Archivo de la categoría: Bandas de Rock Nacional Argentinas / En Español

Boom Boom Kid – Okey Dokey (2001)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Okey Dokey: 7
  2. Feliz: 7,5
  3. Tomar Helado: 6
  4. Let Me Go6,5
  5. My Smiling Fragile Heart: 8
  6. Jenny: 7
  7. La Vida Esta Bien Si No Te Rindes: 7,5
  8. Kitty: 7,5
  9. Endless Kinder7
  10. Julio: 6
  11. Pei Pa Koa: 8
  12. I Do: 8,5
  13. Medicina (música es)7
  14. Insulina7,5
  15. 20 Años: 8
  16. Automatic: 8
  17. Ticky Tak Fire: 4
  18. ¿Dónde?: 6,5
  19. I Don’t Mind: 8
  20. Brick By Brick7,5
  21. Blu: 7
  22. Strong: 7,5

Tras la disolución de Fun People, su principal referente el cantante y compositor Carlos “Nekro” Rodríguez forma un nuevo proyecto en este caso solista y bajo el nombre artístico Boom Boom Kid.

Manteniendo su sello característico y casi como una continuación de su anterior banda pero más accesible, lanzaría al poco tiempo Okey Dokey (2001). Donde continúan con la tónica de canciones cortas y de mezclar el ingles y el español constantemente, entre las cuales consiguieron cierta rotación en las cadenas musicales de la época como “Kitty”,  “I Do” o “I Don’t Mind”, convirtiéndose en una especie de icono o referente del rock under por aquel entonces.

Okey Dokey también es un disco con cierta bajada de línea política, aunque el propio “Nekro” lo relativice: “Está compuesto de mis flashes, de mi cosas. Si te hace bien fantástico, si te sirve, buenísimo. Yo no digo que sea la verdad. Sí quiero afectar haciendo chispa, buscando una reacción. Pero no creo que sea una biblia, ni pretendo que lo sea. Eso es peligroso y no me gusta. No quiero lavarme las manos de lo que digo, pero quiero que cada uno haga su propia interpretación. De la misma manera que yo interpreto y uso las cosas que me interesan y me hacen bien.”

F.V.

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Entrevista a Lucas Guinart y Los Ciclistas

Con su disco debut recientemente lanzado, titulado “Crónicas del Hombre Nuevo”, y en la antesala de su presentación en La Tangente (Honduras 5317, CABA) el 15/11 a las 21hs, Lucas Guinart y los Ciclistas  nos cuentan su historia en la siguiente entrevista.

Para quienes todavía no conocen su disco “Crónicas del hombre nuevo” ¿Cómo lo presentarían en pocas palabras y qué les dirían para que los empiecen a escuchar?

“Crónicas del Hombre Nuevo” de Lucas Guinart y Lxs Ciclistas es un disco de canciones de rock en castellano. Es bien ecléctico y te sorprende canción a canción. Una de las premisas de trabajo en la composición y producción del disco fue dejar que el estilo de cada canción se revelara por sí solo y así fue. Te invita a escucharlo completo y a volver a él. Las letras y el mensaje tienen mucho peso en la propuesta y es uno de los hilos conductores a lo largo de las 8 canciones que componen el disco. Voces bien al frente y estribillos para cantar marcan el estilo general.

¿Cuáles definirían como sus principales influencias?

Intentamos recuperar o incluirnos en la tradición del rock nacional en la vertiente marcada por Spinetta, Seru Girán, Soda Stereo entre otros. Hay pasajes bien cancioneros y otros que podríamos decir que son más progresivos con climas y synthes creando atmósferas. Todo esto sumado al intento de dejar nuestra propia impronta, formación y experiencias de vida.

 ¿Qué sensaciones les deja su primer disco “Crónicas del hombre nuevo”?

