Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Muddy Waters – Live at Mister Kelly’s (1971)

Puntaje del Disco: 9

  1. What Is That She Got: 9
  2. You Don’t Have To Go: 9
  3. Strange Woman: 9
  4. Blow Wind Blow: 9
  5. Country Boy: 8,5
  6. Nine Below Zero: 10
  7. Stormy Monday Blues: 8,5
  8. Mudcat (Instrumental): 8,5
  9. Boom, Boom: 9
  10. She’s Nineteen Years Old: 10
  11. C.C. Woman: 8
  12. Long Distance Call: 10

Cuesta entender como los Chess, nunca tuvieron consideración en cincelar en vivo a sus principales figuras. Little Walter y Sonny Boy Williamson II carecen de testimonios fehacientes de su practica y el gran Lobo Aullador tuvo que esperar hasta el final de su carrera.

Con McKinley Morganfield la cosa era diferente, además de ser la estrella absoluta de la firma, su benevolencia e intransigencia no siempre se llevaban bien con los hermanos polacos.

Después de un grave accidente automovilístico y con Scott Cameron como nuevo representante, el deseo de registrar un álbum en un club era su principal objetivo. El lugar indicado, una elegante tertulia jazzera del norte de Chicago, por donde desfilaron hasta ese entonces, un tal Sinatra.

Resguardado por una banda de ensueño, los días 11 y 12 de junio brindó una cátedra del mejor blues destinada a su gentío mas adepto, a sabiendas de que se había distanciado con los Electric, After y Fathers and Son’s. Era realmente necesario este paso y se lo estamos eternamente agradecidos.

De aquella etapa el único sobreviviente fue Paul Oscher con 21 años, compartiendo diatónicas con un desconocido que respondía al nombre de «Joe Denim»(seudónimo usado por Cotton para evadir etiquetas y derechos), los legendarios Pinetop y Willie «Big Eyes» Smith, más el siempre eficiente Calvin «Fuzz» Jones y dos categóricos asesinos a las seis cuerdas como Lawhorn y Madison.

Increíbles standars de Hooker, Reed, T-Bone y Miller son llevados a su terreno, como solo un verdadero orífice puede burilar tamaña faena.

A 106 años del nacimiento del padrino, nos pareció apropiado recordarlo con este formidable «Live At Mr. Kelly’s» y que figura entre el «At Newport» (1960) y el «Mississippi Live»(1979) como nuestros predilectos…

Line up:

  • Muddy Waters – Vocals & Guitar
  • Pee Wee Madison – Guitar
  • Sam Lawhorn – Guitar
  • Calvin Jones – Bass
  • Pinetop Perkins – Piano
  • Paul Oscher – Harmonica
  • James Cotton – Harmonic
  • Willie Smith – Drums

J.A. Farias

Calificación de Usuarios
[Total: 1 Average: 5]

Graham Coxon – The Kiss of Morning (2002)

Puntaje del Disco: 8

  1. Bitter Tears: 8
  2. Escape Song: 8,5
  3. Locked Doors: 9,5
  4. Baby, You’re Out of Your Mind: 8
  5. It Ain’t No Lie: 8,5
  6. Live Line: 8
  7. Just Be Mine: 9
  8. Do What You’re Told To: 7,5
  9. Mountain of Regret: 7
  10. Latte: 6,5
  11. Walking Down the Highway: 8
  12. Song for the Sick: 7,5
  13. Good Times: 7,5

Mientras Damon Albarn y el resto de Blur (sin Graham Coxon) preparaban Think Tank (2003), el trabajo menos coherente y más criticado en la carrera de los ingleses, el guitarrista luchaba por superar su alcoholismo y depresión, y al mismo tiempo grababa nueva música que derivaría en su cuarto CD de estudio, The Kiss of Morning (2002).

Crudo, personal y complejo. En The Kiss of Morning Coxon expone en primera persona su batalla para superar la dependencia del alcohol y como se volvió sobrio luego de tantas desavenencias personales.

Musicalmente hablando comienza a todo trapo con temazos como “Escape Song” con su sublime órgano, el blues poco convencional de “Locked Doors” y en el pico del álbum verdaderos himnos de rock alternativo como “It Ain’t No Lie” o “Just Be Mine” para luego pasar a una segunda mitad mas irregular.

