Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Tool – Undertow (1993)

Puntaje del Disco: 8

  1. Intolerance9
  2. Prison Sex8
  3. Sober8,5
  4. Bottom: 7
  5. Crawl Away8
  6. Swamp Song: 7
  7. Undertow9
  8. 4′8
  9. Flood8.5
  10. Disgustipated7

El primer LP de la banda de metal progresivo y rock alternativo Tool, Undertow, se dió a conocer en Abril de 1993. Período de auge de las bandas de Seattle Nirvana y Pearl Jam que atravesaban su mejor momento.

Tool por otro lado se convirtió en representante de otro movimiento, generando un contrapunto con la tendencia dominante de la época. Undertow reforzó la popularidad e importancia del metal pesado como género musical, olvidado por muchos por aquellos años de dominio del grunge.

El sonido áspero y abrasivo abarca desde las primeras notas de este álbum hasta sus momentos finales, marcado por su oscuridad, complejidad y agresividad. También Tool generó polémica tanto por sus letras, el video del tema “Prision Sex” siendo censurados en algunos de sus conciertos y por las cadenas musicales.

Todo esto no impidió que Undertow fuera un suceso. Pudiendo demostrar que el metal puede ser inteligente y duro a la vez, y a su vez permitiendo que varios actos del mismo género alcancen atención antes impensada.

F.V.

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Arctic Monkeys – Tranquility Base Hotel + Casino (2018)

Puntaje del Disco: 8

  1. Star Treatment: 7,5
  2. One Point Perspective: 6,5
  3. American Sports: 7,5
  4. Tranquility Base Hotel + Casino: 9
  5. Golden Trunks: 8
  6. Four Out of Five: 9
  7. The World´s First Ever Monster Truck Front Flip: 8
  8. Science Fiction: 7,5
  9. She Looks Like Fun: 8
  10. Batphone: 7,5
  11. The Ultracheese: 8

Desde el dos mil en adelante, pocas bandas hay con un sonido de calidad, o interesante; de originalidad ni hablemos. Arctic Monkeys es una de aquéllas. Disco tras disco, con las altas y bajas que podemos encontrar en cualquier carrera, han demostrado ser una banda que no nos deja callados. Algunos les acusan de no haber inventado nada (pero vamos, ¿quién inventa algo el día de hoy?), otros de ser una banda monótona, lo cual es relativamente cierto, con la salvedad de los recursos propios de cada banda (cualquier artista que se digne de llamarse así, desarrolla sus mañas; su estilo, y lo repite o adapta de una u otra forma en sus obras). Pero lo que me parece innegable en este caso, es que es una banda que haga lo que haga, siempre deja buenas canciones de calidad innegable, y disco tras disco experimentan distintas cosas, siempre con un sello de calidad. Vamos a analizar qué nos entregan Turner y compañía en esta ocasión, más concretamente a Tranquility Base Hotel + Casino.

“Star Treatment” es tranquila, una vibra opuesta con lo hecho en AM: el teclado suena bien, tranquilo y delicado; Alex Turner entre que canta y habla, recordándonos a John Lennon de su época solista, definitivamente han cambiado el rock ruidoso de “R U Mine”, por un pop a la Bowie de la época del dos mil en adelante.

“One Point Perspective” tiene un teclado que marca nuevamente toda la canción, en esta ocasión nos encontramos con un pop que se queda un poco corto, los arreglos de guitarra, así como el demás acompañamiento, no alcanzan a rescatar el tema.

“American Sports” empieza con un efecto delirante, que no deja de generar cierto nerviosismo, los arreglos de guitarra generan cierta acidez, y en conjunto funciona bien a secas.

En la homónima “Tranquility base Hotel & Casino”  la guitarra, la batería, el teclado, y la voz, generan una tensión que nos envuelve, poco a poco. Algo digno de mencionar es que tanto la voz como los instrumentos, todos tienen su lugar y espacio, se oye bien tanto cuando están juntos, como cuando cada uno toma su lugar y realza la canción. Incluso Turner se escucha bien con ese afán de aullar con suavidad, éste es un pop futurista de alta manufactura.

