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Entrevista a Rodrigo San Martín

«Arcana», primer disco producido y mezclado íntegramente en Audio 8D en Latinoamérica.

Rodrigo San Martín, músico multi-instrumentista argentino de
Rock Progresivo, nos brindó esta entrevista en la que nos cuenta sobre su nuevo disco «Arcana», primer álbum producido y mezclado íntegramente en Audio 8D en Latinoamérica, el cual se estará presentando mañana (30/10/2020) en un Streaming gratuito a cargo de la Resistencia Progresiva Argentina (agrupación de bandas de rock progresivas del país).

¿Cómo fue la experiencia de grabar para lograr un sonido 8D?

En mi caso al ser solista y tener el estudio en mi casa, se me mezclan mucho las diferentes etapas de producción. Lo normal sería juntarse en una sala con la banda a ensayar, componer, luego hacer una pre producción del material, entrar al estudio a grabar y finalmente mezclar y masterizar.

Mi caso es completamente distinto. Todas las etapas pasan medio simultáneamente. Lo primero que necesito para sentarme a trabajar en un disco es en un concepto que lo englobe.

En el caso de Arcana las ideas iniciales eran dos: narrar la historia de la música y su relación con la humanidad, y hacer un disco en Audio 8D.

Empecé con este proceso cuando comenzó el aislamiento. Yo compongo directamente en Pro Tools, el programa de grabación. A veces armo la maqueta entera de un tema solo en un instrumento, y otras voy sección por sección grabando a todos en una sola tarde. Depende del nivel de inspiración.  Estuve cuatro meses con este proceso de composición y grabación simultánea cuando decidí que era demasiado material para un solo disco (3 horas de música) y decidí dividirlo en tres.

«Arcana (Act 1)» trataría sobre el pasado de la música. El «Act 2» trata sobre el siglo XX y la influencia de la música afro en la cultura popular. Y el «Act 3» es una especulación propia sobre como pienso que será el futuro de la música.

Hecha esta división decidí centrarme en terminar la parte 1 para fin de año y me puse en contacto con los músicos invitados que me acompañan en el disco. Recién en este momento comencé con la mezcla 8D. El Audio 8D tiene sus aficionados y sus detractores y puedo entender ambos lados.

Por un lado, los ejemplos de Audio 8D que hay en Youtube son, mayormente, malísimos. Lo que hacen es tomar esta tecnología pero la aplican solamente al tema terminado, a la mezcla stereo, y hacen que se mueva circularmente alrededor de la cabeza del oyente.
Mi proceso fue distinto: yo tomé esta tecnología (que se usa normalmente en el desarrollo de videojuegos para ubicar sonidos en el espacio a 360 grados) y la apliqué individualmente a cada uno de los instrumentos simulando una mezcla Surround pero para auriculares.

Doy un ejemplo, porque entiendo que es algo medio abstracto:
En «Arcana» puede sonar una guitarra acústica a la izquierda y una eléctrica a la derecha, mientras que las voces están en el centro y una secuencia de sinte se mueve por detrás de tu cabeza. Mientras tanto un riff de bajo va pulsando por debajo del piso mientras la percusión te gira alrededor.

¿Qué es lo que más destacas de “Arcana” como álbum respecto de tus anteriores trabajos?

Intento que cada uno de mis discos tenga un enfoque diferente. Para componer «Arcana» quise salirme de los clichés del rock y buscar influencia en músicas autóctonas de varios países del mundo: Japón, Escandinavia, Mongolia, américa pre colombina. Incluso de los antiguos Sumerios: la canción 3 del disco es «Hurrian Hymn to Nikkal» y es la canción completa mas antigua de la historia. Fue encontrada en escritura cuneiforme y yo me tomé el atrevimiento de reinterpretarla.

El desafío fue tomar todas estas influencias y combinarlas sin perder la esencia rockera de guitarras distorsionadas y baterías al palo.

Comparando con mis trabajos anteriores, siempre busco un enfoque distinto. En este caso fue rotundamente opuesto al trabajo musical que vengo realizando desde 2017 con la banda The Astral Platypus. En ese proyecto buscamos parodiar la música progresiva de los ’70 y su océano de clichés y lugares comunes. Con lo cual muchas veces a la hora de componer pensamos: “vamos a parodiar tal canción”.
En este caso no solo no quise parodiar a nada, sino que le hui a cualquier tipo de canción de referencia, intentando hacer algo completamente propio y personal.

¿Qué opinas de la música de hoy en día en relación a lo que fue el auge del Rock Progresivo en los años setenta?

Creo que siempre hubo buena y mala música. Tanto en la década de los ’70 como ahora. A mi lo que me gusta del Rock Progresivo es lo amplio y rupturista que me permite ser, así que trato de mantener una mente abierta con respecto a todo tipo de música. Escucho muchísima música por fuera del rock progresivo.

No me gusta como todo tiende a la “pre fabricación” en lo que a música refiere: para salir en la radio tenés que usar casi obligatoriamente el mismo beat de reggaetón que usan todos y eso no me copa. Por otro lado tampoco escucho la radio así que no me preocupa demasiado.

Pienso que es una gran ventaja que la tecnología haya mejorado al punto de que sea posible y accesible tener un estudio y poder realizar discos de calidad profesional en tu propia casa. Esto permite que no haya que depender de una discográfica sedienta de dinero para poder llevar a cabo proyectos que tal vez tienen mas que ver con lo artístico que con ganar plata.

Por otro lado pienso que ahora hay muchísima mas oferta que demanda a nivel musical. Lo cual hace que sea muy difícil para los artistas hacerse un lugar.

¿Qué otros grupos escuchas o recomendarías del género de la actualidad?

