Archivo de la categoría: Bandas de Rock Internacional

Courtney Barnett – Tell Me How You Really Feel (2018)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Hopefulessness: 8
  2. City Looks Pretty: 8
  3. Charity: 7,5
  4. Need a Little Time: 8,5
  5. Nameless, Faceless: 6,5
  6. I’m Not Your Mother, I’m Not Your Bitch: 7,5
  7. Crippling Self-Doubt and a General Lack of Confidence: 7
  8. Help Your Self: 7
  9. Walkin’ on Eggshells: 7
  10. Sunday Roast: 8

Luego de su exitoso álbum debut, Courtney Barnett se uniría Kurt Vile para lanzar un disco que prometió pero que no resultó ser tan auspicioso como se esperaba. Es como si Courtney hubiera sido tapada en lugar de desatar todo su talento. Por lo que la llegada de su segundo disco solista era esperado para escuchar más de lo que ya había hecho en su primer álbum. Sin embargo, esta nueva placa nos muestra que tuvo un claro declive en su nivel compositivo.

En Tell Me How You Really Feel, Barnett nos ofrece canciones Indies que están bien, pero que dejan la sensación de poco. Hay un detrimento en las melodías y en la calidad de las canciones. Temas como “Nameless, Faceless”, dejan una impresión de que no está haciendo nada verdaderamente especial. Pero lo que más se extraña es la onda dylanesca que Courtney llegó a tener en su debut.

Por eso Tell Me How You Really Feel es un disco que en su conjunto tiene un sabor a Indie Rock bastante convencional. Que no está mal, que es diverso en lo que ofrece (puede ir de canciones bien Pop como “Charity” a temas que muestran su faceta más rockera como “I’m Not Your Mother, I’m Not Your Bitch”), y que tiene buenos momentos como “Hopelessness” (con su melodía más oscura), “City Looks Pretty” (destacándose en sus cambios de estructura), “Sunday Roast” (con su onda más tenue que le da un encanto particular) y especialmente en “Need a Little Time” (que tiene la mejor melodía del álbum). De todas formas, si la australiana los capturó por lo que hizo en su primer trabajo, sepan que no van a encontrar un álbum a la misma altura en esta oportunidad.

Persy

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Bush – Sixteen Stone (1994)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Everything Zen: 9,5
  2. Swim: 7,5
  3. Bomb: 7
  4. Little Things: 8
  5. Comedown: 8,5
  6. Body: 8
  7. Machinehead: 8,5
  8. Testosterone: 8,5
  9. Monkey: 8
  10. Glycerine: 8,5
  11. Alien: 7,5
  12. X-Girlfriend:

La mejor y última gran década musical tuvo espacios para el estrellato fugaz de grupos de grunge o post grunge como Bush (los Nirvana británicos), que no se sostuvieron a lo largo del tiempo como otros pero que fueron capaces de crear discazos como: Sixteen Stone (1994).

A fines de 1992 el cantante y guitarrista Gavin Rossdale y el guitarrista Nigel Pulsford se reunieron en un concierto en Londres y decidieron comenzar a experimentar con sonidos agresivos y a la vez melódico con influencia de grupos americanos como Pixies y Nirvana. El resultado de esta mezcla recibió mayor aceptación en Estados Unidos que en su país natal, donde alcanzaron un éxito marginal, convirtiéndolos en una de las bandas comercialmente más exitosa de mediados de los noventa.

Aunque ni su composición ni sus letras resultaron por demás originales, Sixteen Stone se encuentra impecablemente producido y ejecutado y además incluye los sencillos más significativos en la carrera de Bush, tal es el caso de “Everything Zen”, “Machinehead”, “Glycerine” y “Comedown”.

Durante el resto de los noventa Bush continuaría siguiendo las reglas y los estándares del rock alternativo estadounidense, con algunos altibajos, hasta su cuarta placa Golden State en 2001, donde sus miembros contarían con un tiempo para dedicarse a otras inquietudes, como la carrera de actor de Rossdale, antes de volver a reformarse diez años después.

F.V.

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Me’Shell Ndegéocello – Comfort woman (2003)

Puntaje del Disco: 9

  1. Love song #1: 8
  2. Come Smoke My Herb: 8
  3. Andromeda & The Milky Way: 9
  4. Love Song #2: 9
  5. Body: 6,5
  6. Liliquoi Moon: 9,5
  7. Love Song #3: 8,5
  8. Fellowship: 7
  9. Good Intentions: 6,5
  10. Thankful: 9

Relajate y apagá la luz…

Antes que nada, un consejo: Escuchalo sin compañía, sin ruido externo, con poca luz, con un buen trago y con mucha atención.

