Archivo de la categoría: Bandas de Rock Nacional Argentinas / En Español

Rata Blanca – Rata Blanca (1988)

Puntaje del Disco: 8

  1. La Misma Mujer: 7
  2. Solo Para Amarte: 8
  3. Gente Del Sur: 6
  4. Rompe El Hechizo: 7
  5. El Sueño De La Gitana: 9
  6. Chico Callejero: 8,5
  7. Preludio Obsesivo (Instrumental): 8
  8. El Último Ataque: 7
  9. Otoño Medieval (Instrumental): 7

Hablar de Rata Blanca es hablar de su fundador, compositor y letrista principal Walter Giardino, quien ya había incursionado en pequeños proyectos musicales antes de Rata. Uno de ellos sería una banda destacada en el under porteño llamada Punto Rojo. En el que además de tocar la guitarra también cantaba, pero en la cual nunca llegó a grabar un disco de manera oficial. La misma se separaría en 1984 y coincide con la vuelta al país de Iorio y Zamarbide (líderes de V8) que se encontraban en Brasil en ese entonces, y buscaban reemplazantes debido a la salida de Civile (guitarrista) y Rowek (baterista). Giardino sin dudar entra a V8 con Roldan también en guitarra. Sin embargo, los temas que componía Walter no encajaban en el estilo de ésta última por lo que eran rechazados por Iorio y Roldán debido a que estos contenían solos y pasajes instrumentales muy largos. De esto Walter diría: ‘’El primer día, cuando Ricardo vino a mi casa del Bajo Flores, tocó el timbre y nos sentamos a hablar. Yo le dije que me parecía que no iba a funcionar porque V8 tenía la cabeza en Motorhead y yo en Deep Purple. Él decía que sí iba a resultar. Finalmente no funcionó’’.

A los pocos días Walter es expulsado de la banda, y se intentó que Rowek volviera al mismo, lo cual este no aceptó pero se interesó por los temas que compuso el flaco del bajo flores y ahí mismo es en donde ve el nacimiento una de las bandas de Heavy Metal más conocidas del país, Rata Blanca.

Después de haber grabado un demo de cuatro canciones compuestas por Giardino de las cuales tres sobrevivieron y formaron parte del primer disco. Rata Blanca lanza su primer disco que para muchos es el mejor de la banda autotitulado con el mismo nombre en 1988. Este tiene la particularidad de ser el único en contar con Saúl Blanch en voz, quien había abandonado el proyecto cuando este estaba iniciando pero a modo de gauchada prestó sus voces, debido a que Shito Molina el cantante designado, no pudo grabar por problemas personales. La voz aguda de Saúl se adaptó perfectamente a las melodías y al sonido de las canciones del álbum.

El disco da comienzo con, ‘’La Misma Mujer’’ canción larga y con un machaque de guitarra continuo por parte de Giardino, pero que no destaca mucho conforme pasa el mismo. A este le sigue una de las más conocidas de la banda ‘’Solo Para Amarte’’ que cuenta con un riff pegadizo y una letra romántica que roza lo cursi en la que el protagonista declara sus sentimientos por su amada. Luego hay un quiebre con ‘’Gente Del Sur’’ una canción opaca, triste y repetitiva, quizás de relleno, sin dudas la más floja en composición del álbum. Con distorsión empieza ‘’Rompe El Hechizo’’ tema con un ritmo más acelerado que las anteriores, con aires de Power Metal, conocida en el repertorio del grupo pero no más que eso, comparadas a las que le suceden en el disco. Con un muy buen riff característico de Giardino empieza ‘’El Sueño De La Gitana’’ una de las mejores y más conocidas canciones de Rata Blanca, pieza con un solo al estilo neoclásico y con influencias criollas, en el que Saúl Blanch le canta a una mujer, que según la letra, solo ella podrá calmar su dolor y darle fuerzas.  ‘’Chico Callejero’’ una de las más pesadas del álbum y un clásico de Rata. Ésta última con ‘’Gente Del Sur’’ fueron las dos composiciones rechazadas por lo miembros de V8 antes de la partida de Walter. El disco también cuenta con dos instrumentales ‘’Preludio Obsesivo’’ y ‘’Otoño Medieval’’ en la primera se escucha a Giardino tocando una guitarra distorsionada en la que improvisa varios solos en la cual se nota la influencia de Bach y Paganini, incluso hay algunos pasajes en los que hace acordar a la banda finlandesa Stratovarius. Esta ha sido tocada de manera sinfónica en algunos conciertos. La segunda no es más que una criolla tocada a modo folklorica por parte nuevamente de Giardino con una melodía agradable. Y la anteúltima canción ‘’El Último Ataque’’ es la más larga del disco y abre con un riff que se repite a lo largo de todo el tema y en las que el flaco aprovecha para realizar muchos solos cuando ésta pasa a segundo plano.

