Archivo de la categoría: Entrevistas

Entrevista a BUDA

Con un EP en su haber («Otro Lado»), varios singles ya lanzados y un nuevo disco en camino, Gero Sanchez, baterista de BUDA, nos cuenta un poco la historia de su grupo y nos anticipa lo que será su próxima presentación en La Trastienda el 10/11 a las 20hs.

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Entrevista a Awful Traffic

Awful Traffic, la banda de Rock instrumental proveniente de Mexico, nos brindó esta entrevista en la que nos cuentan su historia y sobre su último disco “El Viento Predice El Futuro”.

Awful Traffic

  • A: Adolfo
  • R: Ruben

¿Cómo fue que definieron el nombre de la banda?

A: El nombre se definió por un videojuego. En ese entonces estaba de moda Guitar Hero y una amiga mía llamada Luigina tenía en su modo carrera el nombre de Awful Traffic. Al ver y escuchar ese nombre hizo click en mí y le comenté a Rubén. Busqué Awful Traffic por todos lados para asegurarme de que nadie lo tuviera, ya que en ese entonces buscábamos nombre y la mayoría de ideas ya existían o ya estaban registradas. Al ver que nadie lo tenía fue como nos quedamos con él.

¿En qué creen que se diferencian de otras bandas instrumentales?

R: Llevamos tocando 10 años música instrumental y lo que realmente a conectado con la gente son las diversas emociones que te causa nuestra música. Awful Traffic es música que conecta con el alma.

A: Desde mi perspectiva, nuestra música tiene el poder de hacerte recordar un momento, una persona o un lugar. En cada persona puede ser muy diferente ese efecto y eso hace única cada interpretación que le dan a nuestra música.

La banda ya cumple más de 10 años de trayectoria. ¿En qué fue en lo que más creció Awful Traffic?

A: Hemos aprendido muchas cosas, realmente el objetivo siempre ha sido salir de nuestra zona de confort e ir por algo más allá. Cada año nos ha fortalecido y con el paso del tiempo hemos aprendido muchas cosas valiosas desde lo más básico a lo más complejo. Lo único que nunca va a caducar es la perseverancia. Nuestro estado es pequeño y hay grandes músicos pero nadie se ha atrevido a hacer lo que nosotros, la música de eso se trata de arriesgarse.

R: Ha madurado más allá de lo que hubiéramos imaginado. Cada vez los objetivos son más altos y estos 10 años son trabajo, esfuerzo y dedicación. Siempre hay nuevas oportunidades para crecer y aprender.

¿Alguna vez pensaron en incorporar un vocalista en el grupo?

R: Si y no, nuestra música siempre ha fluido sin necesidad de tratar de buscar una voz, pero si se llegó a pensar en nuestro subconsciente pero siempre estuvimos seguros del camino instrumental.

A: Creo que la música instrumental tiene más poder que una letra, ya que una letra te limita a una sola intención. El post rock es un viaje de emociones, recuerdos, vivencias que se adaptan a cada persona, creando una experiencia para cada individuo que la escucha.

¿Qué es lo que más destacan de su último disco “El Viento Predice El Futuro”?

A: El proceso para hacer este disco fue de lo más divertido, experimentamos con circuit bending en algunas canciones, el disco relata la historia de nuestros Álter Egos: el Lobo y el Oso. En este disco nos inspiramos en la cultura japonesa y combinamos lo tradicional con tintes electrónicos. Algunos títulos del disco son frases en japonés que se refieren a algo: Ikigai (la razón de vivir, eso que te hace levantarte todos los días), Gaman (seguir intentando a pesar de las adversidades), Wabi-Sabi (la búsqueda de la belleza dentro de las imperfecciones), Ukiyo (mundo flotante, sin preocupaciones), Komorebi (la luz que se filtra a través del sol en los árboles), Yugen ( la belleza del universo) y Kogarashi (el primer viento que te avisa que se acerca el invierno). El Viento Predice El Futuro es un viaje sonoro, escúchalo con el corazón, no con la razón.

R: Se destaca la manera en que se grabó, ya que cuidamos que cada elemento que hiciera falta estuviera ahí, también cabe mencionar que las canciones del disco son continuas y hacen referencia a una composición fusionada en lo emocional pero también cuidando detalles técnicos.

Su música podría incorporarse tranquilamente en el soundtrack de alguna película, serie o videojuego ¿En cuál se lo imaginarían?

R: Sí, se acopla bastante bien en todo eso que mencionan, depende la intención que se busque, lo imagino en un juego de aventura espacial o porque no en el soundtrack de un FIFA.

A: Yo soy muy fan de las bandas sonoras que se hacen en las películas, series y videojuegos, afortunadamente he creado algunos de los ya mencionados, bajo el nombre de “Álvarez Villeda” actualmente ando trabajando en un soundtrack para la empresa de Nueva Zelanda ClockWork Giants en su videojuego llamado Introspect. Con Awful Traffic sinceramente sería un sueño poder participar en algo así de increíble, creo que podemos encajar en cualquier panorama, espero que muy pronto nos pidan un trabajo de ese calibre.

¿Cuáles son sus próximos planes para el futuro?

A: El viento nos predice este 2019 una gira internacional, compartir el escenario con más bandas extranjeras, tours, la composición de nuestro 3° disco, mucho aprendizaje y diversión.

R: Viajar, componer, ampliar nuestros horizontes.

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Entrevista a Juana La Loca

Rodrigo Martín de Juana La Loca nos brindó está entrevista en la que nos cuenta sobre su actualidad, con su reaparición luego de 6 años con su disco Resplandece y sus próximos planes a futuro.