Comfort woman, el quinto disco de Me’Shell Ndegéocello (un quinto disco que disputa el podio de los primeros lugares con varios de sus 12) fue considerado como uno de los más finos y delicados discos de soul contemporáneos allá por el 2003, y la verdad que no le erraron.

Si alguna vez quisiste saber que siente volar de noche, entre las  nubes y que una suave brisa te dé en la cara, Comfort Woman puede ser lo más cercano a esa sensación.

Como algo casi etéreo, la voz (coros y demás efectos) de Me’Shell  se desplazan suavemente como la sombra de una nube sobre un campo acariciando cada uno de los compases de cada canción. Es un disco plenamente intimista con una alta carga de sensualidad y sin fisuras,  donde el Soul, el R&B, el Dub, algunas pinceladas de Jazz y unos sutiles toques de psicodelia comulgan a la perfección con la propuesta del bajo de Ndegéocello y un slow-tempo que alterna entre batería y “maquinitas”. Un buen puñado de canciones con un claro espíritu nocturno. Cálidas para el inverno y reconfortantes para el verano, pero que a fin de cuentas generan una amena sensación de bienestar interno.

Hablar en particular sobre cada canción sería redundar todo el tiempo, el disco es un todo que tiene una clara intención de lo que quiere lograr o adonde quiere llegar y destacar como preferido algún tema sobre otro sería una apreciación subjetiva que podría  condicionar la escucha, pero bueno, algo hay que poner.

Que disfruten el vuelo.

Seba Bustos

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Editors – In This Light and on This Evening (2009)

Puntaje del Disco: 7

  1. In This Light and on This Evening: 8,5
  2. Bricks and Mortar: 7
  3. Papillon: 7,5
  4. You Don’t Know Love: 7
  5. The Big Exit: 7,5
  6. The Boxer: 7
  7. Like Treasure: 6,5
  8. Eat Raw Meat = Blood Drool: 7
  9. Walk the Fleet Road: 6

“Si hubiéramos intentado hacer otro disco más tradicional de guitarra, no creo que lo hubiéramos conseguido… por nuestro propio bien, teníamos que hacer algo que no habíamos hecho antes”, así explicó el cantante de Editors, Tom Smith, el cambio de dirección musical de la banda para su tercer trabajo, In This Light and on This Evening (2009).

La preferencia de la banda inglesa de los sintetizadores por sobre la pared de guitarras de sus primeros trabajos fue impulsada por su nuevo productor Mark “Flood” Ellis, conocido por sus trabajos con New Order, The Killers, Nine Inch Nails, entre otros. El resultado fue un disco interesante y correcto pero lejos de lo que prometían y pintaban convertirse en su inspirador debut haya por 2005: The Back Room.

In This Light and on This Evening marcaría también el último trabajo en donde participó uno de sus miembros fundacionales, el violero Chris Urbanowicz, quien se alejaría por diferencias en la dirección musical reemplazado desde 2012 hasta la actualidad por Justin Lockey.

F.V.

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Kaleo – A/B (2016)

 

Puntaje del Disco: 8

  1. No Good: 8
  2. Way Down We Go: 8
  3. Broken Bones: 9
  4. Glass House: 7,5
  5. Hot Blood: 8
  6. All The Pretty Girls: 7,5
  7. Automobile: 8
  8. Vor í Vaglaskógi: 8
  9. Save Yourself: 7,5
  10. I Can’t Go On Without You: 7,5

El rock/blues, en tanto composición entrelazada por los géneros que articulan su nombre, sin dudas resulta un campo harto explorado por muchísimas bandas. «¿Será posible—se preguntará más de uno—que existan artistas que todavía puedan sobresalir tocando ese tipo de música?». Y es allí cuando Kaleo, con su álbum “A/B”, hace acto de presencia para contestar dicho interrogante con un fulguroso “¡Sí!”. Y no es para menos: se podrá pensar que el disco no apunta a líricas en exceso complejas, ni que tampoco intenta deslumbrar al oyente con sonatas ostentosas. Sin embargo, el armado compacto, fuerte y rígido que presenta—tan característico de las elaboraciones del rock/blues— es más que suficiente para llevar a los amantes de este género al pseudo-clímax musical.