En “Golden Trunks” encontramos una guitarra que nos evoca los setentas, un estilo Black Sabbath que nos lleva a un ambiente pop, pero no por ello menos denso. Sin duda alguna, esta canción funciona, y una vez más, todos los instrumentos generan una buena atmósfera.

“Four Out of Five” tiene un bajo que marca finamente la canción. Mientras la guitarra le da una sensibilidad bien lograda, la voz nos lleva a un pop decadente y encantador. Esta canción es lenta, pero excelsa. Es un hundirse en una deliciosa embriaguez; por momentos es un pop agradable, por momentos tenso, sin duda alguna una canción excelentemente lograda con un desenlace hermoso.

“The World´s First Ever Monster Truck Front Flip” es probablemente la más simple del disco, entre el teclado y los efectos de guitarra nos llevan a una ambientación muy inglesa de la década de los setenta, digna de musicalizar alguna escena de una película de Kubrick.

En “Science Fiction” nos encontramos ante una canción simple pero elegante, llena de efectos y distorsiones que nos guían a la estética de las películas de los setenta; es casi genérica, y funciona bien como relleno dentro del contexto del álbum.

“She looks like fun” es el tema más “rockero” dentro del álbum, hecha a la usanza de un inglés y elegante proto punk que encamina al pop. Ciertamente es la más “cruda” dentro de la obra, y se agradece el ruido. En ciertos momentos se escucha como si Damon Albarn imitara el sonido de los setenta pero sin perder la esencia de Arctic Monkeys (sobre todo en la guitarra).

“Batphone” es un momento que pareciera de calma e improvisación por parte de los músicos. Al igual que en el resto de la obra, se mezclan momentos de calma con momentos psicodélicos y de crudeza, no destaca, pero no suena mal en ningún momento.

Y finalmente con “The Ultracheese” llega el momento de cerrar el álbum. Suena a una mezcla de los inicios de Bowie, con los Beatles del final. Es un pop sencillo, calmo y elegante que requería el disco, donde lo que más suena es el piano. Una digna despedida de un buen disco con el defecto de ser algo genérica.

En este álbum, el señor Turner (ya tiene treinta y dos años) y compañía, se dieron el lujo de experimentar con los sonidos del pop de los setentas, efectos psicodélicos, una instrumentación atascada, y jugar mucho con tensionar el sonido. Si bien es distinto de sus anteriores discos, es un buen experimento de madurez; no es un disco perfecto, pero se destaca el valor de jugar con sonidos antiguos imprimiéndole el sello distintivo de la casa; en este caso se les puede acusar de no ser tan digeribles como en sus anteriores obras, lo cual tampoco es necesariamente malo.  Los Arctic Monkeys siguen cimentándose como una banda a la que escuchar, disco tras disco.

El Gato Gordo

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Thee Oh Sees – Smote Reverser (2018)

 

Puntaje del Disco: 9

  1. Sentient Oona: 9,5
  2. Enrique El Cobrador: 9
  3. C: 8,5
  4. Overthrown: 7
  5. The Last Peace: 8,5
  6. Moon Bog: 9
  7. Anthemic Aggressor: 5
  8. Abysmal Urn: 9
  9. Nail House Needle Boys: 8,5
  10. Flies Bump Against the Glass: 8
  11. Beat Quest: 8,5

Uno de los discos más desvalorados del 2018. Smote Reverser es un álbum que pasó bastante desapercibido en todas las menciones a los mejores discos del año, sin embargo, este nuevo álbum de Thee Oh Sees es uno de los más interesantes y mejor logrados que se pueden encontrar del 2018.

En Smote Reverser los Oh Sees desarrollan una combinación de géneros como el Rock Progresivo, la Psicodelia, el Space Rock, Jazz Fusion y el Hard Rock, que se remite a grupos como Pink Floyd, Deep Purple, The Doors, Jethro Tull e incluso Hendrix. Por lo cual la paleta de influencias no solo es de primera, sino que Thee Oh Sees lo terminan articulando como un sonido propio muy singular. Y lo imprimen en sus canciones, haciendo que el 90% de Smote Reverser tenga un nivel de alto vuelo.

