Odio amoroso

¿Qué es el odio amoroso?

Es exactamente el amor odioso, pero sin tan buen ritmazo.

Matarse a besos, 

acribillarse con caricias, 

balearse con abrazos.

Eso que tenemos tú y yo,

eso es.

 

Esa aversión insoportablemente bella;

esa repugnante guerra de cariño y te-extraños.

Esa mutua antipatía.

 

Cachetada cariñosa, 

blowjob con mordida,

chupetón y moretón.

 

Es nuestra furia incontrolable de amantes extasiados,

de necesitar al contrincante e invitarlo a cenar.

Es la ira de dos enamorados,

es la rabia de los tortolitos comprometidos.

Juan José Lavaniegos lo dijo:

“no habrá nadie que te odie tanto como te amo yo”.

Te amo tanto que me sale el necrofílico interno,

te odio con tanto amor que te quiero vivo para desear matarte.

Todo se vale, todo cuesta, todo se paga.

La única regla es:

ama a tu enemigo tanto como te odias a ti mismo.

Kobda Rocha

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Beastie Boys – The Mix-Up (2007)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. B for My Name: 5
  2. 14th St. Break: 6
  3. Suco de Tangerina: 6
  4. The Gala Event: 7
  5. Electric Worm: 6
  6. Freaky Hijiki: 7
  7. Off the Grid: 8
  8. The Rat Cage: 6,5
  9. The Melee: 6,5
  10. Dramastically Different: 6
  11. The Cousin of Death: 7,5
  12. The Kangaroo Rat: 6,5

Incomprensible aventura (teniendo en cuenta sus antecedentes y por ser uno de los referentes del hip hop desde sus comienzos) plantean los Beastie Boys en su séptimo disco de estudio, The Mix-Up (2007). Un álbum enteramente instrumental, con una producción superlativa que incluye toques de jazz, funk, música ambient y experimental, pero que puede llegar a desconcertar a sus seguidores de siempre.

A pesar de este cambio de impronta los Beasties suenan cómodos y acertados, sin ser algo revolucionario ni mucho menos, su fusión de sonidos con teclados frescos, increíble bajo y ritmos relajados les permitieron hacerse acreedores hasta de un premio Grammy en la categoría mejor trabajo de pop instrumental.

The Mix-Up es una experiencia personal y única para la banda de Nueva York, demuestran que pueden abandonar su clásico hip hop para abrazar sonidos más sofisticados, que por momentos (no en su totalidad) generan resultados reconfortantes y reveladores.

F.V.

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Karen O & Danger Mouse – Lux Prima (2019)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Lux Prima: 9,5
  2. Ministry: 9
  3. Turn the Light: 8
  4. Woman: 8
  5. Redeemer: 8
  6. Drown: 8
  7. Leopard’s Tongue: 7,5
  8. Reveries: 7
  9. Nox Lumina: 8,5

Una de las más gratas sorpresas de estos últimos meses. Lux Prima es un disco que lanzaron en conjunto, de manera colaborativa, Karen O (la cantante de Yeah Yeah Yeahs) y el productor Danger Mouse.

Combinando la excelente voz de Karen y también sus dotes compositivos, junto con el excelente trabajo de Danger Mouse como productor, lograron hacer de Lux Prima un álbum bastante balanceado, que suena por momentos oscuro y espacial así como Funk con ritmos más movidos.

Lo mejor del disco está al principio, primero con la homónima “Lux Prima”,una especie de suite de más de 9 minutos de duración que nunca aburre en sus diferentes secciones. El uso de sintetizadores, el sonido de bajo y la melodía de Karen son impecables. La sucede “Ministry”, la segunda mejor en el álbum, con su onda espacial y con el bajo que me recuerda a Radiohead.

Luego tenemos una seguidilla de temas que son bastante decentes, en los cuales abordan más el Funk, en canciones como “Turn the Light”. Sin embargo, resultan un tanto simples comparados con los anteriores, y por eso de un nivel inferior. Hasta que cierran con “Nox Lumina”, la segunda canción más larga del álbum, que sigue la onda de “Lux Prima”, aunque de una manera menos impresionante.

