Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Kasabian – For Crying Out Loud (2017)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. III Ray: 8
  2. You´re in Love With a Psycho: 6,5
  3. Twentyfourseven: 6,5
  4. Good Fight: 7,5
  5. Wasted: 6,5
  6. Comeback Kid: 8
  7. The Party Never Ends: 8
  8. Are You Looking For Some Action: 8,5
  9. All Through the Night: 7,5
  10. Sixteen Blocks: 7,5
  11. Bless This Acid House: 6,5
  12. Put Your Life On It: 7

Año tras año, disco tras disco, cada banda debe demostrar que no está de adorno. En general tienen dos caminos: explorar y desarrollar su estilo, repitiéndose las veces que sean necesarias; o bien, adaptarse a nuevos sonidos. Un grupo que no logra prosperar en esos caminos, tiende a desaparecer, quedar como un One Hit Wonder, o un mero recuerdo de época sin mayor trascendencia.

Cuando Kasabian comenzó en la escena musical, eran considerados unos baby Oasis. A mi parecer, más bien eran una mezcla entre la energía de Oasis, y el manejo instrumental de Primal Scream. Pese a algunas buenas letras (pocas), que no pueden llegar al estatus de los himnos que Oasis hacía, Pizzorno y compañía se han encargado de demostrar la valía del rock desde la primera década del dos mil, ya sea con la fuerza de su álbum homónimo, experimentando un poco con Empire, dando un gran paso en cuanto a sonido con West Ryder Pauper Lunatic Asylum, bajando un poco el nivel con Velociraptor (que tiene sus buenas cosas a destacar), expresándose con el control creativo total en 48:13, y finalmente ahora con For Crying Out Loud.

“III Ray” empieza como es tradición en todos los discos de Kasabian. Es movida, es fuerte y te eleva. La gran diferencia es que la guitarra sólo se usa para resaltar, en vez de guiar todo el camino (en esta canción el sintetizador hace el esfuerzo); la batería también es fuerte y agradable. Es sencillamente genial ver el puente que hacen entre guitarras y sintetizador.

En “You´re in Love With a Psycho” encontramos a la banda experimentando con el new wave. Es como un Blondie manufacturado en Inglaterra. El sintetizador estilizado junto con un coro pegajoso cumplen con todo lo necesario para musicalizar el verano.

Luego en “Twentyfourseven” la guitarra tiene un afán de sonar un poco sucia, algo más tradicional; como el rock de Primal Scream, pero con un aire más pop. No es mala canción, pero Kasabian comienza a exhibir flaqueza en su composición musical (No funciona como “Days Are Forgotten”, donde roban a gusto a Zeppelin).

“Good Fight” tiene un aire de psicodelia inglesa, un tipo de “California” en Leicester. Es un rock melódico con coros a lo Beatle que recurre a lugares comunes del imaginario inglés. Los arreglos al final de la canción son lo más destacado tanto en guitarra como en piano. No destaca, pero no deja mal parada a la banda.

En “Wasted” escuchamos algo tradicional nuevamente. Es la típica canción de Kasabian bien hecha, pero nos encontramos ante un Kasabian relajado; mucho menos denso que lo que nos tenía acostumbrados en otros discos. Quizás suavizarse no fue buena idea del todo.

“Comeback Kid” sin lugar a dudas es agradable por su intro con trompetas. Esa batería apresurada con una guitarra punzante que nos lleva al rock de los sesenta. El teclado es delirante y lo podemos tomar como un pequeño homenaje a Iron Butterfly. Otro tributo a los sesenta.

En “The Party Never Ends” la vocalización así la canción propiamente nos recuerdan a “Thick as Thieves”. Un rock inspirado en el género western con un buen acompañamiento de teclado.

Después en “Are You Looking for Some Action?” nos encontramos con una guitarra parecida al de la música disco, junto con unos arreglos que remiten a la escena electrónica de los noventa. Sin lugar a dudas un buen experimento, una canción que podría estar en un momento cúspide de cualquier fiesta.

“All through the night” con su guitarra propone una melodía calmada, una vocalización calma alternada entre Pizzorno y Meighan y un theremín bien usado. Crean una canción simple, nostálgica y que funciona bien. De nuevo no destacan, pero no quedan mal.

“Sixteen Blocks” tiene silbidos que marcan una tonada simple, pero agradable.  La guitarra, el sintetizador, y el manejo vocal nos remiten a los recursos habituales usados por esta banda, en particular a “Man of Simple Pleasures” pero menos fuerte.

Con “Bless This Acid House” de nuevo aparece una canción con guitarra al estilo rockero de Primal Scream. Aquí no destacan en cuanto a composición musical, pero es una buena para pasar el rato.

“Put Your Life On It” tiene un inicio con un toque similar al de “Give Peace a Chance” de John Lennon, que en lugar de llevarnos a la protesta, nos guía a una agraciada despedida con toques pop y coros casi gospel.

En definitiva los años no pasan en balde; en esta ocasión, Serge Pizzorno, mente maestra de Kasabian (y productor), sigue haciendo de las suyas experimentando con composiciones menos densas, pero en varios casos, muy rescatables. No todo el disco es excelente, pero bien podemos verlo como un Kasabian haciendo rock americano.

