiere), también toman referencias de otros grupos. El ejemplo más claro es “This Is Why You Love Me” que es una reescritura obvia de “I’ll Feel a Whole Lot Better” de los Byrds.

Por otro lado, la banda parece sentirse cada vez más cómoda dentro de este estilo. Lo cual por un lado implica que empiezan a delinear su sonido, aunque con tanto ahínco en  sus influencias que pueden resultar poco auténticos. Por otra parte, lo que hacen en Give It Back! Es algo que ya escuchamos de ellos antes, por lo que no genera mucha sorpresa. Y además las melodías no son extraordinarias.

De todas formas, el material de Give It Back! es sólido en general. “Malela” es de lo mejorcito que se puede encontrar en el álbum por esa onda oscura y rancia que recuerda a The Animals. También se destaca “Whoever You Are”, de muy buena melodía y buen riff de bajo. Y si bien algunas canciones como “Sue” pueden ser un poco excesivas (le sobran unos 5 minutos), lo que hace BJM es interesante como revival de otra época y también es para aplaudir por su hambre de seguir lanzando discos en tan poco tiempo.

Persy

Mark Lanegan – Scraps at Midnight (1998)

Puntaje del Disco: 8

  1. Hospital Roll Call: 8,5
  2. Hotel: 7,5
  3. Stay8
  4. Bell Black Ocean: 8
  5. Last One in the World: 7
  6. Wheels: 7,5
  7. Waiting on a Train: 8,5
  8. Day and Night: 7,5
  9. Praying Ground8
  10. Because of This8

Como todo buen artista de culto Mark Lanegan no intenta ser accesible a cualquiera, y para su tercer álbum Scraps at Midnight (1998), su introspectiva mezcla de blues, folk y country se volvería más compleja como cautivante a la vez.

El ex cantante de Screaming Trees se despacha con relatos confusos sobre perdidas, pecados, amor , rehabilitación y hasta un tema que se rumorea que está dedicado a su amigo y colaborador Kurt Cobain, quien trágicamente se suicido hacía poco tiempo en “Last One in the World”.

Scraps at Midnight esta entre sus discos más sólidos como solista, sin la genialidad de Whiskey for the Holy Ghost (1994), pero con canciones fuertes y composiciones apasionadas.

Su camino continuaría con un material compuesto íntegramente por versiones I’ll Take Care of You, al año siguiente, con lanzamientos esporádicos pero igualmente celebrados y participaciones con grupos de la talla de Queens of the Stone Age. Sobre esta nueva aventura Mark contaba lo siguiente: “Fui bendecido por la oportunidad de colaborar con gente muy distinta. Y es algo que, definitivamente, disfruto mucho. Afortunadamente, en cada uno de los casos sentí que estaba capacitado para hacerlo. Es lo que hago, pero no sé si considerarme un “colaborador”. Cada situación involucra un punto de vista diferente. Y, hasta ahora, creo que he funcionado correctamente en los distintos planos en los que me tocó participar. Con QOTSA hice un montón de shows y la pasé muy bien. Amé a la banda, a los chicos y a la música.”

F.V.

The Doors: The End

This is the end… El fin del Festival de The Doors, el últimos campeón del Mujndial de Bandas de Persi Music. Y para darle un cierre, rememoramos la brillante entrevista del más allá que gente cercana al sitio le hizo a Jim Morrison.

Entrevista a Jim Morrison

En las puertas abiertas del huija nos encontramos con un amigo de hace mucho tiempo, el cual, en su habitual estado de ebriedad, se prestó a concedernos un reportaje… Con ustedes JAMES DOUGLAS MORRISON:

Tras prender algunas velitas (de bajo consumo) en la mesita de luz… y sostener la copa en la mano… el espíritu de Jim Morrison se apareció… y nos pidió trago…

Sir Fucker de Notingan (reportero del Buenos Aires New): ¿Quién sos?

Jim: (silencio) Jim

Fucker (asustado): ¿QUÉ sos?

Jim: jaja un ser humano sensible, con alma de payaso que lo empuja a cometer actos humillantes sin desearlo… soy una broma de los dioses.

Fucker (perplejo): Jim… ¿Qué piensa de la poesía la gente que te cree un payaso?

Jim(silencio… se cae una botella al piso) solo quieren mi p#ja bien plantada en sus orificios… no creo que nadie siquiera escuche lo que digo… desde que no percibo el mundo de los vivos me di cuenta de que…

Fucker: ¿están muertos los vivos entonces?