El resultado que logran en general es muy bueno, prácticamente no hay puntos flojos. Por eso, es un trabajo recomendable que tranquilamente podría haber aspirado a ser catalogado como uno de los mejores del año. 

Persy

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Parasite

Puntaje de la Película:

  • Año: 2019
  • Género: Comedia, Drama, Thriller
  • Director: Bong Joon Ho
  • Reparto: Kang-ho Song, Sun-kyun Lee, Yeo-jeong Jo, Woo-sik Choi, So-dam Park, Jeong-eun Lee, Hye-jin Jang

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Taj Mahal – Giant Step / De Ole Folks at Home (1969)

Puntaje del Disco: 8

Giant Step:

  1. Ain’t Gwine Whistle Dixie No More:
  2. Take a Giant Step: 8
  3. Give Your Woman What She Wants: 7
  4. Good Morning Little Schoolgirl: 8
  5. You’re Gonna Need Somebody on Your Bond: 8
  6. Six Days on the Road: 8,5
  7. Farther on Down the Road (You Will Accompany Me): 7,5
  8. Keep Your Hands Off Her: 7,5
  9. Bacon Fat: 8

De Ole Folks at Home:

  1. Linin’ Track: 8
  2. Country Blues No. 1: 7,5
  3. Wild Ox Moan: 7
  4. Light Rain Blues: 7,5
  5. Little Soulful Tune: 6
  6. Candy Man: 8
  7. Cluck Old Hen: 8
  8. Colored Aristocracy: 7
  9. Blind Boy Rag: 6
  10. Stagger Lee: 9
  11. Cajun Tune: 5
  12. Fishin’ Blues: 8
  13. Annie’s Lover: 8

Tras sus grandes trabajos iniciales como Taj Mahal y The Natch’l Blues (1968), el versátil blusero Taj Mahal continuaría en ascenso y participaría a fines de aquel año de la reunion musical que derivó en un concierto, disco y película: The Rolling Stones Rock and Roll Circus, junto a John Lennon, Eric Clapton, Yoko Ono y los propios Stones, entre otros.

Al año siguiente lejos de bajar el perfil Taj grabaría un ambicioso álbum doble, por un lado eléctrico Giant Step y en otro acústico y rural De Ole Folks at Home, en donde el artista pudo exponer su estilo particular de blues en versiones con su propio sello de temas como “Six Days on the Road”, “Good Morning Little Schoolgirl”, “You’re Gonna Need Somebody on Your Bond”, “Stagger Lee”, “Candy Man” y donde también enriquició temas tradicionales como “Cluck Old Hen”, “Annie’s Lover”.

Con Giant Step/De Ole Folks at Home Taj Mahal comenzó a construir su reputación como un auténtico bluesman moderno, ganando el aprecio de muchos colaboradores musicales, ubicándose como punto de referencia dentro de su amplio catálogo.

F.V.

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Haciendo justicia a lo mejicano

La digresión de esta semana es breve y directa. Lo único que quiero es enlistar diez canciones que sellarán las bocas impertinentes de los malinchistas que repiten insulsamente que en Méjico no hay buen metal. Ya sé que es inútil discutir con cualquier ignaro que ha sido cocowasheado por el imperio estadounidense, pero igual no está de más aleccionarlos de vez en cuando (nunca se sabe cuándo podrán entrar en razón). Así es que voy a retar a todo aquel ingenuo que piense que el metal sólo puede venir de la Europa norteña o, peor aún, de la tierra del Capitán América; el reto será escuchar esta lista y encontrarle deficiencias musicales en su escala de calidad auditiva.

