Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Bad Company – Desolation Angels (1979)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Rock ‘n’ Roll Fantasy: 8,5
  2. Crazy Circles: 8
  3. Gone, Gone, Gone: 8
  4. Evil Wind: 7,5
  5. Early in the Morning: 7
  6. Lonely for Your Love: 7,5
  7. Oh, Atlanta: 8
  8. Take the Time: 6,5
  9. Rhythm Machine: 7
  10. She Brings Me Love: 7,5

Hacia finales de los setenta resultaba evidente que Bad Company se estaba cansando de su reconocible Hard rock y sería con Desolation Angels (1979), en donde modernizarían su música comenzando a experimentar con sintetizadores, teclados e instrumentos de cuerda.

A pesar de significar una mejora con respecto lo que venían haciendo, este cambio de aire no fue suficiente para revitalizar definitivamente la carrera del grupo británico. Como siempre la pasión y los dotes vocales de Paul Rodgers marcan la diferencia en sus mejores sencillos como el clásico “Rock ‘n’ Roll Fantasy”, “Gone, Gone, Gone” y “Oh, Atlanta” sin embargo otros cortes lucen algo forzados y sin demasiada magia en especial las baladas “Early in the Morning” y “Take the Time”.

Desolation Angels suele ser considerado como el último álbum fuerte de Bad Company con su formación original. Por aquellos años la banda se encontraba desmotivada por tocar en grandes estadios y Peter Grant (su manager y también el de Led Zeppelin) perdió interés y entró en depresión tras la muerte del baterista John Bonham el 25 de septiembre de 1980. Todo esto derivo en que luego de su siguiente álbum Rough Diamonds de 1982, la banda se desarmara y retornaría años más tarde con el cantante Brian Howe reemplazando a Rodgers.

F.V.

 

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

Car Seat Headrest – Making a Door Less Open (2020)

Puntaje del Disco: 8

  1. Weightlifters: 8
  2. Can’t Cool Me Down: 7,5
  3. Deadlines (Hostile): 9
  4. Hollywood: 8,5
  5. Hymn (Remix): 7
  6. Martin: 8
  7. Deadlines (Thoughtful): 7,5
  8. What’s With You Lately?: 8
  9. Life Worth Missing: 7,5
  10. There Must Be More Than Blood: 8
  11. Famous: 7,5

Desde hace una década Will Toledo inició, primero como solista y luego bautizado como Car Seat Headrest, su ambicioso proyecto de indie rock y “lo-fi”, logrando buena repercusión e imponer un estilo propio y reconocible.

Para sorpresa de muchos en 2020 lanzaría Making a Door Less Open su primer lanzamiento con temas nuevos desde el suceso Teens of Denial de 2016, con un marcado cambio de estilo influenciándose en especial por el sonido electrónico de 1 Trait Danger, banda paralela de Toledo con el baterista Andrew Katz. Agregando al indie rock guitarrero conocido por todos, un sonido más limpio dominado por teclados, sintetizadores y maquinas rítmicas.

Este radical ajuste les da nueva vida a sus composiciones, ampliando el abanico de posibilidades dejándolo patente en canciones dominantes como “Deadlines (Hostile)”, “Hollywood”, “Martin” y “There Must Be More Than Blood”.

En conclusión, estamos ante otra gran entrega de Will Toledo, evidenciando una progresión y una efectiva vuelta de tuerca, evitando repetir o desgastar formulas exitosas y buscando nuevos rumbos, sin perder su propia identidad.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 2 Average: 3.5]

Fiona Apple – Fetch the Bolt Cutters (2020)

Puntaje del Disco: 8

  1. I Want You to Love Me: 9
  2. Shameika: 8,5
  3. Fetch the Bolt Cutters: 8
  4. Under the Table: 8
  5. Relay: 7
  6. Rack of His: 7,5
  7. Newspaper: 8,5
  8. Ladies: 8,5
  9. Heavy Balloon: 8
  10. Cosmonauts: 8
  11. For Her: 6
  12. Drumset: 6
  13. On I Go: 7,5

Fetch the Bolt Cutters, es el título de otro maravilloso álbum de la cantante y música femenina de los Estados Unidos más relevante del siglo veintiuno:  Fiona Apple. Su quinto material de estudio, es un trabajo conmovedor, profundo, impredecible y estimulante lanzado en plena auge mundial de la pandemia del COVID-19 en Abril de 2020.