Jim: Son monstruos… en busca de algo que cuando encuentran juzgan, maldicen, castigan y matan… el universo tiene maneras muy peculiares de eliminar criaturas como nosotros.

Fucker: ¿Si ellos ganan las batallas que jugamos… podremos ganar la guerra?

Jim: jajajajajajaja…(silencio) ¿De qué hablas, hermano?

Fucker: Si las perversas leyes del universo fueron diseñadas para eliminarnos…. ¿Podremos alguna vez ver el amanecer?

Jim: ¿El amanecer viene todos los días hermano? ¿Tienes ojos para resistir las pestañas del sol?… (silencio) (ruido de cascada y pequeño maelstroms… de esos inodoros) jajajjajajajjajajaj… uoh… ¿Qué iba a decir????

Fucker (?): La excesiva exposición televisiva transformó nuestras vidas en dunas empantanadas en medio del desierto… ¿Qué piensas Jim de los medios de comunicación? … de esta sociedad que nos pervierte… ¿Es esto una película o es real?

Jim: Mira tu sangre, hermano, y veras que es real… (Silencio… trago de algún brebaje…). La humanidad ha sido pervertida desde antes del cable… El mundo en sí mismo es pura y absoluta voluntad de poder. Encamínate al camino de la serpiente… al jardín obsceno.

Fucker: la sangre es la única poesía… la antena parabólica de tu cabeza recibe todos los canales del universo en el mismo parpadeo… ¿Qué es lo que ves, Jim? ¿Es la serpiente, el demonio o simplemente un ángel desempleado?

Jim: (silencio… silencio… indescifrable) ¿Qué ves vos que estas vivo?

Fucker (poseído por satanás): la cara de todos los que me vieron y nunca existieron. Mi propia cara mirandome desde el fondo de los ojos de mi futuro…. el Aleph, la Betha, la Gama… el miserable universo que dios pudo construir en tan solo seis días… un ganga… lo que vos viste cuando moriste… el secreto que no se puede decir y decimos para que nadie nos entienda….

JimNo he… (Sonido de trago) visto nada… solo viene ella, inmaculada… cuando menos la esperamos.

Fucker: la NADA, el horrible lunar de nuestros planes….. la inmaculada Madona que nos hipoteco el paraíso Eva ….. ¿Qué es mejor para la salud de nuestro karma: el paraíso o el infierno? ¿Dónde está la verdad? ¿Por qué nos jugaríamos la eternidad?

Jim: ¿Pam? ¿Dónde estás, Pam? ¿Pam?

Fucker: ¿Existe el amor cuando estamos muertos?

Jim: La muerte no separa… solo la falta de amor.

Fucker: ¿Pero puede el amor sobrevivir a la muerte?

Jim: Lo que existe sobrevive, es la fase de la luna eterna la que estudia el anillo de las creaciones… (silencio) somos dibujos… ¿vos crees en el amor?

Fucker (consternado): Creo que el amor es una construcción imposible. Creo que el amor es como un simio conduciendo una nave espacial. Es algo absurdo. Es algo que supera la capacidad del hombre. El amor se muere. El amor necesita que le des respiración boca a boca. Porque no existe y necesita resucitar. ¿Cristo, donde estas cuando te necesitamos?

Jim: jajjajaja el amor es el fuego… siempre depende del uso…  ¿cristo??? La noche persa asoma su irreverencia por los ríos de estigia, bebe de él… veras las estacas falsas del carpintero de Nazareth… el amor es superior a…

Fucker: veras los barcos de papel rodando por el leteo y seremos nosotros. De noche olvidando lo que hicimos durante el día. El amor es efecto de un olvido. Hemos olvidado hace rato lo que eramos. Ángeles rapaces huidos de un cielo que nunca existió. El amor es ficción o comedia… es simplemente el residuo de una máquina que intento exterminarlo…. Pero Jim…. Desde el más allá… ¿Qué es lo único que lamentas? ¿Qué es lo más triste de estar muerto?

Jim: Nada… (Silencio) ¿Me podrías contactar con alguien desde ahí??

Fucker: Yo no estoy conectado con todo lo demás…. la verdad si vos que estas en los cielos me podes contactar con alguien más… sería mi felicidad… porque acá… los que estamos vivos… estamos demasiado solos…. Jim ¿existe la posibilidad de encuentro entre dos personas? ¿O es una ficción que inventaron las películas para que no nos sintamos tan tristes?

Jim: ¿Solo? ¿Con tanta gente? ¿Ganaron lo republicanos de nuevo????!!!!