La banda islandesa, que posee a Jökull Júlíusson como figura central de sus singles—al ser tanto la voz como la guitarra rítmica del conjunto—, ha demostrado la sobriedad que la identifica al publicar su segundo álbum, en el año 2016. Éste resulta atrapante desde un inicio puesto que arranca con toda la potencia de “No Good”; un rock que logra traer a la memoria del conocedor a autores como George Thorogood. No obstante ello, la horizontalidad del disco se pierde al instante en que “Way Down We Go” tira sus primeras estrofas; lejos de significar un rasgo negativo, el cambio de ‘sintonía’—pero no así de ambiente— acaba siendo lo que más vida le otorga a esta nueva experiencia de Kaleo. Tal es así que en distintos momentos se puede corroborar este fenómeno; desde “Broken Bones” hasta “Vor í Vaglaskógi” se alcanzan a distinguir altibajos tanto anímicos como sonoros, sin embargo en ningún momento el ambiente oscuro—digno de un antro bien conservado— se pierde. Sobre lo anterior, también es digno de notarse la influencia ajena al blues/rock que muestra, por segmentos, el contenido; “Save Yourself”, por ejemplo, se diferencia en sumo grado por encontrarse en un tramo más ‘alternativo’ con respecto a otros temas ya mencionados.

Desde otro lado, son varios los elementos que pueden destacarse, no solo del estilo musical previamente comentado sino también de la banda en sí misma. La voz de Júlíusson, además de otorgarles esperanzas a los amantes clásicos del rock ‘picante’ de bares turbios, llega a robarse el escenario musical en más de una oportunidad con interpretaciones tranquilas, serenas. A su vez, los riffs desplegados a lo largo del álbum hacen lo suyo. Éstos se aparean con los cantos—a veces guturales, y otras suaves— del vocalista, y lo mantienen en alza a todas horas.

Por último, de querer adentrarse uno en las críticas detallistas, sería capaz de objetarle, a esta segunda entrega islandesa, el hecho de que varias canciones fueron anteriormente publicadas. Asimismo, la estructura del álbum podría pecar de adecuarse bastante a muchas creaciones de antaño; en otras palabras, quizás el término “cliché” sería usado por parte de aquél que ya tenga los oídos cansados del sonido Rock/blues. Más allá de estas cuestiones—menores o no, dependiendo del que elija escuchar a Kaleo—, se le atribuye una buena nota conceptual a “A/B” tanto por su estabilidad y potencia, como por la grata sorpresa en la que uno incurre si pretende disfrutar géneros de este tipo.

Juan Pablo Pigliacampo

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Julian Cope – Saint Julian (1987)

Puntaje del Disco: 8

  1. Trampolene: 8,5
  2. Shot Down: 8
  3. Eve’s Volcano (Covered in Sin): 7,5
  4. Spacehopper: 8,5
  5. Planet Ride: 7
  6. World Shut Your Mouth: 9
  7. Saint Julian: 7
  8. Pulsar: 7
  9. Screaming Secrets: 8
  10. A Crack in the Clouds: 8,5

Influenciado por su nuevo manager y su nueva discográfica el talentoso ex cantante de los Teardrop Explodes Julian Cope comenzó a limpiar su imagen en todo sentido promediando los ochenta para presentar su tercer trabajo solista: Saint Julian.

Estéticamente se corto el pelo, se preocupó más por su producción personal y comenzó a vestirse a la moda del rock británico ochentosa y musicalmente orientó su música fuertemente hacia el pop directo abandonando el estilo psicodélico y complejo de sus anteriores trabajos (que dicho sea de paso no se habían vendido para nada bien), en especial comparándolo con su antecesor Fried (1984).

El resultado final fue altamente positivo tanto artísticamente como comercialmente, uno de los discos más difundidos en su larga trayectoria incluyendo uno de sus grandes hits “World Shut Your Mouth” y otros sencillos rendidores como “Spacehopper” y “Trampolene”. A pesar de lo positivo en cuanto a lo comercial, Cope describiría Saint Julian como uno de sus menos favoritos álbumes, aunque reconocería que tiene sus momentos.

La veta comercial de Julian continuaría con My Nation Underground (1988), tratando de aprovechar los buenos resultados de Saint Julian, pero sin el mismo resultado. Cerraría una etapa de su carrera y a partir de aquí se dedicaría a hacer las composición retorcidas y elaboradas que realmente sentía.