Yo soy un gran fanático de la escena progresiva argentina de la actualidad y pienso que tiene bandas increíblemente rupturistas que no están tan atadas a los preconceptos del rock progresivo. Me gusta muchísimo La Secuela, que hace un progresivo accesible pero complejo con influencias del funk, pop y jazz.

Me encanta Pulsónica, que mezcla ritmos afro latinos con rock instrumental de primer nivel.

Me gusta mucho Fughu, que es una banda de metal progresivo que le huye a los clichés del género y no tiene absolutamente nada que ver con Dream Theater, sino que es algo completamente original.

Y por último te voy a nombrar a William Gray: progresivo oscuro con influencias del tango y la música ciudadana. Sus dos discos son increíbles. Suelen tocar en vivo con un set de músicos inmenso que incluye la típica banda de rock, violines, chelos, percusión, etc.

¿Qué les espera a aquellas personas que se conecten al Streaming del estreno de “Arcana”?

Primero que nada creo que se van a encontrar una comunidad muy unida. Desde La Resistencia Progresiva Argentina venimos trabajando para potenciar este sentimiento comunitario con la idea de que entre todos podemos abarcar mucho mas que cada uno en su isla.

Lo que planeamos para este evento es volver a esa antigua costumbre de juntarse con los amigos a escuchar y charlar de música. Algo que tanto nos falta después de tanto tiempo de pandemia.

En los últimos eventos online que hicimos el chat estaba que explotaba y pienso que esta vez va a ser similar.

Segundo, una experiencia audiovisual distinta: si escuchan con auriculares van a poder ser los primeros en escuchar un estilo de mezcla distinto al que se suele trabajar. Además el disco viene acompañado de videos conceptuales. Una especie de aggiornamiento Siglo XXI de esa gran experiencia que era tirarse a escuchar música viendo el librito del CD.

¿Cuáles son tus próximos proyectos a futuro?

El primero es una nueva edición del Baires Prog Fest Virtual, que vamos a realizar en el canal de Youtube de La Resistencia Progresiva Argentina el 27 de noviembre.

Con The Astral Platypus teníamos todos los planes para lanzar dos capítulos (y sus dos discos correspondientes) de nuestra serie web en este 2020, pero la pandemia lo hizo imposible, así que buscaremos retomar eso apenas podamos.

Y por último, en lo personal, me gustaría lanzar la segunda parte de Arcana en 2021 y la tercera en 2022.

Te invitamos a presenciar el Streaming de «Arcana» mañana a las 22hs (hora Argentina) desde AQUÍ.

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Entrevista a Modem

El grupo conformado por Agustin Cuadrelli e Ignacio
Feito, Modem, nos brindó esta entrevista en la que nos cuenta su historia y sobre el lanzamiento de su disco debut «El
Restaurante del fin del Universo»,

¿Cómo nació Modem como proyecto? ¿Cómo eligieron el nombre de la banda?

Modem nace de las ganas de seguir tocando, la realidad es que nosotros estábamos en otro grupo y decidimos seguir como dúo por distintas diferencias, una de ellas era la posibilidad de poder como dúo enfatizar los conceptos de los discos que vayamos sacando, ademas de sentirnos mas cómodos trabajando de a dos en cuanto a la experimentación y producción musical.

Increíblemente el nombre salio en cuarentena mensajeandonos por whatsap, nos gusta la idea medio ochentosa de buscar algún objeto físico cotidiano para ayudar a la memoria de la gente, ademas tampoco queríamos juegos de palabras raros difíciles de pronunciar, entre esos objetos encontramos a el Modem un aparato entre imperceptible y esencial para nuestra realidad internauta cotidiana.

Tienen un sonido que parece recorrer distintos géneros, destacándose los sintetizadores ¿Quiénes destacan como sus principales influencias? ¿En qué sienten que se diferencian de otras bandas?

Si bien es ya un cliché ya en bandas Argentinas de esta época, Gustavo Cerati siempre es una influencia constante en nuestra música, supongo que lo que mas nos atrae de el es la forma de abarcar sus composiciones en toda su discografia siempre avanzando siempre sonando contemporáneo, de lo mas actual te puedo nombrar a The Weekend quien nos parece un tremendo valor para la música Pop. Sacando todo lo que escuchamos habitualmente tambien nos sentimos atraídos por todas las cosas nuevas que van saliendo constantemente The War on Drugs, Tame Impala,Fliying Lotus, xxxTentacion, Arcade Fire, Wild Nothing y un largo etc.

¿Qué es lo que más les gusta de su primer disco “El Restaurante del fin del Universo”?

Creo que lo que mas nos gusta es todo lo que aprendimos desde el principio que decidimos armarlo hasta el primer día de publicación, desde encarar de 0 un proyecto nuevo, en unos meses ya planificar casi todo, componer, grabar y re grabar, exigirnos para largar una linda carta de presentación, armar un concepto y una estética, e incluso aprender a como comunicarse con los medios de comunicación. En todo eso también somos 2 personas haciendo música y la verdad que eso siempre va a ser divertido para nosotros.

¿Cómo fue el proceso de grabación del álbum?

La realidad que fue muy variable, no teníamos una lista de canciones, sino una sumatoria de maquetas que fuimos transformando hasta adaptarlas a un concepto, es entonces que hay temas que nacieron en una guitarra acústica,otros en un ipad, otros en una idea, después en nuestro estudio todo se transforma, pero cuando nos juntamos no queremos dejar cabos sueltos, y nos queremos ir con las canciones terminadas, para así llegar a nuestra casa dormir tranquilos y avanzar constantemente.