“Crónicas…” nos deja una sensación de plenitud, como disco debut del proyecto tiene todo los cuidados y detalles que se pretendían. También la sensación de alegría de haber trabajado con Juan Rosasco en Banda que tiene mucho que ver en que esto hoy en día esté funcionando. No podríamos pedir más. Ahora viene el tiempo de tocarlo en vivo y que crezca y se difunda.

¿Alguna anécdota para contarnos del proceso de grabación?

En el tema “Hombre Nuevo” teníamos que terminar con un coro con muchas voces, reverb así tipo cancha, así que metimos a todos los que estábamos en el estudio a cantar al mismo tiempo. El momento quedó registrado en video. Esto y otros clips de cómo se grabó el disco lo pueden encontrar en el canal de Youtube de la banda. Hay varias de esas, bromas, risas y mucha música.

¿Qué nos pueden adelantar de su próxima presentación en “La Tangente”?

La presentación del 15 de noviembre en La Tangente es un broche de oro para todo este año de presentación del disco. Vamos a compartir la fecha con Juan Rosasco en Banda y la verdad es que no se puede pedir más. Como siempre en nuestros shows le ponemos especial atención a que el público disfrute de un muy buen sonido y pueda apreciar no sólo la música sino que también las letras. Las voces son centrales más cuando tenés algo para decir. El show va a incluir los temas del disco más alguna que otra sorpresa que esperamos les guste.

Más info sobre la banda en sus Redes Sociales:

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Entrevista a Gabriel Taborda All Show

Gabriel Taborda y su grupo, una banda con varios años de trayectoria presentandose haciendo covers y rindiendo tributos a grandes artistas de los cincuenta y sesenta, hace poco lanzó su primer disco integrado por composiciones propias titulado Entre las cuerdas. Y en esta nota nos cuentan sobre ellos y su reciente lanzamiento.

¿Cómo nació “Gabriel Taborda All Show”? ¿Gabriel, cómo llegaron a la elección de tu nombre para el grupo?

Siempre fui muy de la idea de utilizar nombre de banda, muy de ese gusto porque la mayoría de los artistas que adoro se lanzaron en bandas y con el tiempo,  recién ahí se hicieron solistas pero en este caso tanto Laura Romero (mi señora y miembro de la banda) como uno de mis mejores amigos Pedro Pino que siempre me dio una mano con la parte publicitaria me aconsejaron enfáticamente que utilizáramos mi nombre esta vez. Ya habíamos estado en bandas anteriores con cada integrante, con Ricardo Mielgo (bajo) en los Poppy Floppy alla en los 80 y American Graffitti en los 90, banda esta útima que contaba con un baterista de reemplazo Lucas Muiño, que ahora es nuestro motor rítmico titular, y con Laura Romero es con la que prácticamente iniciamos juntos este proyecto en el que estamos y uno anterior hace unos cuantos años ya, ambos dentro de este siglo.

Luego de más de 10 años de de homenajes en vivo llega su primer disco de composiciones propias ¿Por qué tardó tanto tiempo en llegar?

Porque no eramos de grabar mucho, sino mas de tocar en vivo porque nos dejaba más conformes con el resultado que lográbamos, pero como todo, es hasta tanto encontramos la horma de nuestro zapato, las personas que le den al disco esas dinámicas que tanto trabajamos para las presentaciones. En este caso Marcelo Gros de La Plaza Records es quien mezclo el disco y post produjo y Alex Wharton de Abbey Road el que lo Masterizó. Algunas de las canciones del disco ya las veníamos tocando en algunos shows, es que todas fueron escritas en distintas épocas.

¿Qué es lo que más les gusta de su primer disco? ¿Cómo fue la experiencia de masterización en Abbey Road?