La primera parte del álbum es de lo mejor. Desde “Sentient Oona” el ritmo que instala la bateria te atropella a lo largo de todo el disco. Luego tenemos a “Enrique El Cobrador” con su muy buen Riff que se retrae a los mejores años de Purple. En “C” y en “Moon Bog” la banda desarrolla la psicodelía viva de Syd Barrett. Y además Smote Reverser da lugar a cortes más espaciales como “The Last Peace” y “Beat Quest”, así como a furia metalera en el desenfrenado “Overthrown”, y al excelente Hard Rock de “Abysmal Urn”.

El punto negativo del álbum está en que es un disco bastante largo (dura casi una hora). De hecho tenemos un tema de casi 13 minutos de improvisación instrumental psico-jazzera como “Anthemic Aggressor”, pero que se hace eterna y repetitiva.

Aun así Smote Reverser es una de esas gemas ocultas que aparecieron este año, que merecían un mayor reconocimiento. Y por eso se los recomendamos.

Persy

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Beach House – 7 (2018)

 

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Dark Spring: 9
  2. Pay no Mind: 8
  3. Lemon Glow9
  4. L’Inconnue: 7,5
  5. Drunk in LA: 8,5
  6. Dive: 8
  7. Black Car: 9
  8. Lose your Smile: 8
  9. Woo: 8,5
  10. Girl of the Year: 8
  11. Last Ride: 8

Beach House es una de las bandas que llevo siguiente desde hace mas tiempo, llevan casi una década consolidados como uno de los nombres mas importantes de la actualidad en cuanto a Dream Pop. No obstante detractores no les faltaran y es de conocerse que algunos críticos empezaron a tomarlos como una banda estancada, predecible, en otras palabras, diciendo que todos sus discos “suenan igual”. Legrand y Scally siendo tan ermitaños respecto a la crítica, posiblemente no les hayan tomado muy en cuenta, pero por otro lado pareciese que escucharon el llamado ya que este séptimo disco que les reseño es sin duda el mas experimental de la banda, no una reinvención total, pero si con una variación respecto a sus últimos trabajos que lo hacen lo mejor de la banda desde su tremendo Bloom.

El sencillo “Lemon Glow” fue la gota que derramó la gota, y es que nunca Beach House había sonado tan Avant Garde, tan psicodélico como en esta pieza de trance, y en temas como “Dark Spring” notaran que Victoria no se contenta con valerse únicamente de su distintiva voz, sino que experimenta con ella, cambia las estructuras. Ojo no digo que todo el disco sea revolucionario, encontraremos las clásicas piezas hechas a maquina de batería, a repetitivos ritmos de teclado, a slide guitar (entre ellas mi favorita “Drunk in LA”), pero si ustedes aprecian los detalles, encontraran las variaciones en algunas canciones: Baterías mas elaboradas, un poco mas de distorsión en la guitarra de Scally (“Dive”), instrumentos de cuerda y paredes vocales incluso en francés (L’ Inconnue).

Si me preguntan cuál es mi canción favorita les diré sin pensarla “Black Car”, otra que me pone en trance con su textura mística y su aun mas criptica letra, muy recomendada para darle una probada al disco. Otra canción que me agrada es “Woo” que me recuerda la componente mas tierna del dúo de Baltimore. “Girl of the Year” me suena a la continuación de la temática y musicalidad que expresaron en su Depression Cherry. Si acaso donde esperaba un poco mas es en el cierre del disco, ya que en sus anteriores trabajos la banda cerraba con temas memorables como “Irene” o “Days of Candy”, esta vez no, pero no importa demasiado, ya que tras lo escuchado anteriormente estamos ante uno de los mejores trabajos de la agrupación y todo gracias a su ímpetu por no caer en el conformismo y experimentar en sus recursos.

