Archivo de la categoría: Bandas de Rock Nacional Argentinas / En Español

Viticus – Viticus III (2008)

Puntaje del Disco: 6

  1. Voy a Pasar a Buscarte: 7
  2. Un Legendario: 7,5
  3. Dr. Dr.: 6
  4. Sr. Rock And Roll: 6
  5. El Abastito: 5
  6. Fuego y Destrucción: 6,5
  7. Quiero Volver a las Raíces6
  8. Utopía: 5,5
  9. Mabel: 7
  10. Solo6

Viticus III (2008), es el material más flojo de la trilogía inicial de la banda de rock and roll clásica liderada por el ex Riff Vitico Bereciartúa junto a su hijo Nicolas y su sobrino Sebastian.

En esta ocasión el puesto de bateristas sufriría modificaciones, el alejamiento de Martin Urionagüena sería cubierto por Francisco Isola, sin sufrir demasiadas modificaciones en su sonido.

El resto de la banda continúa demostrando su pasión por el rock, tal cual lo explicaría el propio Vitico: “Yo formo parte de Viticus. Soy el veterano, pero igual me he hecho de abajo estos seis años, a veces tocas por nada, y lo principal es que a todos nos gusta lo que hacemos. Ahora estamos en un buen momento, como para seguir creciendo, además somos independientes y no hemos recibido más ayuda que la de algunos amigos a los que les gusta el rock.”

En Viticus III se logran destacar canciones como “Voy a Pasar a Buscarte”, “Un Legendario” y “Fuego y Destrucción”, todo dentro de un nivel discreto, monótono y demasiado repetitivo. Un trabajo de otra época, anacrónico como sus antecesores, que seguramente conformará a su núcleo fuerte de seguidores, sin embargo incorpora cero novedades a su repertorio.

F.V.

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Los Reyes del Falsete – Lo que nos junta (2016)

Puntaje del Disco: 7

  1. Fuera de foco: 8,5
  2. Van andando: 8
  3. Pasó en tu casa: 6
  4. El lugar: 6
  5. Mente en blanco: 5,5
  6. Legolandia: 6,5
  7. Lo que nos separa: 5
  8. Súper chino: 6
  9. Perdido: 8
  10. 1998: 6,5
  11. Soy vos: 7
  12. La mitad: 9
  13. Estar acá: 7,5

Con una espiral más ascendente en su popularidad, Los Reyes del Falsete empezarían a ganar mucho terreno como una de las bandas más destacadas del Indie nacional. Y como sucedió en Días Nuestros, su popularidad crecería con un perfeccionamiento de la calidad de su sonido y producción. Su Indie Rock ya no tiene ese sabor Lo-Fi tan auténtico que podíamos disfrutar en La Fiesta de la Forma. Sin embargo, pulir la calidad de producción no necesariamente implica una mejora en lo que venían haciendo. Al contrario, Lo que nos junta, pese a que tardaron 4 años en lanzarlo, no demuestra una mejoría en su nivel compositivo.

Lo que nos junta es un álbum diverso en lo que ofrece, tal vez menos experimental que Días Nuestros, pero ciertamente con aires que dejan en evidencia que no les gusta quedarse en el molde. Hay muy buenas melodías cortadas por Riffs distorsionados como sucede en el muy buen comienzo del disco con “Fuera de Foco” y “Van andando” (que contó con Litto Nebbia colaborando al igual que “Estar acá”). Sin embargo, el álbum no logra mantener su consistencia en el correr de sus canciones. Hay canciones con melodías Pop que dejan un poco que desear con lo que ofrecen. Más aún las que se acercan al Punk Pop.

De todas formas, no todo está perdido. También hay puntos interesantes a remarcar como la melancólica “Perdido” y más aun en “La mitad”, tranquilamente uno de los mejores temas de la banda por su excelente Riff y sus impredecibles idas y vueltas en su estructura.

Lo que nos junta tiene sus buenos momentos, especialmente cuando rockean sin escrúpulos sacando el Sonic Youth que llevan en sus venas, y no cuando en su afán de evolucionar terminan sonando como grupos indies del montón. Por eso no alcanza lo que lograron en La Fiesta de la Forma.

