Archivo de la categoría: Entrevistas

Entrevista a Bien Jodidos

En la antesala de su presentación el próximo 22/12 en Liverpool Bar (Arévalo 1376, CABA), el joven grupo llamado Bien Jodidos, quienes recientemente acaban de lanzar su disco debut “Golpeando el Sol”, nos brindaron esta entrevista donde nos cuentan su historia.

Cuentennos su historia ¿Cómo fue el salto de pasar de ser un grupo que tocaba en actos escolares a una banda que con cada vez más recorrido?

Es un salto que nadie pudo mensurar el momento en que pasó. Simplemente se fue dando naturalmente, a fuerza de mucho empeño de parte de nosotros y, por supuesto, de la gente que nos apoya y ya hoy nos sigue. Estamos orgullosos de lo que hemos logrado hasta el momento, pero no nos conformamos y pensamos ir por muchísimo más.

¿Qué sienten que los diferencia de otros grupos?

Tal vez la mayor diferencia, que no somos los únicos que lo hacemos pero si que lo sentimos natural, es la predisposición para no atarnos a una fórmula única.

Muchas bandas encuentran una fórmula que funciona en cuanto a estructuras o formas y se atan a ello. Nosotros, al ser independientes, tratamos de experimentar sin miedo a equivocarnos en lo que nos place tocar y en base a ello creemos que las cosas fluyen de la manera que están fluyendo.

¿Qué es lo que más destacan de su primer disco “Golpeando El Sol”?

Es unánime que lo más destacable es la diversidad de estilos que pudimos abarcar, aunque si nos enfocamos en lo que estamos componiendo para nuestro segundo trabajo nos estamos volcando a un estilo que nos está sentando muy cómodos.

La variedad de estilos nos permite llegar a diversos públicos y que si un oyente no aprecia un riff de rock, pueda apreciar un funk, o un solo de blues. Creo que desde ese lado es muy versátil nuestro primer álbum.

¿Alguna anécdota del proceso de grabación?

Durante el proceso de grabación estaban las mezclas realizadas, todas las tomas hechas y de repente a Seba se le ocurrió REGRABAR TODAS LAS VOCES!!!!!! nos queríamos matar, pero a su vez sabíamos que el quería superarse y por eso aceptamos.

La salida del disco se demoró un poco, pero más que conformes con el producto final.

¿Cómo se ven como grupo de acá a 10 años?

Soñamos en grande, porque soñar no lo puede impedir NADA NI NADIE. Por ende, en 10 años queremos ser una influencia para aquellos que recién estén arrancando, queremos ser un modelo, un ejemplo y no parar de tocar nunca.

¿Qué nos pueden adelantar de su próximo show en Liverpool Bar?

Va a ser un show hermoso. Nos vamos a dar el lujo de volver a hacer un set acústico que no podemos hacer hace bastante, lista completa y algún que otro cover para endulzar al público. No nos olvidemos que cae en una fecha festiva, tal vez haya algún que otro regalo de navidad por parte de la banda para el público….

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Entrevista a Atropello Carregal

Gonzalo “Pollo” Fernandez, cantante y guitarrista de Atropello Carregal, banda que este sábado 8 de diciembre  estará  presentando en Beatflow  (Av. Córdoba 5509, CABA) su último EP “Que Paso Algo” y dos videoclips, nos brindó esta entrevista en la que nos cuentan sobre su evolución y su presente.

La banda suena muy bien. ¿Qué sienten que los diferencia de otras bandas de la actualidad?

No sé exactamente qué nos diferencia, hemos andado mucho tiempo buscando una identidad musical que creo que hoy hemos encontrado. Durante mucho tiempo nos emparentaban con otras bandas automáticamente, bandas que claramente nos habían influenciado, pero a las cuales no queríamos parecernos y no sabíamos cómo hacer. La comparación siempre está porque es una forma de “medir” algo nuevo, pero hace rato que la gente que nos escucha por primera vez nos relaciona con bandas que no tienen mucho que ver una con otra, creo que eso nos da la pauta de que estamos haciendo algo cuanto menos difícil de catalogar. Eso lo tomo como un logro, algo que refleja que estamos teniendo nuestra propia identidad. Por otro lado somos una banda que intenta no salirse del formato “canción”. Tratamos de no irnos por las ramas cuando hacemos un tema, evitamos lo más que podemos caer en lugares comunes en las letras o en frases hechas, si bien nuestra raíz es rockera nos damos el gusto de tocar cumbias o cosas medio folclóricas, algunas otras cosas tiradas para el lado afro (desde lo rítmico). Quizás sea toda esta búsqueda la que da como resultado algo distinto a otras bandas de la actualidad. De todos modos me gustaría resaltar que la escena actual es super rica y variada, y está repleto de músicos y músicas impresionantes.

¿Qué sienten que distingue a su EP “Que Paso Algo” de sus trabajos anteriores?

Creo que ahora entendemos mejor desde el principio de la cadena de composición a dónde queremos ir con cada canción. Hay cada vez menos cosas libradas al azar, lo cual le da frescura a la ejecución porque estás convencido de lo que estás haciendo. También eso se nota en los vivos. Y creo que a nivel audio sobre todo en el último EP hay un salto de calidad, podemos ahora sacar sonidos más copados, “modernos” si se quiere. Pudimos romper con los sonidos “clásicos” de guitarras y bajos sobre todo. Ya lo habíamos logrado en nuestro último disco largo, pero con mucha colaboración de Lucas Gomez en ese momento (quien grabó y mezcló tanto “La moral…”-2014- y “Que pase algo” Ep 2017), que nos marcó un poco el camino que luego seguimos “solos”.

Pasaron 10 años del primer trabajo de la banda. ¿En qué sienten que evolucionó más la banda?