Desde sus inicios siempre buscó romper el molde, pero fue desde su despegue, Extraordinary Machine, que se convirtió en una artista de culto que se destaca por sus arreglos complejos, letras ingeniosas, intensa voz y melodías vertiginosas con standars de jazz.

A diferencia de sus antecesores la percusión es la principal protagonista en el sonido del disco, Fiona describiría el resultado como una especie de: “orquestas de percusión”, una radical apuesta al caos que se contrapone a las melodías tradicionales de la música popular. En la gran mayoría de los casos funciona bien, pero sobresalen en particular temas como “Shameika”, “Newspaper”, “Ladies”, “Heavy Balloon” y “I Want You to Love Me”.

Fetch the Bolt Cutters, podría resumirse como una compilación de todas las virtudes de la artista, aunque el piano sea menos protagonista, así y todo, resulta por demás atractivo, con letras originales y representativas de la era #Metoo, original y se transformó fácilmente como uno de los lanzamientos estelares del año pasado.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 1 Average: 4]

Blondie – Autoamerican (1980)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Europa: 6,5
  2. Live It Up: 7,5
  3. Here’s Looking at You: 8
  4. The Tide Is High: 8,5
  5. Angels on the Balcony: 7
  6. Go Through It: 6,5
  7. Do the Dark: 9
  8. Rapture: 9
  9. Faces: 8
  10. T-Birds: 7,5
  11. Walk Like Me: 7,5
  12. Follow Me6

Vapuleado por la prensa musical de la época Autoamerican (1980), el quinto trabajo de estudio de la banda de new wave y punk Blondie, estableció el punto de partida de los neoyorquinos para asumir riesgos y experimentar con otros géneros como el reggae y el rap.

Así fue como Debbie Harry y Chris Stein seleccionaron como sencillos del disco en primer lugar al cover a su estilo de “The Tide Is High” (himno del reggae de The Paragons, compuesto en 1967 por John Holt, leyenda de la música jamaicana) y luego “Rapture” un tema que combina, el funk, el disco y el rap que nació por la amistad que el guitarrista y la cantante establecieron con uno de los pioneros del hip hop: Fab 5 Freddy.

Otras pistas primordiales en Autoamerican son “Here’s Looking at You”, una especie de homenaje a las antiguas big bands, las sofisticadas composiciones “Faces” y “Do the Dark”. Sin embargo, también conviven pasajes flojos, deslucidos que no superan el promedio promediando un nivel general lejano al de sus LP más trascendentes.

Sorpresivamente Blondie no salió de gira para apoyar Autoamerican por lo que Harry aprovechó este tiempo para impulsar su debut solista: KooKoo (producido por Nile Rodgers), idea que no fue bien recibida por sus compañeros, lo que represento el comienzo del final para el conjunto.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 2 Average: 4]

Buzzcocks – All Set (1996)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Totally From The Heart: 8
  2. Without You: 7
  3. Give It To Me: 7,5
  4. Your Love: 7
  5. Point Of No Return: 8,5
  6. Hold Me Close: 8
  7. Kiss ‘N’ Tell: 8
  8. What Am I Supposed To Do: 8,5
  9. Some Kinda Wonderful: 7
  10. What You Mean To Me: 8,5
  11. Playing For Time: 8,5
  12. Pariah: 9
  13. Back With You: 9

Tras la agridulce sensación que dejó el retorno de la banda punk rock británica Buzzcocks en Trade Test Transmissions luego de una prolongada inactividad, tres años más tarde se reivindicarían con su siguiente placa All Set (1996).

Con la idea de reinstalarse en la escena de aquellos años el grupo trabajo con el productor Neil King, quien formaba parte del equipo de trabajo de los ascendentes Green Day (discípulos sonoros de los Buzzcocks), y a su vez ficharían para el sello I.R.S. Records para conseguir una mejor distribución. Sin embargo, la discográfica cerraría dos meses después del lanzamiento de All Set, llevándolo al fracaso comercialmente.

Musicalmente hablando estamos ante un disco mucho más variado a lo que nos tenían acostumbrado, mostrando su versión punk pop e incluyendo nuevos sonidos como órganos, cuerdas y hasta sintetizadores, sin abandonar su rock guitarrero. La mano de King para aggiornarlos a la época y sacarlos de su fórmula básica daría resultados efectivos y sorprendentes, en particular en las composiciones de Steve Diggle («Playing For Time», «Back With You», «What Am I Supposed To Do»).

