Steppenwolf – Monster (1969)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Monster/Suicide/America: 7,5
  2. Draft Resister: 8,5
  3. Power Play: 8
  4. Move Over: 7
  5. Fag: 5
  6. What Would You Do (If I Did That to You): 7
  7. From Here to There Eventually: 7,5

Continuando con su activo y prolífico 1969, donde ya habían lanzado un disco de estudio en Marzo y un directo en Julio, Steppenwolf tuvo listo antes de que termine aquel año su cuarta placa de estudio Monster, el primero con el primera guitarra Larry Byrom en lugar del miembro fundacional Michael Monarch.

Evolucionado definitivamente hacia el Hard Rock los canadienses suena sólida y consistente, la voz de John Kay siempre es fundamental y el resto de la banda cumple con todos los elementos que uno esperaría de ellos y no te decepcionará. También tiene el adicional de letras con alto contenido social y político, con temas candentes por aquellos años como por ejemplo la guerra de Vietnam.

Monster, a pesar de no contar con composiciones memorables que pasarán a la posteridad como “Born to be Wild” es en resumen un muy buen trabajo, bien ejecutado y acertados solos de guitarras para disfrutar de principio a fin.

F.V.

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[Total: 2 Average: 4]

Bob Dylan – Oh Mercy (1989)

Puntaje del Disco: 8

  1. Political World: 9
  2. Where Teardrops Fall: 8
  3. Everything Is Broken: 8,5
  4. Ring Them Bells: 7,5
  5. Man in the Long Black Coat: 9
  6. Most of the Time: 8
  7. What Good Am I: 6,5
  8. Disease of Conceit: 6
  9. What Was It You Wanted: 7
  10. Shooting Star: 6,5

Oh Mercy es el retorno de Bob Dylan en una buena forma luego de una década plagada de desastres. Hay que resaltar su esfuerzo para sonar más fresco y simultáneamente más entero y sólido en lo que tiene para ofrecer. En ese aspecto la principal cualidad positiva es que su producción cambia notablemente para bien. Los coros Gospel, su arraigo religioso y la infumable producción de los ochenta parece cada vez más lejos, aunque nos encontramos en 1989.

Sin ir más lejos, el álbum comienza muy bien con “Political World”, con su ritmo trepidante y su mensaje antipolítico. Es como una versión cuasi Punk de Bob. De hecho, la primera parte del disco es muy buena y consistente, con temas como “Everything Is Broken” y especialmente “Man in the Long Black Coat”, un country con un estilo oscuro muy interesante.

El problema de Oh Mercy está en sus canciones lentas. Tal vez podamos salvar la balada “Ring Them Bells”, sin embargo, la segunda mitad del álbum tiene temas como “What Good Am I”, “Disease of Conceit” y “Shooting Star”, que si bien no son malos, son un declive respecto del resto del trabajo.

De todas formas, pese a que Oh Mercy no es un disco perfecto, está bastante desvalorado, a punto tal de que podría ser considerado su mejor álbum de los ochenta.

Persy

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[Total: 3 Average: 4.7]

Foo Fighters – Sonic Highways (2014)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Something from Nothing: 8
  2. The Feast and the Famine: 7
  3. Congregation: 7,5
  4. What Did I Do?/God as My Witness: 7
  5. Outside: 9
  6. In the Clear: 6,5
  7. Subterranean: 8
  8. I Am a River: 7,5

Tras encontrarse en un nuevo renacer gracias al celebrado Wasting Light (2011) y hasta amagar con separarse los Foo Fighters volverían a los pocos años con una muy buena idea, grabar cada uno de sus ochos cortes en las grandes mecas de la música estadounidense (Chicago, Washington, Nashville, Austin, Los Ángeles, Nueva Orleans, Seattle y Nueva York) con representantes de la escena local del lugar.