Lo que mas me gusta son 3 cosas: el concepto sonoro, es tal cual lo que quisimos reflejar, el hecho de que es sin duda muy referencial a todos los cantantes y músicos que amamos, asi muchos ya no estén físicamente, y por último que abarca varios estilos, pero siempre con una columna central que es el Rock and Roll, que es como se estilaban antes los discos. Abbey Road tiene un sistema de masterización online, y lo utilizamos. Uno de mis mejores amigos Mariano De Marco (es la otra guitarra que grabó en el disco) me regaló la primera masterizacion y cuando escuchamos el resultado de mandarlo a Abbey Road, terminamos enviandoles todo el material salvo una canción que lo mandamos a Nashville.

Entre sus covers hay versiones de clásicos de bandas como The Kinks, que no son tan populares en Argentina. ¿Qué bandas debería escuchar más la gente según su opinión?.

Cada cual tiene que escuchar aquello que le guste y los músicos tenemos que hacer lo posible para que le guste al que escucha,  lo que podamos ofrecerle, y creo siempre fue asi, pero para ser creíbles uno tiene que estudiar a fondo los estilos que aborda y aprender todo lo que se precisa para que una música determinada llegue a la gente por intermedio de uno. Ahora bien, en ese aprender, sobreviene inmediatamente una idea, y es que probablemente por este sector del mundo no hayamos tenido un acceso real a todas aquellas bandas como para poder elegir que nos gustaba realmente y que no, por consiguiente, si vamos a tocar Beat, o R&B o Rock and Roll por ejemplo, que sea manteniendo lo cierto, la verdad, y The Kinks, The Who, The Animals, The Hollies, The Swinging Blue Jeans, The Searchers, Petula Clark, Cilla Black, Manfred Mann,  entre tantos otros son parte de la realidad del R&B ingles de 1ra mitad de los 60, son la verdad y nosotros por consiguiente tenemos que contarla lo mejor posible.

Siendo un grupo que le rinde homenaje a bandas y artistas de los cincuenta y sesenta ¿Qué opinan del Rock de Hoy en día?

En todas las épocas hay artistas más al gusto de uno y otros que no los son tanto, pero eso es anecdótico,  lo importante es la llegada que tengan con su público y eso resulta indiscutible. A mí en lo particular me gusta el rock que en algún punto tenga un anclaje en lo antiguo, lo clásico, pero te repito, son gustos, y sobre eso no hay debate posible.

¿Cuáles son los próximos pasos de la banda?

Seguir aprendiendo sobre todo, tratar de mejorar todo lo que nos sea posible, seguir con las presentaciones incluyendo algunas canciones del disco, y comenzar a buscar otro concepto sonoro para comenzar a barajar la posibilidad de grabar un próximo intento, pero eso lleva tiempo.

Visita a su sitio para más info sobre la banda:  www.gabrieltaborda.com

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Entrevista a Mafankeque

Desde Bahía Blanca llega Mafankeque, una banda con influencias del Funk que recientemente lanzó su primer corte de difusión “Como la espuma” y que que próximamente lanzará su primer disco. Toda su historia en la siguiente entrevista.

¿Cómo fue que nació la banda? ¿Por qué eligieron “Mafankeque” de nombre?

La banda dio su primer recital en Enero de 2016. Nació creada por Lisando Fernández Bugnest (voz, guitarra y composiciones) y fue mutando en formación a lo largo de los primeros años: empezamos siendo 10 (!!!) personas, con dos guitarras, coros y vientos, pero a medida que el proyecto fue tomando forma quedamos sólo 5: Licho, Diego Marcovecchio (teclados, quien te escribe), Joaquín Agesta (percusión), Emiliano Rodríguez (bajo) y Coco Catanese (batería). Nos fuimos conociendo todos en la sala de ensayo que armó Licho, con el objetivo de llevar adelante un proyecto musical (que se terminó materializando en Mafankeque).

El nombre surgió porque cuando estábamos grabando una de las primeras maquetas, surgió un comentario: “Está buena esta idea, pero le hace falta algo más funk……. más fankecoso….. más fankeque”!

¿Qué dirían que los distingue como banda desde el Funk?