F.V.

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Stone Temple Pilots – Stone Temple Pilots (2018)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Middle of Nowhere: 7
  2. Guilty: 6,5
  3. Meadow: 8
  4. Just a Little Lie: 6
  5. Six Eight: 6
  6. Though She’d Be Mine: 8
  7. Roll Me Under: 7
  8. Never Enough: 8
  9. The Art of Letting Go: 9
  10. Finest Hour: 8Good Shoes: 7
  11. Reds & Blues: 6,5

Primero lo primero: Stone Temple Pilots volvió a ser Stone Temple Pilots.

Después de la participación de Chester Bennington (Linkin Park) entre los años 2013 y 2015 y tras la muerte de la voz insignia de STP Scott Weiland a fines de 2015, el futuro de la banda era incierto y hasta parecía sellado… hasta que apareció Jeff Gutt (ex Dry Cell).

Haciéndose cargo de unos zapatos muy grandes para llenar y junto a los hermanos Dean y Robert DeLeo (Guitarra y bajo, respectivamente) y Eric Kretz (batería), alineación estable y fundadora de STP, lanzaron el 16 de Marzo el segundo disco autotitulado de la carrera de la banda (el anterior había sido publicado en 2010, todavía junto a Scott Weiland).

La formula del disco continua la estela del trabajo anterior ( “Stone Temple Pilots” 2010) pero con un cierto ambiente de melancolía y homenaje, con canciones hardrockeras como el sencillo “Meadow”, “Roll Me Under” y “Six Eight” y baladas en clave psicodelia como “Just a Little Lie”.

El golpe bajo lo ofrecen dos excelentes composiciones que son parte (junto con “Meadow”, el blues eléctrico “Never Enough” y “Finest Hour” ) del punto mas alto del disco: “Thought She´d be Mine” y  “The Art of Letting Go”, esta ultima actuando a modo de homenaje por las muertes de Weiland y Bennington, pero no por cumplir una obligación deja de ser una de las mejores canciones del álbum y una que no puede faltar en el setlist de gira de presentación del disco.

Siguiendo la línea de sus contemporáneos Alice in Chains cuando publicaron “Black Gives Way to Blue” (2009) con William DuVall haciéndose cargo de las voces luego de la muerte de Layne Staley en 2002, STP entrega un trabajo sólido pero no por eso esta exento de comparaciones (especialmente el increíble parecido de Jeff Gutt con Scott Weiland en lo que a habilidades vocales se refiere).

“Stone Temple Pilots” no sera catalogado como el mejor álbum de la historia de la banda, pero tampoco como una mera excusa para cumplir obligaciones y  llenar cuentas bancarias. Scott Weiland lo hubiera aprobado.

Max Diaz

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The Rolling Stones – Flashpoint (1991)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. (Intro) Continental Drift:
  2. Start Me Up: 8
  3. Sad Sad Sad: 7
  4. Miss You: 8,5
  5. Rock and a Hard Place: 7
  6. Ruby Tuesday: 8,5
  7. You Can’t Always Get What You Want: 8
  8. Factory Girl: 7
  9. Can’t Be Seen: 6,5
  10. Little Red Rooster: 9
  11. Paint It Black9
  12. Sympathy for the Devil: 7
  13. Brown Sugar7,5
  14. Jumpin’ Jack Flash: 8,5
  15. (I Can’t Get No) Satisfaction: 8
  16. Highwire: 6,5
  17. Sex Drive: 7

Lejos de estar en la galería de los mejores discos de carrera (ni siquiera de sus mejores discos en vivo) Flashpoint, es uno de las grabaciones más icónicas de los Rolling Stones, en los noventa todos lo tuvimos y reflejó uno de las giras más lucrativas en la historia del rock como Steel Wheels/Urban Jungle World Tour durante los años 1989 y 1990, gira promocional del correcto Steel Wheels (1989).

Flashpoint es bastante sólido y resultó una mejora comparándolo con los últimos directos de los británicos apoyado en la cantidad de clásicos dentro de la selección de temas que se convirtieron en sus puntos fuertes como “Start Me Up”, “Miss You”, “Ruby Tuesday”, “Paint It Black”, “Jumpin’ Jack Flash”, entre otros. En contrapartida los temas nuevos de Steel Wheels son de los momentos más pobres sumados versiones no tan logradas y demasiado extendidas que pierden su fuerza original como ” Sympathy for the Devil” “You Can’t Always Get What You Want”, “(I Can’t Get No) Satisfaction” y “Brown Sugar”. Mención aparte merece la participación como invitado de Eric Clapton en guitarra rompiendola toda en el blues “Little Red Rooster”.