  1. Víctima (Ágora). Precisión y herencia exacta del linaje clásico del Heavy Metal, con un ensamble más que detallado en el andar de los compases. La fuerza y la melodía, los sintetizadores y la voz en perfecta comunión. Y eso, claro, sin mencionar el espléndido solo de guitarra.
  2. Apocalypshit (Molotov).Maldad, el diablo, blasfemia, irreverencia, maldiciones, groserías, transgresión, lo prohibido, lo indebido, lo malo y los eructos. ¿No es eso de lo que se trata el rockandroll?
  3. La estrella (Resorte). Complejidad musical a todo lo que da, una muestra de los alcances supremos de la composición. Una escuela del New Metal aprobada con honores y mención honorífica. Baterías con juegos rítmicos sutiles pero potentes, bajos no cuadrados que no son sólo el apoyo del conjunto sino una identidad vertebral del sonido, guitarras de seis cuerdas y quince trastes bien reconocidos y muy bien utilizados, y un trabajo lírico y vocal de primera.
  4. Ente (Larva). La fuerza que llega más allá del sonido instrumental, una destrucción del alma, salida de la sombra en el corazón, una oscuridad que fluye por las venas, que explota en cada grito, en cada palabra, una letra con sentimiento, con sentido, con profundidad. Y un final hermoso, tremendo y devastador.
  5. Alegoría (Ultratumba). Una prueba más de que el Metal no necesariamente tiene que ser rápido para ser agresivo. Una rítmica droga de éxtasis con dejos de Stoner, Heavy, Death, Rock y hasta de Melodic. La dupla Lorenzo Partida – Julio Márquez es un monstruo magnífico de composición, y la voz de Roberto Ramírez le agrega ese toque final que vuelve esta pieza una obra maestra.
  6. Mecosaurio (Brujería). La voz de Brujo, las metrallototas de Asesino, los tambores de Greñudo, las cuerdas de Fantasma, y todo un equipo de marijuanos locos devastando los oídos del mundo. Mecos, Satanismo, Brujerizmo, y mucho Death Metal.
  7. Adelitas (Asesino). Con un mensaje simple de sexo, cojidas, prostitución, depravación, droga, muerte, asesinatos, violencia y cruenta morbosidad, la música simplemente no puede ser cualquier ligereza. El sonido se posiciona a la altura del discurso, irrumpiendo agresivamente contra todo lo bueno, lo moral, lo moroso y lo convierte en metal extremo de Colofox.
  8. Rancid bowel sarcoma (Disgorge). Una muestra del alcance underground que, de tan bajotierra que logra ser, llega hasta las entrañas del infierno para hacerle vomitar todos los diantres condenados a las llamas. Esto es brutalidad pura nacida hace casi tres décadas en un mundo que apenas si concebía lo que era una masacre sonora en manos de músicos y románticos …por lo artístico y por lo infernal.
  9. Chabelita, la niña pornogore (Gore & Carnage). Qué bastaría para describir la cochinez sino la misma música defendiéndose por sí sola. El atascón de la garnacha, los frijoles y la perversión. Todo con sonidos marranones y salsita de la que pica.
  10. Porno Furby (Hol-a-wit). Dos palabras: Porno Gore.

 

 

He ahí la prueba del potencial mejicano en este género musical. Y eso que estamos dejando fuera a Transmetal, Luzbel, Veneno Para Las Hadas, Panic, Haqq-ed-dumm, Ángel de Metal, Semen, Leprosy, Paracoccidioidocomicosisproctitissarcomucosis, Fortaleza, Alaydha, Septentrion y tantas otras grandes bandas del metal mejicano. En fin, esto sólo fue una pequeña lección para esos ilusos eurocentristas o, peor aún, gringocentristas.

Kobda Rocha

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Avances: Better Call Saul – Temporada 5

El próximo 23/02 está llegando a Netflix la quinta temporada de nuestro querido abogado, Jimmy McGill, en su viaje para transformarse en Saul Goodman.