El disco es un buen comienzo de una banda que sería muy importante en la historia del desarrollo del Heavy Metal en Argentina. Que tiene algunos altibajos pero que es indispensable su escucha para un fan metalero del heavy nacional. Con algunas canciones memorables y otras no tanto. La banda se terminaría de consolidar con su siguiente álbum. Quizás el problema de Rata Blanca sería no terminar de consolidar un disco de manera completa, pero que de cada uno se pueden sacar algunos clásicos memorables.

Johnny Prz.

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[Total: 2 Average: 2.5]

Desde el Underground: Chichito

Género: Indie Folk, Lo-Fi

Disco: 2014

Desde General Cabrera, provincia de Córdoba, nos llegó a las puertas de Persi Music este disco de José Escudero, alías Chichito, que representa su debut como solista.

2014 es un álbum Indie que tiene la particularidad de que Chichito lo grabó íntegramente en la habitación de su casa. En ese sentido se les vendrá a la cabeza los experimentos Lo Fi de ese tipo que ya habrán hecho artistas como Animal Collective. Pero no estamos ante un álbum que sea difícil digerir por su Avant Garde. Al contrario, 2014 es un trabajo eminentemente acústico que, con ayuda de su amigo Juan Carrizo (encargado en la mezcla y masterización), cuenta con un sonido bastante limpio.

De todas formas, no es Folk Rock redundante. 2014 combina una buena percusión y los condimentos de artistas indies de estos días que lo hacen más especial y no tan simplón. Sino que los arreglos le dan cierto encanto a sus temas.

Por otra parte, la agudización de su voz es muy particular. Hay quienes pueden ser detractores de su entonación. Y posiblemente sean los mismos que no tienen el oído refinado y desvaloricen a cantautores como Bob Dylan. Pero si nos basamos en sus canciones, las melodías son bastante potables, sin clásicos rutilantes, pero que en su conjunto hacen de 2014 un aperitivo bastante agradable que se puede degustar en menos de media hora.

Escuchá 2014 desde Spotify desde AQUÍ.

Persy

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[Total: 2 Average: 4]

Cielo Razzo – Código de Barras (2003)

Puntaje del Disco: 7

    1. Luna: 8
    2. Mujer: 6,5
    3. Estrella: 7
    4. Frágil: 7,5
    5. Demás: 6
    6. Chapa y Bandera: 7
    7. Por Llegar: 8
    8. Otoño Blanco: 7
    9. Madre Poder: 7,5
    10. Arde: 8
    11. Esquina: 6
    12. Puta: 8
    13. Vueltas: 7
    14. Cuenta: 7

Luego de las reacciones positivas con Buenas (2001), el esperado segundo disco de los rosarinos Cielo Razzo salió a la calle dos años después, Código de Barras. Donde demostrarían cierto crecimiento musicalmente, sin dejar de lado su rock clásico sin sutilezas, simple y directo, un estilo bastante inspirado en una banda muy grande de la escena musical argentina por aquellos años como Los Piojos.

El contexto de la grabación de esta nueva placa no fue la mejor. En Abril de 2003 su baterista Pablo “Largo” Caruso y su escenógrafo Claudio Crispin mueren tras un accidente automovilístico. Después de un necesario impasse la banda se pone nuevamente en marcha para la grabación de Código de Barras, con Javier Robledo ocupando el lugar del fallecido «Largo», a quien le dedicarían el nombre del segundo disco, debido a que Caruso tenía tatuado en uno de sus brazos un código de barras con su número de documento.

Con letras emotivas y con un sonido más consolidado, recibieron buenas críticas y la aceptación de sus fanáticos cada vez más numerosos, cuenta con temas fundamentales en su trayectoria que son de lo mejorcito del álbum como “Luna”, “Estrella”, “Arde” y “ “Puta”.

F.V.