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 2 Average: 3.5]

R.E.M. – Monster (1994)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. What’s the Frequency, Kenneth?: 9
  2. Crush with Eyeliner: 8,5
  3. King of Comedy: 6,5
  4. I Don’t Sleep, I Dream: 6,5
  5. Star 69: 6
  6. Strange Currencies: 5,5
  7. Tongue: 8
  8. Bang and Blame: 8,5
  9. I Took Your Name: 7
  10. Let Me In: 7
  11. Circus Envy: 8
  12. You: 8,5

En la década de los noventa, 1994 fue uno de los años más fructíferos, con lanzamientos que marcaron aquella época con el Brit Pop y el Rock Alternativo como principales banderas. R.E.M. trató de no ser menos y lanzó en ese año su noveno álbum, Monster.

En Monster la banda apuesta a un sonido donde las guitarras distorsionadas son las principales protagonistas, posiblemente influenciados por lo que sonaba entonces. De hecho por momentos puede ser un recurso excesivo, ya que la voz de Stipe se escucha un poco oculta a lo largo del álbum. Casi como si cantara con timidez sobre una base de guitarras siempre distorsionadas. En temas como «Let Me In» la distorsión es tan alta que Micheal parece ahogado cuando canta. Pero el principal problema de R.E.M. es que tienen un nivel compositivo bastante irregular y eso lo trasladan en el álbum. Por eso los temas donde la pegan son hits. Pero el resto suena a relleno que no llega a despegar.

En ese aspecto, Monster arranca de la mejor manera rockeando con solidez con  «What’s the Frecuency, Kenneth?». «Crush with Eyeliner» mantiene el estilo y su muy buen nivel, prácticamente como si fuese una prolongación del anterior.

Luego aparecen los problemas con canciones que tienen sabor a poco y la balada «Strange Currencies» que suena un poco corriente y con sabor a genérica, muy lejos del encanto de las mejores baladas de R.E.M.

Pero en la segunda parte Monster, las cosas mejoran primero con «Tongue» que tiene un encanto particular, por como canta Michael Stipe (como una cantante negra Soul) y porque predomina el órgano en lugar de la guitarra eléctrica; y luego seguido por la Funky «Bang and Blame», un mini clásico en la cual la banda vuelve a rockear con solidez y con un estribillo efectivo.

También hay que destacar sobre el final a “Circus Envy” por su sonido de Garage Rock sucio que no suena para nada a R.E.M. pero queda muy bien. Y para cerrar a “You”, un tema infravalorado, oscuro e intenso, que es una de sus mejores perlas ocultas y por eso deja el sabor de que el disco es bastante potable pese a sus fallas.

Persy

Calificación de Usuarios
[Total: 2 Average: 4.5]

Dr. Dre – Compton (2015)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Intro:
  2. Talk About It: 7
  3. Genocide: 8
  4. It’s All on Me: 8,5
  5. All in a Day’s Work: 7,5
  6. Darkside / Gone: 8
  7. Loose Cannons: 7
  8. Issues: 7,5
  9. Deep Water: 7
  10. One Shot One Kill: 8,5
  11. Just Another Day: 6
  12. For the Love of Money: 7,5
  13. Satisfiction: 6,5
  14. Animals: 7,5
  15. Medicine Man: 9
  16. Talking to My Diary: 7

Dr. Dre se tomó nada menos que dieciséis años para editar su tercer (y ¿último?) disco: Compton (2015). El legendario productor/artista que dictó como debía sonar el gangsta rap y el g-funk se hizo cargo de la producir la banda sonora de Straight Outta Compton, una película que narra la historia del grupo de rap N.W.A., del cual Dre también participó.

En Compton se rodea del mejor presente (Kendrick Lamar, Anderson .Paak, Focus, entre los más reconocibles) y de otras leyendas vivientes del hip hop (Snoop Dogg, Ice Cube, Eminem, entre otros) para entregarnos un listado variadas composiciones con algunos puntos altos que se salen del molde como “Genocide”, “It’s All on Me”, “One Shot One Kill” y “Medicine Man” (esta última con un inspirado Eminem).

Su forma de rapear es casi irreconocible, más ligera y a la vez oscura. Sin embargo, Dr. Dre pasa a un segundo plano en la mayor parte del material para alimentarse de las participaciones estelares consiguiendo deslumbrar por momentos, aunque en algunos otros roce la intrascendencia.