The Kiss of Morning no significo solo una distracción de la separacion de su histórica banda, Mas importante aun fue el despegue de la etapa solista de este gran guitarrista y compositor contemporáneo que debe ser recordado no solo por su destacada labor en Blur.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

Iron Maiden – Iron Maiden (1980)

Puntaje del Disco: 9

  1. Prowler: 8
  2. Remember Tomorrow: 9
  3. Running Free: 9
  4. Phantom Of The Opera: 10
  5. Transylvania (Instrumental): 8
  6. Strange World: 7,5
  7. Sanctuary: 8
  8. Charlotte The Harlot: 7,5
  9. Iron Maiden: 9,5

La historia de la doncella de hierro se comenzaría a contar a partir del año 1971. Por el aún joven promesa Steve Harris, fanático de bandas británicas del género como Ufo, Black Sabbath, Deep Purple, Thin Lizzy, The Who, y bandas de rock progresivo tales como Wishbone Ash, King Crimson, Jethro Tull y Genesis. Con ansias y muchas ganas quiso demostrar desde un principio que él también podría ser tan grande o más que sus bandas progenitoras y pioneras que tanto admiraba desde niño. A la edad de 15 años adquiere su primer bajo copia de un Fender modelo Precision que le costo 40 libras, siguiendo esta línea comienza a formar parte de algunos proyectos musicales, de los cuales siempre solían desarmarse debido a que sus integrantes rechazaban sus composiciones por considerarlas muy complicadas. De este modo luego de tantas idas y vueltas se decide por formar su propia banda y darle un sello distintivo a su manera lo que sería Iron Maiden, dicha ocurrencia se le vino a la mente luego de ver un instrumento de tortura de una vieja película llamada ‘’El Hombre De La Máscara De Hierro’’. Esta consistía en un ataúd de metal (conocida como La Doncella De Hierro). Luego de tantas formaciones con distintos guitarristas, bateristas y cantantes, solo una quedaría estable como para dar un paso más, la cual contaba en sus filas con Paul Di’Anno en voz, Dave Murray y Dennis Stratton en guitarras, Clive Burr en batería y por último su fundador Steve Harris a cargo del bajo.

Al poco tiempo Steve consiguió firmar con EMI y lanza un EP llamado The Soundhouse Tapes, con algunas canciones que ya tenía en mente y que formarían parte del primer álbum homónimo de la banda pero con un sonido mucho más áspero que las originales. El cual cae en manos del legendario disc-jockey Neal Kay pionero del movimiento de ‘’la nueva ola del heavy metal británico’’ que quedaría asombrado e impactado por la fuerza de la banda, por lo que lo promociona en su local, haciendo ganar a la banda muchos seguidores, sumado a las presentaciones en vivo de dichas canciones.

Hasta que por fin se les presenta la oportunidad en diciembre de 1979 y consiguen grabar su primer disco de estudio titulado con el nombre de la banda: Iron Maiden. Que si bien recibió excelentes críticas y alabanzas por parte de los medios especializados, y sobre todo por parte de los admiradores que lo calificaban como una genial pieza maestra con grandes clásicos, para Steve Harris no llegó al nivel que hubiera deseado, ya que consideró que el productor discográfico Will Malone no trabajó lo suficiente en el sonido. A pesar de la disconformidad de Harris y la banda, el disco tiene un sonido crudo en comparación a los trabajos posteriores, que va de la mano con la voz rasgosa y enérgica de Di’Anno, lo cual lo hace una pieza vital y de culto para la historia del Heavy Metal clásico. Al igual que en los posteriores álbumes de Iron Maiden, Harris fue el principal compositor de las canciones. El bajista escribió todos los temas a excepción de «Charlotte The Harlot» cuyo autor fue Murray, en dos canciones Di’Anno aporta composición como en la balada «Remember Tomorrow «y el clásico «Running Free». «Sanctuary» destaca por ser la única del disco en ser compuesta por los tres mencionados.

