Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Sonic Youth – Sonic Nurse (2004)

Puntaje del Disco: 8

  1. Pattern Recognition: 8
  2. Unmade Bed: 9
  3. Dripping Dream: 8
  4. Kim Gordon and the Arthur Doyle Hand Cream: 8
  5. Stones: 9
  6. Dude Ranch Nurse: 7
  7. New Hampshire: 7
  8. Paper Cup Exit: 7
  9. I Love You Golden Blue: 8,5
  10. Peace Attack: 7,5

A dos años de Murray Street (2002), Sonic Youth, otra vez con Jim O’Rourke en sus filas, continuaría con la dirección creativa de su antecesor en Sonic Nurse, aunque con composiciones por momentos más complejas y oscuras.

Cualquiera que esté familiarizado por muchos años con el sonido de la banda neoyorquina va a encontrar más o menos lo que espera en este nuevo trabajo. Desde el fuerte comienzo a cargo de Kim Gordon con «Pattern Recognition», que junto a “I Love You Golden Blue» son sus más valiosas contribuciones.

Más protagonista que la chica del grupo, por los brillantes de sus temas sería Thurston Moore aportando temas de elevada riqueza melódica y notables juegos de guitarra en “Dripping Dream”, “Unmade Bed” y “Stones”.

A esa altura resulta claro que Sonic Youth no buscaba ser demasiado ambiciosos ni romper los moldes, pero está años luz de decepcionar o de la mediocridad, suena exactamente con la madurez que esperamos de un álbum de Sonic Youth a este punto de su carrera.

F.V.

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[Total: 1 Average: 5]

Aerosmith – Honkin’ on Bobo (2004)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Road Runner: 8
  2. Shame, Shame, Shame: 7,5
  3. Eyesight to the Blind: 8
  4. Baby, Please Don’t Go: 8,5
  5. Never Loved a Girl: 8
  6. Back Back Train: 7,5
  7. You Gotta Move: 8
  8. The Grind: 7
  9. I’m Ready: 7,5
  10. Temperature: 7
  11. Stop Messin’ Around: 7
  12. Jesus Is on the Main Line: 8

Una vuelta a las raíces. Cuando el camino de Aerosmith como banda parecía estar ciertamente terminado por ser una banda ya fuera de moda, tomaron la mejor decisión que podía tomar como grupo, tratar de volver a su mejor versión del pasado. Y con esto me refiero a tratar de volver a rockear sin grandes pretensiones, pero con mucha actitud y sin sonar comerciales.

Eso se puede ver en Honkin’ on Bobo, que tiene la particularidad de ser un disco de covers de Blues, a la cual Aerosmith le imprime un estilo Hardrockero, en donde la guitarra de Perry suena furiosa y aspera, casi Punk, dándole una onda sucia a su sonido que queda muy bien. Y Steven Tyler parece sentirse muy a gusto, vocalizando de manera agresiva. Incluso los conocidos gritos de Tyler parecen más atinados en estas canciones de Blues Rock, que en sus correderas Power Ballads del pasado. “Baby, Please Don’t Go” es un buen ejemplo de lo bien que lo hace. Mientras que en otras como “Never Loved a Girl” parece reencarnar a Jagger por momentos. Y si de Mick hablamos también tenemos una versión desgarradora de “You Gotta Move”. Pero saben qué, incluso Joe Perry se anima a cantar en el oscuro Blues “Back Back Train”, que contó con Tracy Bonham acompañando como vocalista, y en “Stop Messin’ Around”.

El único tema que es de su autoría es “The Grind”, y el único que se nota que es de ellos, porque melódicamente y en sus excesos suena a Aerosmith, y no a un tema añejo de Blues Rock. Y no es su mejor canción, pero hay que reconocer el esfuerzo por tratar de no desvirtuar el espíritu del álbum.

Honkin’ on Bobo no es un álbum sobresaliente y está lejos de sus mejores producciones, pero ciertamente es un esfuerzo más que decente de Aerosmith. Y si hubiesen apostado más por un estilo de Garage Rock tal vez hoy su presente sería diferente.