A pesar de considerarnos una banda de funk, fusionamos mucho pop y rock al punto de que nos cuesta comparar nuestro sonido con el de otras bandas. Tenemos como referentes a grupos como Illia Kuryaki, Los Tetas, Lo’ Pibitos y Militantes del Climax, pero aún así nuestra música suena diferente y tiene nuestro propio condimento.

¿Qué es lo que más destacan de su primer corte de difusión “Como la espuma”?

Lo que consideramos más destacado de este primer corte es que llegó en una etapa de madurez de la banda: los primeros dos años fueron dedicados a composición y puesta en vivo, y a la hora de grabar llegamos lo suficientemente ajustados como para que los temas suenen propios y maduros. También es un lujo contar con el saxofonista invitado Raúl Soto para este corte.

¿Cómo es la movida musical en Bahía Blanca hoy en día? ¿Con qué otros grupos comparten circuitos?

La movida musical en Bahía Blanca es sorprendentemente grande para el tamaño de la ciudad (sólo 400.000 personas). Hay un circuito de bandas muy interesante y de muchos estilos diferentes. Lo predominante es el jazz, el rock y el punk, pero desde hace algunos años comenzó a haber un lugar para el funk con la aparición de distintos grupos esporádicos (Soto Band, Bahía Ska Jazz, Afroninja Fonk Project). En este momento considero que somos muy pocas las bandas estables de este género (funk-rock-pop) en la ciudad. En una escena como ésta (mucho más limitada que la de Buenos Aires, por ejemplo) es más difícil lograr tocar en vivo seguido (porque hay menos convocatoria), pero con trabajo duro también se pueden obtener cosas muy buenas, porque gracias a la constancia de estos dos años durante este 2018 tuvimos la chance de tocar en escenarios y festivales muy grandes, como el Movistar Fri Music junto a Ciro y los Persas, telonear a Lo’ Pibitos y abrir el Festival de la Primavera en Monte Hermoso.

¿Para cuándo un disco o un EP de la banda? ¿Cuáles son sus próximos proyectos?

Este viernes 2 de Noviembre vamos a estrenar un nuevo video en vivo, y nuestro primer disco va a salir la primera semana de Diciembre! Tenemos algunos shows pautados para fin de año, y después vamos a estar publicando videos nuevos durante el verano, para retomar los shows en vivo desde marzo del año que viene y con material nuevo.

Seguí a la banda desde sus redes sociales:

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Entrevista a Cristian Languenari

Cristian Languenari, quien inició hace poco tiempo su carrera como músico dentro del Indie Folk, recientemente lanzó su primer EP  “Serendipity“, nos brindó esta entrevista para contarnos un poco de él.

¿Cómo nació tu carrera musical?

Mi carrera musical nació cuando era adolescente y empecé a tocar la guitarra e hice mis primeras composiciones. Hacía pequeñas composiciones que con el tiempo las iba mejorando y le buscaba otra vuelta para llegar al verdadero concepto que quería para la canción. A fines del 2016 comencé a tocar en vivo covers y al año siguiente iba presentando canciones propias en varios shows.

¿A quiénes definirías como tus principales influencias?

Mis grandes influencias han sido y sigue siendo bandas y artistas del rock británico como Johnny Marr, Oasis, Blur, New order, The Cure. También de otros artistas como Soda Stereo, Gustavo Cerati, INXS, Indochine.

¿Qué significa para vos tu reciente EP “Serendipity”?

Es un paso más en mi carrera al mostrar mi música y letra de forma grabada y publicada. Es una forma de expresarme a través de mis canciones. Diferentes sensaciones de estados e historias. Las canciones tienen un concepto cíclico en su mensaje, por ejemplo Serendipity, el cual da nombre al EP, es un concepto en el cual de forma inesperada se genera un encuentro casual con algo cuando se está buscando algo distinto.

¿Cómo fue el proceso de grabación del EP considerando que fuiste el principal artífice junto a tu productor?