El Gato Gordo

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[Total: 1 Average: 3]

Daft Punk – Human After All (2005)

Puntaje del Disco: 8

  1. Human After All: 8
  2. The Prime Time of Your Life: 9
  3. Robot Rock: 9
  4. Steam Machine: 8
  5. Make Love: 8
  6. The Brainwasher: 8.5
  7. On/Off:
  8. Television Rules The Nation: 8
  9. Technologic: 9
  10. Emotion: 8

Corría el año del dos mil cuatro, la música del nuevo milenio sonaba fuerte, y las bandas de los noventa estaban algunas muertas, otras en impasses creativos, y las de finales de la década, como Daft Punk tenían el deber de plantarse y demostrar que eran un gran prospecto a futuro de la música electrónica. Había que probar que Discovery no había sido una casualidad, que sus dos excelentes discos previos fungen como estandarte (Homework y Discovery) de algo más.

Human After All fue realizado en tan sólo seis semanas, lo que nos exhibe un proceso creativo muy breve, una idea de un álbum minimalista que se filtró antes de tiempo. En aquella época ya estaban latentes los debates de las filtraciones, las descargas, y la obtención ilegal y gratuita de este arte que tanto amamos.

La homónima “Human After All” abre el disco de un modo bastante tranquilo, bailable, y bien musicalizado, la mezcla de batería, guitarra, loops, y esas voces robóticas que los caracterizan funciona bien. No es la canción más explosiva de su carrera; pese a parecer un descarte de Discovery, o no alcanzar la excelencia de otros temas, funciona bien.

“The Prime Time of Your Life” tiene un sonido distorsionado con el que inicia es simplemente destacado. Los coros que enuncian el título de la canción parecieran salidos de una ópera rock futurista; el ritmo súbitamente comienza a acelerarse, dando pie a una odisea de efectos distorsionados que nos guían hacia un viaje electrónico de alto voltaje. Definitivamente un punto alto en este disco.

“Robot Rock”, con su mezcla de batería y el riff de guitarra en esta ocasión, es tan simple, como deliciosa. El efecto proporcionado al sonido demuestra el sello característico de esta banda, y su refinada evolución. Sin duda alguna un gran sencillo, y otro punto alto en este disco.

“Steam Machine” un sonido peculiar, como si el rock industrial fuese sublimado a una electrónica estilizada. Mientras que en “Make Love” estamos en un momento de descanso del disco, uno provocativo y emotivo. Su batería, teclado y guitarra funcionan bien, pero quizás pecan de simpleza.

Por su parte, en “The Brainwasher” estamos en presencia de una guitarra cruda, de una voz alterada que pareciera extraída directamente del lado más malvado de este dúo. Es una canción bien armada donde predomina la intención de ser cruda y dura. El momento más agresivo y confrontante de este disco.

“Television rules the nation” es otra canción bien ensamblada: una batería simple, una guitarra clara, simple y distinta que enmarca todo el ambiente. Funciona, pero de nuevo pecan de simpleza.

“Technologic” consta de un efecto para la voz sorprendente. Tiene algo tenebroso, y tanto el ritmo como los efectos bien ejecutados conforman una excelente canción. Sin duda alguna nos transporta a pensar en las pesadillas de la era tecnológica.

El álbum cierra con “Emotion” una canción de corte tranquilo y emotivo: en este caso estamos ante uno bien ejecutado, la simpleza no es un pecado aquí; parece un B Side de Discovery que si bien no llega a un nivel tan generoso, nos ayuda a rememorar buenos momentos, y por qué no, a disfrutar de este disco hasta el final.

En Homework vimos a un Daft Punk dando sus primeras señales de vida, mostrando instantáneamente su capacidad en canciones que se volvieron imprescindibles como “Around the World”, o “Da Funk”. En Discovery llegaron a un nivel de sofisticación y elegancia sorprendente, deslumbrando a propios y extraños (hay momentos donde prácticamente es una adaptación de la música clásica, a música electrónica). En esta tercera entrega nos recuerdan que solo son humanos, y como tal, no siempre se puede alcanzar lo más alto. Pese a ello, estamos ante una obra donde vemos cómo ha evolucionado su sonido desde el principio, que si bien en esta ocasión pecó de simpleza, no pierde calidad. Las buenas ideas y ejecuciones siguen presentes, y podemos presumirlas como sello de la casa.

En la escena de la música electrónica, Daft Punk no tiene la violencia de The Prodigy (pero demuestra que puede ser casi tan fuerte), no tiene el estilo tradicional de mezclar de los Chemical Brothers (pero sí una instrumentación y un sello propios), son tan bailables como Groove Armada, o Basemente Jaxx, y mejor instrumentados que Fatboy Slim. En términos generales y sin temor a equivocarme, se han hecho un nombre propio en el género.

El Gato Gordo

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[Total: 3 Average: 3.3]

Korn – Take a Look in the Mirror (2003)

Puntaje del Disco: 6

  1. Right Now: 8
  2. Break Some Off: 6
  3. Counting On Me: 6
  4. Here It Comes Again: 7
  5. Deep Inside: 5
  6. Did My Time: 8
  7. Everything I’ve Known: 7
  8. Play Me: 8
  9. Alive: 8
  10. Let’s Do This Now: 5
  11. I’m Done: 4
  12. Y’All Want A Single: 8
  13. When Will This End: 4

“Es el peor disco que hemos hecho”, dijo sin vueltas Brian “Head” Welch, guitarrista de KoRn, unos años después de la salida de Take a Look in the Mirror, su sexto álbum de estudio. Una opinión debatible, pero se entiende si tenemos en cuenta que Head se fue de la banda después de la publicación de este trabajo y no participó en los aún peores See You on the Otherside o Untitled.