Pasaron 6 años de su último disco y antes que eso 7 años, entre un álbum y el otro. ¿Por qué sienten que pasó tanto tiempo entre el lanzamiento de cada disco?

Siempre nos tomamos el tiempo necesario para nuevas composiciones y no repetir formulas. Creemos que no hay tiempo preestablecido para sacar un disco en un lapso determinado, mas bien creemos en la inspiración en la investigación sonora en un concepto que define nuestro estilo.

Ya cumplen 30 años desde que se formó el grupo ¿En qué sienten que evolucionó Juana La Loca durante todo este tiempo?

Adquirimos y protagonizamos nuevas experiencias permanentemente, como por ejemplo que Billy Preston haya participado en vida modelo el viaje a Los Ángeles para concretar el disco, tocar con Depeche Mode en velez, abrir el show de Oasis en el Luna Park, la participación de Jimmy Rip en el disco Pastillas para el Dolor. Y haber conquistado por nuestros medios y por el arrojo constante un sonido característico de Juana la Loca en cada uno de nuestros discos.

¿Que es lo que más resaltan de su último disco «Resplandece»?

Que hayan vuelto a grabar dos miembros originales y fundadores de la banda (Aitor Graña y Roberto Pascuale) en su regreso a Juana La Loca; que el disco haya sido mezclado dos veces para encontrar un sonido novedoso; y compositivamente también influyó mucho en nuestro sonido y estilo los nuevos integrantes Diego Vieites (guitarra y coros y composición), Andres Garcia (bajo) y Javier Lopez (en los teclados y las programaciones).

¿Cómo ven el Rock Argentino de la actualidad y en qué se diferencia de su auge en los noventa? ¿Qué es lo que más extrañan de los noventa?

Creo que en este ultimo tiempo surgieron varias bandas con ideas nuevas. De hecho yo estoy produciendo el disco de Juventud Dorada y un solista Luciano Taddeo y encuentro en ellos un sonido refrescante.

Con respecto a los 90 existía una búsqueda experimental que caracterizaba un nuevo estilo con respecto a otras décadas del Rock Argentino, particularmente no añoro por demás esa década, porque creo que es importante evolucionar constantemente, pero considero que los 90 conceptualmente marcaron una generación.

¿Qué otras bandas y artistas les gustan de la actualidad?

Personalmente a nivel nacional: Juventud Dorada, Luciano Taddeo, Capuchas de Hop, Placer, Brixton, Viva Elástico, y a nivel internacional ahora estoy escuchando The Struts.

¿Cuáles son los próximos planes de la banda?

Acabamos de terminar un ciclo de 4 shows donde en cada uno se presentaban 2 discos distintos de nuestra carrera, de esos conciertos estamos mezclando y produciendo un disco en vivo, acabamos de estrenar nuestro vídeo del primer corte de Resplandece, «Fuera de Vos»  y tenemos planeado editar este año un documental de los 30 años de la banda con imágenes inéditas de todas las épocas. Ademas este ciclo fue filmado y será parte del documental, el 16 de Marzo iniciamos la presentación oficial y puntapié inicial de la gira de Resplandece con la idea de extenderla al resto del país y a Chile, Uruguay y Paraguay. También, quiero mencionar que el año pasado, 2018, reeditamos y re masterizamos en cassette, nuestra primera obra del 1991 Autoejecución (producida por Daniel Melero) y lo mismo hicimos con el disco Planeta Juana La Loca.

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Entrevista a Bien Jodidos

En la antesala de su presentación el próximo 22/12 en Liverpool Bar (Arévalo 1376, CABA), el joven grupo llamado Bien Jodidos, quienes recientemente acaban de lanzar su disco debut “Golpeando el Sol”, nos brindaron esta entrevista donde nos cuentan su historia.

Cuentennos su historia ¿Cómo fue el salto de pasar de ser un grupo que tocaba en actos escolares a una banda que con cada vez más recorrido?

Es un salto que nadie pudo mensurar el momento en que pasó. Simplemente se fue dando naturalmente, a fuerza de mucho empeño de parte de nosotros y, por supuesto, de la gente que nos apoya y ya hoy nos sigue. Estamos orgullosos de lo que hemos logrado hasta el momento, pero no nos conformamos y pensamos ir por muchísimo más.

¿Qué sienten que los diferencia de otros grupos?

Tal vez la mayor diferencia, que no somos los únicos que lo hacemos pero si que lo sentimos natural, es la predisposición para no atarnos a una fórmula única.

Muchas bandas encuentran una fórmula que funciona en cuanto a estructuras o formas y se atan a ello. Nosotros, al ser independientes, tratamos de experimentar sin miedo a equivocarnos en lo que nos place tocar y en base a ello creemos que las cosas fluyen de la manera que están fluyendo.

¿Qué es lo que más destacan de su primer disco “Golpeando El Sol”?

Es unánime que lo más destacable es la diversidad de estilos que pudimos abarcar, aunque si nos enfocamos en lo que estamos componiendo para nuestro segundo trabajo nos estamos volcando a un estilo que nos está sentando muy cómodos.

La variedad de estilos nos permite llegar a diversos públicos y que si un oyente no aprecia un riff de rock, pueda apreciar un funk, o un solo de blues. Creo que desde ese lado es muy versátil nuestro primer álbum.

¿Alguna anécdota del proceso de grabación?

Durante el proceso de grabación estaban las mezclas realizadas, todas las tomas hechas y de repente a Seba se le ocurrió REGRABAR TODAS LAS VOCES!!!!!! nos queríamos matar, pero a su vez sabíamos que el quería superarse y por eso aceptamos.

La salida del disco se demoró un poco, pero más que conformes con el producto final.