Fucker: Gente… gente… hay demasiada gente…. pero la gente…

Jim: Cada individuo en este universo planteo un cambio desde su nacimiento… si alguien logra eso debe ser interesante conocerlo… o conocerla, da lo mismo… mira hermano… los días extraños a tu alrededor… seres únicos te brindan aventuras… es una manera de desenredarse…

Fucker: Pero nosotros somos monadas… hombres y mujeres que carecen de puertas y ventanas … entre nosotros dos no hay puente ni abismo… tan solo una desconsoladora nada que nos separa … un silencio que nunca podremos superar…. Jim vos estas muerto… Yo vivo…. o al revés… todo eso da igual…. las flores se caen…

Jim: ¿Puertas?? jajjjaajaja… The Doors… hace muchos que dije que era el final… lo único que te digo (Luca Prodan se acerca) es que yo estoy muerto porque lo encontré… el mundo encerró su secreto en una isla solo para pocos… seguiremos otro día… en un día extraño… quizá filmemos una película blanco y negro… (se va con Luca y desaparece entre la niebla).

Fucker (desorientado): Otro dia Jim… yo traigo la Super 8… y filmamos la película… ahora la negrura del silencio absorbe mis ojos… adiós Jim…. nos veremos pronto… en algún cuadro de alguna película que todavía no filmamos…. pero filmaremos….

Info de la Entrevista: La misma fue rescatada de un antiguo Blog (que ya no existe) en el que colaboraba Persy y Barba. Es un rescate emotivo dedicado a Gerra, amigo, dibujante oficial del Persi Music (él mismo es el autor del dibujo de esta nota) y por supuesto fan de los Doors. En la entrevista Gerra interpretó a Jim y nuestro amigo Fucker a Fucker…

The Doors -Live in Pittsburgh 1970 (2008)

Doorspittsburgh1970

Puntaje del Disco: 8 

  1. Back Door Man: 7
  2. Love Hides: 7
  3. Five to One:
  4. Roadhouse Blues: 8.5
  5. Mystery Train: 7.5
  6. Away in India: 6
  7. Cross Road Blues: 7
  8. Universal Mind: 7
  9. Someday Soon: 8
  10. When the Music’s Over: 8
  11. Break On Through (To the Other Side): 9
  12. Push Push: –
  13. The Soft Parade Vamp: 7.5
  14. Tonight You’re In for a Special Treat: 8
  15. Close to You: 8
  16. Light My Fire: 9

Editado en 2008, Live in Pittsburgh 1970, es el título del sexto álbum en vivo de The Doors, que recopila la presentación que la banda realizó el 2 de Mayo de aquel año en el Civic Arena de la ciudad estadounidense.

Siendo el disco en vivo del grupo de menor duración, el álbum extiende a lo largo de un poco más de una hora, un variado repertorio de la legendaria agrupación, matizado por algunos covers de temas clásicos, como “Cross Road Blues” de Robert Johnson, “Mystery Train” de Junior Parker y “Back Door Man” que abre la presentación.

Acorde a su estilo Jim Morrison despliega toda su energía y elocuencia, mientras que Manzarek, Krieger y Densmore dejan en claro la enorme calidad que tenían y porqué The Doors había logrado conquistar al público.

Piro

The Doors – Live at the Bowl ’68 (2012)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Show Start/Intro:
  2. When the Music’s Over: 8,5
  3. Alabama Song (Whisky Bar): 8
  4. Back Door Man: 7,5
  5. Five to One: 8,5
  6. Back Door Man: 8
  7. The WASP (Texas Radio and the Big Beat): –
  8. Hello, I Love You: 8,5
  9. Moonlight Drive: 8,5
  10. Horse Latitudes:
  11. A Little Game: 8
  12. The Hill Dwellers: 8
  13. Spanish Caravan: 9
  14. Hey, What Would You Guys Like To Hear?:
  15. Wake Up!:
  16. Light My Fire: 9
  17. Light My Fire (Segue): –
  18. The Unknown Soldier: 9
  19. The End (Segue):
  20. The End: 8,5

Existen varios discos en vivo de The Doors dando vueltas. Uno de los más aceptados fue el que grabaron en Julio de 1968 en el Hollywood Bowl de los Angeles. Originalmente Live at the Bowl ’68 tenía solo 22 minutos de duración, incluyendo 3 cortes de Celebration of the Lizard, pero con los años aparecieron distintas versiones con más canciones hasta llegar ante la que tienen frente a ustedes en este momento.

