Transmetal – El Amor Supremo (2003)

1. El Amor Supremo
2. Un Océano de Tentaciones
3. Vendí mi Alma…
4. Encarnación del fuego
5. Vehemente
6. Servidor Infinito
7. Invocación y Conjuración
8. El Placer más Alto
9. Adoración y Entrega
10. Un Pacto Escrito con Sangre

Un hombre, hundido en la tristeza, escupiendo pesar y desgracia, poseedor de una larga desesperanza y un gran corazón doliente, cada noche mira el cielo a mitad del conticinio. Allá, en las alturas, ante el eterno brillar de las estrellas, imagina que su alma encontrará la quietud anhelada que ninguna otra cosa terrestre le puede ofrecer. Tras largos años de nostalgia, termina por mirar en sus propias tinieblas y, justo allí, en la penumbra de su pecho, encuentra el Amor Supremo. Una estrella ha bajado hasta él.

Ella es la raíz del fuego que ha de incendiar su espíritu, es el metrónomo-palpitar de su corazón, es un océano de tentaciones. Ella, para él, es una estrella prohibida, inalcanzable. Tendrá que conformarse con mirarla anhelante, como espiándola, porque ella tiene ya un destino con Adán. Eva, su estrella, es mujer para su hijo (su barro y su lodo). Él, Dios, los ha creado con ese propósito; enamorarse de ella fue un error bastante humano, a decir de un dios.

Celoso, tras notar la carne de Adán sobre la piel de Eva, Dios vende su alma a Lucifer. Quien alguna vez fue su enemigo, desterrado por su propia justicia, ahora es su única salvación. Lucifer es el único ser capaz de permitirle poseer a Eva. En tanto pueda ser el único que logre acariciar con su lengua la pasión triangular de Eva, él sucumbe ante las cláusulas más oscuras de Lucifer.

Dios, emergido desde el infierno, naturalmente convertido en fuego por las llamas seculares de su entrañable ángel de la luz, encarna en mágica expresión corporeizada. Eva no resiste la tentación de poseer aquel fruto prohibido, no resiste la tentación de poseer a Dios mismo. Lo acaricia, lo aprisiona y lame sus exuberantes formas, dialoga con sus manos, grita de dolor y euforia al recorrer tan hermosa geografía. A lo lejos, sobre la espalda de Dios, ella ve asomar la mirada irónica de Adán.

En vehemente imploración, Adán busca hambriento una migaja de gracia, de gloria, de paz. Adán ha quedado huérfano y soltero al mismo tiempo; su padre no lo escucha y su mujer no lo ama. Mira su reflejo y se descubre decrépito. Ha sido derrotado.

Infeliz, Adán recurre a la autohumillación. El dolor y la pasión lo afligen, el viento azota los escombros de su existencia, moribundo solloza sin cesar. De rodillas, miserable, se ofrece voluntariamente como un sirviente infinito, más allá del fin del tiempo. Grita ambos nombres, no importa quién lo escuche, Dios o Eva, él sólo busca una pizca de compasión y piedad.

Dios, aún extasiado, impotente ante la fiera furia de Eva, cae dormido. Lucifer, despierto, voyerista, al mirar la devoción de Dios hacia Eva, no logra evitar caer en la tentación. Bajo el hechizo de sus ojos, fuerte y subyugante, abrazado al fuego inmemorial, invoca el nombre del Amor Supremo.

Es con Lucifer donde Eva experimenta el placer más alto. Su sangre, sus caderas, su pasión, arden más intensas que las flamas del recinto infernal. Lucifer jamás ha presenciado tal cantidad de pecado y maldad, no sabe cómo proceder, descubre hasta sus últimos trucos, se entrega por completo. Eva, siempre seductora y sensual, discurre decepcionada sobre Lucifer, quien ahora sólo significa un encuentro casual.

Embobados, enamorados, Dios y Lucifer adoran a Eva por sobre todas las cosas, incluso por sobre sí mismos. Entregan sendos reinos por un centímetro de mujer, se abandonan a la locura carnal, pierden ahí el alma. Ya no más deidades, Eva los desprecia cual gusanos.
Inteligente, humano, Adán ya no busca a Dios. Reconoce el fracaso de su padre. Tampoco busca a Lucifer, pues nada tiene que ofrecer para un hombre tan altivo y poderoso como lo es Adán. Aunque anciano, él confía en su original costilla, sabe que tras el reencuentro con la figura jovial de Eva, su propia armonía resurgirá. Entrega su alma, libre y total, a las fervorosas manos de su mujer; él ha encontrado en Eva una deidad digna de eterna dilección. Eva es el verdadero Amor Supremo.