Fue muy gratificante, un proceso profesional y de trabajo continúo para lograr la mejor calidad, buenos arreglos y muy buen sonido. Una buena química laboral junto al productor (Martín Di Lacio), ayudo a que se pudiese lograr un gran desarrollo musical y correcto direccionamiento hacia lo que deseaba plasmar en el EP.

Contanos sobre la tapa del disco ¿Cómo se te ocurrió?

Ocurrió gracias a un viaje que hice en Enero del 2017 a la Patagonia. Es el Lago Nahuel Huapi, fue el 23 de Enero, un día después de mi cumpleaños. Me encanto la inmensidad del Lago y la postal de la pareja. Saqué la foto, la guardé y cuando escuche las canciones y quería darle un concepto visual, consideré indicada y correcta esa foto.

¿Cuáles son los próximos proyectos a futuro?

Presentar el EP en vivo, seguir publicitando en las redes, Spotify (muy pronto) y otras tiendas, radios de Argentina y otros países, tener más entrevistas (ya tuve una en Argentina y otra desde México). Mostrar algunas canciones inéditas y en otros idiomas (alemán, francés y español).

Escucha Serendipity de Cristian Languenari desde AQUÍ.

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Pier – Seguir Latiendo (2004)

Puntaje del Disco: 7

  1. La Ultima Risa7,5
  2. Al Filo del Peligro: 6,5
  3. Ángeles del Olvido7
  4. El Paraguas Malvado de Porota5,5
  5. Juego Mufado: 6
  6. No Puede Dejarla: 7,5
  7. Los Pibes: 8
  8. Por Vos, Lo Doy: 7
  9. Late a tu Ritmo: 6,5
  10. Viajes Memorables: 8
  11. Conmovidos: 7

Seguir Latiendo (2004) continúa con la identidad de Pier, inspirado en los Redonditos de Ricota pero con una aspiración musical superior con intensidad y ciertas variantes interesantes, estas virtudes con el correr de los años se fueron convirtiendo en su marca propia.

Los hermanos Cerezo (Ramiro en voz y Agustín en guitarra) firman este trabajo de once composiciones, entre las que sobresalen temas que suenan compactos y bien realizados demostrando cierto virtuosismo como “Viajes Memorables”, “Los Pibes”, “La Ultima Risa” y “No Puede Dejarla”.

A pesar de que Ramiro intenta emular el registro de voz de Solari, resulta bastante injusto decir que son solamente se parecen a Los Redondos. Sobre esta cuestión y si les molesta la comparación, el propio Ramiro tiene cosas que decir: “En lo personal es como que me digan que juego como Messi, termina siendo un halago. Para nosotros Los Redondos han sido siempre la banda más importante. No buscamos ser eso, pero nos halaga la comparación.”

Tras Seguir Latiendo la banda se dio el gusto de festejar diez años de trayectoria debutando en el estadio Obras el 7 de diciembre del 2005, del que se desprendió su primer disco en vivo Alucinados Como la Primera Vez, con lo mejor de su repertorio con las presencias de figuras del rock en argentina como Botafogo, Black Amaya, entre otros.

F.V.

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Entrevista a Iyari

Josep Mateo, guitarrista proveniente de Barcelona, nos cuenta la historia de su proyecto musical Iyari, caracterizado por sus temas instrumentales atmosféricos, y sobre su último trabajo “Ostara”.

¿Cómo llegaste al nombre “Iyari” para tu proyecto musical?

El nombre de Iyari llegó inesperadamente en una meditación en la época en la cual el proyecto estaba tomando forma, a partir de ahí busqué información y descubrí que proviene de los Huicholes y significa corazón y esencia.

¿Qué significa la guitarra para vos con la que tanto improvisas? ¿Qué sentís te diferencia de otros guitarristas?