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Hermética – Hermética (1989)

Puntaje del Disco: 9

  1. Cráneo Candente: 8,5
  2. Masa Anestesiada: 8
  3. Desterrando A Los Oscurantistas: 7,5
  4. Víctimas Del Vaciamiento : 8
  5. Tú Eres Su Seguridad: 10
  6. Sepulcro Civil: 9
  7. Vida Impersonal: 8,5
  8. Desde El Oeste: 8
  9. Para Que No Caigas: 7
  10. Deja De Robar: 8,5
  11. Yo No Lo Haré: 7,5

Luego de la disolución de una de las bandas pioneras del Heavy Metal en Argentina como V8, su fundador Ricardo Iorio no iba quedarse de manos cruzadas. Como el mismo diría luego: ‘’Apenas desarme V8 la siguiente semana ya tenía el nombre y logo de la banda, e incluso algunas canciones en mente porque no duermo camino por las paredes. Primero se crea la materia en el pensamiento y luego se materializa’’. Para el nuevo proyecto Ricardo recluto a Antonio Romano (ex Cerbero) en guitarra, Claudio O’Connor (ex Mark I) en voz, Tony Scotto en batería (que reemplazaría a Fabian Spataro que abandona la banda por motivos personales) y él se encargó del bajo al igual que en V8, pero esta vez tomaría un mayor protagonismo creando en su totalidad las letras y composiciones del álbum, incluso cantando fragmentos en el inicio de algunas canciones, o de manera completa como en ‘’Desde El Oeste’’.

Las letras de las canciones abarcan temas filosóficos, tanto como la expulsión de los nativos argentinos y los pueblos originarios (Craneo Candente), los conflictos sociales, la corrupción (Sepulcro Civil) y la contaminación ambiental (Masa Anestesiada).

El álbum suena bastante crudo y precario, debido a que la grabación se llevó a cabo en estudios con pocos recursos y a las pocas horas de grabación disponibles, por el bajo presupuesto con el que contaba la banda en esos momentos. Sobre esto el baterista Tony Scotto dijo que grabó todas las canciones en una sola toma. De todas maneras es un registro que se deja escuchar sin problemas. Canciones como ‘’Craneo Candente’’, ‘’Sepulcro Civil’’, ‘’Vida Impersonal’’, ‘’Deja De Robar’’, se convirtieron en grandes exponentes del género en Argentina, y su mejor canción quizás ‘’Tu Eres Su Seguridad’’ todas ellas interpretadas en vivo en casi todos sus conciertos. Iorio saca a relucir todo su talento compositivo lírico e instrumental, y un Romano desconocido para ese entonces con un gran talento en la guitarra, le da al álbum riffs y solos memoriosos, la voz de O’Connor se escucha paradójicamente más clara que en los siguientes dos álbumes y la batería de Scotto prolija, cabalga en casi todos los temas siguiendo el ritmo establecido por Iorio.

Un muy buen disco a pesar de ser el primero, que asentaría las bases para los siguientes dos discos clásicos del Heavy Metal argentino que editaría Hermética en el futuro.

Johnny Prz.

 

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[Total: 4 Average: 3.8]

Diego Balut – Balut (2008)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Lógico: 7,5
  2. Que es morir: 7
  3. Tengo que escapar6
  4. Hay un sol: 7,5
  5. Siglos7,5
  6. Encanto prohibido: 5
  7. Run run baby run: 8
  8. Serías especial7,5
  9. Que esperas ver: 6
  10. El día ayer7,5

Caminando por el barrio de Once , una tarde, me dirigí a una disquería (todavía se venden discos físicos) y me dirigí a una sección donde se hallan discos descatalogados, raros, de bandas que quizá tuvieron algún reconocimiento una o dos décadas atrás, donde el rock todavía era moda y continuaba con un lugar privilegiado en medios y TV.  Pero era también una época donde las discográficas palpitaban el fin de la era del disco físico, y, en un manotazo de ahogado, miles de bandas emergentes eran lanzadas al mercado para ganar algunas ventas.

En este contexto, edita su álbum Diego Balut. A primera instancia, estamos frente a un “hijo de”. Modelo de profesión, novio en ese entonces de la reconocida Liz Solari, actor, nieto y familiar de gente de ese rubro, Diego creció rodeado de productores en cuanto a lo televisivo respecta. Por eso, no creo que le haya resultado muy difícil conseguir un contrato discográfico con una disquera, tener un video oficial en tan poco tiempo y rotar intensamente durante meses por radio y Tv (a varios nos sonará su canción “Lógico”).

Sin embargo, a pesar de todo el prejuicio que puede rodearlo, compré el álbum. No tenía que perder, el precio era más que económico y podría reencontrarme con la música de este artista. Lo primero que pude reconfirmar es que si, efectivamente, el rock pop era la moda del momento, y eso es lo que ofrece este disco. La balada “Tengo que escapar” es la típica canción con aires británicos donde los teclados dominan la escena. Lógico, el hit del album, recuerda mucho al Cerati más meloso, mientras que Run Baby run hace ecos de Lenny Kravitz.