En lo musical hemos aprendido cómo es el trabajo de estudio, nos preocupamos mucho por ejecutar bien los instrumentos. Cuando no sos un virtuoso creo que es importante que te ocupes de tocar lo mejor posible a fuerza de ensayo y repetición. La tecnología nos acompañó en esta evolución, y nos permitió trabajar mejor las canciones y los arreglos, armar las lineas de voces, guitarras y bajos con mejor criterio. Con una compu y una placa podes emular muy fielmente todo lo que vas a hacer luego dentro de un estudio de grabación “profesional”, y obviamente hay cosas que se pueden dejar grabadas en forma definitiva también. Después hay muchas cuestiones extramusicales en las que hemos mejorado, como la comunicación, el laburo de producción en cada fecha, todo lo que acompaña a lo musical lo llevamos de manera mucho más orgánica que al comienzo.

¿Para cuándo se viene un nuevo disco de larga duración de Atropello Carregal?

El año que viene va haber nuevas canciones, esperamos para los primeros meses. De todos modos no será disco, vamos a seguir por el camino de los singles y EPs porque nos resultó una mejor manera de encarar el material nuevo. Nos da tiempo para laburar a fondo los temas y de generar material audio visual para acompañarlo sobre todo en YouTube, pero también para la redes en general es mejor que las canciones lleven video.

¿Qué nos pueden adelantar de su presentación en Beatflow?

Va a ser la despedida de este show que se fue armando a lo largo de este año, un show compacto de un tema tras de otro, pero esta vez con algunos invitados vamos a tener a Charly Velrio de Los Mutantes del Paraná y le vamos a pedir prestado el violero a De La Gran Piñata! Va a ser una lindo cierre de año.

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Entrevista a Fede Fontenla

Fede Fontenla, músico que acaba de lanzar su primer disco solista “La Estanca Luz” y está próximo a presentarse el 13 de diciembre en Liverpool Bar (Arévalo 1376, Palermo, CABA), nos brindó esta entrevista en la que nos cuenta su historia y su presente.

Contanos tu historia ¿Cómo empezaste tu carrera en la música?

Arranca como la de casi todos, amigos de la secundaria que querían armar una banda. La diferencia es que yo no sabia tocar ningún instrumento, y ahí faltaba un bajista. Entonces compre un bajo roto, me costo 30 pesos, lo arreglamos con mi hermano y ahí empece a tocar. Supuse que era mas fácil porque solo tenia que tocar una nota por vez jaja.

Con el tiempo fui interesandome mas por guitarra, y de poco le fui dando mas tiempo a eso.

Incluso en la banda nadie cantaba, y yo empece a cantar. Fue un mutuo descubrimiento, mientras mas tiempo le dedicaba a eso, mas me interesa la composición, las armonías, la creación de una canción, de sentir una valcula de escapa la música que te salva a veces de los ruidos absurdos que se te cruzan por la cabeza.

Al tiempo ya estaba con profesor de guitarra, después de piano, después escuela de música, integre varias bandas, creaba canciones, cantaba. Y entendí que ahí estaba yo, y que ese era mi lugar en el mundo, un tipo que con canciones quería generar algo en el otro.

Tu primer disco toca diferentes géneros ¿Cuales consideras tus principales influencias?

Las influencias uno no las elige, es casi como la familia, no se lleva en la sangre pero se nos va tatuando en la piel sin darnos cuenta. Esto lo digo porque tuve la suerte de escuchar una gran cantidad de artistas de géneros muy variados. Desde Piazzolla hasta Atahualpa Yupanki, pasando por los Beatles, la bossa nova, Ella Fitzerald, el blues de John Mayer. Y la lista podría volverse casi infinta. Pero la verdad que en mis años de adolescencia, hubo una conexión muy especial primero con Charly Garcia, mas tarde con el Flaco Spinetta. Que definitivamente me marcaron mucho. También Fito Paez fue un músico que incluso vivi muy de cerca porque cuando mas me acerque a la música, era el que estaba explotando por todos lados.

Esa música esta impreganada en mis canciones indudablemente, y yo creo que uno de ahí no se puede escapar, al menos si quiere ser genuino tiene que perder prejuicios. Si me dicen tu voz es parecida a la de Pedro Aznar, a la de Cerati, a la del Flaco, y bueno, la gente necesita tener su referencia, y no esta mal. Para mi es un halago que al escucharme piensen en esos tremendos artistas.

¿Cómo fue el proceso de grabación de “La Estanca Luz”? ¿Qué es lo que más destacas del disco?

El proceso fue bastante sencillo. Nos juntamos en febrero con mi productor musical, hermano de la vida, Emiliano Di Nardo. Él acababa de terminar de hacer un disco de temas del rock argentino con arreglos muy complejos, pero había quedado sencillamente hermoso. Cuando lo escuché me estimuló a que me diera una mano a poder avanzar con mi tan burocrática duda de plasmar mis canciones o no en la nube virtual. Hasta que nos pusimos de acuerdo en minutos. Queríamos hacer un disco como los de antes, chico, de no mas de 10 canciones, que llevara un esencia que es en definitiva su concepto, pero a la vez con un lema muy clara: que gane la canción. Quise alejarme de todo narcisismo. Yo tenia maqueteada todas las canciones desde hacia mucho tiempo, pero le pedí reformular todo, y rescatar lo mejor de cada cosa. Necesitaba alejarme de ese material que tantos años me venia acompañando. Y así fue, elegimos las canciones, las maqueteamos como referencia para los músicos, y empezamos con la grabación músico a músico. Ibamos viendo detenidamente que la canción fuera creciendo con el aporte de cada instrumento. Y eso nos daba mucha felicidad. Somos 15 músicos que trabajamos en el disco, de muy distinto genero, con sonidos totalmente contrapuestos. Desde el sonido eléctrico y sintetizado (con programaciones arranca el disco) hasta sonidos orgánico, como un cuarteto de cuerdas (así termina el disco).

Si tuviera que destacar algo seria que definitivamente son canciones que sobrevivieron al paso del tiempo, porque son canciones sinceras, que aun hoy me emocionan.

¿Qué opinas de la escena musical actual? ¿Con qué otros artistas te gustaría compartir escenario?