También formaron parte del lanzamiento en el final, dos temas nuevos de estudio como la anti bélica “Highwire” y la funky “Sex Drive”, siendo estos las últimas grabaciones de su bajista original Bill Wyman como miembro de los Stones, quien abandonaría el grupo oficialmente en Enero de 1993 tras más de treinta años con Jagger Richards y Watts.

Flashpoint inauguraría su última década realmente activa para ellos, ya como una banda veterana, influyente y completamente consagrada, con un par de discos  de estudio y en vivo,  y en especial con giras mundiales y por demás lucrativas al nivel de Steel Wheels/Urban Jungle World Tour.

F.V.

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Björk – Debut (Live) (2004)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Human Behaviour: 8
  2. One Day: 8
  3. Venus as a Boy: 8
  4. Come to Me: 8
  5. Big Time Sensuality: 7,5
  6. Aeroplane: 7
  7. Like Someone in Love: 6,5
  8. Crying: 7,5
  9. The Anchor Song: 8
  10. Violently Happy: 7,5

En el año 2004 la cantante islandesa lanzaría una serie de discos en vivo de los primeros 4 álbumes de su discografía. Empezamos entre ellos con el primero, nada menos con la versión en vivo de Debut.

La versión en vivo e Debut fue hecha principalmente de las grabaciones de su presentación en el MTV Unplugged de 1994. El único que fue tomado de otra presentación es “Venus as a Boy”, tomado de lo que fue su vivo en el programa de Jools Holland. Así que el disco se caracteriza principalmente por ser versiones más bien acústicas y bastante exóticas (especialmente en la percusión en temas como “One Day”) de Björk. Los arreglos y la diversidad de la instrumentalización que utiliza le dan un toque que puede resultar tan bizarro como irreconocible en sus temas. Clásicos como “Big Time Sensuality” puede costar reconocerlo. Así como aparecen versiones jazzeras de “Aeroplane” y “The Anchor Song”.

De todas formas, el resultado no es algo que resulte extraordinario o que pueda conmover al oyente. Sí, Björk es una gran cantante, y aquí lo vuelve a demostrar en su juventud. Pero las versiones de sus temas no son lo suficientemente atractivas. Aun así, es un disco que fanáticos de la islandesa sabrán disfrutar.

Persy

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Black Sabbath – Live at Last (1980)

Puntaje del Disco: 7

  1. Tomorrow’s Dream: 6,5
  2. Sweat Leaf: 6,5
  3. Killing Yourself To Live: 7,5
  4. Cornucopia: 6
  5. Snowblind: 7,5
  6. Children Of The Grave: 6,5
  7. War Pigs: 8
  8. Wicked World: 7,5
  9. Paranoid: 8

Live at Last es técnicamente el primer disco en vivo de Sabbath, realizado en base a un concierto de 1973 en el Teatro Rainbow de Londres. Por lo que tenemos a su formación original y la más legendaria, incluido Ozzy en sus filas.

En Live at Last la banda suena pesada con las distorsiones de Iommi en guitarra y la contundencia de la bata de Ward. Pero el sonido no es nada especial. De hecho el arranque es un tanto monótono. Y el disco en su conjunto parece una masa uniforme sin grandes variaciones. Tal vez lo que falló es la selección y distribución de temas (como la llamativa ausencia de “Iron Man” y otros clásicos de sus primeros años).

De todas formas, los riffs de Tony nunca sonaron tan parecidos como en este álbum. Incluso sus solos son poco finos. Mientras que a Ozzy se lo nota arengando mucho al público pero no descollando como vocalista (seamos honestos, es un gran frontman pero no un virtuoso). En líneas generales no es un disco donde sobresalga su despliegue técnico. Lo que más sobresale es la actitud aplastante. Lo cual tiene sentido considerando que es una banda pionera del metal como Sabbath. En esa onda, lo mejor aparece sobre el final con “War Pigs”, que es la que mejor lograda, y “Paranoid”, que resalta por sí sola por ser un himno. Por otro lado, tenemos a “Wicked World” en su versión extendida de casi 19 minutos, que no aburre tanto pese a su duración, dando lugar a las improvisaciones de la banda, en especial a Iommi haciendo lo que se le place en guitarra.