Persy

 

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Kevin Johansen – Bi (2012)

Puntaje del Disco: 7

Disco 1 Jogo (Subtropicalia):

  1. Amor Finito: 7
  2. Baja a la Tierra: 6,5
  3. Jogo (Subtropicalia): 6
  4. Tan Fácil 7,5
  5. Veredas de Agua:
  6. Vecino: 8
  7. My Name Is Peligro: 7
  8. Alta, Fea y Linda: 7,5
  9. Milonga Que Pasó: 7
  10. Picaflor: 8
  11. Nunca Digas Siempre: 8
  12. Whyoh: 6
  13. Chacarera del Deseo (Cómo Pega El Sol): 8
  14. Waiting For The Sun To Shine: 8,5
  15. Buenos Aires Río: 6
  16. Nieva en Buenos Aires: 7

Disco 2 Fogo (Pop heart) :

  1. Y Sigo (Canción de autoayuda para mi): 6
  2. No Digas Quizás: 7,5
  3. Down in the Forest (Son Many Lovers): 8
  4. Glass: 6,5
  5. Party Girl (Love You to Death): 9
  6. Basta De Rastas (Rastars & Rockstars): 3
  7. Seventeen: 6
  8. Apocalypso: 3,5
  9. No Tiene Nombre: 5
  10. Los Tics Del Jazzero (Ticks of the Jazz Man): 6
  11. Dark Side of Me: 7,5
  12. Everybody Knows: 8
  13. Modern Love: 8

En Bi (2012), Kevin Johansen, junto a su banda The Nada, hacen gala de sus raíces y su versatilidad para ofrecer un compacto doble con ritmos diversos, dividio en su primera mitad por música folk subtitulado Jogo (Subtropicalia) y una segunda parte pop-rock denominado Fogo (Pop heart), con infaltables temas interpretados en ingles.

“Barajando un poco el concepto del disco doble, se me venía a la cabeza lo de Bi. Por supuesto la gente va a pensar en bisexualidad, pero sucedió una cosa casual, o no, que fue que mi hermana encontró dos retratos de nuestros padres cuando eran jóvenes. Vi claro que esa era la portada, porque uno piensa que todos venimos de un padre y una madre, somos literalmente bisexuales, mitad hombre mitad mujer, aparte de la orientación sexual de cada uno que luego viene con la vida. Hay tantas sexualidades como personas en el mundo, y pasa lo mismo con las sensibilidades musicales. Pero pasaba más por el lado bicultural y bilingüe. De hecho, entraban todos los bi de la vida.” Así justifica Johansen el nombre de su nuevo disco.

Sobre la idea de dividir el disco por estilos explicaría lo siguiente: “Alrededor del 2009 y 2010, comencé a grabar material acústico, folclórico, que tenía que ver con cosas que habían quedado fuera de Logo (2007) y que me gustaban. Había barajado ya la idea de Jogo y Fogo como tres patas de Logo y, bueno, el disco folclórico fue tomando forma, con sonidos del sur pero con una mirada, desde la Argentina, hacia Uruguay y Brasil. Me interesaba seguir colaborando con artistas uruguayos y brasileños, como Fernando Cabrera y Daniela Mercury, además de algunos músicos especialistas en cada estilo. Me gustaba también la palabra «subtropicalia», como homenaje a los tropicalistas de Brasil. Por otro lado, me junté con Tweety González, un productor acá famoso que trabajó mucho con Cerati y con Spinetta. A mí me gustaba también la idea de hacer un álbum más rockero. Ahí nos juntamos el año pasado y empezamos a grabar un material que él eligió de canciones mías, muchas que no habían visto la luz, como algunas composiciones de los noventa. Así fue tomando forma Fogo (Pop heart).”

Bi cuenta con sus buenos momentos en sus dos versiones como “Vecino”, “Picaflor”, “Nunca Digas Siempre”, “Chacarera del Deseo (Cómo Pega El Sol)” y “Waiting For The Sun To Shine” en su faceta folklorica, y “Down in the Forest (Son Many Lovers)”, “Party Girl (Love You to Death)”, “Everybody Knows” (cover de Leonard Cohen) y “Modern Love” (clásico de David Bowie) en su parte rockera. Pero como todo disco largo (larguísimo) cuenta con bastantes rellenos y temas descartables que lo convierten en inconsistente especialmente en su segunda mitad como “Basta De Rastas (Rastars & Rockstars)”, “Apocalypso” o “No Tiene nombre”, por nombrar algunos.

Por aquellos años Kevin comenzó a consolidad su sociedad artística con el dibujante Liniers, con la idea de dibujar en sus conciertos mientras sonaba su música, relación contada mejor por el cantante de la siguiente manera: “Con Liniers sucedió algo muy bonito, y fue que encontramos una afinidad estética partiendo de disciplinas diferentes. Lo normal es que esto te ocurra con un colega de la misma disciplina, como me ha pasado con Paulinho Moska, de Brasil. Creo que Liniers tiene un juego solapado con lo naíf, con la ingenuidad aparente, y por debajo te tira la zancadilla, y te obliga a una segunda lectura. De algún modo, a mí me gusta hacer algo parecido desde la canción. Me gusta tirar una frase que pueda parecer una joda, o una línea engañosa, y después darle la vuelta, o hablar de algo aparentemente inocente y después poner la zancadilla, y referirme a algo político o a algún desengaño amoroso.”

F.V.

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Entrevista a BUDA

Con un EP en su haber («Otro Lado»), varios singles ya lanzados y un nuevo disco en camino, Gero Sanchez, baterista de BUDA, nos cuenta un poco la historia de su grupo y nos anticipa lo que será su próxima presentación en La Trastienda el 10/11 a las 20hs.