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Rosario Bléfari – Sector Apagado (2019)

Puntaje del Disco:  8

  1. Costa Brava: 8
  2. Hoguera: 8
  3. Refugio: 7,5
  4. Región Central: 8,5
  5. Sector Apagado: 7
  6. Sus Animales: 8,5
  7. Bird People:

Rosario Bléfari ya es una pionera muy experimentada del Indie Rock argentino. Desde sus inicios con Suárez en los noventa, con sus diversos proyectos musicales y, por supuesto, con su carrera solista, se mantuvo con vigencia a lo largo de los años. Y así lo volvió a convalidar en Sector Apagado, lanzado en el 2019.

Sector Apagado es un disco que podría ser tomado como un trabajo promedio de Indie Rock. Sin embargo, Rosario se encarga de imprimir su particular encanto a cada una de las canciones. En ese aspecto, las canciones en general son bastante Pop, como sucede en “Costa Brava”, “Hoguera” y la homónima “”Sector Apagado”. Y logra melodías que son muy buenas, aunque no reveladoras.

Sin embargo, no todo es Pop, lo mejor del Indie de Bléfari aparece cuando toca influencias más Rockeras, que incluso tiran al Punk, como sucede en “Refugio”, donde las que más sobresalen son la dinámica “Región Central” y “Sus Animales”, con su estilo oscuro que por momentos recuerda a Pink Floyd.

Tal vez no sea el mejor trabajo de Rosario, pero en su concepción general Sector Apagado es un muy buen disco, que podría haber formado parte de nuestro Ranking a lo mejor del 2019 a nivel nacional.

Persy

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Kid Rock – Devil Without a Cause (1998)

Puntaje del Disco: 8

  1. Bawitdaba: 8
  2. Cowboy: 9
  3. Devil Without a Cause: 8
  4. I Am the Bullgod: 8.5
  5. Roving Gangster (Rollin’): 7
  6. Wasting Time: 8
  7. Welcome 2 the Party (Ode 2 the Old School): 8
  8. I Got One for Ya’: 7
  9. Somebody’s Gotta Feel This: 8
  10. Fist of Rage: 7,5
  11. Only God Knows Why: 6,5
  12. Fuck Off: 8,5
  13. Where U at Rock: 8
  14. Black Chick, White Guy: 7

Para los mayores de treinta años Kid Rock era sinónimo de buena onda y todo lo que estaba bien a fines de los noventa, ese niño que cantaba rock con sombrero de vaquero y terminando su adolescencia se escapó de su Detroit natal para conquistar el mundo comenzó a “pegarla” realmente gracias a su lanzamiento más fuerte y recordado a la fecha Devil Without a Cause (1998).

El álbum muestra todas las facetas que Kid podía ofrecer por aquel entonces, que no se encontraba centrado en el country como en la actualidad, una combinación de hip hop con hard rock que supo contener temas pesados como “Bawitdaba”, momentos country rock sureño en “Cowboy “, otros funky como “Wasting Time” y por momentos rap junto a otro oriundo de Detroit, Eminem, en “Fuck Off”.

Gracias a sus presentaciones y a sus habituales difusiones en MTV logró un creciente interés en el disco y para verano de 1999 Kid Rock se encontraba en la cima de su carrera,a pesar de esto su estrella se iría desvaneciendo con los años hasta que reorientaría su carrera y su pasión por la música country lo llevaría de nuevo a ser noticia gracias a Born Free más de diez años después en 2010.

F.V.

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Uncut Gems (2019)

Puntaje de la Película:

  • Año: 2019
  • Género: Thriller, Comedia Negra, Drama
  • Director: Josh Safdie, Ben Safdie
  • Reparto: Adam Sandler, Kevin Garnett, Julia Fox, Lakeith Stanfield

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Abbey Road: El paseo fúnebre de los Dioses del Rock

El cuarteto de Liverpool no solo es música sino también, mercadeo. Y me expreso en tiempo presente, puesto que el grupo no ha muerto. Puede no gustarnos su estilo o la simple enunciación de su nombre, traer a la mente mágicos, orgásmicos recuerdos; lo innegable es que su leyenda nunca nos será del todo indiferente. Su sonido e imagen muy bien trabajados siguen siendo icónicos en la actualidad y un punto de referencia para entender ciertas sutilezas marqueteras, manipuladoras y diabólicas, si me inclino al paroxismo.