En definitiva, Live at Last no es un gran álbum en vivo. Y hasta  generó cierta controversia porque fue editado por NEMS sin la aprobación de la banda. Pero es valorable ya que se trata de su primer registro en vivo en los setenta, antes de que Osbourne abandone el grupo.

Persy

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Kanye West – Late Orchestration (2006)

Puntaje del Disco: 8

  1. Diamonds from Sierra Leone: 8,5
  2. Touch the Sky: 8
  3. Crack Music: 7,5
  4. Drive Slow9
  5. Through the Wire: 7
  6. The New Workout Plan: 6
  7. Heard ‘Em Say8
  8. All Falls Down: 7,5
  9. Bring Me Down8,5
  10. Gone: 7,5
  11. Late: 7
  12. Jesus Walks: 8
  13. Gold Digger8,5

Uno de los más emblemáticos trabajos en la carrera de Kanye West, Late Registration (2005), merecía un disco en vivo para rememorar sus versos y escuchar versiones novedosas y con una orquesta de apoyo de algunos de sus clásicos. Así surgió Late Orchestration editado en Abril de 2016 y grabado en directo en los estudios Abbey Road de Londres ante un grupo reducido de fanáticos e invitados especiales.

Aunque se trató de un público pequeño pero selecto y privilegiado, West desplegó un setlist variado y plagado de energía, dando todo arriba del escenario inclusive mejorando las versiones originales de algunos de sus temas como en “Drive Slow”, “Bring Me Down” o “Jesus Walks”.

Otros temas más reconocidos como “Diamonds from Sierra Leone”, “Touch the Sky” y “Gold Digger” continúan con su poderío original, sumado a esto las participaciones especiales en algunos temas de artistas como John Legend, Lupe Fiasco, GLC y Consequence.

Uno de los artistas encargados de hacer del hip hop algo excitante nuevamente se merecía esta adición a su discografía, indispensable para conocer lo mejor del repertorio inicial de Kanye.

F.V.

 

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Greta Van Fleet – Anthem of the Peaceful Army (2018)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Age of Man: 8
  2. The Cold Wind: 7,5
  3. When the Curtain Falls: 8
  4. Watching Over: 6,5
  5. Lover, Leaver (Taker, Believer):6
  6. You’re the One: 5,5
  7. The New Day: 5,5
  8. Mountain of the Sun: 5
  9. Brave New World: 5
  10. Anthem: 5

La banda de los hermanos Kiszka, empezó a hacerse conocida en los últimos tiempos por sus similitudes con Led Zeppelin. A punto tal que llegaría a oídos del mismísimo Robert Plant, quien diría que Josh Kiszka es un “hermoso pequeño cantante” por la semejanza en sus entonaciones agudas. Y en el 2018 finalmente lanzarían su primer disco de estudio, Anthem of the Peaceful Army, en el cual se notan las influencias rockeras de Zeppelin. Sin embargo, para toda la expectativa que generaban, su álbum es decepcionante.

Anthem of the Peaceful Army tiene varios problemas. Para empezar vivir bajo la sombra de Led Zeppelin tiene su costo. GVF se esfuerza demasiado por sonar como Zeppelin, tratando de apelar a la “nostalgia setentosa” como principal arma. Sin embargo son poco auténticos y si bien tratan de imitar cosas de ellos, no terminan de capturar toda su esencia. Es como que se quedan a mitad de camino entre ser una banda tributo y en desarrollar su propia personalidad.

El segundo problema y el más importante es que sus composiciones son bastante pobres y genéricas. La primera parte del álbum es interesante con “Age of Man”, un buen arranque, un tanto oscuro y con cierta dosis de épica, con las vocales de Joshua Kiszka más agudas de lo que Plant jamas pudo lograr. También entretiene “The Cold Wind” (con un riff que parece un plagio de muchos temas de Zepp) y “When the Curtain Falls”, que tiene el estribillo más hitero del álbum. Sin embargo, luego de ese punto el disco comienza a desplomarse poco a poco tocando fondo en sus genéricas canciones acústicas “You’re the One”, “The New Day” y “Anthem”.

Así que Anthem of the Peaceful Army es un debut con sabor a poco. Algunos adoraran la idea de tratar de revivir a Led Zeppelin y se sorprenderán en la similitud. Pero no pasa de ser un disco meramente entretenido con una notoria ausencia de clásicos.

Persy

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