Exacto, a través de estos diez temas, Balut no esta ofreciendo particularmente algo nuevo, es fiel a la música radial que en ese momento sonaba, pero la presentación es correcta. Los arreglos son precisos y el sonido jamás me llega a sonar forzado aunque a veces cae en cierta monotonía, quizás por falta de algunos juegos vocales por parte de Balut, más que nada en lo que baladas se refiere. Sobresalen las canciones más rockeras y movidas, como “Siglos” (para mi el verdadero hit del disco) y “Run run Baby run”.

Balut, de 2008, es un debut correcto, prolijo, sin buscar en ningún momento salirse del pop rock canción. Quizás el prejuicio, el ser “hijo de”, y el poco impulso que hubo después de este álbum (unos singles grabados en 2011 y gracias) hizo que la carrera de este cantante no pasé de este material. Pero es un disco que se deja escuchar, divierte por momentos y te hace pasar un buen rato. Nada mal.

Fran

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La Banda Baston – Luces Fantasma (2017)

Puntaje del Disco: 8

  1. Señor Malo: 8,5
  2. Loco8
  3. Miénteme Más: 6,5
  4. No Me Porto Bien: 9
  5. Memorias (Skit):
  6. Solo Como Amigos: 7
  7. Martes 13: 8
  8. En la Esquina (Skit):
  9. I’m in la Calle: 7,5
  10. Hasta la Muerte y Después: 8
  11. Barriobajeros: 8
  12. Oro: 7,5
  13. Cárcel: 8
  14. Consetelaciones: 7
  15. Luces Fantasma: 8
  16. Esperando (Skit):
  17. Haces Mal: 6,5
  18. Gracias: 8

Desde Bajo California Sur, Mexico surgió una de los grupos de hip hop más destacados en los últimos años en su país y en la región, La Banda Baston compuesta por Aníbal Lavana, alias Müelas de Gallo (escritor y cantante), y Gonzalo Muñoz, alias DJ Zupremo (productor y DJ).

El dúo dio un giro mas serio a su carrera cuando abandonó su ciudad natal a finales de los noventa para mudarse a la Ciudad de Mexico donde fueron bien recibidos tanto por público como por colegas de su onda.

En Luces Fantasma (2017), su quinto trabajo, la banda consigue su punto de mayor de madurez y creatividad, haciendo honor a su old school e influencias tempranas como Cypress Hill, conjugando letras directas y originales capaces de rimar desde personajes ficticios legendarios como Oliver Atom, Marty McFly y Ned Flanders pasando por el fútbol hasta mandamientos y poesías del barrio y la calle, con beats adictivos capaces de hacerte repetirlos en tu cabeza sin que te des cuenta como las sublimes “Señor Malo”, “Loco”, “No Me Porto Bien”, “Hasta la Muerte y Después”, entre otras.

Para Muelas de Gallo la clave del sonido de Banda Baston es su autenticidad y flexibilidad: “Siempre tratamos de hacer música elástica, por ponerle un adjetivo. Porque hacemos lo de nosotros, hip hop, sin hacer caso a las tendencias o a las modas. Huimos de eso; güey, cuando nosotros hacemos música mantenemos la esencia, pero nos alejamos hasta la frontera; y cuando estamos ahí nos damos cuenta que hay otros pueblos musicales que cruzan con el nuestro que están cerquita. Así que nos acercamos y de ahí sale una canción; de ahí sale nuestro pedo.” Y agregaría sobre Luces Fantasma: “Creo que alcanzamos un grado de belleza, en las canciones, en el concepto, en el sentimiento que evoca. Quise que, en su totalidad, este disco me vibrara. Y creo que en algunos puntos lo alcanzamos. Eso me hace sentir muy orgulloso de nuestro trabajo, de mi trabajo y de todo lo que hemos logrado.”

F.V.

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Jugando con Divididos

A veces, soy de la que intentan remontar barriletes en la tempestad,
pero nada bueno puede salir de esto.
Me obstino, me tropiezo con mis piernas y lucho contra cíclopes de cristal.
Y voy de placard en placard.
Son esos días que le pido a mi vientito de Buenos Aires, que bien conoce mi pena,
Que se la lleve, pero en forma de verso,
(Por el bien de la comunidad,
ya que para cantar soy un perro.)
Y escucho de fondo una voz que me grita…
Despiértate nena…y así veras lo bueno y dulce que es amar…
Ya despiértate nena y así veras lo triste y dulce que es vivir,
Y así de apoco,
Después de tanto andar, caigo en mí.
Y veo que la pilcha no me queda tan mal.
Y es allí que te pregunto
¿Qué ves cuando me ves?
En realidad, poco me importa…
Porque sé, que hay días que apenas me conozco,
Que me siento como el arriero….
Pero aspiro a tener mi propio cielo,
Porque dicen que así todo será más fácil…
Yo no lo sé…
Por lo pronto me sigo preguntando
¿Que ves cuando me ves?
Porque hay días en los que ni yo me conozco,
Porque sé que a veces soy de las que intentan remontar barriletes en la tempestad.
Y tal vez algo bueno salga de esto.
por ahora solo canto falta envido y truco…
Chiste nacional…