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Fútbol – La Gallina (2012)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Taciturno: 7,5
  2. Barquillero: 8,5
  3. El Caballo: 7,5
  4. El Ciego: 5,5
  5. Golondrinas: 8,5
  6. Rio Colorado: 8,5
  7. Ceferino: 8
  8. San Martín: 7,5
  9. 500 Submarinos: 6
  10. El Asedio de River Plate: 5

La Gallina es el cuarto disco de estudio del trío experimental Fútbol. En esta cuarta entrega se podría decir que la banda viene a consolidar lo que demostraron en Papa se va a Japón. Nuevamente Fútbol se desenvuelve en el Post Punk y el Punk Rock caracterizado por su onda caótica y atípica que marca principalmente su violín.

La diferencia entre ambos discos podría ser que en La Gallina logran algunos de los mejores temas de la banda, como la estruendosa “Barquillero” (de muy buen Riff), “Las golondrinas” (pegajoso en su estribillo) y “Río Colorado” (buena melodía, buen estribillo y buen solo de violín).

Sin embargo, el trío no logra mantener un nivel de solidez sostenida a lo largo de todo el álbum. Aparecen canciones que suenan más a relleno como la instrumental “El Asedio de River Plate”, algunos cortes que son repetitivos en lo que hacen a lo largo del disco e incluso algunos cortes que podrían ser considerados como plagios o autoplagios (“500 Submarinos” es prácticamente un calco de “Mi Vieja” de Pappo.

De todas formas, La Gallinas es un trabajo decente, en el que hay que remarcar su actitud, su espititu gauchesco y experimental que sigue haciendo de Futbol una de las bandas más singulares en el país.

Persy

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Perras on the Beach – Flow de Cuyo (2018)

Puntaje del Disco: 8

  1. Flow de Cuyo: 7,5
  2. Tuca: 9
  3. Municipalida: 8
  4. SanGucci: 7,5
  5. Fantasmas: 8
  6. Corda:
  7. Las Ideas: 8
  8. Mis Amigos II: 7,5
  9. Futuro: 7
  10. Pesadilla: 7,5

Otro de los referentes del indie rock moderno surgidos desde Mendoza, Perras on the Beach, se convirtió en 2018 en una de las revelaciones del año gracias a su inclasificable Flow de Cuyo.

Perras nacieron originalmente en 2015 en una reunión de amigos que decidieron “ver que onda” y grabar unos temas. Comandados por su carismático líder Simón Saieg (también cantante de otra gran banda de la escena mendocina como Usted Señálemelo), contaron con la bendición de Javier Zuker de Poncho, quien fue una especie de padrino y les abrió muchas puertas fuera de su provincia natal.

Flow de Cuyo con sus altos y bajos es una mezcla de sonidos saludable que nace de la la combinación de rock alternativo, psicodélico, hip hop, muica urbana, entre otras. Según su bajista Bruno Beguerie en este disco comenzaron a tomarse en serio y…“A diferencia del primero, que fue una joda, en este, tras darnos cuenta del poder que tenía lo que decíamos, vimos que podíamos llegar muchos más allá con el mensaje».

Al poco tiempo, Perras on the Beach ya comenzó a tocar en Buenos Aires y a codearse con los referentes del movimiento indie argento y al igual que el caso de Usted Señálemelo goza de un futuro enorme y prometedor.

F.V.

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Fito Páez – Abre (1999)

Puntaje del Disco: 8

  1. Abre: 7
  2. Al lado del camino: 10
  3. Dos en la ciudad: 8
  4. Es sólo una cuestión de actitud: 7
  5. La casa desaparecida: 9
  6. Tu sonrisa inolvidable: 8
  7. Desierto: 6
  8. Torre de cristal: 6
  9. Habana: 7
  10. Ahí Voy: 6
  11. La despedida: 9
  12. Buena Estrella: 7

Hacía cinco años que Fito Páez no lanzaba un disco como solista, su última producción había sido Circo Beat (1994) que si bien fue un éxito, generó en Páez cierta aversión hacia las multitudes y las grandes discográficas que lo acompañarían el resto de su carrera; a su vez se había truncado su proyecto con Sabina, después de su pelea, que así y todo dejó un disco: Enemigos Íntimos (1996).  Después de éstos desencantos, decide retomar un proyecto en solitario distinto de sus últimas producciones y hacerlo mucho más íntimo.

De este deseo, surge el álbum Abre, o como le gustaba decirle a él: “pequeña teoría acerca del fin de la razón”. Las canciones de éste disco son mucho más largas que las anteriores producciones, y el componente lírico se vuelve incluso más relevante que lo instrumental (eso no quita que el disco tenga unos arreglos exquisitos), volviendo a lograr una mezcla entre lo melancólico y lo alegre muy particular.