¿Cómo se ven como grupo de acá a 10 años?

Soñamos en grande, porque soñar no lo puede impedir NADA NI NADIE. Por ende, en 10 años queremos ser una influencia para aquellos que recién estén arrancando, queremos ser un modelo, un ejemplo y no parar de tocar nunca.

¿Qué nos pueden adelantar de su próximo show en Liverpool Bar?

Va a ser un show hermoso. Nos vamos a dar el lujo de volver a hacer un set acústico que no podemos hacer hace bastante, lista completa y algún que otro cover para endulzar al público. No nos olvidemos que cae en una fecha festiva, tal vez haya algún que otro regalo de navidad por parte de la banda para el público….

Más info sobre Bien Jodidos:

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Entrevista a Atropello Carregal

Gonzalo «Pollo» Fernandez, cantante y guitarrista de Atropello Carregal, banda que este sábado 8 de diciembre  estará  presentando en Beatflow  (Av. Córdoba 5509, CABA) su último EP “Que Paso Algo” y dos videoclips, nos brindó esta entrevista en la que nos cuentan sobre su evolución y su presente.

La banda suena muy bien. ¿Qué sienten que los diferencia de otras bandas de la actualidad?

No sé exactamente qué nos diferencia, hemos andado mucho tiempo buscando una identidad musical que creo que hoy hemos encontrado. Durante mucho tiempo nos emparentaban con otras bandas automáticamente, bandas que claramente nos habían influenciado, pero a las cuales no queríamos parecernos y no sabíamos cómo hacer. La comparación siempre está porque es una forma de «medir» algo nuevo, pero hace rato que la gente que nos escucha por primera vez nos relaciona con bandas que no tienen mucho que ver una con otra, creo que eso nos da la pauta de que estamos haciendo algo cuanto menos difícil de catalogar. Eso lo tomo como un logro, algo que refleja que estamos teniendo nuestra propia identidad. Por otro lado somos una banda que intenta no salirse del formato «canción». Tratamos de no irnos por las ramas cuando hacemos un tema, evitamos lo más que podemos caer en lugares comunes en las letras o en frases hechas, si bien nuestra raíz es rockera nos damos el gusto de tocar cumbias o cosas medio folclóricas, algunas otras cosas tiradas para el lado afro (desde lo rítmico). Quizás sea toda esta búsqueda la que da como resultado algo distinto a otras bandas de la actualidad. De todos modos me gustaría resaltar que la escena actual es super rica y variada, y está repleto de músicos y músicas impresionantes.

¿Qué sienten que distingue a su EP “Que Paso Algo” de sus trabajos anteriores?

Creo que ahora entendemos mejor desde el principio de la cadena de composición a dónde queremos ir con cada canción. Hay cada vez menos cosas libradas al azar, lo cual le da frescura a la ejecución porque estás convencido de lo que estás haciendo. También eso se nota en los vivos. Y creo que a nivel audio sobre todo en el último EP hay un salto de calidad, podemos ahora sacar sonidos más copados, «modernos» si se quiere. Pudimos romper con los sonidos «clásicos» de guitarras y bajos sobre todo. Ya lo habíamos logrado en nuestro último disco largo, pero con mucha colaboración de Lucas Gomez en ese momento (quien grabó y mezcló tanto «La moral…»-2014- y «Que pase algo» Ep 2017), que nos marcó un poco el camino que luego seguimos «solos».

Pasaron 10 años del primer trabajo de la banda. ¿En qué sienten que evolucionó más la banda?

En lo musical hemos aprendido cómo es el trabajo de estudio, nos preocupamos mucho por ejecutar bien los instrumentos. Cuando no sos un virtuoso creo que es importante que te ocupes de tocar lo mejor posible a fuerza de ensayo y repetición. La tecnología nos acompañó en esta evolución, y nos permitió trabajar mejor las canciones y los arreglos, armar las lineas de voces, guitarras y bajos con mejor criterio. Con una compu y una placa podes emular muy fielmente todo lo que vas a hacer luego dentro de un estudio de grabación «profesional», y obviamente hay cosas que se pueden dejar grabadas en forma definitiva también. Después hay muchas cuestiones extramusicales en las que hemos mejorado, como la comunicación, el laburo de producción en cada fecha, todo lo que acompaña a lo musical lo llevamos de manera mucho más orgánica que al comienzo.

¿Para cuándo se viene un nuevo disco de larga duración de Atropello Carregal?

El año que viene va haber nuevas canciones, esperamos para los primeros meses. De todos modos no será disco, vamos a seguir por el camino de los singles y EPs porque nos resultó una mejor manera de encarar el material nuevo. Nos da tiempo para laburar a fondo los temas y de generar material audio visual para acompañarlo sobre todo en YouTube, pero también para la redes en general es mejor que las canciones lleven video.

¿Qué nos pueden adelantar de su presentación en Beatflow?

Va a ser la despedida de este show que se fue armando a lo largo de este año, un show compacto de un tema tras de otro, pero esta vez con algunos invitados vamos a tener a Charly Velrio de Los Mutantes del Paraná y le vamos a pedir prestado el violero a De La Gran Piñata! Va a ser una lindo cierre de año.

Más info sobre Atropello Carregal:

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Entrevista a Fede Fontenla

Fede Fontenla, músico que acaba de lanzar su primer disco solista «La Estanca Luz» y está próximo a presentarse el 13 de diciembre en Liverpool Bar (Arévalo 1376, Palermo, CABA), nos brindó esta entrevista en la que nos cuenta su historia y su presente.

Contanos tu historia ¿Cómo empezaste tu carrera en la música?