¿Qué fue lo que más los afectó el contexto de pandemia de la actualidad? ¿Qué es lo primero que van a hacer como banda cuando todo se normalice?

Tenemos que confesar que nos sirvió para muuuuchisimas cosas que no sabemos si hubieran salido tan rápido sin pandemia, desde aprender a usar programas de diseño para la estética del grupo, comunicarnos mediante redes o tomarnos el tiempo para escuchar los masters finales. La realidad que nos queda pendiente presentar nuestro disco en vivo, donde queremos incluso probar cosas nuevas para temas del disco, y emplear ideas estéticas que tenemos pensadas para los shows.

¿Cuáles son sus próximos proyectos para el futuro?

Actualmente trabajamos en dos proyectos, estamos recopilando cosas que quedaron de El Restaurante, para hacer una especie de compilado de «Rarezas-Lados B» que tenemos planeado lanzar muy pronto. Mientras que lo segundo es que ya estamos trabajando en nuestro segundo disco, armando un concepto nuevo, y probando distintos géneros musicales.

Escucha «El Restaurante del fin del Universo» desde AQUÍ.

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Entrevista a Roadie

La banda de San Miguel de Tucumán, Roadie, nos brindó esta entrevista en la que nos cuentan su presente y sobre el lanzamiento de su último single «Bufandas».

¿Cómo presentarían a Roadie para quienes todavía no los conocen?

Somos una banda de san Miguel de Tucumán, llevamos siete años construyendo este proyecto, cantando lo que sentimos, reinventándonos y explorando sonidos que nos identifican constantemente. Comenzamos con un EP de 3 canciones titulado El Arte de las Decisiones y en 2018 presentamos nuestro primer disco, Diagonal Norte. Hace unas semanas sacamos una canción llamada «Bufandas».

¿Qué es lo que más destacan de su último single “Bufandas”?

La frescura, si bien es un tema que ya veníamos tocando en vivo, a la hora de grabarlo se construyó desde cero.

Producimos el tema con Fleko Correa y Álvaro Morales (Johny Boy) y ellos, en gran parte, pudieron darle otra lectura e incorporar nuevos elementos o reforzar lo que teníamos en mente.

En “Bufandas” se nota la influencia del Synth Pop. ¿Cuáles sienten que son sus principales influencias en el género y hacía dónde siente que está evolucionando el grupo?

Roadie arrancó siendo quizás por así decirlo una banda más «rockera». Nos volvían loco The Strokes, Arctic Monkeys, The Libertines, The Smiths. En ese camino, encontramos mucha más música y elementos que nos gustaban como Two Door Cinema Club, Depeche Mode, etc…

Por lo general componemos en una especie de democracia, entonces se ve involucrado todo lo que escuchamos cada uno y se vuelca en el ensayo. Fue todo un proceso que fue girando constantemente en esa búsqueda de un sonido propio.

Ya en nuestro primer disco nos dejamos llevar al agregarle teclas más presentes y ese disco nos llevó a compartir escenario con bandas como Bándalos Chinos, Usted Señalemelo, Telescopios… En algún momento eso que escuchás constantemente de alguna forma se tramita como influencia y para este single queríamos un sonido actual, de eso se encargó Fleko y Álvaro sobretodo.

¿Cómo están sobrellevando la pandemia de hoy en día como banda?

Si bien veníamos parados, teníamos un show el 8 de abril en el que volvíamos a los escenarios con nueva formación.

Era muy importante para nosotros porque veníamos generando una perspectiva nueva y laburando mucho el show.

La pandemia nos tomó por sorpresa y un poco nos bajoneó, pero de todas formas nos dio también el tiempo de replantearnos decisiones, componer más, también trabajar en nuestros proyectos solistas.

¿Cuáles son sus próximos proyectos como grupo?

Queremos principalmente retomar el ritmo, subir canciones nuevas que ya tenemos grabadas y esperamos con ansias la habilitación para poder realizar esa serie de shows que quedaron pendientes. Actualmente somos un trío y seguro nos vamos a ir sorprendiendo nosotros a medida que pase el tiempo. Hay Roadie para rato.

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Entrevista a Astrománticos

Con fuertes influencias del Glam Rock de los 70s, el Britpop, Powerpop, entre otros géneros, Astrománticos lanzó recientemente su primer EP llamado “Marionetas Olvidadas”. Y Diego Vieites (Juana la loca, Starpunks, Animo) y Junior Fernandez (Zero, Bandoleros) nos cuentan sobre este proyecto, su historia y demás en esta entrevista.

¿Cuentennos la historia de cómo nació el proyecto?

Nació de la necesidad de generar en estos días atípicos que estamos viviendo, habíamos compartido banda con Diego y Hector, (guitarrista y baterista), a fines de los 90´s, y muchas de esas canciones nos habían quedado pendientes, y fue una excusa para empezar a sumar nuevas y grabar.

¿Qué es lo que distingue a Astrománticos de otras bandas?

Creo que lo que distingue a Astrománticos de otras Bandas es la composición y la manera de Producir las canciones, somos una banda con gustos musicales amplios y eso nos da la posibilidad de movernos creativamente dentro de ellos y no con una sola postura. Si bien, el marco es el rock/pop clasico, en ese contexto, elegir sin limitación.

¿Qué es lo que más destacan de su primer EP “Marionetas olvidadas”?

Definitivamente las canciones. La idea innegociable desde el minuto 0 es que lo único inamovible e intransigente sea priorizar el deseo artístico, la «necesidad» musical de la canción, sin que otros factores altere eso. Es un primer paso, que para este año pensamos en tres etapas, segundo EP y disco.

¿Qué opinan del Rock Argentino de hoy en día? ¿Qué otras bandas y artistas escuchan de la actualidad?