Pero aquí trataré de ser moderado y no llegar al punto de argumentar la existencia de reptilianos y especímenes parecidos. Para ello trataré de sintetizar mi marco teórico en música e imagen, aún más, me centraré en Abbey Road, y perdón si por ahí me desvío del buen camino, será por la admiración que le tengo a la banda, aun así, no quiero que mi sendero sea abierto en polisemia, como sucede con el objeto de mi atención: la naturaleza de un disco genial y controversial.

Las cuatro personalidades fueron muy bien trabajadas desde que entraron fuerte al mercado serio: un poeta, un bohemio, un chico bonito y uno, espiritual. El paquete completo fraccionado en cuatro temperamentos distintivos sí que tuvo una gran receptibilidad en el público adolescente de aquel entonces, así que a despojarse de las chamarras rockeras y el peinado rebelde, con harta gomina a lo James Dean, que todos supermalosos pueden pegar en los burdeles alemanes y está muy bien como experiencia de vida, pero no romperá esquemas a nivel mundial si lo que quieren es triunfar. Y así lo hicieron, porque sí que fantaseaban con el triunfo, y la estrategia funcionó y ya aterrizaban en Estados Unidos muy desde lo alto, ante los gritos y desmayos de las niñas bien.

Pero la banda tenía que crecer, y el cuarteto soñaba con inmortalidad; poseían genio y la loca musa alucinada en ambrosía rockera y aliñada en flor de loto e inspirada en la poética incentivada por humos cannabicos les bendecía. Innegable es el hecho de que los Beatles evolucionaron en un mundo globalizante que mudaba y mudaba a mil por hora. Así Abbey Road nos muestra una complejidad y una madurez en la cúspide del genio. El zénit al cual se ha llegado luego de coronar altísimas crestas, algo así como el Himalaya de la inmortalidad, una escalada maldita, empinada y vertiginosa que te mide hasta donde te da el aliento. Así, percibimos en este álbum variedad de géneros que no se niegan entre sí, diversidad que se mece entre la dureza y la ternura de sonido y letra.

Veamos; Come Together como tema de apertura ha sido muy bien carburado para empujar al escucha a contonear el cuerpo como si fuera un loco Coca-Cola. La voz de Lennon avasalla al tomar el control, pareciera que él dirigiera a los instrumentos que le rodean en torno al compás que marca el taconear de sus zapatos, una voz que nos remite a una fuerte personalidad, la cual poco a poco se va suavizando a medida que la canción llega a termina. Si uno cierra los ojos, se escucha tranquilidad y relax. Los punteos de guitarra junto a los sonidos de los platillos surten efecto y dan paso a la siguiente balada por demás memorable.

Harrison es otro show. Sumergido en espiritualidad, ha trasladado el concepto del yin-yang, la complementariedad amorosa, a la armonía de una canción por demás romántica y existencial. Something nos deleita al tocar las fibras del sentimiento humano. Atrás, Ringo demuestra el don celebratorio de su batería mientras que las notas de la guitarra parecieran elevarnos más allá de la piel, hacia sentidos superiores. Ojalá el amor sensual fuera así de sencillo; por lo menos nos queda esta hermosa canción para así creerlo y sentirlo.