Para ello volverían a trabajar con Butch Vig en el proyecto titulado Sonic Highways, acompañado también por una mini serie de la cadena HBO del mismo nombre, con el punto negativo que la idea de que el sonido del álbum se enriquezca con la impronta de cada uno de los lugares no funcionaría en todos los casos en cuanto a lo musical. Aunque si se percibe la inspiración de la historia de cada ciudad en las letras de Dave Grohl.

Vale la pena mencionar las excepciones positivas que lograron el cometido como “Something from Nothing” grabada en Chicago con Rick Nielsen (guitarrista y compositor principal de Cheap Trick), “Outside” en Los Angeles con Joe Walsh (guitarra estrella de The Eagles) y “Subterranean” en terreno local desde su Seattle natal junto a Ben Gibbard (vocalista de Death Cab for Cutie).

En definitiva, difícilmente no produzcan un álbum sólido, se erigieron en la última década en una de las bandas de rock real más respetables del mundo conectando el grunge con el rock clásico y generando un estilo propio, Así y todo, Sonic Highways quedó lejos de representar una “letra de amor a la historia de la música norteamericana” como el propio Dave lo había descripto.

F.V.

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[Total: 2 Average: 3.5]

Fágase la lux

Como resultado de nuestra evolución cultural ―id est, de la errona histórica―, hemos creído que morir es malo, evitamos a toda costa nuestra muerte (…y la de otros, humanos o no). Como consecuencia, alargamos nuestros años de vida, evitamos envejecer, procuramos la juventud, perpetuamos la salud, rechazamos la enfermedad, tememos a todo lo que atente contra nuestra vida. Así, sucumbimos ante un arma, un asesino o un desastre natural, porque nos aferramos a la vida. Tan asidos estamos de la vida que inventamos las almas, las teorías teológicas, la promesa de otro mundo, los zombis, las momias, la fotografía, la literatura y, en fin, todo lo que procure nuestra no muerte ya fisiológica ya conceptual.

Como grada y extensión de nuestra aprehensión por la vida, dependemos nuestra existencia de la salud. Enfermar nos acerca tanto a la muerte, y tememos tanto a la muerte, que evitamos enfermar a toda costa. Luego, cuando ya estamos enfermos, queremos sanar en seguida. Conocemos las hierbas y los ungüentos, mezclamos todos los colores, inhalamos y extirpamos lo que sea, hasta inventamos la aspirina y el complejo B.

Aunque ni tenga nada que ver, extrapolamos el concepto de salud hacia lo psicológico, lo emocional, lo sentimental, lo espiritual, lo intelectual, lo social, lo sexual, lo económico, lo familiar, lo actitudinal, lo profesional, lo laboral, ¡hacia prácticamente todo! (Tal vez haya sido una estrategia mercadotécnica para hacer dinero vendiendo la idea de que se puede estar saludable en todos esos aspectos de nuestras vidas.) Lo hemos traspalado tanto que ahora casi todo resulta ser malo: ser misántropo, ser viejo, ser desempleado, ser pobre, ser soltero, ser feo, ser pedante, ser inculto (lo que sea que eso signifique), ser perezoso, ser presumido, ser presuntuoso, ser obeso, ser ingenuo, ser conformista, ser cobarde, ser infeliz, et cetera. Lo creemos como si tuviéramos que ser de revista, de telenovela, de cine, de disney, de Europa, de la Roma o de Coyoacán para ser felices.

La mediática panacea económico-política nos hace cocowash, haciéndonos creer que para ser felices tenemos que vivir felices. Para colmo, y como propuesta didáctica de solución a todo esto, inventamos el concepto de inmortalidad sólo para descubrir cuánto podemos no vivir. Concebir medidas sobrehumanas de tiempo más allá de un infinitesimal presente nos sirve solamente para creer que somos un punto pequeño en la historia del universo, que nuestro paso por el mundo es efímero, que estar o no estar es irrelevante para la existencia, y así comprar sus productos comerciales. (Todo esto, claro, extirpado de la costilla del absurdismo).