Sin dudas este álbum quedaría en la historia del heavy metal por la calidad en composición y lírica de sus canciones, que no tiene nada que envidiarles a las grandísimas bandas de la década anterior y en el que quedó plasmado el virtuosismo de Harris a la hora de componer y sus gustos por lo progresivo que volcaría a un género tan vital y pesado como el metal. Las letras del disco tanto como en los discos que vendrían más adelante, abarcan temas como la mitología e historias inspiradas en libros o películas que le interesaban de chico.

Un grandísimo disco para disfrutar por los amantes del metal, que deambula entre influencias claras del Punk del momento (algo que Harris niega tajantemente) e influencias progresivas y cambios de acordes que caracterizan en las composiciones de Steve. Con clásicos como la punk-pesada «Running Free», la sombría balada «Remember Tomorrow», el hitazo «Iron Maiden» con en el cual la banda presenta a Eddie en el escenario, y la joya más conocida del álbum la compleja «Phantom Of The Opera» que cuenta con muchos cambios de acordes y ritmos, siendo esta la más larga del disco, y una de las favoritas de Harris e indispensable en los conciertos de Maiden.

Johnny Prz.

Calificación de Usuarios
[Total: 2 Average: 5]

Alvvays – Antisocialites (2017)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. In Undertow: 7,5
  2. Dreams Tonite: 8,5
  3. Plimsoll Punks: 9
  4. Your Type: 7
  5. Not My Baby: 7,5
  6. Hey: 8
  7. Lollipop (Ode to Jim): 8
  8. Already Gone: 7,5
  9. Saved by a Waif: 6,5
  10. Forget About Life: 7

La banda canadiense Alvvays continuaría donde las cosas donde las dejó luego de su celebrado disco debut en 2014 con su continuación, Antisocialites, lanzado en Septiembre de 2017. Un segundo larga duración a la altura de las expectativas.

En esta nueva aventura suenan por momentos más potencia y pegadizos pero con una mayor importancia a los arreglos, ganando preponderancia la voz de Molly Rankin, y temas de mayor duración a las que nos habían acostumbrado en sus inicios, basados en el rompimiento de una relación amorosa de su cantante y compositora en las que se inspiraron las composiciones.

Entre los temas más relevantes de la obra se puede citar a dos que pisan fuerte de entrada con “Dreams Tonite” y “Plimsoll Punks”, esta última con ganchos que rememoran a su primer gran éxito “Archie, Marry Me”, el glam rock de “Hey” y la ruidosa “Lollipop (Ode to Jim)”.

Intentando perfeccionar la formula que encumbró al grupo tres años antes, Alvvays se muestran cada vez más confiados de si mismos, aunque no sea tan parejo como su brillante antecesor, es de esperar que continúen entregando grandes momentos en el futuro.

F.V.

 

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

Placebo – Covers (2003)

Puntaje del Disco: 7

  1. Running Up that Hill: 7
  2. Where Is My Mind?: 8
  3. Bigmouth Strikes Again: 8,5
  4. Johnny and Mary: 6,5
  5. 20th Century Boy: 9
  6. The Ballad of Melody Nelson: 6
  7. Holocaust: 6
  8. I Feel You: 7,5
  9. Daddy Cool: 7
  10. Jackie: 7

Muchas bandas consagradas o en ascenso deciden versionar a los artistas que más aman a lo largo de su carrera y en algunos casos como en Covers de Placebo, llegan a juntar las mejores de aquellas versiones como regalo para sus fanáticos.

Originalmente Covers formó parte de una edición especial de Sleeping with Ghosts (2003), y siete años más tarde llegó a ser editado individualmente por decisión unilateral de su anterior compañía discográfica EMI, luego de recibir mucha atención por ser usada en la cuarta temporada de la serie The O.C.

En líneas generales la mayoría de las selecciones de temas para aportar su propia versión tienen bastante sentido, apoyándose en el glam rock y en rock alternativo. Aunque algunas pasan desapercibidas lograron sobresalir las interpretaciones de los brítanicos en “20th Century Boy” de T. Rex, “Bigmouth Strikes Again” de The Smiths, “Where Is My Mind?” de Pixies, “Running Up that Hill” de Kate Bush y “I Feel You” de Depeche Mode.