Persy

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[Total: 2 Average: 4]

Snow Patrol – Songs for Polarbears (1998)

Puntaje del Disco: 7

  1. Downhill from Here: 8
  2. Starfighter Pilot: 7,5
  3. The Last Shot Ringing in My Ears: 6,5
  4. Absolute Gravity: 8
  5. Get Balsamic Vinegar…Quick You Fool: 6,5
  6. Mahogany: 7,5
  7. NYC: 7
  8. Little Hide: 8,5
  9. Make Up: 7
  10. Velocity Girl: 6,5
  11. Days Without Paracetamol: 6
  12. Fifteen Minutes Old: 7
  13. Favourite Friend: 7
  14. One Hundred Things You Should Have Done in Bed: 7

La versión más punk y desfachatada de Snow Patrol la vas a encontrar a finales de los noventa con su primer trabajo Songs for Polar Bears (1998). Con el comenzaron a hacerse notar en la escena alternativa británica pero aún lejos de los temas comerciales y amigables por los que se harían conocidos.

“Cuando el disco salió todavía éramos jóvenes y tocábamos ante pequeños públicos. Tampoco recibíamos demasiada atención de la radio o de la MTV. Nos esforzabamos mucho para sonar como Foo Fighters, The Pixies, Hüsker Dü o The Dandy Warhols, pero todavía estábamos tratando de buscar nuestro estilo”. Comentaba su cantante Gary Lightbody acerca de sus comienzos.

Songs for Polar Bears comienza con buen pie con las intensas «Downhill from Here» y «Starfighter Pilot.», continua el camino con “Absolute Gravity” con sus ritmos casi de hip hop, la acústica “»Mahogany» y la noventosa alternativa “Little Hide”.

Aunque en el resto del material no logre llamar demasiado la atención como estas, Snow Patrol claramente no sería una bandita intrascendente dejó demasiadas pinceladas de su evidente talento como músicos en su debut que sería el primero de una larga y triunfal trayectoria.

F.V.

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Blind Melon – Live at the Palace (2006)

Puntaje del Disco: 8

  1. Galaxie8
  2. Toes Across the Floor: 7
  3. Tones of Home: 8,5
  4. Soup: 7,5
  5. Soak the Sin: 7,5
  6. Change: 8
  7. No Rain: 9,5
  8. Wilt7,5
  9. Vernie: 8
  10. Walk: 8,5
  11. Skinned: 7
  12. Time: 8

Pese a su corta carrera Blind Melon supo ganarse un lugar y sobresalir en los noventa, y merecía un disco en directo para valer su memoria y en especial la de Shannon Hoon quien moriría solo diez días después de este concierto.

Live at the Palace (2006), recopilaría los mejores momentos de la presentación del quinteto en Los Angeles el 11 de octubre de 1995. Por aquel entonces Blind Melon se encontraba de gira promocionando su segundo CD Soup y estaban en un gran momento, lejos de imaginar el futuro que les esperaba.

En Live at the Palace la banda sonaba aceitada y compacta y Shannon cantaba como los dioses. No es un show descomunal, pero temas infalibles como “No Rain”, “Tones of Home”, “Vernie” y “Walk” justifican la edición de un material en vivo de la banda.

Hoon era el motor y la principal pieza de la banda, su repentina muerte cortó de tajo un diamante en bruto que ya estaba desarrollándose y parecía poder ofrecer grandes cosas. La versión reformada de Blind Melon con Travis Warren en voces a finales de los 2000, no contó con la misma magia, claramente no fue lo mismo y no duró más que un disco reencuentro.

F.V.