En cualquier caso, las prisas, falta de inspiración y el hastío interno del grupo se notan y mucho en este disco “de manual”, compuesto y grabado a las apuradas durante la gira del Ozzfest. El álbum anterior, Untouchables, había demorado dos años y costado 4 millones de dólares, sin lograr las ventas esperadas y dejando a la banda endeudada. Así, Take a Look in the Mirror suena a un trabajo hecho por obligación para pagar las cuentas.

El disco nos presenta riffs de lo menos inspirados (nótese la similitud entre el puente de “Did my time” y la intro de “Everything that I’ve known”, que para colmo están secuenciados uno después del otro), letras que siguen los moldes típicos de Jonathan Davis (“todo está mal, todos me odian, estoy deprimido y furioso”) y una interpretación vocal desganada. Si en los primeros discos de Korn Davis hacía creíbles sus letras, era porque sus guturales gruñidos e inquietantes susurros no dejaban margen para la duda. Acá, es simplemente un hombre de 32 años, multimillonario, con esposa e hijos, intentando hacer creer que sigue sufriendo porque le hacían bullying en la secundaria.

Flaco favor le hace al disco estar producido por el propio Davis, quien se limita a seguir la fórmula KoRn a pie juntillas, comprimiendo los instrumentos de su otrora furiosa banda en un Pro-Tools estéril. Todo suena forzado, intentando recuperar elementos de un pasado glorioso ya extinto. ¿A Untouchables le faltaron las tradicionales gaitas de discos anteriores? Listo, ponemos una breve intro de gaitas en “Let’s do this now”. ¿En “Life is peachy” y “Follow The Leader” tuvimos colaboraciones con raperos? Listo, ponemos a Nas a rapear encima de una base en la más pura vena Korn. ¿Nos piden que volvamos al sonido del primer disco? Listo, reciclamos “Alive”, una canción de 1993 que no llegó a incluirse en el álbum debut. ¿La moda es renegar de las discográficas y la industria musical en general? Listo, hacemos un single pegadizo con un video en el que destrozamos una disquería. Y así podríamos seguir… Cada movimiento en Take a Look in the Mirror trasluce una demagogia berreta y una falta de ideas inquietante.

Apenas sobreviven un puñado de canciones decentes (“Right Now”, “Did my time”, “Alive”, “Let’s do this now”) aunque ninguna memorable. Lo más interesante del disco, sin dudas, es su cuidado booklet, repleto de memorabilia y fotos de los comienzos del grupo. Imposible dejar de interpretarlo como una señal. Apenas una década después de su revolucionaria irrupción en la escena, Korn veía su estrella de gloria apagarse y no podían evitar sentirse nostálgicos. Triste pero cierto.

Camilo Alves

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[Total: 3 Average: 3.3]

Peter Gabriel – So (1986)


Puntaje del Disco: 9

  1. Red Rain8,5
  2. Sledgehammer9,5
  3. Don’t Give Up: 8
  4. That Voice Again: 9
  5. In Your Eyes: 9
  6. Mercy Street: 8,5
  7. Big Time: 8,5
  8. We Do What We’re Told (Milgram’s 37): 7,5
  9. This Is the Picture (Excellent Birds): 8

Desde su desprendimiento de Genesis, Peter Gabriel supo diseñar una carrera solista convincente e innovadora, siendo uno de los pioneros en la fusión del rock con todo tipo de música étnicas de culturas diversas.

Tras haberse rehusado a darle nombre a sus primeros cuatro álbumes, los cuales se llamaron todos Peter Gabriel (acompañados del número por su orden de salida I, II, III, IV) usando distintas portadas donde su cara se encontraba tapada o parcialmente oscurecida de alguna forma, se vio obligado a colocarle nombre a sus siguientes incursiones y decidió utilizar una serie de palabras de dos letras, el primero de ellos sería So de 1986.

Grabado en su lujosa casa de campo en 1985, Ashcombe House, en el sur de las islas británicas, contaría con “Sledgehammer” como principal carta de presentación, tanto el tema alegre y pegadizo como su avanzado video para la época seducieron al público de inmediato. Sin embargo Gabriel, que se encontraba en uno de sus momentos de gracia, tendría otras cartas potenciales para captar la atención de todos en este variado trabajo como “Red Rain”, “That Voice Again”, “Big Time”  y “Mercy Street“.

So es considerado uno de los trabajos más fuertes de toda la década del ochenta y de los más importantes en la trayectoria del artista británico. Accesible y enfocada a la vez, masivo pero con ambiciones artísticas y letras inteligentes al mismo tiempo, un disco que dejaría un estatus de icónico y hoy en día, tres décadas después, continúa siendo recordado y referencia.

F.V.

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[Total: 3 Average: 4.3]

Kasabian – 48:13 (2014)

Puntaje del Disco: 7

  1. (shiva):
  2. bumblebeee: 8
  3. stevie: 7,5
  4. (mortis): –
  5. doomsday: 6
  6. treat: 6,5
  7. glass: 5,5
  8. explodes7,5
  9. (levitation)5
  10. clouds: 7
  11. eez-eh: 8
  12. bow7
  13. s.p.s7

El declive de Kasabian comienza aqui. Venían atravesando los primeros años de su carrera convincentemente, renovándose, enriqueciendo sus propuestas y sorprendiendo disco tras disco, hasta que llegó el turno de 48:13 (2014), donde la magia comenzó paulatinamente a perderse.

48:13 el título elegido por los de Leicester, es la duración total del disco, con canciones que se acercan a un Indie directo, bailable y electrónico de sus primeros trabajos que al rock alternativo y experimental que habían incorporado como propio desde West Ryder Pauper Lunatic Asylum y ratificado en Velociraptor! Una decisión reprochable teniendo en cuenta el producto final dejando en claro que esta vez no tenían demasiado que decir.