Aunque en su mayoría anteriormente eran conocidos como “Lados B” durante la primer década de su carrera, se justifica su escucha en forma conjunta y no decepciona, demostrando una vez más el buen gusto musical de Brian Molko y la calidad interpretativa de la banda.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 1 Average: 4]

Republica – Republica (1996)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Ready to Go: 8,5
  2. Bloke: 7,5
  3. Bitch: 6,5
  4. Get Off: 6
  5. Picture Me: 6,5
  6. Drop Dead Gorgeous: 8
  7. Out of the Darkness: 5,5
  8. Wrapp: 5
  9. Don’t You Ever: 6,5
  10. Holly: 7
  11. Ready to Go (original mix): 8

Promediando los triunfales noventas para la música británico, surgiría la figura de la cantante Samantha Marie Sprackling, adoptando Saffron como nombre artístico, quien con su grupo Republica supo posicionarse como una novedad cuando la música dance y su combinación comenzaron a llegar a más oídos y alcanzar su pico de mayor popularidad.

Su primer sencillo “Ready to Go” en Abril de 1996, un himno pop con su fresca y pegadiza melodía y voces estridentes,  fue el que les dio el impulso necesario comenzando a hacerse sentir en primer lugar fuera de su propio país (comenzaron a sonar con más fuerza en Australia y en Norteamérica).

Su primer CD, Republica, lanzado en Julio del mismo año ratificaría la idea de la banda música house intercalada con guitarras energéticas y estribillos accesibles, dejando algunos otros pasajes valiosos además de “Ready to Go”, como “Drop Dead Gorgeous” pero el resto algo irregular, mayormente solo buenas intenciones y las ganas de una banda novata que solamente quería hacernos bailar, con muchas de sus piezas y engranajes aún por ajustar.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

The Kinks – Give the People What They Want (1981)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Around the Dial: 7
  2. Give the People What They Want: 5,5
  3. Killer’s Eyes: 5
  4. Predictable: 5
  5. Add It Up: 6
  6. Destroyer: 7
  7. Yo-Yo: 7,5
  8. Back to Front: 5,5
  9. Art Lover: 7
  10. A Little Bit of Abuse: 6
  11. Better Things: 6,5

Give the People What They Want, “dale a la gente lo que quiere”. ¿La gente quiere realmente esto?

Al menos eso fue lo que pensaron los Kinks en su primer disco en hacer incursión en la década de los ochenta. Por aquel entonces, el New Wave, el Post Punk y el Rock más pesado de bandas como AC/DC era la sensación del momento. Ray Davies y compañía habrán hecho una lectura similar, y por eso en este disco (con su portada que recuerda a Elvis Costello) lo que encontramos son Riffs pesados que abordan el Hard Rock (rozando el metal) y el estilo más punk que jamás hicieron. Es como escuchar la versión de los Kinks imitando a los Ramones, lo cual suena un poco estúpido y no les sienta muy bien. Es irónico porque si bien los Ramones se hicieron populares desde el Punk, tomaban referencias de artistas Pop. Acá los Kinks lo hicieron a la inversa: son una banda de Brit Pop que ahora usa el Punk para tratar de seguir subsistiendo.

Pero tampoco es una reinvención, Ray Davies y compañía no hacen nada particularmente original. A eso hay que sumar que lo combinan con varias baladas, algunas con un nivel terrible para ser Ray Davies quien las escribió, como «Killer’a Eyes». El mediocre nivel compositivo del mayor de los Davies es nuevamente alarmante, no solo desde las melodías sino también en las líricas (aunque algunas zafan por su ironía).

De todas formas, el disco no es horrible. Pese a apelar a un género que no les sienta y a haber perdido un poco el ingenio que tenían en los sesenta, algunas canciones entretienen. “Around the Dial” es una apertura Punk divertida. «Destroyer» recuerda a «All Day and all of the Night». Podría tomarse como un autoplagio, al menos es entretenida. Pero la mejorcito (sin ser gran cosa) en su melodía, en este estilo poco adecuado de los Kinks y en su letra es «Yo-yo». El resto de Give the People What They Want es preferible olvidarlo rápidamente.