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[Total: 1 Average: 5]

Deep Purple – The Battle Rages On… (1993)

Puntaje del Disco: 5

  1. The Battle Rages On: 8
  2. Lick It Up: 5,5
  3. Anya: 7,5
  4. Talk About Love: 5
  5. Time to Kill: 5
  6. Ramshackle Man: 5
  7. A Twist in the Tale: 6,5
  8. Nasty Piece of Work: 4
  9. Solitaire: 4,5
  10. One Man’s Meat: 7

The Battle Rages On significó un nuevo retorno de Ian Gillan a las filas de Deep Purple (¿cuándo no?), aunque sin la aprobación de Richie Blackmore, con quien todavía había rispideces. De todas formas, este disco fue la vuelta de la versión más recordada de la banda, la “Mark II”, que también tuvo sus fracasos en el pasado.

Sin embargo, pese a que podría significar una nueva oportunidad para hacer resurgir a Deep Purple, cuando escucho The Battle Rages On tengo sensaciones encontradas. Por un lado, Blackmore se esfuerza por seguir tocando de manera impresionante, y en cierto punto la producción, o por lo menos el sonido de su guitarra parece tener un sonido más moderno. Pero en contrapartida siento que escucho una banda de Hard Rock bastante genérica, que no tiene ya nada nuevo para ofrecer, y que además se siente un poco contenida por su producción, en lugar de desatar toda su energía rockera como nos tenían acostumbrados.

“The Battle Rages On” tiene un buen Riff, haciendo una buena apertura del álbum. Pero ya desde “Lick It Up” su formula empieza a repetirse a lo largo de todo el disco, haciendo que su esfuerzo por hacer Hard Rock se torne aburrido y en cierto punto mediocre. Y eso se puede ver en temas como “Talk About Love”, “Time to Kill” y “Ramshackle Man” que son francamente inmemorables. Y peor aún en “Nasty Piece of Work” y “Solitaire”. Uno espera más de una gran banda como Deep Purple. Las virtudes técnicas que puedan tener los integrantes de la banda no alcanzan si no demuestran que pueden traer ideas nuevas.

Pero no todo es una porquería. Además de la canción homónima ya mencionada, “Anya” se distingue por su épica, pese a no ser perfecta. “A Twist In The Tale” tiene una velocidad interesante y “One Man’s Meat” es uno de sus rockers más entretenidos del álbum.

De todas formas, como se venía venir, el retorno de Gillan tuvo sus consecuencias. Y por eso The Battle Rages On se transformaría en el último disco con Blackmore como integrante de Purple.

Persy

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[Total: 2 Average: 3]

The Jon Spencer Blues Explosion – Meat + Bones (2012)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Black Mold: 8,5
  2. Bag of Bones: 8
  3. Boot Cut: 7
  4. Get Your Pants Off: 7,5
  5. Ice Cream Killer: 7
  6. Strange Baby: 8,5
  7. Bottle Baby: 7
  8. Danger: 7,5
  9. Black Thoughts: 7,5
  10. Unclear: 7
  11. Bear Trap: 6,5
  12. Zimgar: 7,5

La Jon Spencer Blues Explosion se tomó unos años sabáticos para lanzar su noveno disco de estudio, Meat + Bone, en el cual dejarían de lado la experimentación de sus anteriores trabajos para volver a sus orígenes de rock and roll sucio y blues desfigurado.

«Todo lo hacemos porque queremos, no tenemos esta banda para tener una carrera, estamos en el grupo porque nos encanta la música, es una pasión, hacemos lo que queremos, no seguimos órdenes de un manager o de la discográfica», afirma Jon Spencer acerca de esta vuelta a lo básico y porque tardaron ocho años en volver a dar a conocer novedades discográficas.

“Black Mold” pone primera con la potencia de antaño, la sigue “Bag of Bones” que rememora por momentos a los Rolling Stones de los setenta, pero en una versión altamente alternativa, ambas son parte de un comienzo de gran nivel que iría menguando con el correr de los tracks, con excepción de algún que otro buen tema como “Strange Baby”.

En definitiva, Meat + Bone, no será un álbum reunión memorable ni emula al pico creativo de los neoyorquinos, pero es una prueba fehaciente que el trío tiene bastante rock explosivo en el tanque de reserva para los siguientes años.

F.V.