Si bien no deja de ser un buen disco y de poseer temas disfrutables como “bumblebeee”, “explodes” o “eez-eh”, estos no serían más que una anécdota en cualquiera de sus anteriores álbumes. Para colmo de males su siguiente y más reciente placa For Crying Out Loud no logra levantar cabeza y la pendiente en la carrera de una banda que supo ser confiable como Kasabian, continuaría acentuándose.

F.V.

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[Total: 2 Average: 3]

The 1975 – The 1975 (2014)

Puntaje del Disco: 7

  1. The 1975: 9
  2. The City: 7
  3. M.O.N.E.Y: 6
  4. Chocolate: 8
  5. Sex: 8
  6. Talk!: 5
  7. An encounter: 6
  8. Heart Out: 8
  9. Settle Down: 9
  10. Robbers: 7
  11. Girls: 8
  12. 12: 6
  13. She way Out: 8
  14. Menswear: 6
  15. Pressure: 7
  16. Is There Somebody Who Can Watch You: 7

Debo comenzar esta reseña admitiendo que estaba subestimando mucho el trabajo de estos chicos, ya que en realidad su música no es mala como yo pensaba. Sin embargo, creo que al mantenerme objetivo aún está lejos de ser un trabajo de una calidad aceptable, al menos desde mi sentido musical.

Su disco homónimo comienza con una ambientación muy bien producida, que me llevo a una atmosfera que me decía “agarrate bien que esto va a estar bueno”, lo cual hizo que inmediatamente mi percepción sobre su musicalidad cambiara por completo. Lamentablemente todo esto se fue en los primeros cinco segundos de la siguiente canción, ya que hace sentir totalmente fuera de contexto la ambientación que se utilizó brevemente.

Me gustaría resaltar como siempre los puntos buenos antes que los malos. Para empezar la producción del disco es impecable, en verdad para una banda que recién estrena su primera producción de larga duración me sorprende lo orgánico que llega a sonar todo, incluso los sintetizadores. La premisa que utilizan al momento de fundamentar su música es interesante, tomar como influencia central bandas de los setentas, ochentas y noventas para crear su música me pareció algo muy inteligente puesto que es algo que ya había funcionado antes. Al traerlo a generaciones más actuales ha funcionado de igual manera (ya que recibieron múltiples premios y nominaciones por este álbum).

La ejecución musical de The 1975  es decente, a pesar de que entre  bajo y guitarras no hacen la gran cosa, funciona de acuerdo a lo que sus canciones les están pidiendo. Pero debo mencionar que la manera de ejecutar los ritmos del baterista con ese increíble Groove y matiz perfecto que encaja como pieza de rompecabezas al resto de sonidos. Y la voz está muy bien articulada melódicamente dentro de cada pieza.

Bueno, dicho esto proseguiré con lo malo, ¿Cómo decirlo? Al menos en este punto de su carrera se nota que existía una gran inexperiencia al componer, lo cual sería totalmente justificable si no tuviesen tres o cuatro EP’s detrás que fundamentan una “evolución” como banda. Las canciones a pesar de ser pegajosas, melosas y si… pop, llegan a ser muy repetitivas, incluso llegan a repetirse muchas estructuras dentro del disco o tonalidades o arreglos con octavas y palm mute en la guitarra. Ya sé que mencione que todo esto funciona bien, pero si fuese un disco más corto con un poco más de variedad en los sonidos creo que podría ser considerablemente mejor. Canción a canción van haciendo que muevas la cabeza y el cuerpo al ritmo de la música, pero creo que es muy tedioso escuchar todo el disco completo por lo que ya mencione.

Se supone que al ser un material homónimo debería funcionar como una carta de presentación de sí mismos, por lo que no lleva un concepto en general y no tiene nada de malo, pero pretende que quien entienda las letras sepa qué clase de mensajes quiere llevar la banda a la sociedad. Pero la verdad es que en este sentido son una banda más con letras acerca de cualquier cosa que hace identificar a cualquier persona.

Dentro del disco hay dos ambientes más que a mi parecer son más que innecesarios, no conectan con nada y no tienen otro propósito más que el de hacer pensar al escucha “que bonitos sonidos hacen”.

Para finalizar me gustaría mencionar que The 1975 no me parecen una mala banda en lo absoluto. Si tuviesen un poco más de ingenio yo mismo sería un fan muy aguerrido, pero esa falta de chispa y autenticidad al querer copiar canciones que ya han sido un éxito me hace entrar un poco en conflicto con que la música que hacen suene bien. Sin embargo, estoy hablando de su primer etapa y al menos lograron captar mi atención para seguir escuchando su música y solo espero que mejoren y logren conseguir su propia esencia sin ser tan repetitivos dentro de un mismo trabajo discográfico.

Jack In Blue

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[Total: 2 Average: 2.5]

Lostprophets – Liberation Transmission (2006)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Everyday Combat: 7
  2. A Town Called Hypocrisy: 8
  3. The New Transmission: 8
  4. Rooftops (A Liberation Broadcast): 8,5
  5. Can’t Stop, Gotta Date With Hate: 8
  6. Can’t Catch Tomorrow (Good Shoes Won’t Save You This Time): 9
  7. Everybody Screaming!!!: 6,5
  8. Broken Hearts, Torn Up Letters And The Story of a Lonely Girl: 7
  9. 4AM Forever: 8,5
  10. For All These Times Son, For All These Times: 6,5
  11. Heaven For The Weather, Hell For The Company: 7
  12. Allways All Ways (Apologies, Glances and Messed Up Chances): 7,5

Nota Importante: Si ustedes son de investigar mucho acerca de lo que anda pasando en el mundo de la música últimamente, estoy seguro de que están enterados acerca de quiénes son Lostprophets, que pasó con ellos durante su separación y que pasó con su repugnante vocalista. No me vayan a odiar por qué me ponga a analizar su trabajo, simplemente me parece una banda genial y curiosa en el ámbito musical, separando toda su genialidad musical de los innombrables hechos sucedidos en referencia a su desquiciado frontman. Para los que no saben, más tarde investiguen por su cuenta, es preferible no tocar esos temas en esta página. Solo hago propaganda a su música, nada más. Comencemos.