Si bien es cierto que el fallido proyecto Detox no pasó su vara personal y no llegó a ver nunca la luz el artista californiano se ha redimido con este trabajo muy completo en todos los sentidos, una buena manera de decir adiós.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

Fripp & Eno – (No Pussyfooting) (1973)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. The Heavenly Music Corporation: 8,5
  2. Swastika Girl8

Las colaboraciones entre dos figuras de la escena musical británica en los setenta, como Robert Fripp (King Crimson) y Brian Eno (Roxy Music), comenzaron en 1973 y derivaron en el álbum ambient y experimental (No Pussyfooting).

La historia comenzó en 1972 en Londres cuando Eno invitó a Fripp a su estudio casero para experimentar con una técnica de bucle de retardo que estaba diseñando y considero que las habilidades en la guitarra de Fripp serían ideales para esto, el resultado luego se conocería como «Frippertronics» y sería un recurso utilizado a través de los años por el eximio guitarrista.

(No Pussyfooting) se dividió en dos grandes piezas, la primera «The Heavenly Music Corporation» de 21 minutos de duración consiste en una impecable manipulación del sonido de guitarra improvisado generando un sonido envolvente y la segunda “Swastika Girl”, de algo más de 18 minutos, con un mayor protagonismo de sintetizadores con algo de abuso de dicho recurso y un poco más repetitiva.

El dúo continuaría puliendo su estilo en su siguiente lanzamiento dos años después, Evening Star, y a su vez fortaleciendo sus exitosas y extensas carreras en solitario convirtiéndose en iconos y referentes del rock británico.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 4 Average: 4.8]

Lenny Kravitz – Baptism (2004)

Puntaje del Disco: 6

  1. Minister of Rock ‘n Roll: 8
  2. I Don’t Want to Be a Star: 6,5
  3. Lady: 7
  4. Calling All Angels: 6
  5. California: 6
  6. Sistamamalover: 7,5
  7. Where Are We Runnin?: 8
  8. Baptized: 7
  9. Flash: 5
  10. What Did I Do With My Life?: 6
  11. Storm: 6
  12. The Other Side: 5
  13. Destiny: 5,5

Como pasa con la mayoría de las estrellas musicales, tras un período de gracia tanto en lo creativo como en lo comercial, Lenny Kravitz atravesó momentos erráticos y de decadencia promediando la década del 2000 con el lanzamiento de su séptimo CD: Baptism, en Mayo 2004.

Grabado en Miami, Florida Lenny apeló a un rock simple y accesible tratando de emular sus comienzos, pero salvo algunas gratas excepciones como “Minister of Rock ‘n Roll”, “Sistamamalover”, ”Lady” o “Where Are We Runnin?” caería en la mayor parte del álbum en la intrascendencia llegándote a repensar como pasaste casi una hora de tu tiempo escuchando semejante bodrio. Sorprende el dúo con él por aquellos años emergente rapero Jay-Z en “Storm” en otro de los pocos temas que aporta algo de variedad y color al listado de temas.

Aunque por aquellos años Kravitz parecía con ganas de abandonar el negocio definitivamente y su estrella se iba apagando lentamente, este bajón temporario pudo ser revertido a partir de la siguiente década y apostando mayormente al funk, volviendo a tener fe en su capacidad y habilidad como uno de los principales representantes del revival del rock retro.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 2 Average: 3.5]

The Moody Blues – To Our Children’s Children’s Children (1969)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Higher and Higher: 7
  2. Eyes of a Child I: 7,5
  3. Floating: 6
  4. Eyes of a Child II: 6,5
  5. I Never Thought I’d Live to Be a Hundred: 5
  6. Beyond: 5,5
  7. Out and In: 6,5
  8. Gypsy (Of a Strange and Distant Time): 8
  9. Eternity Road: 7,5
  10. Candle of Life: 6
  11. Sun Is Still Shining: 7
  12. I Never Thought I’d Live to Be a Million:
  13. Watching and Waiting: 6,5

To Our Children’s Children’s Children (A los hijos de los hijos de nuestros hijos) sería el nombre seleccionado por los legendarios The Moody Blues para su quinto álbum de estudio y el segundo lanzado en el año 1969, luego del mejor logrado On the Threshold of a Dream.

Los de Birmingham consolidarían su éxito inicial en este año manteniendo su apego a las composiciones con acentuados rasgos de música sinfónica, rock y folk. El tema estrella a lo “Nights In White Satin” de este LP sería “Gypsy (Of a Strange and Distant Time)”, el cual también se convirtió en un favorito de los fans y narra la historia de una gitana de tiempos remotos, viajando en pánico sin dirección.