La guitarra siempre ha sido un instrumento que me ha fascinado desde pequeño y con el paso de los años se ha convertido en mi principal herramienta de expresión, ya sea la eléctrica, acústica o clásica… El hecho de improvisar es marcar un punto de inflexión en mi carrera, después de tantos años he decidido que Iyari sería un proyecto en el cual la música fluiría constantemente sin ponerme límites ni obligarme a interpretar las canciones tal y como fueran grabadas sino tener libertad total para que cada concierto sea una muestra de la magia que hay ese día.

Lo que puede diferenciarme de otros guitarristas es que mi estilo siempre ha ido evolucionando hacia la búsqueda de la melodía en lugar de abrazar el virtuosismo. Como compositor he aprendido a entender que lo simple siempre encuentra los caminos necesarios para llegar antes a la gente, pero eso no quiere decir que no entienda ni respete otras maneras de hacer llegar tu mensaje a la gente, me gustan muchos guitarristas o instrumentistas virtuosos pero creo que ese no es mi camino. En cuanto a mi sonido se podría interpretar como bucólico y onírico por el uso que hago de los efectos y las melodías que compongo.

¿Qué es lo que más te gusta de tu último LP “Ostara”?

Estoy muy contento con el resultado final de “Ostara” y sé que significa una evolución en cuanto a la propuesta inicial de Iyari. Al haber trabajado con un pedal de loop he podido incorporar capas de guitarras y trabajar con los efectos para crear otros ambientes y canciones, aunque la metodología de grabar improvisando ha sido exactamente la misma que en “Sons de Tardor” y “Sura”. Por otra parte me gustan mucho todos los temas y me lo paso muy bien interpretándolos en directo.

Considerando el estilo atmosférico que logras con tu guitarra ¿Alguna vez tu imaginaste tu música como parte de soundtracks de películas y/o video juegos? ¿En tal caso sobre qué tipo de películas/video juegos te gustaría?

La verdad es que si veo esa similitud y mucha gente me lo ha dicho también, mi música es principalmente paisajística a la vez que puede ser catalogada como ambiental y/o cinematográfica. Por supuesto que me gustaría colaborar en proyectos audiovisuales como películas, cortometrajes, videojuegos, etc…
Me gustaría poder componer la música para una película de ciencia ficción es un género que me fascina, al igual que para un videojuego. Creo que Iyari encajaría muy bien en esos y otros estilos.

Tengo otro proyecto “Soundreamer Days”con el que he colaborado en documentales, cortometrajes, anuncios… y me gustaría poder hacerlo con Iyari, estoy abierto a propuestas.

¿Próximos proyectos a futuro?

A corto plazo lo primero será grabar el nuevo disco de mi grupo Kartar Atma y si es posible grabar un EP de Iyari antes de acabar el año con nuevos elementos que enriquezcan el sonido. También tengo en mente sacar un disco de música ambiental con una temática concreta y conceptual.

Escucha Ostara de Iyari desde AQUÍ.

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Riel – Riel (2012)

Puntaje del Disco: 10

  1. Antonio: 10
  2. Belgrano: 10
  3. Desalojo: 10
  4. Pedaleando: 9
  5. Cadáveres: 9
  6. Celina: 8
  7. Merienda: 10
  8. Huffer: 9

El homónimo (y primer LP) de Riel, dúo porteño conformado por Mora en guitarra y voz y Germán en batería, resalta por la sencillez de su grabación y una premisa nueva para los conjuntos de guitarra y batería. Obviando comparaciones vagas con los Black Keys y los White Stripes, Riel planta la semilla de una carrera ejemplar como banda en este LP de 17 minutos, disfrutable por donde se mire.  Grabado con tan solo una guitarra en limpio y una batería, nos presenta a un dúo que hace de su minimalismo su fuerza, con cortes y cambios abruptos, fills de batería creativos y una guitarra igual de original, que dista del trabajo con pedales que Mora experimentaría en futuros lanzamientos.