Gera Ramos

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Snow Patrol – Wildness (2018)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Life on Earth: 9,5
  2. Don’t Give In: 9
  3. Heal Me: 7
  4. Empress: 8
  5. A Dark Switch: 7,5
  6. What If This Is All the Love You Ever Get?: 9
  7. A Youth Written in Fire: 7,5
  8. Soon8
  9. Wild Horses8,5
  10. Life and Death8,5

Tras un prolongado paréntesis, su último trabajo Fallen Empires databa de 2011, los británicos Snow Patrol retornarían siete años después luego de una larga expectativa con el triunfal, Wildness.

Durante este receso su frontman Gary Lightbody entro en una gran depresión y desconexión de la realidad, debido a que su padre tenía demencia senil, que lo llevó a acentuar sus adicciones y a un bloqueo compositivo. Superado el mismo luego de mucho esfuerzo y la ayuda de sus amigos (reflejado en muchos pasajes y letras del disco), se despacharía con uno de sus más completos, sólidos y agradables trabajos en su catálogo.

“Creo que es el primer disco donde me hago muchas preguntas. De hecho, traté de descubrir por qué estaba descontento, por qué me sentía fuera de lugar, por qué tengo miedo”, contaría el cantante. Sobre el mensaje de las canciones y el disco en general agregaría: “Se trata de algo primordial, vivo y bello que habla de nuestra verdadera conectividad, nuestra pasión, nuestro amor, nuestra comunión con la naturaleza y entre nosotros mismos. Este es el tipo de salvajismo en el que se centra el álbum.”

Con un tono más acústico y menos alternativo Wildness evoca a la mejor época de Snow Patrol, de mediados de la década pasada, e incluso llega a superarlos, con temas tan melancólicos como pegadizos que serán difíciles sacarte de la cabeza, tal es el caso de “Life on Earth”, “Don’t Give In” y “What If This Is All the Love You Ever Get?”.

F.V.

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Father John Misty – God’s Favorite Customer (2018)

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Puntaje del Disco: 8.5

  1. Hangout at the Gallows: 9
  2. Mr. Tillman: 8.5
  3. Just Dumb Enough to Try: 8
  4. Date Night: 8
  5. Please Don’t Die: 8
  6. The Palace: 8.5
  7. Disappointing Diamonds Are the Rarest of Them All: 9
  8. God’s Favorite Customer: 8
  9. The Songwriter: 8.5
  10. We’re Only People (And There’s Not Much Anyone Can Do About That): 8.5

God’s Favorite Customer, el cuarto disco de Fahter John Misty (nacido como Josh Tillman), lanzado en Junio de 2018, ha sido una de las verdaderas gratas sorpresas de este año. Más que sorpresa, en realidad, se trata de una certeza, ya que el norteamericano venía demostrando a su corta edad su enorme talento a lo largo de una exitosa carrera que ya lleva más de una década.

Al ritmo del folk pero también de baladas melodramáticas como “Please Don’t Die”, buenas composiciones y temas muy agradables, el norteamericano logra construir un álbum muy bien armado y, a diferencia del material anterior, en esta oportunidad las composiciones tienen la extensión justa y precisa.

“Hangout at the Gallows”, “Mr. Tillman” son algunas de las canciones que más se destacan pero la solidez del álbum hace que cada pieza funcione a la perfección para alcanzar un material a la altura de este ascendente artista.

Piro

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Superchunk – What a Time to Be Alive (2018)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. What a Time to Be Alive: 8,5
  2. Lost My Brain: 8
  3. Break the Glass: 9
  4. Bad Choices: 9
  5. Dead Photographers: 8,5
  6. Erasure: 8,5
  7. I Got Cut: 7,5
  8. Reagan Youth: 8,5
  9. Cloud of Hate: 8
  10. All for You: 9
  11. Black Thread: 8,5

Siempre tuve sensaciones encontradas con el Punk y el Punk Pop, pero hay que reconocer cuando un trabajo es decente. Este es el caso de What a Time to Be Alive, uno de los discos que mejor recepción tuvo de parte de la crítica especializada este año.

Lo que hay que resaltar de What a Time to Be Alive, es que estamos hablando de una banda como Superchunk que tiene casi 30 años de trayectoria. Sin embargo, el grupo suena con una vitalidad y frescura tremenda, que es más común de bandas jóvenes que se están recién iniciando. Pero estamos hablando su onceavo álbum de estudio y su retorno luego de 5 años.