Persy

Calificación de Usuarios
[Total: 1 Average: 3]

Poets of the Fall – Carnival of Rust (2006)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Fire: 8,5
  2. Sorry Go Round: 8
  3. Carnival of Rust: 10
  4. Locking Up The Sun: 9
  5. Gravity: 8,5
  6. King of Fools: 7,5
  7. Roses: 7,5
  8. Desire: 8
  9. All The Way/4U: 7,5
  10. Delicious: 8
  11. Maybe Tomorrow It’s A Better Day: 8,5
  12. Dawn: 8

Luego de la publicación de su aclamadísimo debut, Signs of Life del 2005, la banda Poets of The Fall cosechó un gran éxito dentro de su país natal y gran parte de Europa, sonando en todos los medios del continente gracias al éxito de singles como “Lift”, y también del videojuego Max Payne 2 y su canción “Late Goodbye” antes de la salida del disco, siendo que dentro del lanzamiento del debut en 2005 también la lanzaran como single y con un videoclip en el mismo año.

Por lo tanto, aprovechando el éxito, lanzaron al año siguiente el disco Carnival Of Rust con muchísimo entusiasmo y a muy corto plazo,  teniendo finalmente con este un éxito bastante más comercial internacionalmente, alcanzando dentro de su país el disco de oro y vendiendo platino, y también quedándose en 26 semanas dentro del top de Finlandia.

Dentro de este álbum encontramos la misma potencia y brillantez del trabajo anterior, sin cambiar absolutamente nada del estilo que ellos venían componiendo. En términos de sonoridad, idénticamente equitativos, encontrando una producción muchísimo más acertada, con una escucha de instrumentos muchísimo más clara y no tan “ahogada” o “bajo el agua” como el disco anterior.

En términos musicales, Carnival Of Rust mantiene el puente de lo pegadizo de Signs of Life, a lo ‘radio-friendly’, pero implementando un poco más de diversidad en las canciones, siendo que escuchamos canciones muy rockeras, pero con muchísima más diversidad dentro de las guitarras (Hablando de la labor de su guitarrista, Ollie principalmente) y hasta un grandioso trabajo del parte de bajo de Jani Snellman (Especialmente en el track “Gravity”). Dentro de esta diversidad encontramos ritmos funkies como en “Fire”, Pop en “Sorry Go Round” y “King Of Fools”, un poquito de blues en “Gravity” y un poquito de Hard Rock en el single “Locking Up The Sun” y en “Delicious”, demostrando que, en términos de musicalidad, es un trabajo un poco más complejo que el anterior.

También las acústicas siguen presentes, tenemos baladas como “Roses”, “Desire” y “All The Way/4U”, siendo que conectan perfectamente las 3, y sin duda mantienen esa dulzura acompañada del gran letrismo de Marko Saaresto.

Sin embargo, la canción que más resalta de ellas, y la que sin duda es la mejor del disco es la homónima, cosechando éxito internacionalmente y hasta el día de hoy, la canción más exitosa de la banda y con la que mejor se han desempeñado en los conciertos. Gran parte de la brillantez musical de esta canción se debe a su letra dulce, los bellos arpegios de Ollie que se escuchan desolados ya desde la intro, atrapándote mucho desde su primera escucha, generando una sensación de impacto. También se considera mucho el estribillo super pegadizo, y su extraño pero grandioso vídeo. Sin duda la canción más lograda de la banda y con la que mejor se han empeñado en sus conciertos.

Para cerrar, con un poco más de lo mismo, prácticamente, las letras, y la vocal de Marko Saaresto dan exactamente la misma sensación que el disco anterior, en ningún disco de Poets of The Fall se pueden abarcar temas diferentes que no sea el amor, pero volviendo a lo mismo que dije en Signs of Life, el carisma y el gran nivel compositivo de Marko hacen que en ningún momento las canciones de Poets suenen ‘cursi’ por así decirlo, como hacen muchos otros artistas, principalmente Americanos (E incluyendo muchos artistas latinoamericanos principalmente). El cantante de Poets of The Fall además, puede irse abstractamente hacia otros temas sin salirse del foco principal amoroso característico.