Coca y Bonjour
Natalia Balul (profesora de Filosofía y escritora)

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[Total: 3 Average: 2.7]

Los Brujos – Guerra de Nervios (1995)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Victoria:
  2. Psicósis Total: 7
  3. Atlánticos: 8
  4. El Detonador: 8,5
  5. La Fiesta del Infierno: 7,5
  6. Aguaviva: 7
  7. Espíritu de Velocidad: 6,5
  8. Ondas Martinot: 6
  9. El Vengador: 6
  10. Azúl Lucero: 5,5
  11. El Gato Rabioso: 7,5
  12. Nada: 8,5
  13. Gran Sheelo
  14. Tónico Para Soñar I:
  15. Tónico Para Soñar II: 6
  16. Tónico Para Soñar III: 7
  17. Reina en las Nieves: 6
  18. Captain Fetogia: 7
  19. Victoria 2: 6

El tercer trabajo de la banda de rock alternativo argentina Los Brujos, Guerra de Nervios (1995), se basó y tomó la estética en la afición de la banda por la ciencia ficción, tanto musicalmente como en el arte gráfico del CD donde tomaron el concepto de afiches y carteleras retro del género.

“Se llama así porque en los shows de Los Brujos hay mucha energía que nace desde los cuerpos de cada integrante, y en el disco se transmite ese espíritu. Además un nervio es un receptor de estímulos y la música estimula varios al mismo tiempo, produciéndose de esta manera una guerra de nervios”, comentaba Ricky Rua.

Lo cierto es que a pesar de contar con invitados importantes como como Gustavo Cerati, Daniel Melero, Gabo de Babasónicos y Aitor Graña de Juana La Loca, las composiciones no lograron el impacto de sus primeros discos. Hay sobre abundancia de instrumentales y temas de rellenos y salvo la excepción de algunos destacados como “Atlánticos”, “El Detonador”, “El Gato Rabioso” y “Nada”, el resultado estuvo por debajo de las expectativas.

Guerra de Nervios se convirtió en lo último que editaron por muchos años, ya que el grupo anunció sorpresivamente su separación en 1998 a través de su sitio oficial. Su regreso y resurgimiento comenzó a surgir quince años después y en Abril de 2014 presentaron su nuevo sencillo en el programa radial de Mario Pergolini para finalmente regresar al año siguiente con su cuarto álbum de estudio, Pong!.

F.V.

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[Total: 1 Average: 4]

Juana la loca – Resplandece (2018)

Puntaje del Disco: 4,5

  1. Fuera de vos: 5
  2. Sexy nova: 5
  3. Dame tu mano: 4
  4. Estrella fugaz: 4
  5. Cristales: 7
  6. Nació para mi: 3
  7. Sentirte: 7
  8. Juego de placer: 3
  9. Nueva sensación: 3
  10. Burbujas de amor: 4

Si hay algo que cuesta, incluso duele, como  escritor de reseñas, e incluso como fan de una banda, es ser decepcionado por una banda que en un momento marcó una etapa de tu vida, y que podrías considerar de tus favoritas. Esto fue lo que percibí al momento de escuchar Resplandece, última entrega de Juana la Loca.

Desde sus comienzos, el grupo supo conquistar a sus oyentes con dos discos avanzadísimos para la época y para el rock argentino que en ese momento se escuchaba. Creadores de un concepto, se autodenominaron “la primera banda sónica Argentina”, y, con álbums como Electronauta del 93, y Revolución, del 95, conquistaron a una generación ansiosa de un nuevo sonido, con raíces británicas e influencias shoegaze, pero en español.

A lo largo de los años, el grupo comenzó a optar por un sonido más comercial, resultado que se ve definitivamente en su primer disco de los 2000, el genial Belleza (2002), que si bien había perdido su sonido sucio y experimental, daba a sus fans un conjunto de canciones con melodías frescas y pegadizas. Pero a lo largo de los años, el nivel disminuyó con los siguientes trabajos. Si bien Casablanca (2005) y Pastillas para el dolor (2012) no son para nada malos álbums, vemos la falta de ideas y la repetición de recursos de forma cada vez más pronunciada.