Nunca fue fácil en argentina sobrevivir con el arte. Es una tarea heroica. Por eso veo mucho amor en los artistas emergentes y los que han logrado traspasar las barreras que me apasiona. Hay mucho talento, siempre lo hubo, con mayor o menor suerte. Hoy todo cambio, esto todo al alcance de las manos, pero a la vez hay mucha oferta. Eso marea un poco a la gente, mucha información, poca posibilidades de difundirse de manera independiente, y poco tiempo para profundizar en las canciones. Todo pasa muy deprisa. Sin embargo, este es un ejercicio que depende de cada uno de nosotros. Yo permanentemente intento encontrar artistas que me trasmitan algo, que me emocionen, o que me sorprendan.

Artistas son muchos, de los emergentes, me encanta Daniela Spalla, que ahora esta viviendo en México, Lucas & the Woods, Hipnótica. No sé, muchos y muy variados.

¿Qué nos podes adelantar de tu presentación en Liverpool Bar?

La idea, es hacer versiones acústicas de los temas del disco, una versión bien intimista, que desnuda mi relación con la canción, porque así nacen, con una guitarra con un piano. Así que voy a buscar eso, el corazón de la canción.

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Entrevista a Doctor Brown

En la antesala de su show electroacústico en el Teatro Sony (José A. Cabrera 6027, CABA) el próximo 9/12, Doctor Brown nos brinda esta entrevista en la cual nos cuentan sobre su disco en vivo lanzado hace poco tiempo y sobre su presente.

Siempre nos interesa saber cómo eligen el nombre de su banda. ¿Cuentennos la historia de por qué eligieron a “Doctor Brown” como nombre?

Elegimos “Doctor Brown” como nombre de la banda porque nos resultó copado recordar al “Doc” Emmett Brown, un personaje conocido y querido por un montón de gente. Al momento de pensar cómo íbamos a llamar a la banda (allá por 2006) una de nuestras películas preferidas era “Volver al futuro”, y todavía la seguimos valorando como una gran película, que es un placer mirar y disfrutar de nuevo.

La banda ya cumple más de 10 años de trayectoria. ¿Qué fue en lo que más crecieron como grupo?

En este tiempo que tenemos de trayectoria, una de las cosas en las que más crecimos es en la responsabilidad con que nos tomamos lo relacionado con la banda. Justamente, fuimos tratando de aportarle más tiempo y más laburo, sobre todo porque es lo que nos gusta, y el aporte de cada uno termina confluyendo en el paso a paso de todo el grupo. Cuando uno nota los resultados que eso da, es la mejor sensación que hay.

Con sólo dos discos en su haber, sacan ahora un álbum en vivo cuando muchos grupos tardan un poco más. ¿Qué sienten que logra capturar “Sintiéndome Vivo”?

“Sintiéndome vivo” logra capturar dos cosas: por un lado, lo que somos cuando nos subimos al escenario, y por otro lado, todo lo que el público pone de sí mismo para hacer realidad el recital. El vivo es nuestro momento de más motivación, porque ese laburo que venimos haciendo en cada ensayo, desde hace tiempo, se juega justamente ahí. Tratamos de dar la mejor versión de cada uno, y quisimos que quede registrado tanto en audio como en video.

¿Para cuando un nuevo disco de estudio de Doctor Brown?

El 2019 va a ser un año en que avancemos con algunas canciones que ya compusimos (y que hace falta pulir) y en canciones nuevas. Una vez que tengamos pulidos esos temas, listos para grabarlos en estudio, va a llegar el momento de elegir el mejor formato para darles, sobre todo teniendo en cuenta que ahora el streaming y las plataformas digitales son la manera masiva en que se escucha música y en que las bandas independientes se dan a conocer.

¿Qué nos pueden adelantar de su presentación en “Teatro Sony”?
¿Por qué decidieron hacer un show electroacústico?

Nos motiva mucho la idea de presentar nuestros temas de una manera distinta a lo que veníamos haciendo, y por eso creemos que un show electro-acústico es la mejor opción para conseguir eso. Esperamos que la parte propiamente musical se pueda apreciar de una manera más nítida. Sobre el recital podemos adelantar que vamos a agregar instrumentos invitados para que se luzcan más las versiones electro acústicas, y que en la lista de temas habrá algunos que hace mucho no hacemos, más algunos covers del rock nacional.

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Entrevista a Vito Martino & Los Inolvidables

Vito Martino & Los Inolvidables, banda reconocida en  el programa “Rock del País”, que lanzó recientemente su segundo disco titulado “Real”, nos brindó la siguiente entrevista donde nos cuentan sobre su presente.

Para quienes todavía no los conocen ¿Cómo se presentarían para llamar la atención y los empiecen a escuchar?

Hola! Somos Vito Martino & Los Inolvidables y tenemos las mejores canciones del condado, pasen y escuchen.

¿Qué es lo que más destacan de su reciente disco, “Real”? ¿Qué sienten que lo distingue de su álbum debut?

Las canciones y su variedad, que hace que los shows sean divertidos y muestra también la versatilidad de la banda. También la producción, que estuvo a cargo de la banda. Estamos muy contentos!

¿Cómo fue la experiencia de grabar con Jorge Serrano de Los Auténticos Decadentes?

Que el señor de la Melodía elija tu canción es de las mejores cosas que nos pasó en la carrera y confirma el camino. Jorge está ahí con Andrés, Fito y nuestros grandes, lo vemos en ese marco. Felices de tenerlo en nuestro disco.

¿Qué sintieron al compartir escenario con La Beriso y Estelares? ¿Con qué otros artistas les gustaría tocar?

Ambos tienen grandes canciones, los miramos y aprendemos. Disfrutamos mucho del cruce con colegas, eso fue de lo más interesante del Cosquín Rock, por ejemplo.

¿Cuáles son sus próximos proyectos a futuro?

Estamos trabajando en una gira por México a comienzos de año y luego nos tendrán por Buenos Aires seguramente.