El álbum comienza con la canción homónima “Abre”, un mantra en donde Fito hace una declaración de principios, juega con el poder del sintetizador y hace un uso maestro de los coros para desplegar sus ideas sobre ciertos tabúes y pensamientos; abrirse a todo y no tenerle miedo a nada sería el resumen, sin importar el qué dirán. Después de semejante apertura sigue uno de los puntos fuertes del disco y de la carrera de Páez, “Al lado del camino”, sin duda de las mejores canciones de su carrera. Si bien la musicalización es bastante simple (si se la compara con otras obras del autor), la letra es la que se lleva toda la atención. El propio Fito siempre dijo que era la canción que lo definía; un poema hermoso de 5 minutos en el da entender cómo ve el mundo y como se ve él mismo, es así donde podemos catalogar a al oriundo de Rosario casi como un poeta.

El disco continúa con “Dos Días en la Vida” uno de los cortes difusión del disco, en dónde Fito nos vuelve a hablar de amor, pero ya sin la inocencia de años anteriores y se lo nota mucho más maduro; los arreglos son impecables, con un manejo de los instrumentos de vientos formidable (los saxos aquí son increíbles); siguiendo con “Es sólo una cuestión de actitud”, una canción de corte optimista (del estilo de “Dar es dar”, otro éxito del autor) a la que ya nos tiene acostumbrados, no hay mucho más que agregar, des mi opinión no es tan elevada como las otras.

Luego, sigue con otro punto fuerte del álbum que es “La Casa Desaparecida”, otra vez un poema musicalizado, de 12 minutos de duración, en el que hace un análisis de la Argentina como país y de los argentinos como sociedad, intensamente emotivo y una delicia lírica, muy difícil que no te llegue. Sigue “Tu sonrisa inolvidable”, una canción que toma varios elementos del landó, un género musical afro peruano muy interesante; líricamente menos potente que las demás, volviendo a apostar por una letra amorosa pero con distancia.

Desde acá hasta los últimos temas del disco, creo que se desarrolla la parte menos interesante, si bien son buenas canciones y terminan de redondear al álbum creo que se encuentran por debajo de lo que viene siendo la obra en su conjunto. “Desierto” nos vuelve a traer al Páez violento, con una canción cuasi erótica y en donde desprende toda su locura en 7 minutos; en “Torre de cristal” encontramos una canción que sirve como descanso para el disco y relajar, vuelve a los 4 minutos y se trata de un tema de amor bastante más parecido al Fito de años anteriores.

En “Habana” el rosarino vuelve a meternos en su mundo raro y complejo, una carta de amor a la ciudad cubana en donde (parece ser) conoció a alguien importante que lo marcó, los arreglos son interesantes y comienza a abrir cierto aire melancólico que da a entender que se empieza a terminar el disco; lo mismo con “Ahí Voy”, donde vuelve a meternos en un tema optimista y con cierto aire melancólico.

Para cerrar, Fito vuelve a pisar fuerte, La despedida para mi gusto es una de las joyas de éste disco, que lamentablemente con el tiempo se fue olvidando, pero es una carta de despedida desgarradora, increíblemente compuesta, con arreglos que lo hacen parecer un tango al piano, puede pecar de ser demasiado “depresiva” pero eso no quita que escucharla en el momento indicado la puede volver una canción imborrable en tu vida. Para cerrar, está “Buena Estrella”, que como nos tiene acostumbrado Páez, cierra con cierto optimismo, y con una mirada positiva hacia el futuro; después de una canción anterior tan fuerte, cerrar con felicidad el disco era lo menos que se esperaba.

En resumen, estamos ante uno de los grandes discos que hizo alguna vez el autor de El amor después del amor (1992) y lamentablemente uno de sus últimos al máximo nivel. Si bien en su momento, no se le dio la trascendencia que se esperaba, con el tiempo fue sumando adeptos que lo han colocado a la altura de las joyas artísticas del autor. Si nunca lo escuchaste o no le diste una oportunidad, y si te interesa la lírica en las canciones sumado a arreglos destacables y con mezcla de algunos ritmos latinos, éste disco te va a encantar.

Germán Albariño

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Nanan – Casa de Floresta

A veces, Youtube me sorprende, mientras me preparaba unos mates y de fondo en la cocina algo hervía,

Youtube me tiró este tema:

Casa de Floresta – Nanan

y juro que me puse a bailar,

yo, la que menos movimiento cree que tiene

Pata dura como pocas.!!!

Pero cuando nadie nos ve uno realmente cree que puede llegara a ser hasta Julio Boca…

Me puse a escuchar este tema y la verdad no entendía nada pero me deje llevar…

con solo mirar la cara de satisfacción que tienen estos muchachos al cantar me hizo disfrutar ese momento como si fuese el último,

Mientras los miraba una sonrisa se había instalado en mi cara,

y mi mente había volado a ese lugar,

así como estaba,

en pijama y con el mate medio lavado.