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[Total: 1 Average: 5]

Vince Staples – FM! (2018)

Puntaje del Disco: 8

  1. Feels Like Summer8,5
  2. Outside!8
  3. Don’t Get Chipped: 8
  4. Relay: 7,5
  5. New EarlSweatshirt:
  6. Run the Bands: 8,5
  7. Fun!: 9
  8. No Bleedin: 7
  9. Brand New Tyga:
  10. (562) 453-9382:
  11. Tweakin: 8

Desde su fuerte irrupción, con sus discos revelación Summertime ‘06 (2015) y Big Fish Theory (2017), Vince Staples demostró su talento, carácter y ser una de las mentes más despiertas del hip hop actual y para muchos el nombre del futuro del género.

El rapero, oriundo de la ciudad de Long Beach en el estado de California, hijo de un traficante y pandillero Vince creció entre pandillas, violencias y armas, y en sus letras relata con total crudeza y precisión la encrucijada del pueblo afroamericano, violencia callejera y temas sociales logrando amalgamar su hip hop potente con el tecno, el pop y el house.

FM!, lanzado para finales del año 2018, es su tercer larga duración oficial y el más accesible de su repertorio, con un listado de temas en su mayoría cortos que dejan a sus oyentes con ganas de más rompiéndola con sus rimas y su flow en temones como “Feels Like Summer”, “Run the Bands”, “Fun!” y “Outside!”. Adicionalmente las participaciones de Big Boy, Tyga y Earl Sweatshirt completan la experiencia.

A su vez, Staples tiene una personalidad distintiva, particular y frontal que lo diferencia del resto y no pasa desapercibido con sus fuertes opiniones, como por ejemplo su opinión sobre la industria de la música y el hip hop actual en particular: “Nada de eso es real, es solo música. Es como el dinero: este pedazo de papel vale 20 dolares y este vale 1 dolar, pero todo comenzó en la misma hoja en blanco. Literalmente no significa nada. Así que no me preocupa la cultura hip hop. Me preocupa la gente y de dónde vengo. Realmente no me importa ser un rapero, prefiero ser yo mismo”.

F.V.

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[Total: 2 Average: 3]

Nickelback – Dark Horse (2008)

Puntaje del Disco: 5

  1. Something in Your Mouth: 5
  2. Burn It to the Ground: 6
  3. Gotta Be Somebody: 2
  4. I’d Come for You: 3
  5. Next Go Round: 7
  6. Just to Get High: 6,5
  7. Never Gonna Be Alone: 5
  8. Shakin’ Hands: 7,5
  9. S.E.X.: 4
  10. If Today Was Your Last Day: 5
  11. This Afternoon: 5

Nickelback siempre fue conocida por hacer música horrible, en particular por su sobre producido y exasperante soft rock, y en su sexto trabajo de estudio Dark Horse (2008) continuarían reafirmando esa fama, aun cuando se pensaba que podrían mejorar un poco luego del aceptable All the Right Reasons (2005).

A pesar de todo Dark Horse fue exitazo. Vendió 326.000 copias en su primera semana y debutó en el número 2 en los conteos de Estados Unidos, manteniéndose en ellos por varios meses y hasta se hizo acreedor de numerosos premios y nominaciones. Conclusión: es definitivamente se trata ante el peor disco exitoso que alguna vez haya escuchado.

El disco encuentra a Chad Kroeger en un punto bajo creativo. Sólo en contados pasajes como en “Next Go Round”, “Just to Get High” o “Shakin’ Hands” despliega su fuerza previa para componer temas post grunge. El resto se reduce a pésimas baladas mainstream genéricas como “I’d Come for You”, “Never Gonna Be Alone” y “If Today Was Your Last Day” o letras ofensivas y de mal gusto, tal es el caso de “Something in Your Mouth” o “S.E.X.”.

Lo cierto es que Nickelback continúo creciendo en los siguientes años gracias a sus fieles seguidores y también debido a otra cantidad más o menos igual de gente que los odia y decide mostrarlo de la manera más pública y directa que encontraron: la Internet.

F.V.