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Entrevista a Psicarios

Psicarios, banda que recientemente acaba de lanzar dos nuevos sencillos,  “Tu Mundo” y “Paranoia Predilección” ,  en la antesala de su presentación este domingo 25/11 en El Club Bar (Honduras 5028, CABA), nos brindan esta entrevista en la que nos cuentan su historia.

Cuéntennos su historia ¿Cómo fue que nació Psicarios?

Psicarios comienza en el año 2015 como iniciativa de Martin Gaeta y Pablo Monzon (ambos cantantes, bajo y guitarra respectivamente). Si bien en los comienzos surgió como un proyecto con tintes rockeros, durante el transcurso de la búsqueda compositiva musical el mismo tomó esta perspectiva “Indie Pop” que hoy por hoy nos caracteriza. Inicialmente, la formación fue de voces, bajo, guitarra y batería con el complemento de pistas con bases electrónicas que conformaron el sonido de la banda y por sobre todo la representación en vivo del primer disco “Electroparafernalia”. El mismo fue un renacimiento de la banda a nivel musical ya que durante su creación surgieron influencias del pop de los 80 que es una década que actualmente transita un gran “revival” a nivel internacional.  Posteriormente, a fines del 2017, tuve la oportunidad de sumarme al grupo como tecladista. Me convocó Martin, con el objetivo de sumar teclados y un componente más humano a toda esta “Parafernalia”. Éramos viejos amigos de la infancia, habíamos vivido en el mismo barrio y por muchos años nos dedicamos a la música por caminos separados. Yo regresaba de un viaje del exterior con muchas ganas de arrancar un nuevo proyecto. Cuando escuché el disco Electroparafernalia no tuve dudas de que esta era “la banda” y el proyecto que estaba buscando. Este año se incorporó Alan D´Auría quien además de ser el más joven del grupo es un gran baterista.

Tienen un sonido que por momentos se remite a Soda Stereo, pero no se encasillan y toman otras influencias. ¿En base a qué artistas piensan que definieron su estilo?

Nuestras influencias son muy amplias. En nuestros albores como músicos pasamos desde la música clásica, jazz, funk, hasta el rock, que es el estilo que nos venía definiendo en los comienzos de Psicarios. Tenemos a los Beatles como banda honorifica de referencia. Algunos de nosotros más fans que otros, pero todos coincidimos en la grandeza musical de esta gran banda y por sobre todo ponderamos el maravilloso ensamble a nivel vocal que esta propone. Posteriormente surgieron influencias de bandas como The Killers, Daft Punk, Muse, Imagine Dragons entre muchas otras.

¿Qué destacan de “Tu Mundo” y “Paranoia Predilección” respecto de su disco previo?

Existen muchas similitudes y aspectos innovadores a la vez. La esencia que quisimos conservar es la de la “Canción”, con ritmos grooveros y pegadizos apuntando a un público de todos los tiempos. El aspecto más llamativo de los nuevos temas es que fueron masterizados en 432, que es la afinación que se utilizaba en la época previa a la segunda guerra mundial. Se dice que esta frecuencia esta está en conexión con la naturaleza y el universo con lo cual recomendamos a todos los lectores que puedan escuchar esta nueva tendencia que proponemos con Psicarios. La grabación a su vez fue un gran logro. Para mí fue el primer trabajo en estudio compartido con los chicos, el cual fue una experiencia muy positiva y motivadora a nivel personal y profesional.

¿Cómo fue la experiencia de trabajar con Hernán DeMicelli como productor?

Fue una gran experiencia en la cual sentimos que nos enriquecimos musicalmente y logramos el objetivo pensado para cada tema. Hernán es un gran productor, además de ser un gran músico, muy versátil, crítico y detallista a la hora de grabar. Creo que el resultado de estos dos nuevos temas superó ampliamente nuestras expectativas. Fue un gran placer trabajar con Hernán y luego compartir escenario en nuestra última fecha en sala Sirhan, en donde nos acompañó como artista invitado.

¿Qué nos pueden adelantar de su próxima presentación en “Club Bar”?

En el próximo show del 25 de Noviembre, presentaremos como siempre nuestro disco y 3 temas nuevos de los cuales uno de ellos no está grabado aún, con lo cual es una novedad para todos. Tendremos artistas invitados y sorpresas para todos aquellos que nos siguen por las redes sociales. Ya pusimos en marcha un juego el día de hoy, en el cual se sorteran unas muy buenas placas de películas y cervezas free para el día del show. ¡Les recomendamos que participen ya mismo y no se lo pierdan!

¿Cuáles son sus próximos proyectos a futuro?

Luego del show del Domingo 25 de noviembre a las 21 hs., planificaremos nuestra gira de verano. Si bien seguiremos tocando dentro de la provincia tenemos planes para un circuito costero y porque no al interior del país. Seguiremos componiendo nuevas canciones con mucha empatía con el público que nos sigue, que es lo que más nos motiva a seguir creciendo.

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Entrevista a Prusia

La banda de Rock Instrumental, Prusia, se presenta ante nosotros en esta entrevista en la cual nos cuentan su historia y sobre el lanzamiento de su primer disco larga duración “Las Uniones Posibles”.

Cuentennos de ustedes ¿Cómo nació Prusia?

Nació de un encuentro muy azaroso en las calles de Padua, en el conurbano bonaerense, donde nos conocimos Roa, Fabris y yo (Catriel). Luego de cruzarnos varias veces y de charlar sobre música que nos gustaba. La primera vez nos encontramos solo para improvisar un rato, pero luego decidimos continuar con esos encuentros pero “sin compromisos”. Fabris en realidad tocaba la guitarra, pero decidió empezar con la batería. Y bueno Roa el bajo y yo la guitarra eléctrica.

Después de algunas juntadas simplemente dejamos que siga y empezamos a tocar en lugares. Nuestra primera fecha fue en una plaza mítica de Morón en un evento contra el gatillo fácil. Quizás de alguna manera esa primera fecha haya marcado el resto de nuestras tocadas en vivo.