Youtube había logrado creear lo que nadie había podido hasta el momento…

La Maquina de traspolar personas!!

Gratis…

y ni lo sabia!!!

Gracias por este momento exclamé!!!

En una segunda vuelta,

( porque soy re cabeza)

quise entender que decían…

y puse:

Casa de Floresta, Namam, letra traducida

y mori MAS de amor,

Ni les cuento cuando me entere que vibra a 432 hz, que es la frecuencia natural para estimular la armonía interior, encontrar tranquilidad y conexión universal.

Algo así como lo que el medico me receto!!!

Asi que lo quise compartir,

me parece que vale la pena escucharlos…

Mejor dicho…

Juro que quita la pena…

Escuchenla y despues me cuentan.

Yo compre!!!

y quiero vivir

En una casita hecha a mano

En un bosque donde puedo plantar lo que quiero

Y caminar de pie en el suelo

Coca y Bonjour
Natalia Balul (profesora de Filosofía y escritora)

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20 años ondeando la bandera del metal

Transmetal, desde su génesis en 1958, ha gozado una serie de cambios en múltiples sentidos. Y aclaro que he preferido usar el verbo ‘gozar’ y no ‘sufrir’ porque me consta que, a pesar de que todo cambio trae consigo una carga de peligro y nostalgia, la banda ha pasado a través de sus metamorfosis con más gozo que sufrimiento.

La alineación de integrantes ha tenido muchas etapas, como si fueran bloques discográficos. La única constante son los tres hermanos Partida Bravo: Javier, Juan y Lorenzo. Esta tercia de consanguíneos dio vida y ha mantenido en pie a la banda por más de treinta años a la fecha.

Diez años atrás, Transmetal contaba con Bruno Blázquez como imagen frontal. Junto a los Partida, él era un niño, aunque no por ello su calidad escénica era menor. Había un contraste bien marcado entre la experiencia de los instrumentistas y la jovialidad del vocalista. Sin embargo, más allá de provocar un descuadre musical, se complementaban. Los músicos se contagiaban de juventud y el mozo aprendía de los grandes. La imagen que proyectaban era estupenda.

Con esta alineación (Javier Partida en la batería, Juan Partida en la guitarra líder, Lorenzo Partida en el bajo, Bruno Blázquez en la voz, y Antonio Tenorio en la guitarra rítmica por cierto), grabaron un disco titulado 20 años ondeando la bandera del metal. Un título sin duda extrañísimo como sólo una banda latinoamericana podría nombrar su álbum, y no lo digo en afán despectivo sino con intención de remarcar la creatividad picosa que fluye por nuestra raza.

En general, el disco es bastante hosco, de tonos graves, de guitarras secas y bajos pronunciados; la voz de Blázquez también es mucho más gruesa que en sus dos producciones anteriores (El despertar de la adversidad y Progresión neurótica). El sonido podría parecer un experimento, sin embargo, la banda ya ha acostumbrado a sus fans a los cambios de estilo, así que uno escucha sin el prejuicio del que está enamorado de lo inmutable.

En esta digresión, aprovechando este álbum como hilo conductor, recomendaré tres canciones que me parece son una rareza no sólo en Transmetal sino en el Metal como género musical en general: 1) El rocío celestial, 2) El culto impío, y 3) El salvador negligente.

¿Qué tienen estas canciones diferente al Metal en general (salvo algunas excepciones)? Lentitud. Una característica que regularmente se le reservaría al Doom o al Gótico, quizá hasta al New Metal, pero que uno jamás lo pensaría en el Thrash, el Death, ni siquiera en el Heavy. Hoy en día parece que el Metal es una carrera de velocidad, como si eso hiciera mejor una canción. Ya nadie quiere desacelerar, se avientan cuatro minutos a todo lo que dan sus plumillas y sus baquetas, cuando a veces sería mejor un bit lento, lento… L – E – N – T – O

¡Transmetal lo ha logrado una vez más!

Kobda Rocha

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Los Violadores – Fuera de Sektor (1986)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Fuera De Sektor8
  2. Noticias En La Noche8
  3. Tiempos De Acción7
  4. Más Allá Del Bien Y Del Mal7,5
  5. El Último Hombre5,5
  6. Zona Roja7,5
  7. Beat Africano8,5
  8. Sentimiento Fatal: 8,5
  9. La Era Del Corregidor7

En 1986 la banda pionera del punk rock sudamericano, Los Violadores, saca a la luz su tercer álbum de estudio ‘’Fuera De Sektor’’ así es, también mal escrita la última palabra del título como signo de rebeldía. Este disco marca el primer quiebre en el sonido de la banda. En primer lugar el estilo punk-rocker de los trabajos anteriores es un poco dejado de lado, y en su lugar la banda da un vuelco a la  música que empezaba a sonar en el momento en el país, como la new-wave y el post-punk, con melodías más comerciales y la presencia de teclados y sintetizadores e incluso algunos arreglos de bongós en algún caso.