Resplandece, editado seis años después de su último álbum, es el punto máximo de los defectos de una banda que cada vez suena más repetitiva y menos innovadora. Las diez nuevas canciones que ofrece el grupo recuerdan muchísimo a Juana la Loca, en un mal sentido. Son ecos de canciones que ya se escucharon en otros discos. Y si, esta agrupación siempre tuvo temas que nos recordaban a alguna otra canción suya de otro álbum. Esta vez esto se agrava: En este álbum todas las canciones se parecen melódicamente entre ellas. Da la sensación de que el grupo intenta desesperadamente crear ese nuevo “Sábado a la noche”. Y no me refiero sólo a la música , sino también a la búsqueda lírica. Resplandece nos ofrece unos pocos tópicos: El sexo, el (des)amor, la noche, y los excesos. Y ese no es el problema, el problema es que no salen de eso, y el álbum simplemente se vuelve monótono y aburrido. Volviendo a lo musical, el dilema es el mismo. Verso, estribillo, verso. A pesar de la (re) incorporación de Aitor y Roberto, guitarra y batería originales, el disco suena musicalmente flojo. Estructuras y solos predecibles, y un Rodrígo Martín que tiene claramente la voz muy afectada lo cual hace perder fuerza al disco.

Quiero recalcar, para terminar, que Resplandece, a pesar de todo, no es un álbum con malas canciones. Son simples, pegadizas y que te dejan un buen sabor si no conoces a la banda, y las escuchas como singles, por separado. El problema es cuando las mismas forman parte de un disco, y de una banda que se jacta de “reinvertarse, no reiterarse” pero cae desde hace años, disco a disco, en la misma fórmula. Mención aparte para “Cristales” y “Sentirte”, las únicas dos canciones que, a mi parecer, han mostrado una reinvención y que Juana la Loca puede ser aún más que sólo Juana la Loca.

Fran

 

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[Total: 5 Average: 3.4]

Desde el Underground: Pantuflas

Género: Postrock, Indie Rock, Rock Alternativo, Instrumental.

Disco: Persigue (EP)

Reabrimos una vieja sección de la pagina en el que recomendamos bandas emergentes.

En este caso, Persigue es el primer disco de este trío de música experimental, su formación no es tradicional ni responde a un género especifico ni franja temporal, si roza algunas configuraciones del nuevo estilo del PostRock. Dos guitarras eléctricas una de sonido elemental, que conserva la esencia del instrumento más tradicional y una guitarra eléctrica inundada de efectos analógicos que transportan a diversos paisajes sonoros , una batería electrónica que con intención conserva los mejores sonidos y arreglos propios de una batería acústica.

Lo instrumental predomina en primer plano, con armonías disonantes que se arriesgan a interpelar al oído común, la ausencia de “voz” hace que la música se centre en sus colores tonales y armónicos, además de su falta de estructura interna convencional, resalta los arreglos rítmicos inesperados haciendo de la exploración sonora la parte fundamental de la composición y construcción de esta obra.

Nada cumple con el estereotipo instrumental, persigue efectivamente persigue la posibilidad de una nueva escucha para el oyente.

El trio “Pantuflas”, con un nombre extravagante, de igual manera elige nombrar sus temas, las palabras no tienen demasiado valor al parecer, no así; los sonidos, siendo “PIUM”  el primer tema del disco, como entre payasos aterradores, las guitarras  se arrastran al ritmo cauteloso de una batería que parece dar una caminata. Le sigue “33(de mano)” con más claridad, menos paisajes y más construcciones melódicas, que se diluyen casi al final con la predominancia de ritmos claros y una melodía lineal pero contundente y afable a la vez. La opacidad de “TOM4” se ve exacerbada en los efectos impredecibles de una batería que combina lo electrónico con lo acústico junto a las cuerdas eléctricas que producen  disonancias no permitidas para el oído educado. Sin más emerge: “32”, un tren karmático que se acelera al ritmo del bombo mientras un payaso se pasea en monociclo en su interior, los efectos sonoros de la guitarra acompañan la marcha junto a la crudeza de una distorsión poco preparada asisten a un viaje persecutorio. Y para el final, sin perder la oscuridad característica de este disco se termina en “zapalita (Evolución)” un corazón latiendo desde la batería anuncia la llegada de cuerpos extraños, una de las guitarras nos presenta un paisaje sonoro casi desértico, gaseoso y reverberante mientras la otra nos sostiene en un bajo pedal incesante.

«Recomendacion final importante« Escuchalo en unos buenos auriculares y dejate llevar al viaje sonoro que Pantuflas te propone.