Con el tiempo sacamos tres EPs que forman una especie de trilogía (Vol I, Vol II, y Vol III) y sentimos que tras cada disco avanzamos un poco más en nuestra forma de tocar, pensar la música y grabarla.

Para nuestro primer disco o LP comenzamos a ensayar y componer ya con Fer J. en el sinte y samples. Definitivamente eso fue fundamental para componer los nuevos temas ya que agregar una nueva paleta de sonoridades le dio un vuelco a lo que estábamos haciendo hasta el momento.

¿Qué sienten que los distingue frente a otros grupos de Rock instrumental?

No sabemos si hay algo puntual que nos diferencie del resto de las bandas instrumentales. Todas las bandas que llevan un tiempo tocando sean o no instrumentales tienden a tener su propio estilo. Lo que sí podemos ver es que las bandas actuales quizás se vuelvan un poco genéricas, es decir que tocan un estilo en particular, ya sea math rock, post rock, progresivo, stonner, etc. Si bien somos un poco deudores de esos géneros, nos interesa explorar distintas variables musicales y sonoras y no tanto imitar directamente un género, por eso suele ser difícil responder a la pregunta de “a qué música se parecen?”… En todo caso nos interesan las sonoridades, la mezcla que se da entre nuestros instrumentos y entre las referencias, engañar un poco el oído o invertir los roles esperables en cada instrumento, jugar con las expectativas y lo predecible e impredecible. Claro que son cosas que nos llevan mucho tiempo entender y digerir y que no se resuelven solo tocando o ensayando, sino también conversando y compartiendo tiempo juntos.

La banda suena bien instrumentalmente ¿Nunca pensaron en agregar un vocalista?

No. En todo caso si agregaramos un vocalista no sería para hacer canciones ya que lo que hacemos se aleja de eso, sino quizás para que construya desde el mismo lugar que nosotros como un instrumento más y no como sucede normalmente en las canciones donde el foco de atención está puesto primero en el o la cantante y luego en la banda.

¿Qué sensaciones les deja su reciente disco “Las uniones posibles”? ¿Qué es lo que más destacan del mismo?

De mucha satisfacción y aprendizaje. Lo que más destacamos es el proceso de grabación el antes y el durante, al ser nuestro primer disco largo hablamos mucho al respecto. Queríamos entender cómo construirlo y desde qué lugar. El disco tiene mucho de esas conversaciones, de las charlas durante los viajes hacia el estudio Mikrokosmos de Fer J, conversaciones sobre música, nuestras influencias y gente que admiramos, política, filosofía, nuestrxs amigxs y la música que hacen, lo que nos gusta y lo que no. Un poco el disco es la unión de todos esos retazos y segmentos que entran en relación, colisionan entre sí y dan como resultado el trabajamos que hicimos. Por otro lado, creemos que el aspecto visual del disco es también muy importante, contactamos gente amiga que nos gustaba como trabajaba, tanto para la portada como para el diseño de la edición física, además nosotros mismos salimos a sacar fotos con una cámara analógica a capturar momentos que podían relacionarse con los tracks… en definitiva “Las uniones posibles” tiene mucho de lo extra musical.

¿Cuáles son los próximos proyectos de la banda?

Estamos pensando en viajar a algunas provincias y armar una suerte de tour veraniego, además de seguir tocando y ensayando.

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Entrevista a Ismo de las Fauces

Lucas Bustos, integrante de la banda Ismo de las Fauces, nos brindó está entrevista en la cual nos cuenta la historia del grupo, sobre el lanzamiento de su segundo disco “Emerger” y sobre su próxima presentación en Originarte este sábado 17/11 (Paso 17, Quilmes).

Cuéntennos su historia ¿Cómo fue que nació Ismo de las fauces?

Ismo de las Fauces nace en 2014 por iniciativa mía, con la idea de llevar adelante las composiciones que forman parte del primer álbum. Sin demasiadas complicaciones, formé la etapa inicial de la banda junto a tres músicos brillantes: Augusto Vega (guitarra), Gonzalo Miñana (batería) y Matías López (bajo). Ese grupo atravesó el período de gestación y grabación del disco.

Desde el comienzo, el objetivo fue concretar aquella primera placa. Mientras tanto, tocamos en varios lugares de Capital Federal y GBA. Tras finalizar el disco, atravesamos cambios de miembros. Entraron Isaías Bisio (batería) y Agustín Velurtas (bajo). Con esta formación grabamos el segundo disco, de reciente aparición, “Emerger”.

Hoy, para defender las nuevas canciones en escena, la banda está compuesta por Augusto Vega (guitarra), Agustín Velurtas (bajo), Pablo Jimenez (batería) y yo, Lucas Bustos (voz y sintetizadores).

Tienen un sonido que por momentos se remite a Spinetta, pero no se encasillan y toman otras influencias. ¿En base a qué artistas piensan que definieron su estilo?

Creo que toda la música que escuchamos nos fue moldeando, y por lo tanto moldeando lo que tocamos. Creo que Radiohead, creo que Charly Garcia, Fito Páez  (quitando a Spinetta que bien lo mencionaste) entre los artistas relacionados al rock. Sin embargo no puedo obviar cancionistas de otros géneros…como Carnota, Jobim, Chico Buarque, Juan Quintero. Al final, toda la música que escuchamos nos modifica, y la variedad de música que escuchamos es muy amplia.

Como compositor de los temas creo, también, que las influencias trascienden la disciplina musical. La literatura, el cine, las series. Hacer canciones siempre implica atravesar dos órdenes artísticos: el musical y el literario.

¿Qué destacan de “Emerger” respecto de su disco previo?