La voz de Pil Trafa suena más melancólica y no tan protestante como nos tenía acostumbrado, la batería con un sonido más cerrado y apagado pero con buena presencia, el bajo toma más protagonismo en algunas canciones, y la guitarra sin tanta distorsión, con acordes más claros y con riff más inventivos por parte de Stuka.

Es de destacar el cambio de sonido por parte de la banda que aun así logró sacar un buen álbum con canciones que luego serían populares en el catálogo de la banda, dejando un poco atrás las letras anti-guerra y anti-política, sobre todo en la segunda mitad del disco, y con arreglos menos repetitivos que son muy particulares del punk.

Canciones para destacar del álbum son la homónima «Fuera De Sektor» que abre el disco con el estilo más alegre de The Cure, «Noticias En La Noche» con su riff característico y pegadizo, con un estilo parecido al siguiente «Más Alla Del Bien Y Del Mal», pero este último con tintes más apagados. «Zona Roja» uno de los más tocados en vivo por la banda con un sonido más rockero que los anteriores. «Beat Africano» es quizás el tema más rebuscado y experimentativo del álbum con tonos intercalados de bongós en medio de los otros instrumentos haciendo alusión a su título. El anteúltimo tema «Sentimiento Fatal» fue el más radial y terminó siendo el más conocido del tercer trabajo, que incluyo un videoclip muy televisado en ese entonces también.

Los integrantes fueron los cuatro mismos del disco anterior, además de terminar siendo la formación clásica del grupo y la que más ventas cosecho con el correr del tiempo. En la portada pueden apreciarse nuevamente a los cuatro integrantes de píe con vestimentas diferentes por parte de cada uno, pero manteniendo su estética punk particular.

El torno al disco quizás aleje un tanto a sus seguidores más acérrimos del punk, pero lograría cierta atracción por otra parte del público que empezaba a gestarse con el nuevo cambio musical que acontecía en el mundo musical. Un gran disco pero sobre todo por el motivo de la banda al animarse a experimentar y jugarse la aceptación por parte de sus seguidores y la crítica.

Johnny Prz.

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Sumo – Corpiños en la Madrugada (1983)

Puntaje del Disco: 9

  1. Night And Day: 9
  2. Mejor No Hablar (De Ciertas Cosas): 8,5
  3. Banderitas Y Globos: 8
  4. Teléfonos Que Suenan En Piezas Vacías/White Trash: 9,5
  5. Una Noche En New York City: 8,5
  6. Divididos Por La Felicidad: 8,5
  7. Quiero Dinero: 6,5
  8. Fuck You: 8,5
  9. Disco Baby Disco: 9
  10. Heroin: 8

(Reedición En CD 1992)

  1. Breaking Away: 9
  2. Nextweek: 8
  3. Warm Mist: 7,5
  4. Solo Piano: 7

A comienzos de la década de 1980 acontecería un hecho histórico en Argentina, más precisamente cerca de la localidad de Nono en la provincia de Córdoba, donde aterrizaría un ítalo-escocés de pelo largo que traería en su cabeza muchísimas ideas y experiencias aprendidas a lo largo de su recorrida por Europa. Es que este tipo había ido al colegio más prestigioso de escocia, el llamado Gordonstoun, al que también fue el príncipe Carlos de Inglaterra con el que compartió su estadía, entre otros. Pero a falta de un año para finalizarlo decide escaparse del instituto a sus 17 años de edad. Pero su vida era tan bohemia y nómade que Luca decide recorrer Europa solitariamente hasta regresar a su casa de Roma donde es detenido por la interpol que ya lo venía buscando con anticipación tras el pedido de su madre. En la década de 1970 se estableció en Londres y trabajo para la compañía discográfica EMI y formó su primera banda The New Clear Heads contemporánea a la estética de las bandas Post-Punk del momento como XTC, The Fall y Joy Division. La sensibilidad musical de Luca, influida por ritmos de ex colonias británicas como el Dub y el Reggae sumado al estilo personal de cantautores post-punk como Joe Jackson, Graham Parker, Elvis Costello y la ironía de Ian Dury & The Blockheads ayudarían a formar el estilo musical de Sumo más adelante. Fue admirador en su adolescencia de géneros como el Rock Progresivo Sinfónico y la psicodélia setentera de bandas como Van Der Graaf Generator, Canned Heat, Soft Machine, Syd Barret y Pink Floyd e incluso los experimentales Roxy Music. Inspirado por músicos como Bob Dylan, Jim Morrison, John Lennon, David Bowie, Lou Reed, Brian Eno, Leonard Cohen, compuso canciones memorables que serían grabadas en 1981 en Córdoba.