Como consecuencia, y para buscarle alguna otra solución, nos hemos convertido en seres humanos autodestructivos. No suicidas, sino autodestructivos. El suicidio no es más que la patética e inmadura interpretación de la suprema grandeza y la valentía colosal contenida en la autodestrucción. Únicamente los no masoquistas se quitan la vida, porque no hay nada más autodestructivo que decidir seguir viviendo en este mundo.

He aquí la cereza del pastel: hemos generado un síndrome de Estocolmo hacia la vida.

Kobda Rocha

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La Casa de Papel: Cuarta Temporada

Puntaje de la Temporada:

  • Año: 2020
  • Género: Acción, Policial, Thriller
  • Creador: Álex Pina
  • Reparto: Úrsula Corberó, Álvaro Morte, Itziar Ituño, Pedro Alonso, Miguel Herrán, Jaime Lorente, Esther Acebo, Enrique Arce, Darko Peric, Alba Flores, Rodrigo De la Serna, Hovik Keuchkerian, Luka Peros, Najwa Nimri
  • IMDb Rating: 8.5/10 (Votes: 226,997)

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Clap Your Hands Say Yeah – Hysterical (2011)

Puntaje del Disco: 7

  1. Same Mistake: 8
  2. Hysterical: 7
  3. Misspent Youth: 6,5
  4. Maniac: 7,5
  5. Into Your Alien Arms: 6
  6. In a Motel: 7,5
  7. Yesterday, Never: 6,5
  8. Idiot: 7
  9. Siesta (For Snake): 6
  10. Ketamine and Ecstasy: 7,5
  11. The Witness’ Dull Surprise: 7
  12. Adam’s Plane: 8

Tras cuatro años de impasse, que les sirvió a sus miembros para tomar aire y abrir su cabeza participando de otras experiencias tanto en solista como con otras bandas, sin embargo, en 2011 anunciarían que no se separaron y volverían al ruedo Clap Your Hands Say Yeah para lanzar Hysterical, su tercera incursión discográfica.

En esta oportunidad las composiciones de Alec Ounsworth son más directas con temas de indie rock carentes de experimentación como en su antecesor, aunque en líneas generales es bastante consistente, sobresaliendo particularmente en temas como “Same Mistake”, “Maniac”, “In a Motel” y “Adam’s Plane” la banda no logra sorprender, ni proponer algo nuevo, pareciendo encontrarse estancados en su zona de confort en lugar de incursionar en todas las nuevas experiencias vividas por su cuenta.

Hysterical sería el último álbum de Clap Your Hands Say Yeah como una banda, ya que en los siguientes años todos sus integrantes empezaron a bajarse del barco dejando como único integrante del proyecto a Alec Ounsworth quien se la ingeniería para seguir creando música de calidad.

F.V.

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Avances: The Batman

Trailer o First Look de la esperada próxima película de Batman que se espera para el 2021 y que contará con  Robert Pattinson encarnando al Hombre Murcielago.

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Jolibud versus the world

El cine Jolibudence me enseñó que todos los mundos albergan mejores civilizaciones que el nuestro… no por su tecnología, no por ser más desarrollados, no por sus características fisiológicas, no por una súper inteligencia, no por alguna congénita superioridad especiática, sino por algo que nunca se dice pero está a la vista de todos —aunque tampoco lo vemos; en general, me refiero—: en otros mundos (al menos los que ha logrado concebir el cine) no hay países. ¿No es extraño, por ejemplo, que en Los Vengadores Odín y Thor conquisten mundos y no naciones? Yo me pregunto si de plano los mundos son tan pequeños que sólo cabe una rosa y un princesito o si será acaso cierto que en nuestro mundo también hay sólo un país: EEUU.