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[Total: 2 Average: 3]

Thom Yorke – Tomorrow’s Modern Boxes (2014)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. A Brain in a Bottle: 7
  2. Guess Again!: 7,5
  3. Interference: 7,5
  4. The Mother Lode: 5
  5. Truth Ray: 6
  6. There Is No Ice (For My Drink): 3
  7. Pink Section:  4
  8. Nose Grows Some: 5,5

Cuando Thom Yorke inició su carrera solista con The Eraser dio señales de que iba a dedicarse a la Electrónica. Y lo confirmó en su segundo disco, Tomorrow’s Modern Boxes.

En esta nueva placa, básicamente la fórmula es Thom Yorke jugando con electrónica para marcar los ritmos del álbum, con una pisca de piano y por su puesto su interpretación vocal. A eso se le suman atmósferas oscuras y misteriosas que buscan sumergir al oyente en otra dimensión. Pero que lo que logran es aburrirte. Honestamente, no hay nada que particularmente entretenga en el álbum. Sino que parece hecho para relajarte, pegarte una alta siesta, ponerla de fondo para no prestarle atención mientras estudias, y algunos dirían para cortarte las venas un domingo.

En ese aspecto Tomorrow’s Modern Boxes es un disco inocuo y críptico. No hay grandes melodías, o mejor dicho las melodías raramente existen. Pero Thom Yorke no parece estar muy preocupado por eso, de hecho, es un patrón que ya venía demostrando hace tiempo (no solo con The Eraser, sino también en Radiohead). Incluso se da el lujo de incluir canciones como “There Is No Ice (For My Drink)” y “Pink Section” que son rellenos monótonos y sin sentido.

Tomorrow’s Modern Boxes son 38 minutos en las que busca madurar artísticamente desde la electrónica, pero que termina haciendo un gran bodrio.

Persy

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[Total: 1 Average: 4]

Bachman–Turner Overdrive – Not Fragile (1974)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Not Fragile: 8,5
  2. Rock Is My Life, and This Is My Song: 7,5
  3. Roll on Down the Highway: 8
  4. You Ain’t Seen Nothing Yet: 9,5
  5. Free Wheelin’: 8
  6. Sledgehammer: 8,5
  7. Blue Moanin’: 8,5
  8. Second Hand: 8
  9. What Was It You Wanted7

En tiempos donde lo que estaba en boga era el rock progresivo, el glam rock y la música disco, Bachman-Turner Overdrive se mantuvo fiel a su estilo, un rock sin rodeos, potente y efectivo en su disco que lo lanzo definitivamente al estrellato: Not Fragile (1974), su primer y único álbum en alcanzar el primer lugar en los charts de Estados Unidos.

Not Fragile es exactamente lo que dice ser. Desde su título antagónico con el clásico Fragile (1971) de Yes, como por su portada (una sólida caja llena de engranajes) y por su música de guitarras eléctricas donde los solos de Randy Bachman son los principales protagonistas.

Los canadienses continúan lanzando temazos roqueros como “Not Fragile”, “Free Wheelin’”, “Sledgehammer”, “Second Hand”, “Blue Moanin’” y en especial “You Ain’t Seen Nothing Yet”, el corte más famoso de la placa un clásico al nivel de “Takin’ Care Of Business”, con su riff calcado a “Baba O’Riley” de The Who y hasta voz con tartamudeos a lo “My Generation”. Así y todo, se trataron de inspiraciones bien logradas con un gran resultado final.

Not Fragile nos entrega una colección de temas ideales para la carretera, para estadios o para simplemente abrirse una cerveza y disfrutar del pico de rendimiento de BTO que les ganaría el reconocimiento alrededor del mundo.

F.V.