Hay varias diferencias: desde la manera de grabar (el disco anterior fue grabado instrumento por instrumento, en este tocamos en vivo todo lo que pudimos) hasta el modo de composición. Lo que me abrió distintos panoramas a la hora de encarar una canción fue el taller de composición que hice con Edgardo Cardozo en 2016. El me transmitió una forma de crear mucho más relacionada al aspecto comunicativo: entender que el contexto musical en que se desarrolla una letra es tan importante para comunicar como el contenido de la letra misma. Eso, a su vez, me llevó a buscar mejoras en la dicción como cantante, a dejar dicho lo que se canta con la mayor claridad posible. Por otro lado, el hecho de que la ejecución de la batería y el bajo no sea realizada por las mismas personas que en el primer disco también genera otras perspectivas. Sin embargo, luego de escuchar “Emerger” descubrí que los dos discos están mucho más emparentados en sonoridad y temática de lo que pensaba.

¿Cómo fue la experiencia de trabajar con Amilcar Gilabert como productor?

Fue un gran aprendizaje. Al momento de encontrar el sonido del álbum, resultó vital la presencia de Amílcar.

Es curioso como su rol de productor musical se desarrolla desde la consola, y no sobre las canciones en aspectos técnicos de la música. Amilcar hizo lo que más sabe, la ingeniería en sonido del disco, y desde ese lugar nos generó una perspectiva de trabajo muy dinámica. Desde el primer momento nos dejó en claro que la música, al ser del plano subjetivo, no tiene que ser otra cosa que lo que nos represente genuinamente. Nos persuadió de la importancia de captar a la banda tocando el vivo de modo natural, sin demasiado arreglo ni retoque de post-producción. Grabar todos juntos, tocar de la manera en que estamos acostumbrados para lograr una ejecución relajada. Encontrar el lugar para las voces al frente, darle a las letras la importancia que demandan. Intentar ser fieles a un sonido que luego pueda llevarse al vivo. Así que Amilcar modificó nuestra manera de trabajar de esos encuentros en adelante.

¿Qué nos pueden adelantar de su próxima presentación en “Originarte”?

La presentación del disco va a ser, además, la inauguración de un nuevo formato para nuestros vivos. Buscamos trazar, desde una propuesta interdisciplinar que reúne fotografía, teatro y música, el universo que comprende “Emerger”. Todo eso cuidando la horizontalidad y el diálogo de los lenguajes. La idea es que la fotografía y el teatro no funcionen como un adorno de la banda. Si bien la música va a hilvanar el espectáculo, los lenguajes que se apropien del primer plano van a ir cambiando sus posiciones, conversando entre sí. Buscamos proponer un concierto en formato de show íntegro, romper con los espacios que se establecen tácitamente cada vez que toca una banda. Así que nos preparamos con mucho entusiasmo, una expectativa enorme y trabajando la contundencia escénica, el porqué de cada cosa que ocurra.

¿Cuáles son sus próximos proyectos a futuro?

En principio, el show del 17 de noviembre en Fundación Originarte de Quilmes va a tener un registro audiovisual. También existen canciones nuevas, la propuesta de otra presentación del disco el año que viene y la idea de lanzarlo en formato físico (por ahora solo está en Spotify, Bandcamp y Youtube). Planes inmediatos hay muchos; trabajo por hacer, también.

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Entrevista a Juan Rosasco en Banda

Juan Rosasco en Banda, un grupo en pleno auge, recientemente lanzó su EP “Niebla de otoño”, y para coronarlo se estarán presentando este jueves 15/11 en La Tangente (Honduras 5317, CABA). Todo lo demás en la siguiente entrevista.

Para quienes todavía no tuvieron el gusto de conocerlos ¿Cómo se presentarían para llamarles la atención?

Siempre decimos para los que no nos conocen que lo que hacemos son canciones con fuertes influencias de nuestro Rock Nacional, influencias como por ejemplo Charly Garcia, Fito Paez, Spinetta, Los Tipitos, etc. Trabajamos mucho en las letras, para nosotros es importante que el arte lleve consigo algún tipo de “mensaje”, creemos por supuesto que somos también comunicadores y respetamos infinitamente el valor de la Palabra.

La banda ya tiene varios años de trayectoria ¿Qué piensan que fue en lo que más crecieron a lo largo de los años?

Creo que son muchos los puntos en lo que hemos crecido. Creo que aprendimos a convivir con mucho amor entre nosotros, aprendimos a producir y lo que significa la producción de un tema y de un disco en sí mismo, también creo que aprendimos un poco más a tolerar las diferencias del “otro”, y creo que lo más importante, aprendimos a disfrutar de lo que hacemos sin pedir nada, o casi nada a cambio. Aprender a disfrutar de lo que amas en este horrible mundo que siempre va para el lado contrario al del amor.

Pese a que “Niebla de otoño” es un EP de solo 3 canciones, ¿Qué es lo que más destacan del mismo?

Nos encanta Niebla de otoño en todo sentido, amamos profundamente a los tres temas y estamos muy orgullosos de como ha quedado el producto al final de todo el laburo. La producción de Willy Piancioli nos parece como siempre BRILLANTE, y nos encanta mucho trabajar con él.

¿Cómo fue la experiencia de trabajar con Willi Piancioli de Los Tipitos como productor?

Justamente como recién decía trabajar con Willy nos encanta porque es un tipo que sabe mucho de producción y obviamente es un tremendo compositor de canciones. Tiene todo muy claro a la hora de producir y nos enseñó también a disfrutar del camino y a ponerle garra y muchas ganas a lo que hacemos.

Hablennos de “Hipnosis”, tema con el cual ganaron popularidad, ¿Qué opinan de que mucha gente los empezó a conocer porque lo transmitieron en “6-7-8”?

Hipnosis es un tema absolutamente trascendental para nosotros, y por su puesto nos abrió puertas más que importantes que antes nos costaba un poco abrir. El hecho de que haya sido cortina de 678 fue para nosotros MUY especial y estamos y estaremos siempre muy orgullosos de eso.

¿Qué nos pueden contar de su próxima presentación en “la Tangente”?

Estamos esperando la fecha de La Tangente con mucha ansiedad y con muchas ganas, es un lugar que nos encanta y esta va a ser la segunda vez que tocamos ahí! El jueves vamos a tener invitados muy especiales, por supuesto grandes amigos, vamos a recorrer temas de todos nuestros discos, obviamente también incluyendo los tres temas de nuevo EP “Niebla de otoño”.