Arranca como la de casi todos, amigos de la secundaria que querían armar una banda. La diferencia es que yo no sabia tocar ningún instrumento, y ahí faltaba un bajista. Entonces compre un bajo roto, me costo 30 pesos, lo arreglamos con mi hermano y ahí empece a tocar. Supuse que era mas fácil porque solo tenia que tocar una nota por vez jaja.

Con el tiempo fui interesandome mas por guitarra, y de poco le fui dando mas tiempo a eso.

Incluso en la banda nadie cantaba, y yo empece a cantar. Fue un mutuo descubrimiento, mientras mas tiempo le dedicaba a eso, mas me interesa la composición, las armonías, la creación de una canción, de sentir una valcula de escapa la música que te salva a veces de los ruidos absurdos que se te cruzan por la cabeza.

Al tiempo ya estaba con profesor de guitarra, después de piano, después escuela de música, integre varias bandas, creaba canciones, cantaba. Y entendí que ahí estaba yo, y que ese era mi lugar en el mundo, un tipo que con canciones quería generar algo en el otro.

Tu primer disco toca diferentes géneros ¿Cuales consideras tus principales influencias?

Las influencias uno no las elige, es casi como la familia, no se lleva en la sangre pero se nos va tatuando en la piel sin darnos cuenta. Esto lo digo porque tuve la suerte de escuchar una gran cantidad de artistas de géneros muy variados. Desde Piazzolla hasta Atahualpa Yupanki, pasando por los Beatles, la bossa nova, Ella Fitzerald, el blues de John Mayer. Y la lista podría volverse casi infinta. Pero la verdad que en mis años de adolescencia, hubo una conexión muy especial primero con Charly Garcia, mas tarde con el Flaco Spinetta. Que definitivamente me marcaron mucho. También Fito Paez fue un músico que incluso vivi muy de cerca porque cuando mas me acerque a la música, era el que estaba explotando por todos lados.

Esa música esta impreganada en mis canciones indudablemente, y yo creo que uno de ahí no se puede escapar, al menos si quiere ser genuino tiene que perder prejuicios. Si me dicen tu voz es parecida a la de Pedro Aznar, a la de Cerati, a la del Flaco, y bueno, la gente necesita tener su referencia, y no esta mal. Para mi es un halago que al escucharme piensen en esos tremendos artistas.

¿Cómo fue el proceso de grabación de “La Estanca Luz”? ¿Qué es lo que más destacas del disco?

El proceso fue bastante sencillo. Nos juntamos en febrero con mi productor musical, hermano de la vida, Emiliano Di Nardo. Él acababa de terminar de hacer un disco de temas del rock argentino con arreglos muy complejos, pero había quedado sencillamente hermoso. Cuando lo escuché me estimuló a que me diera una mano a poder avanzar con mi tan burocrática duda de plasmar mis canciones o no en la nube virtual. Hasta que nos pusimos de acuerdo en minutos. Queríamos hacer un disco como los de antes, chico, de no mas de 10 canciones, que llevara un esencia que es en definitiva su concepto, pero a la vez con un lema muy clara: que gane la canción. Quise alejarme de todo narcisismo. Yo tenia maqueteada todas las canciones desde hacia mucho tiempo, pero le pedí reformular todo, y rescatar lo mejor de cada cosa. Necesitaba alejarme de ese material que tantos años me venia acompañando. Y así fue, elegimos las canciones, las maqueteamos como referencia para los músicos, y empezamos con la grabación músico a músico. Ibamos viendo detenidamente que la canción fuera creciendo con el aporte de cada instrumento. Y eso nos daba mucha felicidad. Somos 15 músicos que trabajamos en el disco, de muy distinto genero, con sonidos totalmente contrapuestos. Desde el sonido eléctrico y sintetizado (con programaciones arranca el disco) hasta sonidos orgánico, como un cuarteto de cuerdas (así termina el disco).

Si tuviera que destacar algo seria que definitivamente son canciones que sobrevivieron al paso del tiempo, porque son canciones sinceras, que aun hoy me emocionan.

¿Qué opinas de la escena musical actual? ¿Con qué otros artistas te gustaría compartir escenario?

Nunca fue fácil en argentina sobrevivir con el arte. Es una tarea heroica. Por eso veo mucho amor en los artistas emergentes y los que han logrado traspasar las barreras que me apasiona. Hay mucho talento, siempre lo hubo, con mayor o menor suerte. Hoy todo cambio, esto todo al alcance de las manos, pero a la vez hay mucha oferta. Eso marea un poco a la gente, mucha información, poca posibilidades de difundirse de manera independiente, y poco tiempo para profundizar en las canciones. Todo pasa muy deprisa. Sin embargo, este es un ejercicio que depende de cada uno de nosotros. Yo permanentemente intento encontrar artistas que me trasmitan algo, que me emocionen, o que me sorprendan.

Artistas son muchos, de los emergentes, me encanta Daniela Spalla, que ahora esta viviendo en México, Lucas & the Woods, Hipnótica. No sé, muchos y muy variados.

¿Qué nos podes adelantar de tu presentación en Liverpool Bar?

La idea, es hacer versiones acústicas de los temas del disco, una versión bien intimista, que desnuda mi relación con la canción, porque así nacen, con una guitarra con un piano. Así que voy a buscar eso, el corazón de la canción.

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Entrevista a Doctor Brown

En la antesala de su show electroacústico en el Teatro Sony (José A. Cabrera 6027, CABA) el próximo 9/12, Doctor Brown nos brinda esta entrevista en la cual nos cuentan sobre su disco en vivo lanzado hace poco tiempo y sobre su presente.