El disco arranca con el dúo instrumental “Antonio”/”Belgrano”: gran introducción gran. Sigue “Desalojo”, con una fórmula simple que roza lo noventoso, pero fiel al estilo de la banda. Destaca la guitarra que, aun sin una distorsión a la que estamos acostumbrados en un tema del “género”, brinda la potencia y lo lleva adelante sin problemas. Instantáneamente después seguimos “Pedaleando”, otro instrumental: la introducción vislumbra una unión entre acordes también muy usual en las composiciones de Mora y Germán, y la combinación perfecta entre guitarra y batería le da esa peculiaridad que no se encuentra en otros discos. Admito que me vi esperando la irrupción de un fuzz violento, pero la falta del mismo confirma la calidad como músicos de ambos.

“Cadáveres”, por otro lado, comienza con un arpeggio hipnótico seguido por la vuelta de Mora a la voz; “Estoy cada vez más atrás, canto cada vez peor, toco cada vez peor”. Definitivamente no concuerdo con ella. Si hay algo que suma es la cadencia propia de su voz, notas altas con una base sólida. Le sigue “Celina”, en la misma clave que el tema anterior.  Las cosas se ponen más oscuras.

Llegamos a “Merienda”, un clásico instantáneo. Las pausas sincrónicas entre batería y guitarra se sienten hasta los huesos. Mora nos invita a tomar el té, y por mi parte, acepto plácidamente.

El disco termina con “Huffer”, un cover de The Breeders, que admito que me gusta incluso más que la versión original. Destaco el acento argentino de Mora al cantar en inglés, y los pequeños detalles de la guitarra que sirven al goce del amante del lo-fi.

Un gran primer LP para una banda que es hoy en día uno de los estandartes de la escena nacional.

Joel Galanternik

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Entrevista a Moda

Federico Vinzia del proyecto musical Moda, nos cuenta cómo nació Moda y sobre el lanzamiento de su reciente EP “Vida de Spa”.

¿Cómo nació Moda y cómo está conformada?

Allá por el 2016 nos juntamos en la casa de Fran, porque sus viejos habían viajado una semana afuera.  Arreglamos para juntarnos a grabar. Lleve mi placa, mi compu y un controlador. Ahí nos juntamos a fumar porro, armamos todo en el living y empezamos a improvisar música. A las pocas horas me di cuenta que la cosa no iba  a terminar teniendo un final feliz sino buscábamos una forma más certera de aprovechar el tiempo. Así que entonces íbamos sacando intros, puentes, codos, estribillos para conseguir un resultado concreto ya que no somos una banda.

Costó que los pibes me banquen la premisa los 3 días que nos juntamos, pero el resultado fue óptimo. En esa casa estuvimos Nico Cataudella, Juan Estrella, Fran Loureiro y yo.

Luego hubo otra sesión en mi casa, pero ahí fuimos Juan y Yo. Pero además se sumó Alfon Devoto, ya que habían venido a comer un asado o algo así y pinto grabar. Además hubo otra sesión en casa de Alfon (ya no recuerdo cuando la verdad) y así nació Moda.

¿Qué le dirían a alguien que todavía no los conoce para convencerlos de escuchar a Moda?

Le diría que escuche el primer tema y si lo siente escuche el EP entero. Ya que los temas se van entrelazando y quedaron bien empastados juntos. Además al ser un EP de 20 minutos medio que no te suelta nunca.

¿Qué es lo que más destacan de su EP “Vida de Spa”?

Lo más destacable es el concepto que cierra el disco “Vida de Spa”. Ya el nombre lo dice todo: Te dan ganas de vivirla “jaja”.

Moda suena muy bien. Tiene un sonido muy particular que no es tan común en bandas de hoy en día. ¿Cómo dirían que llegaron a lograrlo?