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[Total: 0 Average: 0]

New York Dolls – Dancing Backward in High Heels (2011)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Fool for You Baby (Dom Dom Dippy): 7
  2. Streetcake: 7
  3. Fabulous Rant:
  4. I’m So Fabulous: 8
  5. Talk to Me Baby: 6,5
  6. Kids Like You: 6,5
  7. Round and Round She Goes: 6,5
  8. You Don’t Have to Cry: 7,5
  9. I Sold My Heart to the Junkman6
  10. Baby, Tell Me What I’m On: 6,5
  11. Funky But Chic: 7,5
  12.  End of the Summer: 5

La segunda etapa (versión siglo veintiuno) de la historia de los New York Dolls, continuaría y se cerraría con Dancing Backward in High Heels (2011). La banda que con solo dos discos grabados en los setenta es considerada referente en el punk rock y el metal extendió su vida con dos de sus miembros originales el cantante David Johansen, y el guitarra Sylvain Sylvain por casi una década.

Acerca de esta nueva etapa Sylvain comentaría años más tarde con cierta ironía: “Me gustan esos discos, pero deberían haber ido a nombre del David Johansen Group. Todo fue bien hasta que él se empeñó en interpretar en vivo los temas nuevos, pese a que le dije que solo debíamos hacerlo si llegaban a ser hits. No me niego a crecer con la música, pero los contratos pedían a los New York Dolls, no otra cosa.”

Volviendo a Dancing Backwards On High Heels, es mi disco menos favorito de su nueva etapa. Abandonaron su estilo marca registrada para para buscar las raíces del rock n’ roll, navegando por el sonido de la década del sesenta o anteriores, sonando como lo que eran dos tipos de avanzada edad que claramente aman el rock & roll clásico, pero con otra actitud a la que tenían a comienzos de los setenta.

Funciona bien en algunos temas como la ingeniosa “I’m So Fabulous”, “You Don’t Have to Cry” o “Funky But Chic”, destacando como siempre la voz aguardentosa de Johansen, y aunque las guitarras son cada vez menos protagonistas, dominando teclados y el saxo todavía podemos disfrutar algunos pasajes de los Dolls como los conocimos.

F.V.

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[Total: 2 Average: 3.5]

Últimos Lanzamientos: Marzo y Abril del 2020

Morrissey – I Am Not a Dog on a Chain

Fecha de Lanzamiento: 20/03/2020

Puntaje del Disco:

«Jim Jim Falls» arranca lo nuevo de Morrissey con impronta frenética y electrónica, como resumen de la búsqueda del ex The Smiths en estos catorce nuevos temas, justo cuando más recalcitrantemente reaccionario se nos volvió desde lo discursivo con innumerable cantidad de polémicas con sus declaraciones, se muestra menos conservador que nunca en lo musical, aunque no en todos los casos el resultado termine siendo placentero.

Así y todo, más allá de sus letras y de sus posturas polémicas su voz continúa siendo un imán en su música, aun cuando en los últimos años pareciera repetirse musicalmente y sacar álbumes prescindibles y poco novedosos.

Childish Gambino – 3.15.2020

Fecha de Lanzamiento: 22/03/2020

Puntaje del Disco:

Donald Glover es uno de los actores de comedia más encumbrados de los Estados Unidos en la actualidad por sus trabajos en 30 Rock y en especial en la serie Atlanta (de la que también es guionista y productor ejecutivo). Sorprendentemente ese talento para la actuación lo ha sabido replicar a la música bajo el seudónimo Childish Gambino (inventado de una página de nombres creados al azar), destacando con los éxitos “This is America” y “Redbone”.

El flamante 3.15.20, se basa principalmente en un funk experimental, pero a lo largo de tracklist hay momentos de hip hop, R&B y hasta de pop y trap, con temas que se llevan indudablemente todas las escuchas como “Time” con Ariana Grande, “12.38” con colaboraciones de Ink, Kadhja Bonet y 21 Savage y mi preferida la personal e intensa “53.49”.

Waxahatchee – Saint Cloud

Fecha de Lanzamiento: 27/03/2020

Puntaje del Disco:

Waxahatchee es un Proyecto musical americano creado por Katie Crutchfield en el 2010, que este año lanzó su quintó álbum, Saint Cloud, cosechando comentarios muy positivos de la crítica especializada. Adentrándonos de lleno en Saint Cloud, es un disco de Indie Rock, que tiene algunas influencias el Folk y el Country, que tiene melodías agradables y su propio encanto, aunque sinceramente no ofrece nada particularmente revelador. De hecho, si lo comparamos con otros trabajos del género, es bastante promedio.