Siempre nos interesa saber cómo eligen el nombre de su banda. ¿Cuentennos la historia de por qué eligieron a «Doctor Brown» como nombre?

Elegimos “Doctor Brown” como nombre de la banda porque nos resultó copado recordar al “Doc” Emmett Brown, un personaje conocido y querido por un montón de gente. Al momento de pensar cómo íbamos a llamar a la banda (allá por 2006) una de nuestras películas preferidas era “Volver al futuro”, y todavía la seguimos valorando como una gran película, que es un placer mirar y disfrutar de nuevo.

La banda ya cumple más de 10 años de trayectoria. ¿Qué fue en lo que más crecieron como grupo?

En este tiempo que tenemos de trayectoria, una de las cosas en las que más crecimos es en la responsabilidad con que nos tomamos lo relacionado con la banda. Justamente, fuimos tratando de aportarle más tiempo y más laburo, sobre todo porque es lo que nos gusta, y el aporte de cada uno termina confluyendo en el paso a paso de todo el grupo. Cuando uno nota los resultados que eso da, es la mejor sensación que hay.

Con sólo dos discos en su haber, sacan ahora un álbum en vivo cuando muchos grupos tardan un poco más. ¿Qué sienten que logra capturar «Sintiéndome Vivo»?

“Sintiéndome vivo” logra capturar dos cosas: por un lado, lo que somos cuando nos subimos al escenario, y por otro lado, todo lo que el público pone de sí mismo para hacer realidad el recital. El vivo es nuestro momento de más motivación, porque ese laburo que venimos haciendo en cada ensayo, desde hace tiempo, se juega justamente ahí. Tratamos de dar la mejor versión de cada uno, y quisimos que quede registrado tanto en audio como en video.

¿Para cuando un nuevo disco de estudio de Doctor Brown?

El 2019 va a ser un año en que avancemos con algunas canciones que ya compusimos (y que hace falta pulir) y en canciones nuevas. Una vez que tengamos pulidos esos temas, listos para grabarlos en estudio, va a llegar el momento de elegir el mejor formato para darles, sobre todo teniendo en cuenta que ahora el streaming y las plataformas digitales son la manera masiva en que se escucha música y en que las bandas independientes se dan a conocer.

¿Qué nos pueden adelantar de su presentación en «Teatro Sony»?
¿Por qué decidieron hacer un show electroacústico?

Nos motiva mucho la idea de presentar nuestros temas de una manera distinta a lo que veníamos haciendo, y por eso creemos que un show electro-acústico es la mejor opción para conseguir eso. Esperamos que la parte propiamente musical se pueda apreciar de una manera más nítida. Sobre el recital podemos adelantar que vamos a agregar instrumentos invitados para que se luzcan más las versiones electro acústicas, y que en la lista de temas habrá algunos que hace mucho no hacemos, más algunos covers del rock nacional.

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Entrevista a Vito Martino & Los Inolvidables

Vito Martino & Los Inolvidables, banda reconocida en  el programa «Rock del País», que lanzó recientemente su segundo disco titulado «Real», nos brindó la siguiente entrevista donde nos cuentan sobre su presente.

Para quienes todavía no los conocen ¿Cómo se presentarían para llamar la atención y los empiecen a escuchar?

Hola! Somos Vito Martino & Los Inolvidables y tenemos las mejores canciones del condado, pasen y escuchen.

¿Qué es lo que más destacan de su reciente disco, «Real»? ¿Qué sienten que lo distingue de su álbum debut?

Las canciones y su variedad, que hace que los shows sean divertidos y muestra también la versatilidad de la banda. También la producción, que estuvo a cargo de la banda. Estamos muy contentos!

¿Cómo fue la experiencia de grabar con Jorge Serrano de Los Auténticos Decadentes?

Que el señor de la Melodía elija tu canción es de las mejores cosas que nos pasó en la carrera y confirma el camino. Jorge está ahí con Andrés, Fito y nuestros grandes, lo vemos en ese marco. Felices de tenerlo en nuestro disco.

¿Qué sintieron al compartir escenario con La Beriso y Estelares? ¿Con qué otros artistas les gustaría tocar?

Ambos tienen grandes canciones, los miramos y aprendemos. Disfrutamos mucho del cruce con colegas, eso fue de lo más interesante del Cosquín Rock, por ejemplo.

¿Cuáles son sus próximos proyectos a futuro?

Estamos trabajando en una gira por México a comienzos de año y luego nos tendrán por Buenos Aires seguramente.

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Entrevista a Psicarios

Psicarios, banda que recientemente acaba de lanzar dos nuevos sencillos,  “Tu Mundo” y “Paranoia Predilección” ,  en la antesala de su presentación este domingo 25/11 en El Club Bar (Honduras 5028, CABA), nos brindan esta entrevista en la que nos cuentan su historia.

Cuéntennos su historia ¿Cómo fue que nació Psicarios?

Psicarios comienza en el año 2015 como iniciativa de Martin Gaeta y Pablo Monzon (ambos cantantes, bajo y guitarra respectivamente). Si bien en los comienzos surgió como un proyecto con tintes rockeros, durante el transcurso de la búsqueda compositiva musical el mismo tomó esta perspectiva “Indie Pop” que hoy por hoy nos caracteriza. Inicialmente, la formación fue de voces, bajo, guitarra y batería con el complemento de pistas con bases electrónicas que conformaron el sonido de la banda y por sobre todo la representación en vivo del primer disco “Electroparafernalia”. El mismo fue un renacimiento de la banda a nivel musical ya que durante su creación surgieron influencias del pop de los 80 que es una década que actualmente transita un gran “revival” a nivel internacional.  Posteriormente, a fines del 2017, tuve la oportunidad de sumarme al grupo como tecladista. Me convocó Martin, con el objetivo de sumar teclados y un componente más humano a toda esta “Parafernalia”. Éramos viejos amigos de la infancia, habíamos vivido en el mismo barrio y por muchos años nos dedicamos a la música por caminos separados. Yo regresaba de un viaje del exterior con muchas ganas de arrancar un nuevo proyecto. Cuando escuché el disco Electroparafernalia no tuve dudas de que esta era “la banda” y el proyecto que estaba buscando. Este año se incorporó Alan D´Auría quien además de ser el más joven del grupo es un gran baterista.