Lo segundo que hay que destacar, es que hacen Punk con melodías Pop que no tienen grandes pretensiones, pero que sin dudas tienen ganchos que pueden acaparar tu atención con las sucesivas escuchas. Entre ellas las que más sobresalen son las de melodías un tanto más indies, como “Break the Glass”, “Bad Choices”  y “All for You”.

En contrapartida, no hay grandes variaciones en lo que hace Superchunk a lo largo del álbum. De todas formas, What a Time to Be Alive es un paquete de 32 minutos Punk (tal vez el disco más Punk en su carrera), muy entretenido, que seguidores de grupos como Weezer adorarán y que demuestra que pese a sus casi 3 décadas de historia tienen muchísima energía.

Persy

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Spiritualized – And Nothing Hurt (2018)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. A Perfect Miracle: 9
  2.  I’m Your Man: 8,5
  3. Here it Comes (The Road) Lets Go: 9
  4. Let’s Dance8
  5. On the Sunshine: 8
  6. Damaged: 9
  7. The Morning After: 8
  8. The Prize: 8
  9. Sail on Through: 8

La octava placa de Spiritualized llegó en septiembre sin hacer mucho ruido. Ya con casi treinta años de trayectoria el proyecto de Jason Pierce es uno que tiene sus bases muy bien definidas: Space Rock o Dream Pop con instrumentación muy elaborada que da lugar a ambientes etéreos, letras muy personales, siempre buscando una propuesta inmersiva para el oyente. Es bien sabido que su tercer disco Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space fue aclamado en 1997 y hoy 20años después estamos ante un trabajo que pareciera ser la continuación espiritual de aquel tercer trabajo.

Y es que basta escuchar la hermosa “A Perfect Miracle” que abre el disco y pareciera estuviéramos la homónima pieza de su máximo disco; layers de instrumentos, layers vocales. Recordemos que Pierce es un multiinstrumentalista consumado y posee dotes de producción, por que lo que no es de sorprender lo armonioso que es este trabajo. A continuación, tenemos a “I’m your Man” que no, no es un cover de la legendaria canción de Leonard Cohen, sino una declaración de devoción amorosa que levita en torno al sonido de los instrumentos de viento y que cuenta con una épica sección intermedia y ojo, no es la única canción a la que le queda tal descripción. Enseguida nos deja una de las joyas del disco, “Here it Comes (The Road) Lets Go”, una encantadora pieza con el mejor estribillo del disco, si buscan una pieza accesible para presentar a alguien este trabajo, esta es la elegida.

Tras la apacible canción de Twee Pop, “Let’s Dance” que nos deja claro que este es un disco bastante romántico, llegamos a una bien colocada “On the Sunshine” que es algo ya más garagero, dinámico, rockero, no podía faltar esa faceta de J. Spaceman y evita que el disco se vuelva linear y demasiado suave. Pero la canción que les quiero resaltar de esta sección del disco es “Damaged”, si la oyen no se dejen engañar por su tranquila apertura, solo dejen que llegue a su intermedio por que ahí se encontraran lo que es para mi uno de los momentos musicales del año ¡Una explosión instrumental! Guitarra distorsionada, slide, cuernos, teclados, todo el elenco de instrumentos unidos en un pasaje magnánimo e inmenso, tan solo ese fragmento de minutos hizo que el disco se me quedara grabado en la mente y los oídos.

Ya para acabar, “The Morning After” cumple el mismo papel que “On the Sunshine”, energía, positividad, gancho; “The Prize” se vuelve su contrario, lenta, triste, reflexiva, con una letra poética, las cavilaciones de Pierce sobre el amor, les recomiendo le presten atención, en cuanto a su música siempre va en ascenso, más y más vientos se van uniendo, haciéndola llegar a un dulce final. “Sail on Through” cierra satisfactoriamente utilizando la misma función de “Damaged”, ricos pasajes etéreos.