Ya ubicado en Argentina, Córdoba, conoce a Germán Daffunchio y Alejandro Sokol los cuales comenzaron a componer canciones que formarían parte del primer demo de Sumo ‘’Corpiños En La Madrugada’’ tales como «Night & Day» y «Regtest» entre otros. Contando con Sokol en el bajo, Daffunchio en guitarra y Stephanie Nuttal una amiga inglesa de Luca quien acepta la invitación de viajar a la capital del país argentino, que ya tenía experiencias en bandas en su pasado por europa y conocía muy bien la escena Punk y Post-Punk originaria en Inglaterra, se encargaría de la batería. Debutan en una discoteca de El Palomar. Más adelante se une un vecino de Hurlingham, Diego Arnedo al bajo pasando Sokol a la batería debido a que Stephanie decide regresar a Inglaterra por la insistencia de sus padres. Al corto tiempo se une el último miembro de la primera formación, Roberto Pettinato un periodista a quien Luca había conocido cuando este lo entrevisto para la revista El Expreso Imaginario y le comentó sobre su habilidad de tocar el saxofón por lo que es invitado por Luca a su nueva banda.

Con esta formación graban «Corpiños En La Madrugada» el primer registro musical de Sumo, Demo muy importante que cuenta con canciones que luego serían regrabadas para sus álbumes oficiales que vendrían más adelante.

El disco comienza con la psicodélica y extraña «Night & Day» pieza con sonidos llamativos y coros al estilo budista detrás del bajo bien pronunciado de Arnedo, este tiene la particularidad de ser el primer tema compuesto en conjunto por la banda, de esto German diría que luego de que a Luca le gustara la canción sintieron ganas de grabarlo y salir a tocar por todas partes. Como segundo track continua «Mejor No Hablar (De Ciertas Cosas) » como dato curioso esta canción fue compuesta por Carlos Alberto ‘’El Indio’’ Solari cantante de Patricio Rey Y Sus Redonditos De Ricota, la canción fue descubierta por Luca y Pettinato cuando asistieron al recital de Los Redondos en el festival de GEBA en el único show que Luca reemplazo al Indio, y en el ensayo poco antes de salir a tocar en directo Luca encuentra la letra que era usada a modo de improvisación por la banda platense pero todavía sin un sonido trabajado, de esto le comenta a La Negra Poly quien luego se la obsequia, al volver a su sala de ensayos Prodan se la tararea a Arnedo y Diego acelera el rítmo que tocaba Semilla a un estílo más punk y termina de darle la forma al estilo Sumo. La versión de la canción en este demo es más lenta y densa que la reeditada en el primer álbum, cuenta con un sonido más funky y un saxo más relajado. Después de los rasgeos continuos de German con su guitarra abre «Banderitas Y Globos» con el excelente solo de bajo de Arnedo. La letra hace referencia al ex presidente y militar Leopoldo Fortunato Galtieri y se le ocurrió a Luca luego de ver una multitud reunida por los reclamos sociales de la Guerra De Malvinas, y lo que más le llamó la atención fue que la gente dos días después del caos fue a la marcha con banderitas y globos en protesta civil. Da comienzo con una guitarra muy triste «Teléfonos Que Suenan En Piezas Vacias/White Trash» con una voz apagada y abatida de Luca, para luego evolucionar a un sonido más ska. La letra central de la canción habla de la desigualdad racial que ha habido en la humanidad y del terror de una llamada sin oír de su receptor. Luca comentó además que tuvo una experiencia acida con drogas bastante terrorífica al no saber dónde se encontraba su novia, tuvo flashes de que estaba siendo asesinada, debido a que esta no respondía a su llamado telefónico e imaginaba desde su casa paredes bañadas de sangre. White Trash fue compuesta en solitario por Luca mucho antes cuando se encontraba en Londres. Attaque 77 hace mención del final de la canción en una de sus canciones covers.