En el momento en que fue grabada esta presentación nos encontrábamos en vísperas de Waiting for the Sun, que si bien no es el mejor álbum de los Doors, es el que continuaba los dos mejores discos de su carrera, su homónimo debut y Strange Days. Así que la banda se encontraba bastante fresca, prácticamente en su pico artístico.

En cuanto a la calidad del material, lo que ofrecen es bastante parejo aunque raramente sus versiones en vivo superan a las versiones de estudio de sus canciones. El setlist empieza con uno de sus temas longevos, “When the Music’s Over”, en una versión bastante decente donde Jim Morrison improvisa un poco e incluso lanza gritos desgarradores. Luego tenemos una especie de Medley conformado por “Alabama Song (Whisky Bar)”, “Back Door Man” y “Five to One”, encontrando su pico en esta última.

Más adelante aparecen más canciones de Waiting for the Sun, comenzando por el clásico “Hello, I Love You” que suena más salvaje que de costumbre. Le sigue un tema infravalorado de los Doors, “Moonlight Drive”, con ese particular y genial sonido que logra Krieger en guitarra, a la cual se le suma “Horse Latitudes” tomando su base.

Celebration of the Lizard tiene su momento con “A Little Game” y “The Hill Dwellers” que suenan bien. Y luego aparecen los mejores momentos del álbum. Primero “Spanish Caravan, la verdadera sorpresa del disco que sobrepasa expectativas en una versión más rockera que la de estudio. Y luego dos de los grandes clásicos de sus presentaciones en donde el grupo se da el gusto de improvisar sobrados minutos, “Light My Fire” y “The End”, junto a una muy buena versión de “The Unknown Soldier” en el medio.

Live at the Bowl ’68 seguramente no esté a la altura de considerarse uno de los mejores discos en vivo de la historia, pero es muy bueno y es un registro que cualquier fanático de The Doors disfrutará.

Persy

The Doors – In Concert (1991)

Puntaje del Disco: 8

Disco uno:

  1. House Announcer
  2. Who Do You Love?8,5
  3. Alabama Song (Whisky Bar): 8
  4. Back Door Man7
  5. Love Hides7,5
  6. Five to One: 9
  7. Build Me a Woman: 7,5
  8. When the Music’s Over9
  9. Universal Mind: 7
  10. Petition the Lord with Prayer:
  11. Dead Cats, Dead Rats: 7
  12. Break On Through (To the Other Side), #2: 9,5 
  13. Lions in the Street:
  14. Wake Up:
  15. A Little Game:
  16. The Hill Dwellers: 6,5
  17. Not to Touch the Earth: 8,5
  18. Names of the Kingdom: 6
  19. The Palace of Exile:
  20. Soul Kitchen: 8,5

Disco dos:

  1. Roadhouse Blues9
  2. Gloria: 7,5
  3. Light My Fire9,5
  4. You Make Me Real: 6
  5. Texas Radio & The Big Beat:
  6. Love Me Two Times: 9
  7. Little Red Rooster: 8,5
  8. Moonlight Drive: 7,5
  9. Close to You: 7
  10. The Unknown Soldier: 7,5
  11. The End9

Dentro del repertorio en vivo obligatoria de una banda legendaria del calibre de The Doors está In Concert, un álbum doble compuesto por algunos de sus shows en Estados Unidos (en su enorme mayoría excepto dos tracks grabados en un programa televisivo de Dinamarca) entre los años 1968 y 1970.

Detrás de la dificil tarea de seleccionar material en vivo de los Doors se encontró Paul A. Rothchild, histórico productor de la banda contratado por Elektra Records para esta misión.

El primer disco incluye casi por completo su anterior lanzamiento en directo Absolutely Live (1970) donde se pasean por algunos de sus clásicos como “Five to One”, “When the Music’s Over”, “Break On Through (To the Other Side)” y “Soul Kitchen”, y también varios fragmentos de poemas y manifiestos musicalizados leídos en forma actoral por Morrison.

En el segundo encontramos por un lado material innedito y por otro algunas interpretaciones que también formaron parte en otros de sus vivos. En este lado encontramos otros clásicos obviamente efectivos como “Roadhouse Blues”, “Light My Fire”, “Love Me Two Times” y “The End” y un cover bien logrado “Little Red Rooster”, que podría definirse como un tradicional blues al estilo Doors.

Según Rotchild la tarea de compilación de los conciertos fue muy laboriosa y requirió en algunos casos de juntar distintas performances: “No encontraba tomas completas de muchas canciones, entonces a veces tuve que pasar de la versión del tema en Detroit a la de Filadelfia promediando el mismo. Debe haber 2000 ediciones en este álbum.”

F.V.