Pearl Jam – Gigaton

Fecha de Lanzamiento: 27/03/2020

Puntaje del Disco:

Gigaton es el primer disco de Pearl Jam en siete años, si bien es apenas una ligera mejora con respecto a su antecesor, Lighting Bolt, tampoco es la renovación de su sonido como prometían con su single adelanto “Dance of the Clairvoyants”.

El flamante lanzamiento tiene algo para todos los gustos, el equilibro perfecto que dejará conforme a los admiradores de su conexión de grunge, rock alternativo y rock clásico con temas que apenas dan respiro, ideales para disfrutar cuando se pueda volver a disfrutar de conciertos al aire libre, y también hay medio tiempos necesarios donde destaca la interpretación de un grande como Eddie Vedder.

Thundercat – It is What It is

Fecha de Lanzamiento: 03/04/2020

Puntaje del Disco:

Thundercat es un artista muy pero muy interesante. Ya había demostrado en Drunk de lo que es capaz, transformándose en una revelación del 2017. Esta vez reapareció con Is is What It is, un álbum en el que hace una combinación de géneros que no recuerdo de otros artistas, electrónica, R&B, Funk y hasta Jazz!! Y pese a parecer una ensalada que no pega, el resultado es impresionante. No solo desde lo experimental, sino también por ofrecer composiciones muy sólidas. Un serio candidato a integrar el Ranking de los mejores discos del 2020.

The Strokes – The New Abnormal

Fecha de Lanzamiento: 10/04/2020

Puntaje del Disco:

Tras una larga inactividad The Strokes volverían en plena pandemia a nivel global con su sexto trabajo de estudio, The New Abnormal, producidos por el genial Rick Rubin alcanzarían la madurez en una mezcla de indie rock, electrónica y new wave, con una colección de canciones tan fuerte como las de sus consagratorios primeros años.

A lo largo del disco se puede ir percibiendo cada etapa de la Carrera de los neoyorquinos: en temas como “The adults are talking” o “Not the Same Anymore” estamos ante los Strokes de siempre, más cercana a los primeros discos de la banda, en otros highlights como “Brooklyn Bridge to Chorus” o “Endless Summer” podemos ver su versión más pop con sintetizadores, en definitiva, es un gran regreso que nos deja con ganas de poder disfrutarlos en directo pronto.

Laura Marling – Song For Our Daughter

Fecha de Lanzamiento: 10/04/2020

Puntaje del Disco:

Laura Beatrice Marling es una cantautora británica de folk, que para la crítica en general editó uno de los discos más valorados del 2020, Song For Our Daughter. En este álbum Laura utilizando su guitarra y su voz como principales armas, sumando buenas melodías, buen ritmo y buenas influencias, armó un trabajo sin grandes pretensiones, lejos de ser algo espectacular, o fuera de lo normal, resaltando por su simpleza como buena artista de Folk Rock. Un muy buen disco, muy consistente en sus canciones.

Fiona Apple – Fetch the Bolt Cutters

Fecha de Lanzamiento: 17/04/2020

Puntaje del Disco:

Fetch the Bolt Cutters, es otro maravilloso álbum de la cantante y música femenina más relevante del siglo veintiuno (como mínimo en Estados Unidos): Fiona Apple. Un trabajo conmovedor, profundo y estimulante, no es común escuchar un álbum y no tener idea de lo que viene después.

Apple siempre rompió el molde pero desde su disco despegue, Extraordinary Machine, se convirtió en una artista de culto que se destaca por sus arreglos complejos, letras ingeniosas y melodías vertiginosas con standars de jazz. Se lo podría resumir como una compilación de todas las virtudes de la artista, aunque el piano sea menos protagonista que en sus antecesores, así y todo, resulta atractivo y ya se lo comienza a señalar como uno de los lanzamientos tops del 2020.

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[Total: 4 Average: 4.8]