«Una Noche En New York City» comienza con un marcado estilo funky difícilmente tocado en el bajo por el cóndor. Con balbuceadas de Prodan. Dedicada a una discoteca de esa ciudad que le pagaba a la banda por tocar allí. Este tema también sería reeditado en ‘’Divididos Por La Felicidad’’ con un sonido más limpio y sacando casi por completo su estilo funk, su nombre anterior es cambiado por el de ‘’La Rubia Tarada’’, la canción se convertiría en un himno de la banda y quizás la más famosa de su repertorio. Luego con un comienzo similar al de Joy Division empieza «Divididos Por La Felicidad» con ritmos alternados de batería y bajo. La canción es un homenaje a una de las bandas post-punk preferidas de Luca ‘’Joy Division’’ debido al nombre y a su sonido oscuro y frenético. «Quiero Dinero» es uno de los temas más cortos del disco y hace referencia de forma cómica al dinero que le debían a la banda las discotecas de Einstein (Omar Chaban), Stud Bar y Zero Bar. Con un guitarrazo furioso de German «Fuck You» se hace notar. Con un sonido hardcore-punk y la batería pesada de Sokol es el único tema punk del disco emulando un poco a lo que luego sería ‘’El Ojo Blindado’’ más adelante. Con el registro de ser una de las primeras canciones pesadas del rock argentino. Atención señores a la siguiente «Disco Baby Disco» una de las mejores de Sumo repitiéndose la entrada funk por tercera vez, pero sin llegar ni siquiera a cansar al oyente. Con una temática similar a la de Una Noche En New York City esta aparecería en el primer álbum pero casi con el mismo sonido salvo la batería que aquí suena tocada por Sokol y no con una batería electrónica como parece sonar en el siguiente disco. «Heroin» aparece como un homenaje al gran hit de Lou Red y La Velvet, pero la canción tendría una notable mejoría en ‘’Llegando Los Monos’’. Asoma el primer reggae del disco y uno de los primeros de Sumo «Breaking Away» gran canción que desgraciadamente no fue editada en los discos oficiales de la banda, pero que sin embargo posee un sonido limpio y escuchable. Luca le dedica el tema a Linda, su primera novia más particularmente a la parte ‘’The Girl Who Turned A Mouse Into Ghome/La Chica Que Transformó A Un Ratoncito En Un Gnomo’’. A Su término inicia «Nextweek» con una intro similar a ‘’Banderitas Y Globos’’ esto la diferencia a su versión del segundo disco, que además cuenta con más psicodélia y menos solos de saxo que la de este álbum. También hay lugar para la triste y solitaria «Warm Mist». El gran debut musical de la banda finaliza con «Solo Piano» en la que Luca saca a relucir sus dotes en el piano pero algo que jamas se repetiría en la carrera de Sumo.

Notables músicos como Daniel Colombres y Daniel Melingo aportaron en este disco. Luego de este gran inicio Alejandro Sokol abandonaría el proyecto musical por asuntos personales, y sería reemplazado por Alberto ‘’Superman’’ Troglio.

La portada del álbum-demo no fue tan rebuscada y cuenta con un fondo blanco y por debajo con el nombre ‘’sumo/corpiños de la madrugada’’ y las letras pintadas de azul. Luego de 3 años en que el casette tuviera esta portada un fanático de la banda ilustró la tapa de fondo blanco con permiso de Luca e hizo un dibujo-collage de una pareja (Rodolfo Valentino y una Adalisca) abrazándose en un acto romántico. Dicha imagen se convirtió en una pieza de culto. Este disco jamás fue lanzado en vinilo.

En mi opinión personal un disco muy destacable para los comienzos de la banda con grandes canciones como ‘’White Trash’’ ‘’Breaking Away’’ que lamentablemente solo quedarían compuestas para este Demo. Sorprende la cantidad de hits que contiene, que por este hecho muchas de sus canciones serían luego regrabadas para sus discos oficiales, muchas con un sonido algo diferente, pero las de este disco suenan muy originales e igual de importantes.

Johnny Prz.

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Catupecu Machu – Simetría de Moebius (2009)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Confusión: 7,5
  2. Piano y RD: 6,5 
  3. Anacrusa: 8,5
  4. Alter Ego…. Grito Alud: 8
  5. Juego Sagrado: 6
  6. Cosas de Goces: 7
  7. Víbora Vientre: 7,5
  8. Nuevo Libro: 7
  9. Simetría de Moebius Barolo y Salvo: 8,5
  10. Batalla: 8
  11. Abstracto: 7,5

Simetría de Moebius, título basado en el matemático alemán August Möebius conocido por sus teorías de hace más de ciento cincuenta años, es el quinto disco de estudio de la banda alternativa argentina Catupecu Machu publicado en Noviembre de 2019.

Fernando Ruiz Diaz explicaría la inspiración y el espíritu del álbum: “Es como la cinta de moebius, vos partís de un lugar le das la vuelta y volves al mismo lugar de donde saliste pero desde otro lado. Simetría es un disco que es como un recital de Catupecu, empieza con temas muy sanguíneos, después baja y al final termina muy arriba”.

La banda de Villa Luro continúa inalterada pese a sus continuas transformaciones, con un registro menor de cuerdas y distorsión, las guitarras de años pasados dejan lugar a bajos intensos, melodías potentes y amplitud musical. Entre los puntos altos de Simetría nos encontramos con “Anacrusa» (tema que mejor expone conceptualmente este disco), las potente e intensas “Alter Ego…. Grito Alud” y “Simetría de Moebius Barolo y Salvo” y la reversión de “Batalla”, que grabado siete años después que la original, cobra mucha más fuerza y se acomoda a su sonido actual.

No podemos hablar de una refundación del grupo o un punto de quiebre estilístico, pero sí podemos decir que este trabajo será fundamental dentro ese quiebre que ya había empezado hace unos años. Catupecu ofrecía una colección de nuevos temas parejos manteniéndose con sus transformaciones como una de las bandas locales más importantes de rock nacional de la década pasada.

F.V.

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