Después del éxito de su anterior trabajo, Start Something, la banda decide rápidamente trabajar en un nuevo material que duró 2 años más tarde después. Durante este período, su baterista Mike Chiplin, decide irse de la banda, ingresando el nuevo baterista, Ilan Rubin, que estuvo 4 años hasta la entrada de Luke Johnson.

Liberation Transmission fue lanzado en 2006, y el proceso de producción fue de casi el mismo tiempo que Start Something. Este disco fue producido por Bob Rock, conocido mundialmente por haber producido a The Cult, Metallica, Motley Crüe y un largo etc.

Sin duda este es el disco con el que la banda se consagró a un nivel comercial mucho más amplio, llegando a ser el disco más exitoso de la banda gracias a la masiva difusión del single “Rooftops (A Liberation Broadcast)”, que junto con “Last Train Home” vendría a ser la canción más reconocida de la banda.

Definitivamente este trabajo llevó a dividirse entre un montón de fans que conocían a la banda desde el principio, llegándolos a considerarlos como “vendidos”, y representa un grandísimo cambio en el sonido de la banda lejos de The Fake Sound of Progress e incluso con Start Something, representando un sonido muchísimo más comercial.

Pero gracias a esto, a diferencia del primer disco, la banda cambia el sonido Nu Metal y Funk Rock por canciones mucho más accesibles, puramente pop y punk rock con estribillos sumamente pegadizos, caracterizadas como “canciones de estadio” (llamadas por los fans de la banda a partir de este álbum), absteniéndose de los screams del tecladista Jamie Oliver (a excepción de “The New Transmission”), teniendo grandiosos temas como “A Town Called Hypocrisy”,  el reconocido single “Rooftops (A Liberation Broadcast)” y “Can’t Catch Tomorrow”, esta última como la mejor del disco con un gran estribillo y ritmo pegadizo. Luego de esta última, el álbum empieza a bajar los grandes decibeles musicales, hasta la balada “4AM Forever”.

Con este disco, la banda pudo darse a conocer a más países, siendo este disco uno de los primeros que llegó a comercializarse por América Latina, aunque nunca pudieron realizar un tour por ninguna de las zonas.

Toto

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[Total: 2 Average: 2]

Royal Blood – Royal Blood (2014)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Out of the Black: 9
  2. Come On Over8
  3. Figure It Out8
  4. You Can Be So Cruel7,5
  5. Blood Hands8,5
  6. Little Monster: 8,5
  7. Loose Change: 8
  8. Careless: 7,5
  9. Ten Tonne Skeleton: 8,5
  10. Better Strangers: 9

No tan reconocidos fuera de su tierra natal como deberían ser, Royal Blood es un dúo de rock conformado por el bajista y cantante Mike Kerr y el baterista Ben Thatcher en la ciudad costera de Inglaterra Brighton en 2013.

Su sonido tiene reminiscencias tanto al blues y al hard rock clásico como a grupos de rock alternativo modernos como The White Stripes, Arctic Monkeys o Muse. El estilo particular de Kerr a la hora de tocar el bajo, por los efectos de pedal que la asimilan a una guitarra, es su característica distintiva además de cómo la rompen y la energía que trasmiten en sus shows en vivo.

Comenzarían a llamar la atención en el verano europeo de 2013 con la edición de un par de singles, pero principalmente cuando Matt Helders, el baterista de Arctic Monkeys, usó una remera de Royal Blood durante la performance de los monos en Glastonbury (ambas bandas compartían el mismo manager).

Su homónimo debut se produjo en Agosto de 2014 bajo el sello Warner Bros, y comienza a pisar fuerte desde su track inicial el demoledor “Out of the Black” en el que cuesta creer que no estemos ante una banda de cuatro piezas en lugar de un dúo, luciéndose también en otros como “Blood Hands”, “Little Monster”, “Ten Tonne Skeleton” y “Better Strangers”.

Royal Blood son los encargados más jóvenes en salvar al rock and roll. Si bien su debut no es revolucionario y algo repetitivo, cuenta con impecable producción, composiciones, sonar compactos, y además con un enorme potencial para expandir al genero hacia nuevos horizontes a pesar de consistir solamente en dos integrantes.

F.V.

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[Total: 1 Average: 4]

Bon Jovi – These Days (1995)

Puntaje del Disco: 4

  1. Hey God: 8
  2. Something For The Pain: 7,5
  3. This Ain’t a Love Song: 6
  4. These Days: 4,5
  5. Lie To Me: 4
  6. Damned: 5
  7. My Guitar Lies Bleeding In My Arms: 7
  8. (It’s Hard) Letting You Go: 3,5
  9. Hearts Breaking Even: 3,5
  10. Something To Believe In: 5
  11. If That’s What It Takes: 5
  12. Diamond Ring: 5,5

Nunca pensé que iba a extrañar tanto a Luquitas Bonjo como crítico de la página, hasta que escuché These Days de Bon Jovi. O tal vez, ahora entiendo por qué dejó de reseñar discos de Bon Jovi cuando llegó a esta altura de su discografía. Porque These Days no es otra cosa que el principio del fin de la banda.