Otra cosa es que la política parece estar resuelta en otros planetas. Siempre hay un líder supremo de todo el orbe. En el nuestro, si llegara un extraterrestre a Florida o Lavalleja… vayamos más lejos… Si un extraterrestre llegara a Punta Del Diablo en Rocha, Uruguay, y pidiera ser llevado con el líder, ¿alguien lo llevaría con el gobernante local? ¿Quien preside Punta Del Diablo sería el líder o habría que llevarlo con el gobierno de Rocha? Y una vez allí, ¿no sería mejor conducirlo hasta la presidencia uruguaya? Lo mismo pasaría si el alien llegase a Lobito en Angola, África, ¿o no? Al final, seamos capitalistamente sinceros, el líder último de nuestro mundo (así nos lo ha hecho creer Jolibud) sería el presidente de EUA. Ya veo a Odín, padre de todo, estrechando la mano de Trump, padre adoptivo de todos.

Al decir esto último, se me ocurre que tal vez allá en Asgard, si un astronauta midgardiano llegase a Nastrond, no lo llevarían con Fafnir sino con Odín, el Donald nórdico. Lo mismo que aquí nadie lo conduciría con Lacalle Pou. En fin, para terminar, y para no sentirnos tan miserables, además para evitar sufrir nuestra nova esclavitud (semper fidelis), voy a recomendar un libro y disco que se resisten al destino marcado por los USAs. El primero es De cómo el Roñas y su mamá salvaron al mundo del genialísimo Héctor Chavarría. El segundo es Space Symphony Around Us de los inclementes Carnal Diafragma.

Sonrían y voten por Kodos.

Kobda Rocha

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La Patrulla Espacial – Sobredosis (2017)

Puntaje del Disco: 8

  1. Que No Pare: 7,5
  2. Sobredosis: 8
  3. Alas de metal: 9
  4. Corazón de fuego: 8
  5. Trueno Blanco: 8
  6. Nocturno: 7,5
  7. Ecos de neón: 8
  8. Pétalos negros: 7
  9. Vértigo: 6,5

La Patrulla Espacial demostró ser una de las bandas que mejor supo exponer a Pappo de la actualidad con su trabajo del 2011. En el 2017 lanzaron Sobredosis en el que volvieron a homenajear al Carpo, pero a lo que vendría a ser su versión de Riff en los ochenta. De hecho, ya desde la estética de la portada nos damos cuenta.

Ahora bien, tal vez Riff no sea la mejor versión de la carrera de Pappo, pero no deja de ser muy bueno el Hard Rock /Metal que hizo en esa época. Y la Patrulla lo recrea y explora de gran manera, en un disco muy guitarrero cargado de energía.

La seguidilla conformada por “Sobredosis”, “Alas de metal”, “Corazón de fuego”, “Trueno Blanco” y “Nocturno” evocan a una epopeya del Rock tremenda, por momentos desenfrenada, siendo “Alas de metal” su mejor cara metalera (o la mejor versión metalera de Pappo) y “Nocturno” la más exagerada.

Aunque el disco no es tampoco perfecto. Por momentos puede resultar un tanto reiterativo y genérico. De todas formas tenemos temas como Ecos de neón” en donde también hay influencias del Soul.

Así que Sobredosis es un muy buen disco que sugerimos a cualquier seguidor de Norberto Napolitano.

Persy

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Dr. Feelgood – Sneakin’ Suspicion (1977)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Sneakin’ Suspicion: 8,5
  2. Paradise: 7,5
  3. Nothin’ Shakin’ (But the Leaves on the Trees): 7
  4. Time and the Devil: 8
  5. Lights Out: 7,5
  6. Lucky Seven: 7,5
  7. All My Love: 7,5
  8. You’ll Be Mine: 7
  9. Walking on the Edge: 8
  10. Hey Mama, Keep Your Big Mouth Shut7,5

Con un espíritu autodestructivo, como tantos otros ejemplos en la historia del rock and roll, en el momento de mayor popularidad de su banda, Wilko Johnson abandonaría Dr. Feelgood para comenzar una carrera solista con un perfil mucho más bajo, aunque con algunas excepciones felices y recomendables como los dúos con Ian Dury y con Roger Daltrey de The Who en 1980 y 2014, respectivamente.