En Oh! Darling se siente la confluencia del baile de salón cogido de la mano con el rock pesado. Una amistad peligrosa que puede ocasionar problemas mayores. Imagino a las niñas, todas muy formalitas, con las faldas de pliegues anchos, zapaticos de charol, anteojos de carey y largos escarpines, despojándose de sus moños a lo vintage, soltándose el pelo para rocanrolear las cabezas de un lado a otro, a más no poder, ante la sorpresa de sus padres. Las estúpidas formalidades quebradas por la rebeldía de la música. Percibo que este tema nos anuncia lo que vendrá más adelante, siete minutos y cuarentaisiete segundos de orgásmica experiencia:

Shes So Heavy se abre paso sin tapujos desde un inicio. El tema es largo y nos demuestra el carácter progresivo de la banda; si se tiene un buen lubricante a la mano, es recomendable gozar de sus beneficios porque la música embiste de una manera despiadada, sin compasión alguna y hay que gozar de su accionar sin remilgos ni pucheros en aras de una comunión total. El hacerlo nos ocasionará una malsana dependencia que sin embargo nos hará sentir poderosos. Ya si sobrevivimos de tal violación cerebral contranatura – que nos despierta con su halo de magia del sopor de la rutina diaria -, podremos satisfacernos con el siguiente lado del disco.

Heres Come the Sun es como un retozar después del amor. La tranquilidad lumínica del sol en un día de playa o en cualquier parte del universo en donde haya paz, algo así como una suave resaca luego de una juvenil noche de fiesta. Esta pieza musical nos remonta a un remanso celebratorio en el que logran confluir la lúdica mística inglesa haciendo empalme galante con el talento de la música en su raíz inocente e infantil de arrullo. Harrison despliega su talento al invitarnos a jugar a orillas de la fantasía con sencillos estribillos que nos transportarán a un paraíso multicolor. Sin duda, con esta canción dan ganas de pasear por Londres dando de saltitos sobre un pie ante la maravilla de su verde paisaje en aromas de primavera o gozarla como música de fondo al invitar a dormir a los niños después de las buenas noches, el cuento fantástico nocturno, el beso en la frente y el cerrar un mágico libro con carita feliz de complacencia.

En You Never Give Me Your Money McCartney muda de una lenta balada que comienza tierna con unos acordes de piano y malabares vocálicos hacia un altoparlante de voz mucho más grave junto a unos corillos que la unen en triada excepcional con la celebración melancólica de Golden Slumbers haciéndole un guiño de complicidad a Carry That Weight para que resalten las voces de los cuatro genios que nos brindaron todo su amor para complacencia de nuestro oído ante tanta música bastarda actual, como lugar de refugio en tiempos difíciles y apocalípticos.

Pero la situación no queda aquí. La sutileza de tan complejo disco de estudio nos inspira a analizar tan controversial portada. El arte del mensaje sublime y cifrado invita a opinar al respecto. Muchos ya lo han hecho y se ha creado un hermosísimo y espeluznante mito: la muerte prematura de Paul cuando la banda ya mostraba excepcionalidades, lo cual era peligroso, pues constituiría una gran baja a todo el trabajo invertido en encumbrarse en la cima de la gloria, así que se tenía que buscar un sosias. Pero también se abría la posibilidad de jugar con la ambigüedad del mito. Entonces se dejaron pistas regadas que surtieron muchos efectos a posteriori. Quizá el que yo opine sobre ello -muchísimos años después de acontecidos los hechos-, ya estaba premeditado. Mientras existieran fanáticos, la banda nunca iba a morir. Los mensajes sublimes aseguraban inmortalidad.

Hablando de portadas, la experiencia del Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band  ya nos sugería, como un leve susurro al oído, un funeral muy pop en estilo collage, y la mano del fúnebre pastor religioso se elevaba encima de la cabeza de McCartney y al voltear el disco, el perfil del cantante era muy distinto a los de sus compañeros vestidos cual militares psicodélicos; él nos daba las espaldas como siguiendo un camino opuesto a la vida ¿Acaso de verdad había muerto el hermoso joven en la plenitud de una exitosa carrera? La idea estremece hasta al más escéptico y nos pone la piel de gallina. El que se lucre con esa tragedia nos sugiere un hecho macabro.