Pese a que el Glam Metal nunca fue un género del cual tenga mucha afinidad, Bon Jovi supo cómo explotarlo ganando mucha popularidad en la década de los ochenta. Sin embargo, la poca originalidad del Glam Metal y su desmesurada comercialización se terminaría en los noventa. Por lo que Bon Jovi necesitaba un cambio. Y para mediados de los noventa con These Days intentarían evolucionar.

En These Days Bon Jovi para abandonar sus raíces buscaría tomar las influencias de otras bandas que fueron referentes en ellos, anclando sus colmillos principalmente en Aerosmith. Sin embargo, en lugar de emular lo mejor del conjunto de Steven Tyler, reproducirían su versión más decadente que casualmente también se vio en los noventa. De esta forma Bon Jovi se focalizaría en hacer Hard Rock, bastante inflado por las pretensiones de Jon Bon Jovi de transmitir emotividad en sus canciones (lo cual es traumático para el oyente). Y para transmitir esta pomposa y absurda necesidad de sonar emotivo, lo llenaría con una catarata de baladas de amor, como las insoportables “Lie To Me” y “Hearts Breaking Even” y la aburridísima “(It’s Hard) Letting You Go”. Estas Power Ballads hacen de These Days, un álbum no solo largo en duración (dura más de una hora), sino que  tambiénlo transforman en una experiencia exasperante. La única que podríamos salvar de esta clase es “This Ain’t a Love Song” porque su melodía funciona mejor, pero la fórmula que emplean es igual de insufrible.

En el resto del disco encontramos momentos en los que Bon Jovi demuestra no tener muchas luces como en la Funky “Damned”, con un Richie Sambora cuyo mayor aporte es sobreproducir la melosidad de Jon Bon Jovi. Al pobre Richie no se le cae un Riff o un solo de guitarra que sea memorable.

Pero no todos los temas son verdaderamente malos. “Hey God” y “Something For The Pain” es Hard Rock bastante sólido aunque no impresionante, pero sólido al fin. Mientras que “My Guitar Lies Bleeding In My Arms” (tomando como referencia “While My guitar Gently Weeps”) es el tema menos Bon Jovi del álbum, por su sonido más oscuro, más medido y sutilmente más blusero. Lamentablemente no llega a mayores por estirarse innecesariamente.

Pese a los esfuerzos de Bon Jovi, de aggiornarse, de tratar de adoptarse a lo que pedían los noventa, su época dorada (por así decirle) en los ochenta había terminado. E iría empeorando a lo largo de los años.

Persy

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[Total: 2 Average: 2]

Sun Ra – The Futuristic Sound of Sun Ra (1961)

Puntaje del Disco: 9

  1. Bassism: 7
  2. Of Sounds and Something Else: 8
  3. What’s That?: 9
  4. Where Is Tomorrow?: 8,5
  5. The Beginning: 8
  6. China Gates: 7
  7. New Day: 9
  8. Tapestry from an Asteroid: 6
  9. Jet Flight: 8,5
  10. Looking Outward: 7,5
  11. Space Jazz Reverie: 7

“Sun Ra” fue un gran músico estadounidense de la vanguardia jazzística. Fiel a sus ideologías y a su manera de ver la vida, buscó transmitir todo aquello a través de su música junto con su gran “Arkestra”. Sus discos navegan por temáticas desde ciencia ficción donde se pueden apreciar arreglos futuristas, teorías cabalísticas y hasta jazz clásicos de la época.

The Futuristic Sound of Sun Ra es un álbum enigmáticamente seductor desde un principio, con su portada que parece tener cierta influencia surrealista, donde se puede ver un tambor en medio de una especie de ola de teclas de un piano.

Todos los temas son instrumentales a excepción de “China Gates”. Un disco donde lo desconocido entra en juego y se contrasta con un jazz prolífico, con contrapuntos muy bien trabajados y ritmos percusivos que te aceleran el corazón mientras suenan melodías espaciales.

El primer tema “Bassism” es apasionante por donde lo mires, con una melodía atrapante y mística por parte de los vientos que se mezclan muy bien con el bajo que ayuda a crear una atmósfera muy particular, y una flauta por momentos tocando melodías notablemente ascendentes y descendentes. Sun Ra en el piano aparece de a ratos mucho más al frente para adornar alguna que otra parte. Todo esto y lo particular de que el tema parece ir y venir de a ratos, aparenta generar una sensación de ensueño.

El segundo tema “Of Sounds And Something Else” es un jazz mucho más clásico y traído a tierra que no deja de ser magnífico. Luego le sigue “What’s That?” la canción más corta del álbum pero qué zumba frenético en nuestros oídos.

Ya a partir del Quinto tema “The Beginning” y en “New Day” empieza a aparecer esa búsqueda sonora musical qué puede evocar en uno sensaciones de navegar en un vacío. Las congas sonando a todo ritmo con la batería junto a campanas y a alaridos de un cuerno, buscando dar un comienzo a algo latente en nosotros mismos. Generando sensaciones y clímax de misterio que contrarresta muy  bien con canciones como “China Gates”.

Leyendo los títulos de las canciones ya se puede apreciar algo de ello qué se quiere transmitir. Un espacio donde confluyen la música, el sonido mismo y una búsqueda infinita.

Luego “Looking Outward” vuelve a llevarnos a algún lugar de la cabeza del músico “Sun Ra” terminando con la percusión a todo ritmo. Y por último “Space Jazz Reverie” finaliza el disco para volvernos a traer a tierra con solos excelentes.