Con tan solo nueve piezas bien elegidas, el disco no es tedioso, pero tampoco se siente corto. Cada tema tiene su lugar y de mano de su consistencia como trabajo, su suprema instrumentación y agradabilidad general se ha ganado el puesto como uno de los mejores 10 discos del año de Persi Music.

Gera Ramos

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Pusha T – Daytona (2018)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. If You Know You Know9
  2. The Games We Play: 8
  3. Hard Piano: 8,5
  4. Come Back Baby: 8,5
  5. Santeria: 7,5
  6. What Would Meek Do?: 9
  7. Infrared8

Tras tocar esta puerta por años, en 2018 Pusha T finalmente se convirtió en un indudable suceso gracias a su tercer (y mejor) disco a la fecha: Daytona. Albúm que contó con la invaluable y sublime colaboración como productor de Kanye West.

Para los que no lo conocían hasta ahora, Terrence LeVarr Thornton es Pusha T, un rapero nacido en Bronx, Nueva York, comenzó su carrera haciendo dupla con su hermano, en el dúo Clipse, sin demasiados resultados. Sin embargo fue observado por su talento natural por el sello GOOD Music, gracias al cual tuvo la oportunidad de relacionarse con figuras como Jay Z y Kanye West y así comenzar su carrera solista en 2011, a los treinta y cuatro años de edad.

Daytona formó parte de las denominadas, Wyoming Sessions, proyecto de lanzamientos en el verano norteamericano de siete temas del que participaron otras figuras del hip hop como Kid Cudi, Nas y el propio West, pero ninguno tan preciso y necesario, calificado por muchos especialistas como “una absoluta obra maestra del minimalismo”.

Su escasa duración tiene sus pros y contras. Por un lado, ningún momento esta desperdiciado, es una muestra de fácil consumo de lo que el hip hop de excelencia puede significar, pero como crítica Pusha y Kanye dejan a los oyentes deseando más, con la sensación de tarea incompleta y hasta se podría aventurar que con algunos temas más al mismo nivel podría tratarse hasta del disco del año.

F.V.

 

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Mitski – Be the Cowboy (2018)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Geyser: 8,5
  2. Why Didn’t You Stop Me?: 8
  3. Old Friend: 8
  4. A Pearl: 9
  5. Lonesome Love: 8
  6. Remember My Name: 9
  7. Me and My Husband: 8,5
  8. Come into the Water: 8
  9. Nobody: 8
  10. Pink in the Night: 8,5
  11. A Horse Named Cold Air: 7
  12. Washing Machine Heart: 8,5
  13. Blue Light: 8
  14. Two Slow Dancers: 8

Puberty 2 significó para Mitski ser una de las artistas revelación hace un par de años atrás. Por eso se esperaba con ciertas expectativas su nueva aparición. Y en su retorno con Be the Cowboy no defrauda.

En Be the Cowboy Mitski nos trae un álbum integrado por 14 canciones, lo cual parece mucho. Pero lo cierto es que no son canciones largas, por lo que el disco se puede escuchar en un suspiro. En él, Mitski profundiza en el uso de sintetizadores, que combinado con su gran voz da muy buenos resultados.

Con esta fórmula, Be the Cowboy termina siendo un disco bastante ecléctico. En donde sus mejores momentos aparecen cuando emerge su costado más rockero, combinando muy bien el uso de sintetizadores con distorsiones de guitarra, tal es el caso de “A Pearl” y “Remember My Name”.

Pero el resto del álbum también tiene mucho para ofrecer en su diversidad de canciones. Tenemos a “Geyser” con su sonido más épico y oscuro. “Why Didn’t You Stop Me?” es la versión de Mitski de sintetizadores más bailables. Hay buenas baladas como “Come into the Water” y “Pink in the Night”. Así como tenemos el costado más Pop de Mitski, en la acústica “Lonesome Love”,el Pop con teclados de “Me and My Husband”, y en el single de estilo New Wave “Nobody”.