Sneakin’ Suspicion (1977), el tercer disco de estudio de la banda, llegaría tras su momento más celebre un año anterior: su vivo Stupidity, con el cual llegaron al pico de los rankings británicos convirtiéndose en el primer álbum en directo en entrar al puesto número uno en el Reino Unido en su primera semana.

Dominado por los potentes y agresivos punteos de guitarra de Wilko, Sneakin’ Suspicion cumple con todo lo que lo que uno espera en una colección de temas de los del sur de Inglaterra, con buenos tracks como “Time and the Devil “, “Walking on the Edge “y “Sneakin’ Suspicion “, aunque contó con un éxito mucho más moderado que sus antecesores y tampoco les permitió alcanzar su añorado desembarco del otro lado del Atlántico, no llegando a editarse nunca en los Estados Unidos.

F.V.

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Devendra Banhart – What Will We Be (2009)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Can’t Help But Smiling: 7,5
  2. Angelika: 7,5
  3. Baby: 9
  4. Goin’ Back: 8
  5. First Song for B: 8
  6. Last Song for B: 7,5
  7. Chin Chin & Muck Muck: 7
  8. 16th & Valencia, Roxy Music: 8
  9. Rats: 8
  10. Maria Lionza: 7,5
  11. Brindo7,5
  12. Meet Me at Lookout Point: 7
  13. Walilamdzi: 6,5
  14. Foolin’: 7

Sencilla, fresca, relajada y libre de ambiciones (casi emulando el estilo Jack Johnson) es la fórmula que encontraría Devendra Banhart, este freak mezcla de mochilero con estrella de rock, para su séptima placa What Will We Be grabada en el norte de California en el año 2009.

Siempre fiel a su origen latino “Es una parte que tengo adentro”, incluiría su cuota de tema cantado en español en “Brindo” y en “Angelika”. “Siempre escucho música nueva, pero la mitad de la música que escucho diariamente es la de siempre. Y eso es música latina. Caetano Veloso, Atahualpa Yupanqui, Víctor Jara, Violeta Parra, Simón Díaz, Eduardo Mateo, Gilberto Gil. Toda esa gente”, asegura Devendra. Afirmación que se puede corroborar por algunos pasajes folk y bossa nova de su música.

Entre los puntos altos emergen “First Song for B” “Baby” con su aura retro, “16th & Valencia, Roxy Music” un homenaje a la banda que forma parte del título del tema y la guitarrera “Rats”, algo atípico dentro de su repertorio. Así y todo, globalmente es un álbum un poco monótono y estamos ante un paso atrás en su carrera, pero sin dejar de lado su impronta e identidad característica.

F.V.

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Dame una G

La palabra del día es “Gay”. Una palabra que supondría no causar ningún revuelto en pleno siglo veintiuno. Dos mil y veinte años de calendario cristiano debería ser suficiente esfuerzo de madurez en este asunto… pero no lo es. Lamentablemente para algunos y afortunadamente para otros, lo “Gay” sigue siendo un tabú… a veces… en algunos contextos… de algunas formas… y en modos algo extraños… pero sigue siendo tabú a fin de cuentas. No importa lo que se diga de los griegos, o de los egipcios, incluso de los religiosos contemporáneos o de la fuerza bruta, armada y salvaje de los gobiernos macho-alfas. Marchas, revueltas, revoluciones, movimientos sociales masivos, drogas, teorías, estudios, psicología, sociología, historia, asesinatos, muerte, violencia, manifestaciones pacíficas, tratados, leyes, discursos, filosofía, poesía, ¡nada ha servido para hacer que mi padre cambie de opinión cuando le digo que soy “Gay”! Para él, cualquier cosa que no sea heterosexual está mal. Ninguna lesbiana, Gay, bisexual, trasvesti, transgénero, transexual, intersexual, pansexual, asexual, demisexual, queer ni zoosexual le hará entender su propia postura, su cosmovisión, su ideología, su constitución integral como ser humano. Reto a cualquiera a posarse frente a mis tíos y abuelo, y ganar el debate discursivo (sin utilizar la fuerza, claro, pues eso sería hacer trampa). Por supuesto que el cocowash mediático y retórico puede funcionar, pero no se atendería la situación desde la razón, desde la comprensión racional de las perspectivas. Así pues, establecido que en el mundo (sí, en este mismo planeta) hay aún resistencia al concepto “Gay” y todo lo que eso implica y de lo que eso se desprende, hablemos de música Gay.