Como siempre, hay una escena con mucha vitalidad y diversidad en cuanto a generos, nombrar solo a algunos, es injusto, pero, Excursionistas, Ovnis, Ludomatic, Lic. Pyterson, Toboganes a Marte, Traje desastre, Juguete ruidoso, Siempre es medianoche, Lucas stay free, Triste Realidad, Brixton, Placer, Valle, Juana, y un montón más, siempre están en nuestros playlists.

¿Cómo están sobrellevando la cuarentena general como grupo? ¿En qué sienten que los afectó más el contexto actual?

Mas allá de la cuestión obvia de la socialización y de lo laboral, el hecho de reformular la manera de intercambiar las canciones y generarlas, es lo que más nos afectó del contexto actual, estamos acostumbrados a ensayar para grabar, y eso, hoy es algo en lo que tuvimos que reinventarnos.

¿Qué nos espera para la segunda parte de “Marionetas olvidadas” que estarán lanzando en agosto?

Otras 5 canciones, en la misma línea de melodía y guitarras, de Glam, Power Pop y Brit, creemos que es un poco más «rockero» que “Marionetas”, más cerca de los discos de los 70s de Cheap Trick o Slade, o por lo menos esa es nuestra intención.

Escucha “Marionetas Olvidadas”:

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Entrevista a BUDA

Con un EP en su haber («Otro Lado»), varios singles ya lanzados y un nuevo disco en camino, Gero Sanchez, baterista de BUDA, nos cuenta un poco la historia de su grupo y nos anticipa lo que será su próxima presentación en La Trastienda el 10/11 a las 20hs.

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Entrevista a Awful Traffic

Awful Traffic, la banda de Rock instrumental proveniente de Mexico, nos brindó esta entrevista en la que nos cuentan su historia y sobre su último disco “El Viento Predice El Futuro”.

Awful Traffic

  • A: Adolfo
  • R: Ruben

¿Cómo fue que definieron el nombre de la banda?

A: El nombre se definió por un videojuego. En ese entonces estaba de moda Guitar Hero y una amiga mía llamada Luigina tenía en su modo carrera el nombre de Awful Traffic. Al ver y escuchar ese nombre hizo click en mí y le comenté a Rubén. Busqué Awful Traffic por todos lados para asegurarme de que nadie lo tuviera, ya que en ese entonces buscábamos nombre y la mayoría de ideas ya existían o ya estaban registradas. Al ver que nadie lo tenía fue como nos quedamos con él.

¿En qué creen que se diferencian de otras bandas instrumentales?

R: Llevamos tocando 10 años música instrumental y lo que realmente a conectado con la gente son las diversas emociones que te causa nuestra música. Awful Traffic es música que conecta con el alma.

A: Desde mi perspectiva, nuestra música tiene el poder de hacerte recordar un momento, una persona o un lugar. En cada persona puede ser muy diferente ese efecto y eso hace única cada interpretación que le dan a nuestra música.

La banda ya cumple más de 10 años de trayectoria. ¿En qué fue en lo que más creció Awful Traffic?

A: Hemos aprendido muchas cosas, realmente el objetivo siempre ha sido salir de nuestra zona de confort e ir por algo más allá. Cada año nos ha fortalecido y con el paso del tiempo hemos aprendido muchas cosas valiosas desde lo más básico a lo más complejo. Lo único que nunca va a caducar es la perseverancia. Nuestro estado es pequeño y hay grandes músicos pero nadie se ha atrevido a hacer lo que nosotros, la música de eso se trata de arriesgarse.

R: Ha madurado más allá de lo que hubiéramos imaginado. Cada vez los objetivos son más altos y estos 10 años son trabajo, esfuerzo y dedicación. Siempre hay nuevas oportunidades para crecer y aprender.

¿Alguna vez pensaron en incorporar un vocalista en el grupo?

R: Si y no, nuestra música siempre ha fluido sin necesidad de tratar de buscar una voz, pero si se llegó a pensar en nuestro subconsciente pero siempre estuvimos seguros del camino instrumental.

A: Creo que la música instrumental tiene más poder que una letra, ya que una letra te limita a una sola intención. El post rock es un viaje de emociones, recuerdos, vivencias que se adaptan a cada persona, creando una experiencia para cada individuo que la escucha.

¿Qué es lo que más destacan de su último disco “El Viento Predice El Futuro”?

A: El proceso para hacer este disco fue de lo más divertido, experimentamos con circuit bending en algunas canciones, el disco relata la historia de nuestros Álter Egos: el Lobo y el Oso. En este disco nos inspiramos en la cultura japonesa y combinamos lo tradicional con tintes electrónicos. Algunos títulos del disco son frases en japonés que se refieren a algo: Ikigai (la razón de vivir, eso que te hace levantarte todos los días), Gaman (seguir intentando a pesar de las adversidades), Wabi-Sabi (la búsqueda de la belleza dentro de las imperfecciones), Ukiyo (mundo flotante, sin preocupaciones), Komorebi (la luz que se filtra a través del sol en los árboles), Yugen ( la belleza del universo) y Kogarashi (el primer viento que te avisa que se acerca el invierno). El Viento Predice El Futuro es un viaje sonoro, escúchalo con el corazón, no con la razón.

R: Se destaca la manera en que se grabó, ya que cuidamos que cada elemento que hiciera falta estuviera ahí, también cabe mencionar que las canciones del disco son continuas y hacen referencia a una composición fusionada en lo emocional pero también cuidando detalles técnicos.

Su música podría incorporarse tranquilamente en el soundtrack de alguna película, serie o videojuego ¿En cuál se lo imaginarían?