Be the Cowboy es un disco tan llevadero como sólido. Como contrapartida es menos excitante y más medido que Puberty 2 y no tenemos clásicos instantáneos como “Happy”. Pero Mitski mantuvo el muy buen nivel de su predecesor y por eso fue uno de los discos que más críticas positivas cosechó en el 2018.

Persy

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Miles Kane – Coup de Grace (2018)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Too Little Too Late: 7
  2. Cry On My Guitar: 8,5
  3. Loaded: 9
  4. Cold Light of Day: 7
  5. Killing the Joke: 8
  6. Coup de Grace: 8
  7. Silverscreen: 8
  8. Wrong Side of Life: 8,5
  9. Something to Rely On: 8
  10. Shavambacu: 8,5

¿Se consolidará? Una larga espera de cinco años ha terminado. Después del agradable Don´t Forget Who You Are, y de su segundo álbum con su proyecto The Last Shadow Puppets, junto a Alex Turner. Miles Kane nos trae Coup de Grace.

Si bien Miles apareció en escena como parte de esa escena post dos mil diez, junto a Jake Bugg, como un estertor de la oleada de artistas retro como The Strokes, Arctic Monkeys, Interpol, Franz Ferdinand, The Libertines, White Stripes, etc. emergió en un tiempo donde aquellas bandas habían tomado su camino, la mayoría condenándose a un sonido pobre y vivir del nombre, otras desechas (caso The Libertines y White Stripes, con proyectos solistas), y pocas siendo un estándar de un alto sonido, como Franz Ferdinand, Arctic Monkeys y Kasabian.

Uno de los problemas que encuentro en la carrera de Miles Kane, es que sus discos solistas no alcanzan la dimensión artística para considerarlos excelentes de principio a fin, ni mucho menos como un parteaguas de la música (cosa más que complicada en estos tiempos), aunque sí tienen calidad suficiente para escucharse enteros. Pese a estar bajo la tutela de colaboradores como Noel Gallagher, juntarse con Paul Weller, llegar al mercado de la moda de la mano de la importante marca Fred Perry, o bien aliarse con Alex Turner en The Last Shadow Puppets, no ha terminado de dar el gran salto que catapulte su carrera; en el último caso, me parece una banda que lejos de colaborar y expresar ambos su talento, Turner se come a Kane, y no logran hacer una sinergia que les permita dar grandes álbumes con ese proyecto, de modo que prefiero a Turner con los Arctic, y a Kane como solista.

Alguna vez un amigo melómano me dijo que el tercer disco de una banda, o de un artista en general, es aquél que nos demuestra de qué está hecho; en el cual podremos apreciar la calidad del artista, y ver si da para una larga trayectoria. Generalmente el primer disco de cualquier artista es la novedad, y es bueno, el segundo es bueno, pero no a la medida del primero, y en el tercero se da el gran salto donde asciendes, o caes estrepitosamente.

Una vez dicho lo anterior, ha llegado el momento de la crítica, tema por tema. “Too Little Too Late” es una canción pretenciosa, un afán de abrir el disco con fuerza que no termina de cuajar, sin ser mala. Una canción con toque mod y tintes de arrogante líder que no destaca en sus arreglos, casi genérica.

“Cry On My Guitar” tiene una guitarra que nos remite a Marc Bolan y T-Rex, suena bien, y sin duda alguna se siente mejor que su predecesora. Una canción glam, sencilla y que suena bien, también nos remite un poco a Oasis, un buen tema para desgreñarse en un agradable rato de ocio.

En “Loaded” encontramos un gran inicio de piano, no destacado en el plano de virtuosismo musical, pero sin duda tiene esa gran sensibilidad pop de manufactura inglesa, recuerda un poco a Bowie, y también suena bien; sin duda un punto alto del disco.

“Cold Light of the Day” nos presenta una guitarra rock no estridente, estilizada, una versión inglesa mejor hecha que el tipo de música que hacían The Strokes, los coros suenan prefabricados. Sin duda a Kane no le sienta bien jugarle al rockstar con la guitarra.

“Killing Joke” inicia son sintetizadores muy a la usanza de la estética de los ochenta, pero trae cierto toque musical y vocal que la hace funcionar, parece alguna canción perdida del AM de Arctic Monkeys; no destaca, pero tampoco aburre, simplemente es un buen pop, sin exagerar.