El proceso de producción ya fue otra cosa. En 2017 (más o menos) empecé a abrir esos proyectos para empezar a laburar los sonidos y las partes de las canciones que estaban confusas o ni siquiera habían llegado a tener una forma de canción. Entonces fui jugando con esos Loops juntándolos, mejorando los sonidos, armando los bits y regrabando alguna que otra cosa necesaria. Lo más lindo fue lograr restaurar guitarras o bajos que sonaban horribles

Ese proceso estuvo divertido, muy relajado… cuando pintaba abría alguno y así sucesivamente. Cuando ya lo tuve medio armado la idea que se me ocurrió fue que no haya cantante sino buscar samples vocales – que empastaran con esos esquemas musicales. Ahí se entusiasmó Alfon Devoto y juntos fuimos armando el rompe cabeza de las voces. La verdad fue bastante entretenido.

Después al trabajo lo remezclamos en conjunto con Leo. Leopoldo fue clave para resaltar frecuencias y para darle el toque final en el mastering (también todo muy casero).

¿Cuáles son sus próximos pasos a futuro?

El futuro de Moda está ahí, todo el día todo el tiempo. Ya hay un montón de cosas que quizá en un futuro cercano aparezcan en la web.

Escucha a “Vida de Spa” desde AQUÍ.

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Charly García – La Hija de la Lágrima (1994)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Overture: 6,5
  2. Víctima: 7
  3. Jaco y Chofi: 7
  4. Atlantis: 7,5
  5. La Sal No Sala: 8
  6. Chipi Chipi: 9
  7. Calle (Taxi): 7
  8. Love is Love8
  9. Tema de Amor: 7,5
  10. Fax U: 9
  11. Lament:
  12. Intermedio: 6
  13. Workin’ in The Morning: 7
  14. Waitin’: 8
  15. Kurosawa8,5
  16. Chiquilín7,5
  17. Andan (Excerpt)
  18. James Brown: 6
  19. Intraterreno: 8
  20. No Sugar7
  21. Atlantis: 7,5
  22. Locomotion: 7
  23. Andan (Complete)7,5

La Hija de la Lágrima (1994) marcó el ingreso de Charly García a la etapa “Say No More”, la más descontrolada y de mayor reviente de su vida, en la que las adicciones y los escándalos se convertirían en moneda corriente, así y todo pudo redondear una especie de ópera rock con muchos pasajes instrumentales elevados, llenos de virtuosismo y algunos temas para el recuerdo, demostrando que el talento continuaba intacto.

Sobre el título el propio Charly narró de donde obtuvo la inspiración: “Es una escena callejera que vi en Barcelona de una chica que le pegaba a otra con una chancleta y le decía que era la hija de la lágrima y a mí me intrigó mucho eso y, a través de eso, empecé a fantasear una historia”.

En esta etapa García no tenía una idea desarrollado acerca de lo que quería grabar, por lo que tocaba lo que se le venía a la mente. Por ello se hace difícil seguirle el hilo al disco por momentos. Dentro de sus 23 pistas hay temas recordados y que pasarían a formar parte de su repertorio principal, no cabe dudas que el principal es “Chipi Chipi”, compuesta en diez minutos luego de que un ejecutivo de Sony Music se quejara de que al disco le faltaba un tema comercial. Pero además de esta hay otras en gran nivel como “La Sal No Sala”, “Love is Love”, “Fax U” y “Kurosawa”.

Otro aporte significativo es la inclusión de María Gabriela Epumer. Quien ocuparía un lugar clave en todo este disco. Siendo un pilar fundamental dándole un nuevo impulso al grupo.

Dos meses después de su lanzamiento se presentó a La Hija de la Lágrima en una serie de caóticas presentaciones en un colmado Teatro Opera de la ciudad de Buenos Aires y al poco tiempo fue internado por la fuerza en una clínica psiquiátrica por su madre. Aunque saldría a los pocos días enojándose con su familia y parte de su entorno, profundizando aún más sus problemas de adicción y de conducta.

F.V.

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