Visitar el estudio de Abbey Road hoy por hoy se constituye en un punto turístico moderno de carácter pop. El estudio mudó a este nombre por los réditos que el mito suscita; las superestrellas del rock & pop se pueden jactar el haber pisado sus instalaciones; la fotografía armoniosa en donde los cuatro cruzan el paso de cebra hasta ahora se analiza ¿Qué sorprende en esta composición visual? Cierta semiótica de la imagen nos susurra que hay detalles escondidos que sugieren un paseo fúnebre que se abre paso en una calle demasiado transitada. Paul está descalzo, él ha muerto y ha dejado las posesiones materiales, aunque lleve un cigarrillo en la mano equivocada; adelante va Lennon de blanco, es el sacerdote que oficia el entierro, Ringo le sigue de negro, es el cortejo que llora en luto la muerte del músico y compañero, y cierra el paseo Harrison, vestido de sencilla mezclilla, es el jardinero del panteón que lanzará los terrones sobre el ataúd en despedida de una vida que de muy joven ya se apagó.

¿Será cierta tal interpretación? Los Beatles argumentan que McCartney aquel día llegó con sandalias y que simplemente las dejó por allí tiradas para la foto, que solo había tres vestidos de diseñador y que Harrison fue el que se quedó con su ropa de a diario; que la foto salió en pocas tomas y que querían liberarse rápido de tal pesada responsabilidad, así que el director artístico seleccionó a la más armoniosa. La portada salió sin texto alguno que anunciara el nombre del grupo ¡Total, eran los Beatles! Los dioses del rock y su último álbum de estudio, el más vendido hasta la fecha.

Hasta aquí, qué puedo decir yo ¿Qué si Paul está vivo? Pues no lo sé y nunca lo sabré. Me pregunto (igual que muchos) si se puede también falsear el talento. Paul McCartney, o el sosias que le suplanta, continuó una gran carrera con excelentísimas composiciones en un estilo muy original. Si existió un suplantador, este sí que es muy talentoso porque cumplió su función de una manera muy profesional, como para quitarse el sombrero, en honor a la verdad.

Verdad o mentira, los involucrados en la producción del disco no deberían hacerse a los escuetos al respecto. Aunque pensándolo bien, el misterio ayuda a que el mito crezca. No creo que los mensajes escondidos estén regados por ahí por mera casualidad. Han sido diseñados con una finalidad, se proyectaron a futuro, al igual que la manzanita o la lengua de sus majestades, rebelde y lamiéndose hacia afuera, o el prisma psicodélico de los hongos alucinógenos de Cambridge ¿Quién se iba imaginar que semejante recurso iba a marcar escuela?

Ahora escucho escéptico que tal o cual cantante ha mandado mensajes subliminales a los adolescentes. Que si se escucha al revés, muy lentamente, tal disco, sutilmente ya este ha lanzado un mensaje en signo de pertenencia hacia una secta, que responde a un objetivo de control mental. Los padres de familia se ruborizan, se alborotan, se sorprenden ante tal aberración ¡Qué los masones! ¡Qué los templarios! ¡Qué los sistemas de poder! Sentado sobre mi sillón, despliego una sonrisa irónica ante internet. Se nota que no conocen a los Beatles, pienso entre mí. Entonces activo un playlist y le doy click a Heres Come the Sun mientras corrijo estos escritos. Bamboleo la cabeza de un lado a otro, creo que las estrategias sutiles del mercado surtieron efectos en mí: adoro más y más a los Beatles.

Jesús Humberto Santivañez Valle

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Avances: The Hunt

Considerada la película «más comentada» previo a su estreno, estará llegando en marzo a los cines. Originalmente iba a  estrenarse el 27 de septiembre de 2019. Sin embargo, después de los tiroteos masivos de Dayton y El Paso a principios de agosto de 2019, Universal Pictures decidió cancelar el estreno de la película.​ Decisión que se produjo un día después de que las críticas sobre la película provinieran del presidente de los Estados Unidos, Donald Trump.

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