Como en todas las artes atendiendo a una temática en específico, hay tres formas de música Gay: 1) música hecha por Gays, 2) música hecha para Gays, y 3) música que refiera a Gays. Y de ahí, podríamos hacer otra división: a) la música intencionalmente Gay y b) la música Gay por accidente, acaso por incidente. De lo cual podríamos subdividir la música consumida por Gays, la no consumida por Gays, la consumida por todos y la consumida por ninguno. En este punto, vamos cayendo en el absurdo humano de lo creativo por casualidad, es decir, la creación con intención. Qué es de quién o para quién: cabe la pregunta qué es Gay, qué es negro, qué es ciego, qué es sidoso, qué es cubano. ¿Cuál es la música cubana: la creada por cubanos? ¿Cuál es la música sidosa: la creada por sidosos? He aquí el absurdo en que el artista toma una postura, ya sea porque pertenece a ese mismo grupo identitario o porque esa masa (tonta y manipulable como todas las masas) paga bastante bien por sus servicios. En suma, los temas de la realidad ya no sirven al arte sino que el arte sirve a la realidad y sus temas. Y entramos a otra discusión aún más profunda que nos llevaría siglos resolver. Así que, entendiendo ya que para el consumo mediático masivo capitalista lo Gay no es más que otra oportunidad de seguir haciendo dinero, hablemos de música Gay.

Indudablemente, se tienen que mencionar todas esas canciones y grupos que han sido catalogados como Gay ya sea por la misma comunidad Gay o por el resto, o por amba, aunque no necesariamente hayan surgido con esa intención. Un ejemplo de esto es Goodbye Horses de Q Lazzarus, la cual, a pesar de ser cantada por una mujer sin intenciones originales de representar a una comunidad Gay, gracias a la película The Silence of the Lambs (1991) y a la magnífica interpretación de Ted Levine como Buffalo Bill bailando al ritmo de esta melodía, se posicionó como una de las canciones pilares (casi de culto) no sólo de lo Gay sino de toda la población HLGBTTTIPADQZ.

Otra mención inevitable es la gran labor que hizo Village People al tomar la imagen de los estereotipos masculinos (el vaquero Marlboro, el motociclista metalero, el policía, el soldado, el obrero, et cetera) y estetizarlos, sensualizarlos al grado más extremo. El impacto que provocó fue inmenso porque nunca hubo un sentido Gay explícito: los cuerpos estaban bien torneados, las ropas no fueron —como solía decir mi abuela— feminizados, los bailes eran sensuales (sí) pero no más que un tango, y las letras de las canciones siempre estuvieron apegadas al discurso normado del sistema social (YMCA, la musculosa Macho Man y, claro, la inolvidable In The Navy). En realidad, fueron unos genios, porque los hombres nunca dejaron de ser hombres, nadie podía negarles ese título; la única diferencia es que no eran el tipo de hombres que nos habíamos acostumbrado a idealizar durante siglos, lo cual era exactamente el punto de todo esto: un homosexual no deja de ser hombre, sólo es otro tipo de hombre.