Tienen un sonido que por momentos se remite a Soda Stereo, pero no se encasillan y toman otras influencias. ¿En base a qué artistas piensan que definieron su estilo?

Nuestras influencias son muy amplias. En nuestros albores como músicos pasamos desde la música clásica, jazz, funk, hasta el rock, que es el estilo que nos venía definiendo en los comienzos de Psicarios. Tenemos a los Beatles como banda honorifica de referencia. Algunos de nosotros más fans que otros, pero todos coincidimos en la grandeza musical de esta gran banda y por sobre todo ponderamos el maravilloso ensamble a nivel vocal que esta propone. Posteriormente surgieron influencias de bandas como The Killers, Daft Punk, Muse, Imagine Dragons entre muchas otras.

¿Qué destacan de “Tu Mundo” y “Paranoia Predilección” respecto de su disco previo?

Existen muchas similitudes y aspectos innovadores a la vez. La esencia que quisimos conservar es la de la “Canción”, con ritmos grooveros y pegadizos apuntando a un público de todos los tiempos. El aspecto más llamativo de los nuevos temas es que fueron masterizados en 432, que es la afinación que se utilizaba en la época previa a la segunda guerra mundial. Se dice que esta frecuencia esta está en conexión con la naturaleza y el universo con lo cual recomendamos a todos los lectores que puedan escuchar esta nueva tendencia que proponemos con Psicarios. La grabación a su vez fue un gran logro. Para mí fue el primer trabajo en estudio compartido con los chicos, el cual fue una experiencia muy positiva y motivadora a nivel personal y profesional.

¿Cómo fue la experiencia de trabajar con Hernán DeMicelli como productor?

Fue una gran experiencia en la cual sentimos que nos enriquecimos musicalmente y logramos el objetivo pensado para cada tema. Hernán es un gran productor, además de ser un gran músico, muy versátil, crítico y detallista a la hora de grabar. Creo que el resultado de estos dos nuevos temas superó ampliamente nuestras expectativas. Fue un gran placer trabajar con Hernán y luego compartir escenario en nuestra última fecha en sala Sirhan, en donde nos acompañó como artista invitado.

¿Qué nos pueden adelantar de su próxima presentación en “Club Bar”?

En el próximo show del 25 de Noviembre, presentaremos como siempre nuestro disco y 3 temas nuevos de los cuales uno de ellos no está grabado aún, con lo cual es una novedad para todos. Tendremos artistas invitados y sorpresas para todos aquellos que nos siguen por las redes sociales. Ya pusimos en marcha un juego el día de hoy, en el cual se sorteran unas muy buenas placas de películas y cervezas free para el día del show. ¡Les recomendamos que participen ya mismo y no se lo pierdan!

¿Cuáles son sus próximos proyectos a futuro?

Luego del show del Domingo 25 de noviembre a las 21 hs., planificaremos nuestra gira de verano. Si bien seguiremos tocando dentro de la provincia tenemos planes para un circuito costero y porque no al interior del país. Seguiremos componiendo nuevas canciones con mucha empatía con el público que nos sigue, que es lo que más nos motiva a seguir creciendo.

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Entrevista a Prusia

La banda de Rock Instrumental, Prusia, se presenta ante nosotros en esta entrevista en la cual nos cuentan su historia y sobre el lanzamiento de su primer disco larga duración «Las Uniones Posibles».

Cuentennos de ustedes ¿Cómo nació Prusia?

Nació de un encuentro muy azaroso en las calles de Padua, en el conurbano bonaerense, donde nos conocimos Roa, Fabris y yo (Catriel). Luego de cruzarnos varias veces y de charlar sobre música que nos gustaba. La primera vez nos encontramos solo para improvisar un rato, pero luego decidimos continuar con esos encuentros pero “sin compromisos”. Fabris en realidad tocaba la guitarra, pero decidió empezar con la batería. Y bueno Roa el bajo y yo la guitarra eléctrica.

Después de algunas juntadas simplemente dejamos que siga y empezamos a tocar en lugares. Nuestra primera fecha fue en una plaza mítica de Morón en un evento contra el gatillo fácil. Quizás de alguna manera esa primera fecha haya marcado el resto de nuestras tocadas en vivo.

Con el tiempo sacamos tres EPs que forman una especie de trilogía (Vol I, Vol II, y Vol III) y sentimos que tras cada disco avanzamos un poco más en nuestra forma de tocar, pensar la música y grabarla.

Para nuestro primer disco o LP comenzamos a ensayar y componer ya con Fer J. en el sinte y samples. Definitivamente eso fue fundamental para componer los nuevos temas ya que agregar una nueva paleta de sonoridades le dio un vuelco a lo que estábamos haciendo hasta el momento.

¿Qué sienten que los distingue frente a otros grupos de Rock instrumental?