R: Sí, se acopla bastante bien en todo eso que mencionan, depende la intención que se busque, lo imagino en un juego de aventura espacial o porque no en el soundtrack de un FIFA.

A: Yo soy muy fan de las bandas sonoras que se hacen en las películas, series y videojuegos, afortunadamente he creado algunos de los ya mencionados, bajo el nombre de “Álvarez Villeda” actualmente ando trabajando en un soundtrack para la empresa de Nueva Zelanda ClockWork Giants en su videojuego llamado Introspect. Con Awful Traffic sinceramente sería un sueño poder participar en algo así de increíble, creo que podemos encajar en cualquier panorama, espero que muy pronto nos pidan un trabajo de ese calibre.

¿Cuáles son sus próximos planes para el futuro?

A: El viento nos predice este 2019 una gira internacional, compartir el escenario con más bandas extranjeras, tours, la composición de nuestro 3° disco, mucho aprendizaje y diversión.

R: Viajar, componer, ampliar nuestros horizontes.

Más info sobre la banda:

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Entrevista a Juana La Loca

Rodrigo Martín de Juana La Loca nos brindó está entrevista en la que nos cuenta sobre su actualidad, con su reaparición luego de 6 años con su disco Resplandece y sus próximos planes a futuro.

Pasaron 6 años de su último disco y antes que eso 7 años, entre un álbum y el otro. ¿Por qué sienten que pasó tanto tiempo entre el lanzamiento de cada disco?

Siempre nos tomamos el tiempo necesario para nuevas composiciones y no repetir formulas. Creemos que no hay tiempo preestablecido para sacar un disco en un lapso determinado, mas bien creemos en la inspiración en la investigación sonora en un concepto que define nuestro estilo.

Ya cumplen 30 años desde que se formó el grupo ¿En qué sienten que evolucionó Juana La Loca durante todo este tiempo?

Adquirimos y protagonizamos nuevas experiencias permanentemente, como por ejemplo que Billy Preston haya participado en vida modelo el viaje a Los Ángeles para concretar el disco, tocar con Depeche Mode en velez, abrir el show de Oasis en el Luna Park, la participación de Jimmy Rip en el disco Pastillas para el Dolor. Y haber conquistado por nuestros medios y por el arrojo constante un sonido característico de Juana la Loca en cada uno de nuestros discos.

¿Que es lo que más resaltan de su último disco «Resplandece»?

Que hayan vuelto a grabar dos miembros originales y fundadores de la banda (Aitor Graña y Roberto Pascuale) en su regreso a Juana La Loca; que el disco haya sido mezclado dos veces para encontrar un sonido novedoso; y compositivamente también influyó mucho en nuestro sonido y estilo los nuevos integrantes Diego Vieites (guitarra y coros y composición), Andres Garcia (bajo) y Javier Lopez (en los teclados y las programaciones).

¿Cómo ven el Rock Argentino de la actualidad y en qué se diferencia de su auge en los noventa? ¿Qué es lo que más extrañan de los noventa?

Creo que en este ultimo tiempo surgieron varias bandas con ideas nuevas. De hecho yo estoy produciendo el disco de Juventud Dorada y un solista Luciano Taddeo y encuentro en ellos un sonido refrescante.

Con respecto a los 90 existía una búsqueda experimental que caracterizaba un nuevo estilo con respecto a otras décadas del Rock Argentino, particularmente no añoro por demás esa década, porque creo que es importante evolucionar constantemente, pero considero que los 90 conceptualmente marcaron una generación.

¿Qué otras bandas y artistas les gustan de la actualidad?

Personalmente a nivel nacional: Juventud Dorada, Luciano Taddeo, Capuchas de Hop, Placer, Brixton, Viva Elástico, y a nivel internacional ahora estoy escuchando The Struts.

¿Cuáles son los próximos planes de la banda?

Acabamos de terminar un ciclo de 4 shows donde en cada uno se presentaban 2 discos distintos de nuestra carrera, de esos conciertos estamos mezclando y produciendo un disco en vivo, acabamos de estrenar nuestro vídeo del primer corte de Resplandece, «Fuera de Vos»  y tenemos planeado editar este año un documental de los 30 años de la banda con imágenes inéditas de todas las épocas. Ademas este ciclo fue filmado y será parte del documental, el 16 de Marzo iniciamos la presentación oficial y puntapié inicial de la gira de Resplandece con la idea de extenderla al resto del país y a Chile, Uruguay y Paraguay. También, quiero mencionar que el año pasado, 2018, reeditamos y re masterizamos en cassette, nuestra primera obra del 1991 Autoejecución (producida por Daniel Melero) y lo mismo hicimos con el disco Planeta Juana La Loca.

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Entrevista a Bien Jodidos

En la antesala de su presentación el próximo 22/12 en Liverpool Bar (Arévalo 1376, CABA), el joven grupo llamado Bien Jodidos, quienes recientemente acaban de lanzar su disco debut “Golpeando el Sol”, nos brindaron esta entrevista donde nos cuentan su historia.

Cuentennos su historia ¿Cómo fue el salto de pasar de ser un grupo que tocaba en actos escolares a una banda que con cada vez más recorrido?

Es un salto que nadie pudo mensurar el momento en que pasó. Simplemente se fue dando naturalmente, a fuerza de mucho empeño de parte de nosotros y, por supuesto, de la gente que nos apoya y ya hoy nos sigue. Estamos orgullosos de lo que hemos logrado hasta el momento, pero no nos conformamos y pensamos ir por muchísimo más.

¿Qué sienten que los diferencia de otros grupos?

Tal vez la mayor diferencia, que no somos los únicos que lo hacemos pero si que lo sentimos natural, es la predisposición para no atarnos a una fórmula única.