Y, sin embargo, lograron cumplir el objetivo planteado, porque dejaron en la consciencia colectiva una idea fija y renovada de aquellos estereotipos de macho alfa. Esto se comprueba con, por ejemplo, el video de Mope de la banda Bloodhound Gang, la cual es un collage paródico de muchas cosas al mismo tiempo, y entre tantas también de esta nueva herencia que dejó Village People al poner a dos policías danzando ahora sí sexosamente con un arcoíris formado con la bandera Gay de fondo (y usando, por cierto, a Frankie Goes to Hollywood diciendo “Relájate y no lo hagas”, referencia importantísima por ser un mensaje harto machote que se transparenta con ver su respectivo video “Relax” donde hay violaciones, feminicidios y usanza de mujeres por placer sexual).

Como nota especial, y por puro divertimento, haré mención de ese capítulo de Los Simpsons en que Homero cree que Bart es Gay y, hombrecito como lo quiere, pretende mostrarle el mundo de “los hombres más rudos del país”. Una fundidora de acero, símbolo del trabajo duro, afianzado idealmente con lo masculino, resulta ser el escenario perfecto para una comunidad Gay. Extrañamente, en esa escena los trabajadores Gay comienzan a bailar al ritmo de Gonna Make You Sweat del proyecto C&C Music Factory, la cual nunca tuvo nada qué ver con el movimiento Gay pero que, por su género musical, por su cercanía con lo declaradamente Gay y su sonido ahora ya relacionado con la comunidad, ahora era catalogada como una canción más de y para los Gays.

Así, podríamos mencionar muchísimas referencias musicales relacionadas con lo Gay, ora intencional ora incidentalmente. Quizá también sería importante mencionar a esas personalidades que se posicionaron como estandartes de esta revolución sexual, como Sir Elton John y Freddie Mercury. Incluso podríamos decir muchísimo acerca de los Gay en el Punk, el Metal y hasta el Grupero, géneros esencialmente masculinos, misóginos y mucho machos. Quién no recuerda ese momento en que Rob Halford, vocalista de Judas Priest, se declaró abiertamente homosexual. Cómo olvidar las letras de Jonathan Davis, el freak violado por su padre, violentado por su madre, el que chillaba “como niñita”, el clown, el faget, el que vestía lencería femenina en el video A.D.I.D.A.S. (siglas, oportunamente, de Todo El Día Pienso En Sexo). Y, nomás por no dejar de mencionarla, Gloria Trevi, la diosa de la noche, uno de los actuales totems Gay de Méjico al menos, entre otros tantos, erige un desenvolvimiento exuberante de la música consumida por Gays, que no necesariamente es restrictiva de esta comunidad.

Quiero hacer otra pausa para nombrar dos canciones de las cuales no quiero opinar sino sólo recomendar y dejar que cada uno genere su propio comentario. 1) Tlalpan Girl de la banda A Love Electric, y 2) Ladyboy Fisted de la banda Isaacarum.

Aunque estoy dejando pasar por alto mucha música, he de terminar esta digresión con una banda mejicana abiertamente Gay: Larva. De hecho, ellos se venden como Puro Pinche Gay Metal. Al principio, por supuesto, el mensaje estaba un poco más oculto. Por ejemplo: en su disco Anormal, siguiendo la línea del New Metal, parecía ser el discurso de una niña depresiva suicida harta de este mundo que no entiende ni la entiende; en Casa de Alfileres, parecía ser el discurso de un adolescente raro que no encaja con el modelo común de la sociedad; y así, cada álbum trataba de evidenciar a ciertos personajes marginados por los amplios grupos sociales dominantes, cosa nada diferente con la comunidad Gay. Finalmente, poco a poco, con una carrera musical consolidada (por tocar bien, no por ser Gay), lograron develarse como una banda Gay haciendo Gay Metal. Hasta aquí, todo va bien. El problema comienza cuando llega la declaración de Peech en una entrevista para un documental sobre el movimiento Gay en Méjico: A la comunidad metalera no le importa si Larva es Gay, en tanto toquen buen Metal; en cambio, la comunidad Gay discrimina a Larva por tocar Metal, a pesar de ser Gay.

Kobda Rocha

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