Chango S.

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[Total: 2 Average: 5]

Gorillaz – The Fall (2011)

Puntaje del Disco: 7

  1. Phoner to Arizona: 6,5
  2. Revolving Doors7
  3. Hillbilly Man: 8
  4. Detroit: 6
  5. Shy-Town7,5
  6. Little Pink Plastic Bags7,5
  7. The Joplin Spider: 7
  8. The Parish of Space Dust: 7,5
  9. The Snake in Dallas: 5,5
  10. Amarillo: 8
  11. The Speak It Mountains: 6,5
  12. Aspen Forest: 7
  13. Bobby in Phoenix7,5
  14. California and the Slipping of the Sun7
  15. Seattle Yodel:

Atravesando un momento de reinvención luego de Plastic Beach (2010), la banda virtual Gorillaz lanzó a fin de ese mismo año en época navideña, The Fall, exclusivo para descarga de fanáticos desde su sitio web inicialmente y en formato físico a los pocos meses.

“Literalmente lo hice de gira. No lo compuse antes, no lo preparé. Lo hice en el día a día de mi experiencia en America”, así describiría Damon Albarn la grabación, íntegramente en su propio iPad (el sueño de Steve Jobs) durante la gira Americana presentación de Plastic Beach.

The Fall carece de muchas virtudes que abundaban en sus primeros trabajos que a la fecha al tratarse de Gorillaz se toman como descontadas. Sin embargo, como punto positivo tiene una naturaleza experimental inédita y que lo hace valioso, al margen de encontrarse lejos de sus mejores estándares.

Otra diferencia es la escasa cantidad de invitados en contraste con sus comienzos. En esta ocasión acompañan a Albarn y los suyos: Mick Jones y Paul Simonon (ex The Clash), Bobby Womack y Pharrell Williams.

Sin demasiado más que ofrecer, The Fall será recordado (por pocos) como un retrato de la odisea estadounidense de Gorillaz, un especie de escape de lo que significan las horas de carretera y una productiva variante para matar el aburrimiento.

F.V.

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[Total: 2 Average: 3.5]

Staind – Dysfunction (1999)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Suffocate: 7
  2. Just Go: 6
  3. Me: 4,5
  4. Raw: 5
  5. Mudshovel: 6,5
  6. Home: 5,5
  7. A Flat: 6
  8. Crawl: 6,5
  9. Spleen: 5,5
  10. Excess Baggage (Hidden Track): 7,5

Staind es una banda formada en Springfield, Massachusetts en 1995 formada por el  cantante/guitarrista Aaron Lewis, el guitarrista principal Mike Mushok, el bajista Johnny April y el baterista Jon Wysocki.

A pesar de haber publicado su disco debut, Tormented, en 1996, no tuvieron mucho éxito hasta haber tocado con Limp Bizkit, donde Fred Durst los contrató para que el sea el productor de su siguiente disco, generando un vínculo de amistad poderoso junto con el resto de bandas con las que el mismo Fred estaba conectado.

Dysfunction fue su primer disco en una discográfica profesional, podría decirse su debut definitivo. Y al igual que el resto de las bandas de Nu Metal de esa época, tuvo un éxito masivo con singles como “Just Go” y “Mudshovel” con sus respectivos videos.

Cuando hablamos de guitarristas excelentes, tenemos a Mike Mushok como un gran conocedor de geniales riffs, y también es un profesional en la gama de conocimientos de afinaciones con las guitarras, y en este disco lo demuestra utilizando guitarras barítonos, acompañadas también de grandes líneas de bajo por parte de Johnny April. Los riffs son simples y oscuros y también generando distintas atmosferas, a pesar de haberse limitado a ser una simple banda de Nu/Post-grunge.

Lamentablemente, todo esto se hunde por el vacío compositivo y por las vocales del cantante Aaron Lewis. Si tendríamos que hablar del pináculo de las letras depresivas de Nu Metal, él es el hombre y el líder de todos los artistas que surgieron durante ese tiempo, llegando a generar un poco de “cringe” (un poquito de vergüenza) en algunas ocasiones (como en “Me”), incluso más de lo que hizo Limp Bizkit en sus peores momentos. Básicamente todo el disco habla de furia, rabia, tristeza y depresión de una manera vacía, y graciosa por momentos. Es una lástima porque Aaron tiene cierto talento compositivo (sobre todo si ves sus últimas performances en acústico como solista, y en este disco, en la pista oculta “Excess Baggage”), pero acá y quizás también en el resto de los discos de la banda se muestra exactamente igual de débil. Lo peor del disco está en el pre-estribillo de la pista “Raw” (minuto 1:10), arruinando la furia de la canción (iba siendo la mejor canción del álbum por lejos), con ese horrible “Inside I’m So Cold”. Aparte de la canción “Me”, pero bueno…

En fin, tenemos ciertas pistas como “Suffocate” que abre el disco de una manera genial, el single “Mudshovel” con un ritmo pegadizo, “A Flat” con unos riffs pesados (a pesar de las letras, el scream de Aaron Lewis tiene su relevancia acá) y “Crawl”, pero tampoco son la gran cosa, es más, son bastante débiles. El único gran momento del álbum ¡Viene a ser la pista oculta encima!… “Excess Baggage” es la única canción en la que Aaron justamente se deslumbra con una gran vocal y con su solitaria guitarra. Tranquilamente podría haber hecho un disco así como solista y hasta hubiese sido mucho mejor.