Muchas bandas encuentran una fórmula que funciona en cuanto a estructuras o formas y se atan a ello. Nosotros, al ser independientes, tratamos de experimentar sin miedo a equivocarnos en lo que nos place tocar y en base a ello creemos que las cosas fluyen de la manera que están fluyendo.

¿Qué es lo que más destacan de su primer disco “Golpeando El Sol”?

Es unánime que lo más destacable es la diversidad de estilos que pudimos abarcar, aunque si nos enfocamos en lo que estamos componiendo para nuestro segundo trabajo nos estamos volcando a un estilo que nos está sentando muy cómodos.

La variedad de estilos nos permite llegar a diversos públicos y que si un oyente no aprecia un riff de rock, pueda apreciar un funk, o un solo de blues. Creo que desde ese lado es muy versátil nuestro primer álbum.

¿Alguna anécdota del proceso de grabación?

Durante el proceso de grabación estaban las mezclas realizadas, todas las tomas hechas y de repente a Seba se le ocurrió REGRABAR TODAS LAS VOCES!!!!!! nos queríamos matar, pero a su vez sabíamos que el quería superarse y por eso aceptamos.

La salida del disco se demoró un poco, pero más que conformes con el producto final.

¿Cómo se ven como grupo de acá a 10 años?

Soñamos en grande, porque soñar no lo puede impedir NADA NI NADIE. Por ende, en 10 años queremos ser una influencia para aquellos que recién estén arrancando, queremos ser un modelo, un ejemplo y no parar de tocar nunca.

¿Qué nos pueden adelantar de su próximo show en Liverpool Bar?

Va a ser un show hermoso. Nos vamos a dar el lujo de volver a hacer un set acústico que no podemos hacer hace bastante, lista completa y algún que otro cover para endulzar al público. No nos olvidemos que cae en una fecha festiva, tal vez haya algún que otro regalo de navidad por parte de la banda para el público….

Más info sobre Bien Jodidos:

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Entrevista a Atropello Carregal

Gonzalo «Pollo» Fernandez, cantante y guitarrista de Atropello Carregal, banda que este sábado 8 de diciembre  estará  presentando en Beatflow  (Av. Córdoba 5509, CABA) su último EP “Que Paso Algo” y dos videoclips, nos brindó esta entrevista en la que nos cuentan sobre su evolución y su presente.

La banda suena muy bien. ¿Qué sienten que los diferencia de otras bandas de la actualidad?

No sé exactamente qué nos diferencia, hemos andado mucho tiempo buscando una identidad musical que creo que hoy hemos encontrado. Durante mucho tiempo nos emparentaban con otras bandas automáticamente, bandas que claramente nos habían influenciado, pero a las cuales no queríamos parecernos y no sabíamos cómo hacer. La comparación siempre está porque es una forma de «medir» algo nuevo, pero hace rato que la gente que nos escucha por primera vez nos relaciona con bandas que no tienen mucho que ver una con otra, creo que eso nos da la pauta de que estamos haciendo algo cuanto menos difícil de catalogar. Eso lo tomo como un logro, algo que refleja que estamos teniendo nuestra propia identidad. Por otro lado somos una banda que intenta no salirse del formato «canción». Tratamos de no irnos por las ramas cuando hacemos un tema, evitamos lo más que podemos caer en lugares comunes en las letras o en frases hechas, si bien nuestra raíz es rockera nos damos el gusto de tocar cumbias o cosas medio folclóricas, algunas otras cosas tiradas para el lado afro (desde lo rítmico). Quizás sea toda esta búsqueda la que da como resultado algo distinto a otras bandas de la actualidad. De todos modos me gustaría resaltar que la escena actual es super rica y variada, y está repleto de músicos y músicas impresionantes.

¿Qué sienten que distingue a su EP “Que Paso Algo” de sus trabajos anteriores?

Creo que ahora entendemos mejor desde el principio de la cadena de composición a dónde queremos ir con cada canción. Hay cada vez menos cosas libradas al azar, lo cual le da frescura a la ejecución porque estás convencido de lo que estás haciendo. También eso se nota en los vivos. Y creo que a nivel audio sobre todo en el último EP hay un salto de calidad, podemos ahora sacar sonidos más copados, «modernos» si se quiere. Pudimos romper con los sonidos «clásicos» de guitarras y bajos sobre todo. Ya lo habíamos logrado en nuestro último disco largo, pero con mucha colaboración de Lucas Gomez en ese momento (quien grabó y mezcló tanto «La moral…»-2014- y «Que pase algo» Ep 2017), que nos marcó un poco el camino que luego seguimos «solos».

Pasaron 10 años del primer trabajo de la banda. ¿En qué sienten que evolucionó más la banda?

En lo musical hemos aprendido cómo es el trabajo de estudio, nos preocupamos mucho por ejecutar bien los instrumentos. Cuando no sos un virtuoso creo que es importante que te ocupes de tocar lo mejor posible a fuerza de ensayo y repetición. La tecnología nos acompañó en esta evolución, y nos permitió trabajar mejor las canciones y los arreglos, armar las lineas de voces, guitarras y bajos con mejor criterio. Con una compu y una placa podes emular muy fielmente todo lo que vas a hacer luego dentro de un estudio de grabación «profesional», y obviamente hay cosas que se pueden dejar grabadas en forma definitiva también. Después hay muchas cuestiones extramusicales en las que hemos mejorado, como la comunicación, el laburo de producción en cada fecha, todo lo que acompaña a lo musical lo llevamos de manera mucho más orgánica que al comienzo.

¿Para cuándo se viene un nuevo disco de larga duración de Atropello Carregal?