Una vez más, Poets of the Fall nunca paró de hacer discos buenos (Aunque últimamente suenen un poco más de lo mismo), cosechando éxito uno tras otro, pero a pesar de que últimamente, el single “Carnival of Rust” está cosechando mucho más éxito que antes, la banda no ha podido llegar internacionalmente a otros países como Sudamérica, siendo que mayor parte del tour lo realizan en Europa o parte de Asia, dentro de países como Rusia. Sin embargo, con este disco, construyeron un estilo sólido y a pesar de sonar pop y radio-friendly, nunca dejan de sonar frescos, y considerando esa base, aún mantienen un estilo propio e inigualable. Un trabajo absolutamente recomendable.

Toto

Calificación de Usuarios
[Total: 3 Average: 2.3]

PJ Harvey – Stories from the City, Stories from the Sea (2000)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Big Exit: 9
  2. Good Fortune: 9
  3. A Place Called Home: 8,5
  4. One Line: 7,5
  5. Beautiful Feeling: 8
  6. The Whores Hustle and the Hustlers Whore: 7,5
  7. This Mess We’re In: 9
  8. You Said Something: 8
  9. Kamikaze7,5
  10. This Is Love: 8,5
  11. Horses in My Dreams: 8
  12. We Float: 7,5

Inspirada por su estadía en la ciudad de Nueva York y a su vez con su vida campestre en Inglaterra, PJ Harvey grabaría a principios del año 2000 su quinta placa de estudio Stories from the City, Stories from the Sea, uno de los más aclamados en su carrera con un sonido alegre, más directo que sus antecesores aunque siempre dentro de su rock alternativo característico.

Con Stories from the City, Stories from the Sea Harvey confirmó su crecimiento, tanto en sus letras sobre la vida, el amor, la infedilidad como por su música de alto voltaje que suena cada vez más consolidada y sofisticada, tomando como espejo a la legendaria Patti Smith.

“This Is Love”, “Big Exit”, “Good Fortune” y “A Place Called Home” fueron los sencillos y sus mejores temas, sumándole a esta lista el genial dúo con el vocalista de Radiohead, Thom Yorke en “This Mess We’re In”, que pasaría a formar parte de la galería de canciones más oscuras en la extensa trayectoria de la cantante británica.

En una entrevista del 2000 acerca del álbum Polly Jean decía: “Cada vez que grabo algo nuevo tengo muy claro lo que voy a hacer, tratar de hacer algo diferente es lo que mantiene interesada en hacer lo que me gusta” y en referencia al éxito de Stories from the City, Stories from the Sea diría: “No estuve pensando de que sea un suceso comercial, sino que las ideas salieron de mi cabeza y así fue lo que sentí componiéndolo.” Lo cierto es que con el paso de los años se ha ido encumbrando como uno de los mejores de su carrera con una belleza que lo hace especial que justifica tal afirmación.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 3 Average: 5]

Tom Verlaine – Words from the Front (1982)

Puntaje del Disco: 7

  1. Present Arrived: 6,5
  2. Postcard from Waterloo: 7
  3. True Story: 7,5
  4. Clear It Away: 5,5
  5. Words from the Front: 9
  6. Coming Apart: 7
  7. Days on the Mountain: 6

A pesar de arrancar su carrera post Television con dos discazos, Tom Verlaine (1979) y Dreamtime (1981), Verlaine no parecía del todo satisfecho y reclutó un nuevo grupo de músicos (entre ellos el guitarrista Jimmy Rip como el más notable) para su tercer obra solista: Words from the Front lanzado en Junio de 1982.

El resultado resulto algo desconcertante, con algunas buenas ideas e incuestionable trabajo de guitarras como siempre, en líneas generales la mayor parte de las canciones no integran ni por asomo lo mejor de su catálogo y parecen ideas recicladas que ya escuchamos antes.