Dysfunction es un disco de Nu metal que podríamos decir que es de los más típicos. No sé qué puedo esperar de los siguientes trabajos de estos muchachos, considerando que según muchos este es el mejor álbum de la banda (creo que demasiado poco). Y por cierto, si se hacen llamar haters del Nu Metal, ni pasen por acá, ahórrense 40 minutos cortos de su vida.

Toto

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[Total: 2 Average: 1.5]

Yes – Close to the Edge (1972)

 

Puntaje del Disco: 10

  1. Close to the Edge: 10
  2. And You and I: 9,5
  3. Siberian Khatru: 8

¡Locura progresiva! Luego de la excelencia de Fragile, Yes se encontraba en su mejor forma como banda y, como no podía ser de otra manera, sucederían este álbum clásico, con otro trabajo de excelencia en el mismo año (1972). Estamos hablando de Close to the Edge.

Si algo caracterizó a Close to the Edge, es que es un álbum integrado por solo 3 canciones, pero… de larga duración. Ya en sus trabajos previos como en Fragile habían dado ciertos indicios en temas longevos como “Heart of the Sunrise”, pero romperían el molde con la canción que le da nombre del disco “Close to the Edge”, que se transformaría en su composición más épica hasta entonces.

En sus impresionantes 18 minutos, “Close to the Edge” te hace transitar distintas emociones. Primero una locura frenética entre guitarra y el teclado de Rick Wakeman, luego un pasaje más melódico, para luego darle lugar a una calma atmosférica y un cierre a todo pulmón. Mientras tanto, se pueden apreciar las influencias de la novela de Hesse y la temática religiosa/espiritual que arraigaba Jon Anderson.

A este clásico de Yes lo sucede otro, “And You and I”, con una duración nada despreciable de 10 minutos, también con sus diferentes fragmentos excelentemente logrados. Hay quienes la pueden llegar a preferir por sobre “Close to the Edge” por su melodía y lo que transmite.

Y para cerrar, “Siberian Khatru” la más normaloide y rockera de las tres,, y la que menos se destaca en lo que ofrece Yes, quedando eclipsada por sus antecesoras. De todas formas es un buen tema, pero pese a ser la más corta es en donde más se nota que el estiramiento innecesario de minutos puede ser contraproducente.

Close to the Edge sería reconocido con el tiempo como uno de los mejores discos de Yes y de Rock Progresivo (aunque en aquellos años no todos lo destacaban de esa forma). Pero no todo sería color de rosas porque tiempo después de terminar las grabaciones  Bill Bruford abandonaría su puesto en batería.

Persy

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[Total: 2 Average: 5]

Jim O Rourke – Eureka (1999)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Prelude to 110 or 220/Women of the World8
  2. Ghost Ship in a Storm: 8,5
  3. Movie on the Way Down: 7,5
  4. Through the Night Softly: 8,5
  5. Please Patronize Our Sponsors: 7,5
  6. Something Big: 8,5
  7. Eureka: 9
  8. Happy Holidays: 8

Antes de implicarse de lleno en su participación con el legendario grupo de rock alternativo Sonic Youth en 1999, Jim O’Rourke grabaría, Eureka, para muchos uno de los mejores trabajos del año y hasta de la década del noventa.

O’Rourke, es un loco querible oriundo de Chicago que atravesó el circuito under por años, puede ser productor, multiinstrumentista, compositor o miembro de una banda, pero la única certeza es que sus proyectos llevaran su sello e identidad, de sorprendente talento.

Eureka es quizás su obra más llamativa y reconocible. Rock alternativo creativo y sofisticado pero bastante accesible a la vez, dentro de sus estándares, placentero para todo tipo de oídos.

Perfectamente planeado y sin detalles librados al azar, con canciones memorables y frescas, hacen de Eureka el primer disco a recomendar (a pesar de su perturbante portada) a la hora de descubrir a un artista avant-garde variado y totalmente desconocido por muchos y que merece una oportunidad para disfrutarlo.

F.V.

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[Total: 1 Average: 4]

Oceansize – Music For Nurses (2004)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. One Out of None: 9,5
  2. Paper Champion: 8,5
  3. Drag The ‘nal:
  4. Dead Dogs An’ All Sorts: 8
  5. As the Smokes Clears: 8,5

Después de la salida de su mítico Effloresce, Oceansize decide abandonar un poco el rock alternativo duro y furioso que presentaba dentro de su terreno joven para embarcarse un poco más dentro de la experimentación y con ciertos entornos musicales agarrando para el lado del Post-Rock y la fuerte influencia de otros sonidos como el Sludge Metal en este caso.

Surgido de este experimento, nació el EP Music For Nurses un año después de la salida de Effloresce, y a pesar de ser un trabajo de corta duración, es el trabajo más oscuro y pesado de la banda, debido a la influencia de géneros como el Post-Metal, llegando a ser casi comparado con trabajos como los de Neurosis o Isis, totalmente alejados del sonido de su disco debut y definiendo el sonido único posterior de la banda.

Así tenemos pistas duras como “One Out of None”, la canción más pesada de la banda jamás hecha. Pistas casi vanguardistas y con pasajes casi jazzísticos como “Paper Champion”, semi-baladas complejas y súper experimentales como “Dead Dogs An’ All Sorts”, que conecta con la pesadez de “As the Smokes Clears”.

Fruto del sonido este mítico EP, saldría al año siguiente su segundo LP, Everyone Into Position, que vendría a demostrar mucho de este trabajo pero más consolidado, aunque no con estas mismas canciones y tornándose para un ambiente mucho más melódico y menos pesado.

Toto

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[Total: 1 Average: 3]