El año que viene va haber nuevas canciones, esperamos para los primeros meses. De todos modos no será disco, vamos a seguir por el camino de los singles y EPs porque nos resultó una mejor manera de encarar el material nuevo. Nos da tiempo para laburar a fondo los temas y de generar material audio visual para acompañarlo sobre todo en YouTube, pero también para la redes en general es mejor que las canciones lleven video.

¿Qué nos pueden adelantar de su presentación en Beatflow?

Va a ser la despedida de este show que se fue armando a lo largo de este año, un show compacto de un tema tras de otro, pero esta vez con algunos invitados vamos a tener a Charly Velrio de Los Mutantes del Paraná y le vamos a pedir prestado el violero a De La Gran Piñata! Va a ser una lindo cierre de año.

Más info sobre Atropello Carregal:

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Entrevista a Fede Fontenla

Fede Fontenla, músico que acaba de lanzar su primer disco solista «La Estanca Luz» y está próximo a presentarse el 13 de diciembre en Liverpool Bar (Arévalo 1376, Palermo, CABA), nos brindó esta entrevista en la que nos cuenta su historia y su presente.

Contanos tu historia ¿Cómo empezaste tu carrera en la música?

Arranca como la de casi todos, amigos de la secundaria que querían armar una banda. La diferencia es que yo no sabia tocar ningún instrumento, y ahí faltaba un bajista. Entonces compre un bajo roto, me costo 30 pesos, lo arreglamos con mi hermano y ahí empece a tocar. Supuse que era mas fácil porque solo tenia que tocar una nota por vez jaja.

Con el tiempo fui interesandome mas por guitarra, y de poco le fui dando mas tiempo a eso.

Incluso en la banda nadie cantaba, y yo empece a cantar. Fue un mutuo descubrimiento, mientras mas tiempo le dedicaba a eso, mas me interesa la composición, las armonías, la creación de una canción, de sentir una valcula de escapa la música que te salva a veces de los ruidos absurdos que se te cruzan por la cabeza.

Al tiempo ya estaba con profesor de guitarra, después de piano, después escuela de música, integre varias bandas, creaba canciones, cantaba. Y entendí que ahí estaba yo, y que ese era mi lugar en el mundo, un tipo que con canciones quería generar algo en el otro.

Tu primer disco toca diferentes géneros ¿Cuales consideras tus principales influencias?

Las influencias uno no las elige, es casi como la familia, no se lleva en la sangre pero se nos va tatuando en la piel sin darnos cuenta. Esto lo digo porque tuve la suerte de escuchar una gran cantidad de artistas de géneros muy variados. Desde Piazzolla hasta Atahualpa Yupanki, pasando por los Beatles, la bossa nova, Ella Fitzerald, el blues de John Mayer. Y la lista podría volverse casi infinta. Pero la verdad que en mis años de adolescencia, hubo una conexión muy especial primero con Charly Garcia, mas tarde con el Flaco Spinetta. Que definitivamente me marcaron mucho. También Fito Paez fue un músico que incluso vivi muy de cerca porque cuando mas me acerque a la música, era el que estaba explotando por todos lados.

Esa música esta impreganada en mis canciones indudablemente, y yo creo que uno de ahí no se puede escapar, al menos si quiere ser genuino tiene que perder prejuicios. Si me dicen tu voz es parecida a la de Pedro Aznar, a la de Cerati, a la del Flaco, y bueno, la gente necesita tener su referencia, y no esta mal. Para mi es un halago que al escucharme piensen en esos tremendos artistas.

¿Cómo fue el proceso de grabación de “La Estanca Luz”? ¿Qué es lo que más destacas del disco?

El proceso fue bastante sencillo. Nos juntamos en febrero con mi productor musical, hermano de la vida, Emiliano Di Nardo. Él acababa de terminar de hacer un disco de temas del rock argentino con arreglos muy complejos, pero había quedado sencillamente hermoso. Cuando lo escuché me estimuló a que me diera una mano a poder avanzar con mi tan burocrática duda de plasmar mis canciones o no en la nube virtual. Hasta que nos pusimos de acuerdo en minutos. Queríamos hacer un disco como los de antes, chico, de no mas de 10 canciones, que llevara un esencia que es en definitiva su concepto, pero a la vez con un lema muy clara: que gane la canción. Quise alejarme de todo narcisismo. Yo tenia maqueteada todas las canciones desde hacia mucho tiempo, pero le pedí reformular todo, y rescatar lo mejor de cada cosa. Necesitaba alejarme de ese material que tantos años me venia acompañando. Y así fue, elegimos las canciones, las maqueteamos como referencia para los músicos, y empezamos con la grabación músico a músico. Ibamos viendo detenidamente que la canción fuera creciendo con el aporte de cada instrumento. Y eso nos daba mucha felicidad. Somos 15 músicos que trabajamos en el disco, de muy distinto genero, con sonidos totalmente contrapuestos. Desde el sonido eléctrico y sintetizado (con programaciones arranca el disco) hasta sonidos orgánico, como un cuarteto de cuerdas (así termina el disco).

Si tuviera que destacar algo seria que definitivamente son canciones que sobrevivieron al paso del tiempo, porque son canciones sinceras, que aun hoy me emocionan.

¿Qué opinas de la escena musical actual? ¿Con qué otros artistas te gustaría compartir escenario?

Nunca fue fácil en argentina sobrevivir con el arte. Es una tarea heroica. Por eso veo mucho amor en los artistas emergentes y los que han logrado traspasar las barreras que me apasiona. Hay mucho talento, siempre lo hubo, con mayor o menor suerte. Hoy todo cambio, esto todo al alcance de las manos, pero a la vez hay mucha oferta. Eso marea un poco a la gente, mucha información, poca posibilidades de difundirse de manera independiente, y poco tiempo para profundizar en las canciones. Todo pasa muy deprisa. Sin embargo, este es un ejercicio que depende de cada uno de nosotros. Yo permanentemente intento encontrar artistas que me trasmitan algo, que me emocionen, o que me sorprendan.