Words from the Front tal vez resulte más entretenido que su predecesor pero carece de la pasión y solides que sabemos que un artista como Verlaine es capaz de impregnar a sus trabajos. Como consuelo y para justificar su existencia nos dejaría la épica y genial canción de guerra que dio título al álbum, inspirada en el General de la Guerra Civil estadounidense, Ambrose Burnside.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

Janis Joplin – I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama! (1969)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Try (Just a Little Bit Harder): 8,5
  2. Maybe: 8,5
  3. One Good Man: 8,5
  4. As Good As You’ve Been to This World: 8,5
  5. To Love Somebody: 7,5
  6. Kozmic Blues: 8
  7. Little Girl Blue: 8,5
  8. Work Me, Lord: 9

I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama! es nada menos que el primer disco solista de Janis Joplin, el cual lanzó poco después de abandonar su banda Big Brother and the Holding Company. Pero no solo es su primer disco solista, sino que es el único  que lanzó estando  viva. Su famoso álbum Pearl salió a la luz luego de su muerte.

Ahora bien, es un disco diferente a lo que venía haciendo, porque hace mucho foco en el Soul y de a ratos en el Blues. En ese sentido parece un disco más propio de Aretha Franklin que de la misma Janis. De todas formas su poderío vocal se puede disfrutar a lo largo del álbum, con esa voz tan poderosa y áspera que tiene.

Pero uno de los problemas es que al hacer tanto énfasis en el Soul se olvida un poco del Rock. Por otro lado, es un álbum conformado mayormente por covers, que a decir verdad no es excelente..

De todas formas, las canciones son bastante buenas, gracias a Janis por supuesto, y en general hay mucha consistencia en el material. En donde más se destaca es en baladas bluseras como «Maybe» y “Little Girl Blue”, en cortes de Blues Rock más clásico como “One Good Man” y en la intensa y conmovedora “Work Me, Lord”. Pero en el Soul tiene buenas interpretaciones como en “Try” y en “As Good As You’ve Been to This World” que son bastante entretenidas.

Tal vez no sea impresionante ni el mejor de su discografía pero  I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama! es un muy buen álbum.

Persy

Calificación de Usuarios
[Total: 2 Average: 4.5]

The Flaming Lips – At War with the Mystics (2006)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Yeah Yeah Yeah Song (With All Your Power): 9
  2. Free Radicals (A Hallucination of the Christmas Skeleton Pleading with a Suicide Bomber): 8
  3. The Sound of Failure / It’s Dark… Is It Always This Dark??: 7,5
  4. My Cosmic Autumn Rebellion (The Inner Life as Blazing Shield of Defiance and Optimism as Celestial Spear of Action): 7
  5. Vein of Stars: 8,5
  6. The Wizard Turns On… The Giant Silver Flashlight and Puts on His Werewolf Moccasins8
  7. It Overtakes Me / The Stars Are So Big… I Am So Small… Do I Stand a Chance?: 7
  8. Mr. Ambulance Driver: 7
  9. Haven’t Got a Clue: 7,5
  10. The W.A.N.D. (The Will Always Negates Defeat): 9
  11. Pompeii am Götterdämmerung: 8
  12. Goin’ On: 8

El retorno de los Flaming Lips, luego de Yoshimi Battles the Pink Robots, puede ser algo decepcionante para el fanático más ansioso que busque emular tan magnífica obra, pero el más paciente puede disfrutarlo, descubriendo temas tan eclécticos como simples y refrescantes.

Con letras accesibles y en algunos casos políticamente combativas pero con alta intensidad abren el disco con “The Yeah Yeah Yeah Song” y “Free Radicals” de la mejor manera, tras un cierto bache retoman fuerza con la psicodélica e instrumental  “Vein of Stars”, pasando luego por el simpático corte “Mr. Ambulance Driver” para cerrar con el riff demoledor de “The W.A.N.D.” (la mejor canción del disco) y un par de joyas épicas como “Pompeii am Götterdämmerung” (primer track cantado por Steven Drozd en la historia de los Lips) y “Goin’ On”.

Pese a ser catalogado como un álbum irregular, para los estándares de la banda de Wayne Coyne, At War with the Mystics por supuesto tiene momentos poco afortunados pero exhibe credenciales para ser de lo mejor del catálogo de cualquier banda de rock alternativa actual. Demostrando que aún quedan mucha vida en un grupo que toma riesgos, que sabe crecer y reinventarse sin sonar viejos ni desactualizados.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 1 Average: 4]