No sabemos si hay algo puntual que nos diferencie del resto de las bandas instrumentales. Todas las bandas que llevan un tiempo tocando sean o no instrumentales tienden a tener su propio estilo. Lo que sí podemos ver es que las bandas actuales quizás se vuelvan un poco genéricas, es decir que tocan un estilo en particular, ya sea math rock, post rock, progresivo, stonner, etc. Si bien somos un poco deudores de esos géneros, nos interesa explorar distintas variables musicales y sonoras y no tanto imitar directamente un género, por eso suele ser difícil responder a la pregunta de “a qué música se parecen?”… En todo caso nos interesan las sonoridades, la mezcla que se da entre nuestros instrumentos y entre las referencias, engañar un poco el oído o invertir los roles esperables en cada instrumento, jugar con las expectativas y lo predecible e impredecible. Claro que son cosas que nos llevan mucho tiempo entender y digerir y que no se resuelven solo tocando o ensayando, sino también conversando y compartiendo tiempo juntos.

La banda suena bien instrumentalmente ¿Nunca pensaron en agregar un vocalista?

No. En todo caso si agregaramos un vocalista no sería para hacer canciones ya que lo que hacemos se aleja de eso, sino quizás para que construya desde el mismo lugar que nosotros como un instrumento más y no como sucede normalmente en las canciones donde el foco de atención está puesto primero en el o la cantante y luego en la banda.

¿Qué sensaciones les deja su reciente disco “Las uniones posibles”? ¿Qué es lo que más destacan del mismo?

De mucha satisfacción y aprendizaje. Lo que más destacamos es el proceso de grabación el antes y el durante, al ser nuestro primer disco largo hablamos mucho al respecto. Queríamos entender cómo construirlo y desde qué lugar. El disco tiene mucho de esas conversaciones, de las charlas durante los viajes hacia el estudio Mikrokosmos de Fer J, conversaciones sobre música, nuestras influencias y gente que admiramos, política, filosofía, nuestrxs amigxs y la música que hacen, lo que nos gusta y lo que no. Un poco el disco es la unión de todos esos retazos y segmentos que entran en relación, colisionan entre sí y dan como resultado el trabajamos que hicimos. Por otro lado, creemos que el aspecto visual del disco es también muy importante, contactamos gente amiga que nos gustaba como trabajaba, tanto para la portada como para el diseño de la edición física, además nosotros mismos salimos a sacar fotos con una cámara analógica a capturar momentos que podían relacionarse con los tracks… en definitiva “Las uniones posibles” tiene mucho de lo extra musical.

¿Cuáles son los próximos proyectos de la banda?

Estamos pensando en viajar a algunas provincias y armar una suerte de tour veraniego, además de seguir tocando y ensayando.

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Entrevista a Ismo de las Fauces

Lucas Bustos, integrante de la banda Ismo de las Fauces, nos brindó está entrevista en la cual nos cuenta la historia del grupo, sobre el lanzamiento de su segundo disco «Emerger» y sobre su próxima presentación en Originarte este sábado 17/11 (Paso 17, Quilmes).

Cuéntennos su historia ¿Cómo fue que nació Ismo de las fauces?

Ismo de las Fauces nace en 2014 por iniciativa mía, con la idea de llevar adelante las composiciones que forman parte del primer álbum. Sin demasiadas complicaciones, formé la etapa inicial de la banda junto a tres músicos brillantes: Augusto Vega (guitarra), Gonzalo Miñana (batería) y Matías López (bajo). Ese grupo atravesó el período de gestación y grabación del disco.

Desde el comienzo, el objetivo fue concretar aquella primera placa. Mientras tanto, tocamos en varios lugares de Capital Federal y GBA. Tras finalizar el disco, atravesamos cambios de miembros. Entraron Isaías Bisio (batería) y Agustín Velurtas (bajo). Con esta formación grabamos el segundo disco, de reciente aparición, «Emerger».

Hoy, para defender las nuevas canciones en escena, la banda está compuesta por Augusto Vega (guitarra), Agustín Velurtas (bajo), Pablo Jimenez (batería) y yo, Lucas Bustos (voz y sintetizadores).

Tienen un sonido que por momentos se remite a Spinetta, pero no se encasillan y toman otras influencias. ¿En base a qué artistas piensan que definieron su estilo?

Creo que toda la música que escuchamos nos fue moldeando, y por lo tanto moldeando lo que tocamos. Creo que Radiohead, creo que Charly Garcia, Fito Páez  (quitando a Spinetta que bien lo mencionaste) entre los artistas relacionados al rock. Sin embargo no puedo obviar cancionistas de otros géneros…como Carnota, Jobim, Chico Buarque, Juan Quintero. Al final, toda la música que escuchamos nos modifica, y la variedad de música que escuchamos es muy amplia.

Como compositor de los temas creo, también, que las influencias trascienden la disciplina musical. La literatura, el cine, las series. Hacer canciones siempre implica atravesar dos órdenes artísticos: el musical y el literario.

¿Qué destacan de “Emerger” respecto de su disco previo?

Hay varias diferencias: desde la manera de grabar (el disco anterior fue grabado instrumento por instrumento, en este tocamos en vivo todo lo que pudimos) hasta el modo de composición. Lo que me abrió distintos panoramas a la hora de encarar una canción fue el taller de composición que hice con Edgardo Cardozo en 2016. El me transmitió una forma de crear mucho más relacionada al aspecto comunicativo: entender que el contexto musical en que se desarrolla una letra es tan importante para comunicar como el contenido de la letra misma. Eso, a su vez, me llevó a buscar mejoras en la dicción como cantante, a dejar dicho lo que se canta con la mayor claridad posible. Por otro lado, el hecho de que la ejecución de la batería y el bajo no sea realizada por las mismas personas que en el primer disco también genera otras perspectivas. Sin embargo, luego de escuchar «Emerger» descubrí que los dos discos están mucho más emparentados en sonoridad y temática de lo que pensaba.