Artistas son muchos, de los emergentes, me encanta Daniela Spalla, que ahora esta viviendo en México, Lucas & the Woods, Hipnótica. No sé, muchos y muy variados.

¿Qué nos podes adelantar de tu presentación en Liverpool Bar?

La idea, es hacer versiones acústicas de los temas del disco, una versión bien intimista, que desnuda mi relación con la canción, porque así nacen, con una guitarra con un piano. Así que voy a buscar eso, el corazón de la canción.

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Entrevista a Doctor Brown

En la antesala de su show electroacústico en el Teatro Sony (José A. Cabrera 6027, CABA) el próximo 9/12, Doctor Brown nos brinda esta entrevista en la cual nos cuentan sobre su disco en vivo lanzado hace poco tiempo y sobre su presente.

Siempre nos interesa saber cómo eligen el nombre de su banda. ¿Cuentennos la historia de por qué eligieron a «Doctor Brown» como nombre?

Elegimos “Doctor Brown” como nombre de la banda porque nos resultó copado recordar al “Doc” Emmett Brown, un personaje conocido y querido por un montón de gente. Al momento de pensar cómo íbamos a llamar a la banda (allá por 2006) una de nuestras películas preferidas era “Volver al futuro”, y todavía la seguimos valorando como una gran película, que es un placer mirar y disfrutar de nuevo.

La banda ya cumple más de 10 años de trayectoria. ¿Qué fue en lo que más crecieron como grupo?

En este tiempo que tenemos de trayectoria, una de las cosas en las que más crecimos es en la responsabilidad con que nos tomamos lo relacionado con la banda. Justamente, fuimos tratando de aportarle más tiempo y más laburo, sobre todo porque es lo que nos gusta, y el aporte de cada uno termina confluyendo en el paso a paso de todo el grupo. Cuando uno nota los resultados que eso da, es la mejor sensación que hay.

Con sólo dos discos en su haber, sacan ahora un álbum en vivo cuando muchos grupos tardan un poco más. ¿Qué sienten que logra capturar «Sintiéndome Vivo»?

“Sintiéndome vivo” logra capturar dos cosas: por un lado, lo que somos cuando nos subimos al escenario, y por otro lado, todo lo que el público pone de sí mismo para hacer realidad el recital. El vivo es nuestro momento de más motivación, porque ese laburo que venimos haciendo en cada ensayo, desde hace tiempo, se juega justamente ahí. Tratamos de dar la mejor versión de cada uno, y quisimos que quede registrado tanto en audio como en video.

¿Para cuando un nuevo disco de estudio de Doctor Brown?

El 2019 va a ser un año en que avancemos con algunas canciones que ya compusimos (y que hace falta pulir) y en canciones nuevas. Una vez que tengamos pulidos esos temas, listos para grabarlos en estudio, va a llegar el momento de elegir el mejor formato para darles, sobre todo teniendo en cuenta que ahora el streaming y las plataformas digitales son la manera masiva en que se escucha música y en que las bandas independientes se dan a conocer.

¿Qué nos pueden adelantar de su presentación en «Teatro Sony»?
¿Por qué decidieron hacer un show electroacústico?

Nos motiva mucho la idea de presentar nuestros temas de una manera distinta a lo que veníamos haciendo, y por eso creemos que un show electro-acústico es la mejor opción para conseguir eso. Esperamos que la parte propiamente musical se pueda apreciar de una manera más nítida. Sobre el recital podemos adelantar que vamos a agregar instrumentos invitados para que se luzcan más las versiones electro acústicas, y que en la lista de temas habrá algunos que hace mucho no hacemos, más algunos covers del rock nacional.

Más info sobre Doctor Brown:

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Entrevista a Vito Martino & Los Inolvidables

Vito Martino & Los Inolvidables, banda reconocida en  el programa «Rock del País», que lanzó recientemente su segundo disco titulado «Real», nos brindó la siguiente entrevista donde nos cuentan sobre su presente.

Para quienes todavía no los conocen ¿Cómo se presentarían para llamar la atención y los empiecen a escuchar?

Hola! Somos Vito Martino & Los Inolvidables y tenemos las mejores canciones del condado, pasen y escuchen.

¿Qué es lo que más destacan de su reciente disco, «Real»? ¿Qué sienten que lo distingue de su álbum debut?

Las canciones y su variedad, que hace que los shows sean divertidos y muestra también la versatilidad de la banda. También la producción, que estuvo a cargo de la banda. Estamos muy contentos!

¿Cómo fue la experiencia de grabar con Jorge Serrano de Los Auténticos Decadentes?

Que el señor de la Melodía elija tu canción es de las mejores cosas que nos pasó en la carrera y confirma el camino. Jorge está ahí con Andrés, Fito y nuestros grandes, lo vemos en ese marco. Felices de tenerlo en nuestro disco.

¿Qué sintieron al compartir escenario con La Beriso y Estelares? ¿Con qué otros artistas les gustaría tocar?

Ambos tienen grandes canciones, los miramos y aprendemos. Disfrutamos mucho del cruce con colegas, eso fue de lo más interesante del Cosquín Rock, por ejemplo.

¿Cuáles son sus próximos proyectos a futuro?

Estamos trabajando en una gira por México a comienzos de año y luego nos tendrán por Buenos Aires seguramente.

Más info sobre el grupo:

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