Escuchá Persigue desde aquí:

V y B

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[Total: 9 Average: 5]

Serú Girán – Serú ´92 (1992)

Puntaje del Disco: 7

  1. Queen Elizabeth: 8
  2. Mundo Agradable: 7
  3. No Puedo Dejar: 8
  4. Ese Tren: 6
  5. A cada hombre, a cada mujer: 7
  6. Hundiendo el Titanic: 7
  7. Transformación: 7,5
  8. Déjame entrar: 6
  9. Nos veremos otra vez: 7
  10. Si me das tu amor: 6
  11. Muévete al hablar: 5

El quinto y último disco de estudio de Serú Girán llega 10 años después de su última producción discográfica (el disco en vivo, No llores por mí, Argentina, 1982), apareciendo en las tiendas a mediados de 1992. El contexto era especial, los cuatro habían decidido volver a juntarse, después de decidir encarar diversos proyectos en solitario a principio de los ´80. Por lo tanto, no querían sólo volver con sus viejos y conocidos temas, sino que buscaban sorprender con nuevo material. De esa idea nace Serú ´92, amado y odiado por partes iguales, y aunque entiendo a ambas posturas, creo que las dos tienen cierta razón en sus afirmaciones.

Primero y principal, el disco fue un éxito en ventas, algunas de sus canciones fueron usadas como cortinas de noticieros y segmentos radiales. Esto no fue casualidad, la idea del álbum desde el vamos fue reducir la complejidad de sus composiciones anteriores tanto a nivel instrumental como lírico; tal es así que las revistas de la época lo catalogaron como “light” y “pop”; y que su reunión fue sólo un intento forzado de levantar dinero. Charly García no tiene el protagonismo de los otros álbumes y se optó por darle más espacio a las composiciones de Pedro Aznar y David Lebón; si esto es bueno o malo decidirá cada uno, pero de buenas a primeras puedo afirmar que no suena al Serú viejo que conocíamos, parece otra cosa.

Desde mi punto de vista el comienzo es lo mejor del mismo, la pieza instrumental (un clásico en cada disco de Serú) “Queen Elizabeth” empieza con el sintetizador de Charly endulzando los oídos, a lo que se suman los otros integrantes de la banda; conformando una muy linda obra de 5 minutos. Continúa con “Mundo Agradable”, que se nota que es una composición de Lebón, apelando a mensajes de esperanza y superación social para mejorar el mundo; la canción fue uno de los cortes de difusión más conocidos del disco.

Después sigue “No puedo dejar” lo más García del disco, de hecho es una composición suya que no incluyó en su disco de estudio solista de 1990 (“Filosofía barata y zapatos de goma”); una pieza oscura y con una lírica de autodestrucción adornada con pasajes románticos, de lo mejorcito del álbum. Con “Ese Tren” yo veo una de las canciones menos movilizadoras del disco, y si bien este tema tiene sus fanáticos y se pueden destacar la batería de Oscar Moro y los arreglos de Aznar, lo noto con falta de profundidad y riesgo; en definitiva con falta de Serú. Habla de un tren tanto metafórica como literalmente, como el objetivo de alcanzar algo y movilizarse con ello.

En “A cada hombre, a cada mujer” lo vemos a Aznar luciéndose con ésta composición, en la que por primera vez cantan los tres integrantes (salvo Moro); si bien es una canción romántica está bien lograda y suena novedosa. “Hundiendo el Titanic” pareciera ser un chiste de Aznar y García, una canción orientada más a la comedia que a otra cosa, y logra su cometido, al final de la misma nos damos cuenta que no se toma muy en serio así misma, pero así y todo no es ridícula y se deja escuchar. Con “Transformación” vemos algo mucho más parecido a Serú que todo lo anterior (y casi que en todo el disco), una pieza de casi 7 minutos, en donde la metafísica y el existencialismo de Charly nos vuelve a arropar.

Desde acá creo que el disco se vuelve menos interesante, “Déjame Entrar” de Aznar es una crítica a la Guerra del Golfo que ocurrió en aquellos años; si bien parece un tema interesante para una canción, la misma recae en clichés y no me terminó de conmover casi nunca; en “Nos veremos otra vez” otra composición de Lebón, se vuelve a la fórmula de “Mundo agradable”, una letra esperanzadora y que se volvió viral en sus años; David está muy bien en el piano, después de eso, poco más. “Si me das tu amor” de Pedro Aznar y “Muévete al hablar” de Lebón cierran el disco; ambas bastante del montón y con poco para destacar desde mi punto de vista. Con “Muévete al hablar” Lebón compone un blues que a mi gusto se vuelve largo y monótono.