“Coup de Grace” es un new wave cadencioso, sus arreglos no destacan; quiere sonar al Bowie de esa década, lo logra, pero no brilla.

“Silverscreen” empieza con una buena guitarra, eso sí es un The Strokes mejorado, ese cantar rápido y arrogante, incluso sexoso en esta ocasión sí le funciona. Es una canción bien hecha que reaviva el interés en seguir escuchando el disco.

“Wrong Side of Life” trae esos efectos de voz, esa sensibilidad pop brillosa del álbum blanco de los Beatles, luego encontramos esos guitarrazos que guían la canción a buen puerto; esto es un rock pop bien hecho. El modo de cantar, la entonación evoca a Jagger.

“Something to Rely” on tiene una melodía juguetona, un rock rápido estilizado; no deja de ser agradable escuchar a Miles intentar cantar de distinto modo, ni los cambios de ritmo de la canción.

“Shavambacu” tiene un sonido curioso, la guitarra nos lleva llevarnos a un ritmo hipnótico, cadencioso, que resulta agradable acompañado por piano, generando una atmósfera un poco oscura que pasa a un tradicional pop inglés; sin duda alguna, un buen cierre de disco.

En este disco Miles Kane dio el salto y voló; no logró consolidarse como una gran figura, pero sí como una propuesta interesante. Sin duda alguna tiene crédito para que sigamos escuchando sus discos.

El Gato Gordo

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Black Sabbath – Seventh Star (1986)

Puntaje del Disco: 5

  1. In for the Kill: 6
  2. No Stranger to Love: 3
  3. Turn to Stone: 5,5
  4. Sphinx (The Guardian):
  5. Seventh Star: 5,5
  6. Danger Zone: 4
  7. Heart Like a Wheel: 4,5
  8. Angry Heart: 5
  9. In Memory…: 5,5

Seventh Star más que un álbum de Black Sabbath es un disco solista encubierto de Tony Iommi. Por aquel entonces el grupo estaba prácticamente disuelto, solo quedaba Iommi como único miembro original. Por lo que todo indicaba que Tony iba a lanzar un álbum en solitario, pero evidentemente terminó usando el nombre de Black Sabbath por una cuestión netamente comercial. Eso explica el por qué de la portada con Iommi más solo que Kung Foo.

El problema de Seventh Star es que pese a ponerle el nombre de Sabbath, es un álbum que nada tiene que ver con el estilo oscuro y siniestro de Black Sabbath. Al contrario parece un conjunto mediocre y genérico de Metal, que además estaba infectado por el Glam Metal que sonaba en aquellos años. Y la banda que lo acompaña lo empuja hacia ese género. El caso más ejemplar es el de su vocalista Glenn Hughes, que sin lugar a dudas es más que decente como interprete, tomando similitudes con David Coverdale (de hecho fueron compañeros en Deep Purple).

Como resultado Seventh Star es es una pelota de canciones completamente inmemorables (no hay ni una melodía recordable), donde sus temas lentos son los más atroces. Tal como sucede en “No Stranger to Love”, una de las peores baladas Glam jamas escritas, que harían sentir vergüenza al mismísimo Bon Jovi.

Por otro lado, tenemos el costado más dinámico de Sabbath en cortes como “In for the Kill” y “Turn to Stone”, que tienen un estilo más frenético y rockero pero que simultáneamente no son nada especiales.

La homónima “Seventh Star” es una de las pocas en que levemente recuerdan al viejo Black Sabbath, con una onda más oscura, sin embargo, no deja de ser una banda apagada que termina aburriendo. De hecho, aburren en la mayor parte del álbum, especialmente en “Heart Like a Wheel” y “Danger Zone”, que tienen riffs más marcados pero que nunca terminan de llevar a buen puerto.

No hay mucho más que agregar. Es un disco que tal vez solo defiendan los fanáticos más fervorosos del metal . Pero lo cierto es que lejos está de parecerse a un verdadero disco del grupo.

Persy

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