Seguí a Juan  Rosasco en Banda en sus Redes:

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Entrevista a Lucas Guinart y Los Ciclistas

Con su disco debut recientemente lanzado, titulado “Crónicas del Hombre Nuevo”, y en la antesala de su presentación en La Tangente (Honduras 5317, CABA) el 15/11 a las 21hs, Lucas Guinart y los Ciclistas  nos cuentan su historia en la siguiente entrevista.

Para quienes todavía no conocen su disco “Crónicas del hombre nuevo” ¿Cómo lo presentarían en pocas palabras y qué les dirían para que los empiecen a escuchar?

“Crónicas del Hombre Nuevo” de Lucas Guinart y Lxs Ciclistas es un disco de canciones de rock en castellano. Es bien ecléctico y te sorprende canción a canción. Una de las premisas de trabajo en la composición y producción del disco fue dejar que el estilo de cada canción se revelara por sí solo y así fue. Te invita a escucharlo completo y a volver a él. Las letras y el mensaje tienen mucho peso en la propuesta y es uno de los hilos conductores a lo largo de las 8 canciones que componen el disco. Voces bien al frente y estribillos para cantar marcan el estilo general.

¿Cuáles definirían como sus principales influencias?

Intentamos recuperar o incluirnos en la tradición del rock nacional en la vertiente marcada por Spinetta, Seru Girán, Soda Stereo entre otros. Hay pasajes bien cancioneros y otros que podríamos decir que son más progresivos con climas y synthes creando atmósferas. Todo esto sumado al intento de dejar nuestra propia impronta, formación y experiencias de vida.

 ¿Qué sensaciones les deja su primer disco “Crónicas del hombre nuevo”?

“Crónicas…” nos deja una sensación de plenitud, como disco debut del proyecto tiene todo los cuidados y detalles que se pretendían. También la sensación de alegría de haber trabajado con Juan Rosasco en Banda que tiene mucho que ver en que esto hoy en día esté funcionando. No podríamos pedir más. Ahora viene el tiempo de tocarlo en vivo y que crezca y se difunda.

¿Alguna anécdota para contarnos del proceso de grabación?

En el tema “Hombre Nuevo” teníamos que terminar con un coro con muchas voces, reverb así tipo cancha, así que metimos a todos los que estábamos en el estudio a cantar al mismo tiempo. El momento quedó registrado en video. Esto y otros clips de cómo se grabó el disco lo pueden encontrar en el canal de Youtube de la banda. Hay varias de esas, bromas, risas y mucha música.

¿Qué nos pueden adelantar de su próxima presentación en “La Tangente”?

La presentación del 15 de noviembre en La Tangente es un broche de oro para todo este año de presentación del disco. Vamos a compartir la fecha con Juan Rosasco en Banda y la verdad es que no se puede pedir más. Como siempre en nuestros shows le ponemos especial atención a que el público disfrute de un muy buen sonido y pueda apreciar no sólo la música sino que también las letras. Las voces son centrales más cuando tenés algo para decir. El show va a incluir los temas del disco más alguna que otra sorpresa que esperamos les guste.

Más info sobre la banda en sus Redes Sociales:

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Entrevista a Gabriel Taborda All Show

Gabriel Taborda y su grupo, una banda con varios años de trayectoria presentandose haciendo covers y rindiendo tributos a grandes artistas de los cincuenta y sesenta, hace poco lanzó su primer disco integrado por composiciones propias titulado Entre las cuerdas. Y en esta nota nos cuentan sobre ellos y su reciente lanzamiento.

¿Cómo nació “Gabriel Taborda All Show”? ¿Gabriel, cómo llegaron a la elección de tu nombre para el grupo?

Siempre fui muy de la idea de utilizar nombre de banda, muy de ese gusto porque la mayoría de los artistas que adoro se lanzaron en bandas y con el tiempo,  recién ahí se hicieron solistas pero en este caso tanto Laura Romero (mi señora y miembro de la banda) como uno de mis mejores amigos Pedro Pino que siempre me dio una mano con la parte publicitaria me aconsejaron enfáticamente que utilizáramos mi nombre esta vez. Ya habíamos estado en bandas anteriores con cada integrante, con Ricardo Mielgo (bajo) en los Poppy Floppy alla en los 80 y American Graffitti en los 90, banda esta útima que contaba con un baterista de reemplazo Lucas Muiño, que ahora es nuestro motor rítmico titular, y con Laura Romero es con la que prácticamente iniciamos juntos este proyecto en el que estamos y uno anterior hace unos cuantos años ya, ambos dentro de este siglo.

Luego de más de 10 años de de homenajes en vivo llega su primer disco de composiciones propias ¿Por qué tardó tanto tiempo en llegar?

Porque no eramos de grabar mucho, sino mas de tocar en vivo porque nos dejaba más conformes con el resultado que lográbamos, pero como todo, es hasta tanto encontramos la horma de nuestro zapato, las personas que le den al disco esas dinámicas que tanto trabajamos para las presentaciones. En este caso Marcelo Gros de La Plaza Records es quien mezclo el disco y post produjo y Alex Wharton de Abbey Road el que lo Masterizó. Algunas de las canciones del disco ya las veníamos tocando en algunos shows, es que todas fueron escritas en distintas épocas.

¿Qué es lo que más les gusta de su primer disco? ¿Cómo fue la experiencia de masterización en Abbey Road?

Lo que mas me gusta son 3 cosas: el concepto sonoro, es tal cual lo que quisimos reflejar, el hecho de que es sin duda muy referencial a todos los cantantes y músicos que amamos, asi muchos ya no estén físicamente, y por último que abarca varios estilos, pero siempre con una columna central que es el Rock and Roll, que es como se estilaban antes los discos. Abbey Road tiene un sistema de masterización online, y lo utilizamos. Uno de mis mejores amigos Mariano De Marco (es la otra guitarra que grabó en el disco) me regaló la primera masterizacion y cuando escuchamos el resultado de mandarlo a Abbey Road, terminamos enviandoles todo el material salvo una canción que lo mandamos a Nashville.