¿Cómo fue la experiencia de trabajar con Amilcar Gilabert como productor?

Fue un gran aprendizaje. Al momento de encontrar el sonido del álbum, resultó vital la presencia de Amílcar.

Es curioso como su rol de productor musical se desarrolla desde la consola, y no sobre las canciones en aspectos técnicos de la música. Amilcar hizo lo que más sabe, la ingeniería en sonido del disco, y desde ese lugar nos generó una perspectiva de trabajo muy dinámica. Desde el primer momento nos dejó en claro que la música, al ser del plano subjetivo, no tiene que ser otra cosa que lo que nos represente genuinamente. Nos persuadió de la importancia de captar a la banda tocando el vivo de modo natural, sin demasiado arreglo ni retoque de post-producción. Grabar todos juntos, tocar de la manera en que estamos acostumbrados para lograr una ejecución relajada. Encontrar el lugar para las voces al frente, darle a las letras la importancia que demandan. Intentar ser fieles a un sonido que luego pueda llevarse al vivo. Así que Amilcar modificó nuestra manera de trabajar de esos encuentros en adelante.

¿Qué nos pueden adelantar de su próxima presentación en “Originarte”?

La presentación del disco va a ser, además, la inauguración de un nuevo formato para nuestros vivos. Buscamos trazar, desde una propuesta interdisciplinar que reúne fotografía, teatro y música, el universo que comprende «Emerger». Todo eso cuidando la horizontalidad y el diálogo de los lenguajes. La idea es que la fotografía y el teatro no funcionen como un adorno de la banda. Si bien la música va a hilvanar el espectáculo, los lenguajes que se apropien del primer plano van a ir cambiando sus posiciones, conversando entre sí. Buscamos proponer un concierto en formato de show íntegro, romper con los espacios que se establecen tácitamente cada vez que toca una banda. Así que nos preparamos con mucho entusiasmo, una expectativa enorme y trabajando la contundencia escénica, el porqué de cada cosa que ocurra.

¿Cuáles son sus próximos proyectos a futuro?

En principio, el show del 17 de noviembre en Fundación Originarte de Quilmes va a tener un registro audiovisual. También existen canciones nuevas, la propuesta de otra presentación del disco el año que viene y la idea de lanzarlo en formato físico (por ahora solo está en Spotify, Bandcamp y Youtube). Planes inmediatos hay muchos; trabajo por hacer, también.

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Entrevista a Juan Rosasco en Banda

Juan Rosasco en Banda, un grupo en pleno auge, recientemente lanzó su EP «Niebla de otoño», y para coronarlo se estarán presentando este jueves 15/11 en La Tangente (Honduras 5317, CABA). Todo lo demás en la siguiente entrevista.

Para quienes todavía no tuvieron el gusto de conocerlos ¿Cómo se presentarían para llamarles la atención?

Siempre decimos para los que no nos conocen que lo que hacemos son canciones con fuertes influencias de nuestro Rock Nacional, influencias como por ejemplo Charly Garcia, Fito Paez, Spinetta, Los Tipitos, etc. Trabajamos mucho en las letras, para nosotros es importante que el arte lleve consigo algún tipo de «mensaje», creemos por supuesto que somos también comunicadores y respetamos infinitamente el valor de la Palabra.

La banda ya tiene varios años de trayectoria ¿Qué piensan que fue en lo que más crecieron a lo largo de los años?

Creo que son muchos los puntos en lo que hemos crecido. Creo que aprendimos a convivir con mucho amor entre nosotros, aprendimos a producir y lo que significa la producción de un tema y de un disco en sí mismo, también creo que aprendimos un poco más a tolerar las diferencias del «otro», y creo que lo más importante, aprendimos a disfrutar de lo que hacemos sin pedir nada, o casi nada a cambio. Aprender a disfrutar de lo que amas en este horrible mundo que siempre va para el lado contrario al del amor.

Pese a que «Niebla de otoño» es un EP de solo 3 canciones, ¿Qué es lo que más destacan del mismo?

Nos encanta Niebla de otoño en todo sentido, amamos profundamente a los tres temas y estamos muy orgullosos de como ha quedado el producto al final de todo el laburo. La producción de Willy Piancioli nos parece como siempre BRILLANTE, y nos encanta mucho trabajar con él.

¿Cómo fue la experiencia de trabajar con Willi Piancioli de Los Tipitos como productor?

Justamente como recién decía trabajar con Willy nos encanta porque es un tipo que sabe mucho de producción y obviamente es un tremendo compositor de canciones. Tiene todo muy claro a la hora de producir y nos enseñó también a disfrutar del camino y a ponerle garra y muchas ganas a lo que hacemos.

Hablennos de “Hipnosis”, tema con el cual ganaron popularidad, ¿Qué opinan de que mucha gente los empezó a conocer porque lo transmitieron en “6-7-8”?

Hipnosis es un tema absolutamente trascendental para nosotros, y por su puesto nos abrió puertas más que importantes que antes nos costaba un poco abrir. El hecho de que haya sido cortina de 678 fue para nosotros MUY especial y estamos y estaremos siempre muy orgullosos de eso.

¿Qué nos pueden contar de su próxima presentación en «la Tangente»?

Estamos esperando la fecha de La Tangente con mucha ansiedad y con muchas ganas, es un lugar que nos encanta y esta va a ser la segunda vez que tocamos ahí! El jueves vamos a tener invitados muy especiales, por supuesto grandes amigos, vamos a recorrer temas de todos nuestros discos, obviamente también incluyendo los tres temas de nuevo EP «Niebla de otoño».

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