En resumen: ¿es el peor disco de Serú? Cuesta mucho poner en una misma oración la palabra “peor” o “malo” y que seguido a eso siga Serú Girán. Queda fuera de discusión que eran unos músicos increíbles, cuatro maestros a pocos metros de distancia que sacaron una luz a las demás bandas en sus inicios. Ahora dicho esto, el álbum Serú 92 no es un disco malo, de hecho puede ser que te guste y lo vuelvas a escuchar, porque la calidad de éstos músicos es enorme y se nota; lo que si hay que aclarar que es un disco que tiene muy poco que ver con Serú Girán, si te enamoraste de ellos por sus primeros 4 discos, lo más probable es que éste lo escuches con cierta indiferencia porque no tiene la magia de los anteriores. Si alguien que no conoce nada de esta enorme banda, me pregunta que disco debe escuchar; sin dudarlo le recomendaría La Grasa de las Capitales (1979) o Bicicleta (1980), Serú 92 no resta, pero suma muy poco a la leyenda de Serú.

Germán Albariño

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Cambalacheando: La Renga

Camino del deshielo toca a veces, entre Embrollos, fatos y paquetes. Ni que hablar del Veneno, la Paja brava y El viento que todo empuja hacia La boca del lobo. Córtala y olvídala vaticina El monstruo que crece. Sin embargo, El terco sentido de Ser yo me lleva Insoportablemente vivo a la Esquina del infinito, donde seguimos En pie, porque Somos los mismos de siempre. A pesar de estar Bailando en una pata bajo el Cielo del desengaño, no falta Buseca y vino tinto.

Moscas verdes, para el charlatán que no se hace rogar. Pero yo Luciendo mi saquito blusero Voy a bailar a la nave del olvido y a gritar Bien alto. Parezco el Rey de la triste felicidad, que no ríe, aunque todos me dicen: Reite. Hoy Negra es mi alma, negro mi corazón y El rito de los corazones sangrando sigue pegando. El Panic show todavía no acaba, y al igual que El sátiro de la mala leche se hace Pis y caca el Vende patria clon.

Volviendo a El juicio del ganso, uno Inventa un mañana esperando Algún Rayo de Cristal de Zicornio que lo aleje del Blues de Bolivia, ese Blues cardiaco, que nos vuelve Lunáticos. Despedazado por mil partes El hombre de la estrella sigue Hablando de la libertad, pero desde Lo frágil de la locura. Debbie, el fantasma, se pregunta Cuando vendrán La renga y Anaximandro a lanzar sus Palabras estorbantes. Esas acompañadas de El mambo de la botella y que desatan La furia de la bestia rock.

Hey hey, my my Estalla el Estado y los Dementes en el espacio buscando El rastro de la conciencia se encuentran con que 2 + 2 = 3. Míralos en la Montaña roja con su Desoriente blues y sus Dioses de terciopelo. Entonces pienso que El final es en donde partí y que la Triste canción de amor que Hielasangre puede ser curada por tu Arte infernal. A la carga mi rocanrol entonces como El revelde que llevo en mi Corazón fugitivo. Al que ha sangrado con Tripa y corazón y ha pateado La vida, las mismas calles le ofrezco una Sustancia entre las plantas que hacen del Truenotierra un Documento único.

Son Pesados vestigios los que rodean al Oscuro diamante de la Noche vudú. Allá por la Ruta 40 y Entre la niebla se encuentra el Motoralmaisangre que explota Alunizado al unísono. El ojo del huracán dispara Neuronas abrazadas hacia un Canibalismo galáctico que no encuentra su Cuadrado obviado. En la Pole position se halla Muy indignado San Miguel, ensayando El twist del pibe. Y En el baldío la Psilocybe mexicana se llena de Poder junto a los Nómades que adoran las Caricias del asfalto.

En Destino ciudad futura hay un buen Día de sol para el Motorock que es Masomenos blues, pero no deja de ser parte de El Circo Romano. Allí donde el que está Disfrazado de amigo tiene Mirada de acantilado y No para de aletear por Las cosas que hace. Y Esquivando charcos yo Me hice canción para que Cuando estés acá no te afecte la Balada del Diablo y La muerte, porque Sabes que A tu lado sería estar En los brazos del Sol. Detonador de sueños que me ha Llenado de llorar sobre mi Almohada de piedra. No sé A dónde me lleva la vida o si es La razón que te demora y cree en Cualquier historia, pero se bien que muero por vos Mujer de caleidoscopio.

David Rodriguez

 

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