Kobda Rocha

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Iggy Pop – Blah-Blah-Blah (1986)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Real Wild Child (Wild One)8,5
  2. Baby, It Can’t Fall7,5
  3. Shades: 6
  4. Fire Girl: 7
  5. Isolation: 6,5
  6. Cry for Love: 9
  7. Blah-Blah-Blah5
  8. Hideaway6,5
  9. Winners & Losers: 5,5
  10. Little Miss Emperor: 6

James Osterberg, mejor conocido como Iggy Pop, revitalizaría su senda olvidable y tortuosa en la década del ochenta gracias a Blah-Blah-Blah (1986), un disco influenciado por el movimiento new wave que si bien esta lejos de sus mejores años fue y es a la fecha el más exitoso comercialmente.

David Bowie volvería a oficiar de colaborar y benefactor de Iggy (no lo hacía desde la gloriosa trilogía de Berlin en 1977) y volvería a dejar su impronta y sello tanto en el estilo acorde a la época, dominado por teclados y batería programadas, y lo calculadamente comercial que resulto el álbum.

La popularidad de Blah-Blah-Blah se apoyo fuertemente en dos bases las memorables “Cry for Love” y “Real Wild Child (Wild One)” (este último versión de un tema rockabilly de los años cincuenta del australiano Johnny O’Keefe), el resto de la placa en lineas generales es decididamente mediocre.

Afortunadamente a partir de este hito Pop retornaría a su versión más entrañable, al rock puro y duro, publicando discos valiosos que aunque no significarían el éxito comercial de Blah-Blah-Blah le devolverían el prestigio ganado, tanto con The Stooges como en sus primeros pasos solista.

F.V.

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Entrevista a Vito Martino & Los Inolvidables

Vito Martino & Los Inolvidables, banda reconocida en  el programa “Rock del País”, que lanzó recientemente su segundo disco titulado “Real”, nos brindó la siguiente entrevista donde nos cuentan sobre su presente.

Para quienes todavía no los conocen ¿Cómo se presentarían para llamar la atención y los empiecen a escuchar?

Hola! Somos Vito Martino & Los Inolvidables y tenemos las mejores canciones del condado, pasen y escuchen.

¿Qué es lo que más destacan de su reciente disco, “Real”? ¿Qué sienten que lo distingue de su álbum debut?

Las canciones y su variedad, que hace que los shows sean divertidos y muestra también la versatilidad de la banda. También la producción, que estuvo a cargo de la banda. Estamos muy contentos!

¿Cómo fue la experiencia de grabar con Jorge Serrano de Los Auténticos Decadentes?

Que el señor de la Melodía elija tu canción es de las mejores cosas que nos pasó en la carrera y confirma el camino. Jorge está ahí con Andrés, Fito y nuestros grandes, lo vemos en ese marco. Felices de tenerlo en nuestro disco.

¿Qué sintieron al compartir escenario con La Beriso y Estelares? ¿Con qué otros artistas les gustaría tocar?

Ambos tienen grandes canciones, los miramos y aprendemos. Disfrutamos mucho del cruce con colegas, eso fue de lo más interesante del Cosquín Rock, por ejemplo.

¿Cuáles son sus próximos proyectos a futuro?

Estamos trabajando en una gira por México a comienzos de año y luego nos tendrán por Buenos Aires seguramente.

Más info sobre el grupo:

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Bohemian Rhapsody

Puntaje de la Película: 

  • Año: 2018
  • Género: Biográfica, Drama, Musical
  • Director: Bryan Singer
  • Reparto: Rami Malek, Lucy Boynton, Gwilym Lee, Ben Hardy, Joseph Mazzello, Aidan Gillen, Allen Leech

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N.E.R.D. – Seeing Sounds (2008)

Puntaje del Disco: 6

  1. Time for Some Action: 7,5
  2. Everyone Nose (All the Girls Standing in the Line for the Bathroom): 6,5
  3. Windows: 6
  4. Anti Matter: 7
  5. Spaz: 6
  6. Yeah You: 6,5
  7. Sooner or Later: 8
  8. Happy: 5
  9. Kill Joy: 5
  10. Love Bomb: 8
  11. You Know What: 4
  12. Laugh About It: 5,5

Tras probar suerte con su debut solista dos años antes, Pharrell continuaba sintiéndose totalmente parte de su banda, de acuerdo a sus declaraciones: “The Neptunes es lo que hacemos, pero N.E.R.D. es quien somos, es nuestra vida”.

Seeing Sounds (2008), título inspirado por el fenómeno neurológico de la sinestesia (la experimentación de dos sentidos que se mezclan entre ellos), sería el tercer álbum del trío alternativo N.E.R.D. Shay Haley, explicaría que en este nuevo trabajo el grupo intentó agregar una dosis extra de energía a su búsqueda emocional de sus pasados trabajos.