Por otro lado, el sencillo seleccionado como promoción “Watching and Waiting” no funciono en el mercado. Aunque otros pasajes interesantes si dan la talla como “Eyes Of A Child Part I”, con su belleza instrumental y “Eternity Road”, con un sonido cláisco de fines de los años sesenta.

To Our Children’s Children’s Children forma parte del legado de este grupo comandado por Justin Hayward y John Lodge, quienes supieron reinventarse a través de los años, llegando a dejar su zona de confort y abrazar el synth pop en los ochenta con buena repercusión.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 3 Average: 4.7]

Ben Harper – Diamonds On the Inside (2003)

Puntaje del Disco: 7

    1. With My Own Two Hands: 7,5
    2. When It’s Good8
    3. Diamonds On the Inside: 8
    4. Touch from Your Lust: 7
    5. When She Believes: 6
    6. Brown Eyed Blues: 7,5
    7. Bring the Funk: 8,5
    8. Everything: 6
    9. Amen Omen: 7
    10. Temporary Remedy: 7,5
    11. So High So Low: 8
    12. Blessed to Be a Witness: 6,5
    13. Picture of Jesus: 6
    14. She’s Only Happy in the Sun: 7

Diamonds on the Inside (2003), es el quinto esfuerzo de estudio del inquieto cantante y compositor estadounidense Ben Harper, el cual significó una piedra angular dentro de su repertorio por ser uno de los más emocionales y donde su clásico sonido de guitarras acústicas mejor se conjugo con una paleta de sonidos variada que van desde el world music, funk, el reggae el soul y el folk.

“La diversidad de estilos significa libertad de exploración”, afirmaba Harper y agregaría: “Si solo hiciera una cosa, mi vida sería mucho menos estimulante. Tengo la suerte de no saber quién va a ser el próximo en llamarme por teléfono”. Quien nunca se vio atraído por las luces de la fama ni por las fórmulas pasajeras que impongan la industria musical.

Diamonds on the Inside inicio a todo ritmo con la Marleyesca “With My Own Two Hands” y continua mejor aún con el country blues “When It’s Good” y la soberbia balada que dio el título a la obra. Promediando el disco el momento funk con “Brown Eyed Blues” y “Bring the Funk”, como así también merece las palmas y su veta más roquera en “Temporary Remedy” y “So High So Low”. El resto de los temas hasta el cierre continúa con el espíritu general del álbum con algún que otro relleno innecesario como “Everything” o “Picture of Jesus”.

Gracias a este tipo de lanzamientos Harper supo ganarse su reputación y que su nombre sea equivalente al de un héroe del under, valorado por sus colegas y por su público que a través del boca en boca fue divulgando su música por todo el mundo.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 1 Average: 4]

The Strokes – The New Abnormal (2020)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Adults Are Talking8
  2. Selfless: 8,5
  3. Brooklyn Bridge to Chorus: 7
  4. Bad Decisions: 8
  5. Eternal Summer: 8
  6. At The Door: 9
  7. Why Are Sundays So Depressing?: 7
  8. Not the Same Anymore: 7,5
  9. Ode To The Mets: 7

Tras una larga inactividad The Strokes volverían en plena pandemia a nivel global con su ansiado sexto LP, The New Abnormal, producidos por el mítico Rick Rubin, alcanzando la madurez en una mezcla de indie rock guitarrero, baladas desgarradoras, experimentación electrónica y new wave, con una colección de canciones casi tan fuerte como las de sus consagratorios primeros años.

Repasando el listado de temas se puede ir percibiendo cada etapa de la carrera de los neoyorquinos: en “The Adults Are Talking” estamos ante los Strokes clásicos, en otros highlights como “Brooklyn Bridge to Chorus” o “Endless Summer” podemos ver su versión más pop con sintetizadores, “Selfless” y “Not the Same Anymore” baladas depresivas y en “At The Door” una de sus mejores y más originales composiciones donde Julian Casablancas despliega todo su registro y matices vocales.

En definitiva, The New Abnormal puede ser catalogado como su álbum más fresco e interesante que The Strokes haya lanzado últimamente, volviendo a sonar como una banda de nuevo y nos deja con ganas de poder disfrutarlos en directo pronto, sin embargo, todavía está lejos de estar a la altura de Is This It (2001), como muchos insinuaron.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 4 Average: 4.3]