Entre sus covers hay versiones de clásicos de bandas como The Kinks, que no son tan populares en Argentina. ¿Qué bandas debería escuchar más la gente según su opinión?.

Cada cual tiene que escuchar aquello que le guste y los músicos tenemos que hacer lo posible para que le guste al que escucha,  lo que podamos ofrecerle, y creo siempre fue asi, pero para ser creíbles uno tiene que estudiar a fondo los estilos que aborda y aprender todo lo que se precisa para que una música determinada llegue a la gente por intermedio de uno. Ahora bien, en ese aprender, sobreviene inmediatamente una idea, y es que probablemente por este sector del mundo no hayamos tenido un acceso real a todas aquellas bandas como para poder elegir que nos gustaba realmente y que no, por consiguiente, si vamos a tocar Beat, o R&B o Rock and Roll por ejemplo, que sea manteniendo lo cierto, la verdad, y The Kinks, The Who, The Animals, The Hollies, The Swinging Blue Jeans, The Searchers, Petula Clark, Cilla Black, Manfred Mann,  entre tantos otros son parte de la realidad del R&B ingles de 1ra mitad de los 60, son la verdad y nosotros por consiguiente tenemos que contarla lo mejor posible.

Siendo un grupo que le rinde homenaje a bandas y artistas de los cincuenta y sesenta ¿Qué opinan del Rock de Hoy en día?

En todas las épocas hay artistas más al gusto de uno y otros que no los son tanto, pero eso es anecdótico,  lo importante es la llegada que tengan con su público y eso resulta indiscutible. A mí en lo particular me gusta el rock que en algún punto tenga un anclaje en lo antiguo, lo clásico, pero te repito, son gustos, y sobre eso no hay debate posible.

¿Cuáles son los próximos pasos de la banda?

Seguir aprendiendo sobre todo, tratar de mejorar todo lo que nos sea posible, seguir con las presentaciones incluyendo algunas canciones del disco, y comenzar a buscar otro concepto sonoro para comenzar a barajar la posibilidad de grabar un próximo intento, pero eso lleva tiempo.

Visita a su sitio para más info sobre la banda:  www.gabrieltaborda.com

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Entrevista a Mafankeque

Desde Bahía Blanca llega Mafankeque, una banda con influencias del Funk que recientemente lanzó su primer corte de difusión “Como la espuma” y que que próximamente lanzará su primer disco. Toda su historia en la siguiente entrevista.

¿Cómo fue que nació la banda? ¿Por qué eligieron “Mafankeque” de nombre?

La banda dio su primer recital en Enero de 2016. Nació creada por Lisando Fernández Bugnest (voz, guitarra y composiciones) y fue mutando en formación a lo largo de los primeros años: empezamos siendo 10 (!!!) personas, con dos guitarras, coros y vientos, pero a medida que el proyecto fue tomando forma quedamos sólo 5: Licho, Diego Marcovecchio (teclados, quien te escribe), Joaquín Agesta (percusión), Emiliano Rodríguez (bajo) y Coco Catanese (batería). Nos fuimos conociendo todos en la sala de ensayo que armó Licho, con el objetivo de llevar adelante un proyecto musical (que se terminó materializando en Mafankeque).

El nombre surgió porque cuando estábamos grabando una de las primeras maquetas, surgió un comentario: “Está buena esta idea, pero le hace falta algo más funk……. más fankecoso….. más fankeque”!

¿Qué dirían que los distingue como banda desde el Funk?

A pesar de considerarnos una banda de funk, fusionamos mucho pop y rock al punto de que nos cuesta comparar nuestro sonido con el de otras bandas. Tenemos como referentes a grupos como Illia Kuryaki, Los Tetas, Lo’ Pibitos y Militantes del Climax, pero aún así nuestra música suena diferente y tiene nuestro propio condimento.

¿Qué es lo que más destacan de su primer corte de difusión “Como la espuma”?

Lo que consideramos más destacado de este primer corte es que llegó en una etapa de madurez de la banda: los primeros dos años fueron dedicados a composición y puesta en vivo, y a la hora de grabar llegamos lo suficientemente ajustados como para que los temas suenen propios y maduros. También es un lujo contar con el saxofonista invitado Raúl Soto para este corte.

¿Cómo es la movida musical en Bahía Blanca hoy en día? ¿Con qué otros grupos comparten circuitos?

La movida musical en Bahía Blanca es sorprendentemente grande para el tamaño de la ciudad (sólo 400.000 personas). Hay un circuito de bandas muy interesante y de muchos estilos diferentes. Lo predominante es el jazz, el rock y el punk, pero desde hace algunos años comenzó a haber un lugar para el funk con la aparición de distintos grupos esporádicos (Soto Band, Bahía Ska Jazz, Afroninja Fonk Project). En este momento considero que somos muy pocas las bandas estables de este género (funk-rock-pop) en la ciudad. En una escena como ésta (mucho más limitada que la de Buenos Aires, por ejemplo) es más difícil lograr tocar en vivo seguido (porque hay menos convocatoria), pero con trabajo duro también se pueden obtener cosas muy buenas, porque gracias a la constancia de estos dos años durante este 2018 tuvimos la chance de tocar en escenarios y festivales muy grandes, como el Movistar Fri Music junto a Ciro y los Persas, telonear a Lo’ Pibitos y abrir el Festival de la Primavera en Monte Hermoso.

¿Para cuándo un disco o un EP de la banda? ¿Cuáles son sus próximos proyectos?

Este viernes 2 de Noviembre vamos a estrenar un nuevo video en vivo, y nuestro primer disco va a salir la primera semana de Diciembre! Tenemos algunos shows pautados para fin de año, y después vamos a estar publicando videos nuevos durante el verano, para retomar los shows en vivo desde marzo del año que viene y con material nuevo.

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