El resultado final fue un resumen de todos los géneros que abarcaron en el pasado, con un alto grado de experimentación, una exploración de sonidos sin un rumbo cierto ni certero. Lo cual por momentos resulta un tanto desconcertante y esto sumado a que pocos temas logran pegar y llamar la atención (“Love Bomb”, “Sooner or Later” o “Time for Some Action”) redondean en general un discreto trabajo y un declive comparándolo con sus esfuerzos previos.

Seeing Sounds recibió más críticas que elogios, entre ellos, las letras básicamente monotemáticas en lo sexual y paradójicamente sobre todo cuestionando la voz y la técnica de rapeo de Williams. Quien pareció no verse afectado por ellas, a tal punto que en menos de cinco años se convirtió en el artista de moda gracias a sus celebradas colaboraciones con Daft Punk, Robin Thicke y a su segundo paso solista en 2014, el multi elogiado Girl.

F.V.

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Entrevista a Psicarios

Psicarios, banda que recientemente acaba de lanzar dos nuevos sencillos,  “Tu Mundo” y “Paranoia Predilección” ,  en la antesala de su presentación este domingo 25/11 en El Club Bar (Honduras 5028, CABA), nos brindan esta entrevista en la que nos cuentan su historia.

Cuéntennos su historia ¿Cómo fue que nació Psicarios?

Psicarios comienza en el año 2015 como iniciativa de Martin Gaeta y Pablo Monzon (ambos cantantes, bajo y guitarra respectivamente). Si bien en los comienzos surgió como un proyecto con tintes rockeros, durante el transcurso de la búsqueda compositiva musical el mismo tomó esta perspectiva “Indie Pop” que hoy por hoy nos caracteriza. Inicialmente, la formación fue de voces, bajo, guitarra y batería con el complemento de pistas con bases electrónicas que conformaron el sonido de la banda y por sobre todo la representación en vivo del primer disco “Electroparafernalia”. El mismo fue un renacimiento de la banda a nivel musical ya que durante su creación surgieron influencias del pop de los 80 que es una década que actualmente transita un gran “revival” a nivel internacional.  Posteriormente, a fines del 2017, tuve la oportunidad de sumarme al grupo como tecladista. Me convocó Martin, con el objetivo de sumar teclados y un componente más humano a toda esta “Parafernalia”. Éramos viejos amigos de la infancia, habíamos vivido en el mismo barrio y por muchos años nos dedicamos a la música por caminos separados. Yo regresaba de un viaje del exterior con muchas ganas de arrancar un nuevo proyecto. Cuando escuché el disco Electroparafernalia no tuve dudas de que esta era “la banda” y el proyecto que estaba buscando. Este año se incorporó Alan D´Auría quien además de ser el más joven del grupo es un gran baterista.

Tienen un sonido que por momentos se remite a Soda Stereo, pero no se encasillan y toman otras influencias. ¿En base a qué artistas piensan que definieron su estilo?

Nuestras influencias son muy amplias. En nuestros albores como músicos pasamos desde la música clásica, jazz, funk, hasta el rock, que es el estilo que nos venía definiendo en los comienzos de Psicarios. Tenemos a los Beatles como banda honorifica de referencia. Algunos de nosotros más fans que otros, pero todos coincidimos en la grandeza musical de esta gran banda y por sobre todo ponderamos el maravilloso ensamble a nivel vocal que esta propone. Posteriormente surgieron influencias de bandas como The Killers, Daft Punk, Muse, Imagine Dragons entre muchas otras.

¿Qué destacan de “Tu Mundo” y “Paranoia Predilección” respecto de su disco previo?

Existen muchas similitudes y aspectos innovadores a la vez. La esencia que quisimos conservar es la de la “Canción”, con ritmos grooveros y pegadizos apuntando a un público de todos los tiempos. El aspecto más llamativo de los nuevos temas es que fueron masterizados en 432, que es la afinación que se utilizaba en la época previa a la segunda guerra mundial. Se dice que esta frecuencia esta está en conexión con la naturaleza y el universo con lo cual recomendamos a todos los lectores que puedan escuchar esta nueva tendencia que proponemos con Psicarios. La grabación a su vez fue un gran logro. Para mí fue el primer trabajo en estudio compartido con los chicos, el cual fue una experiencia muy positiva y motivadora a nivel personal y profesional.

¿Cómo fue la experiencia de trabajar con Hernán DeMicelli como productor?

Fue una gran experiencia en la cual sentimos que nos enriquecimos musicalmente y logramos el objetivo pensado para cada tema. Hernán es un gran productor, además de ser un gran músico, muy versátil, crítico y detallista a la hora de grabar. Creo que el resultado de estos dos nuevos temas superó ampliamente nuestras expectativas. Fue un gran placer trabajar con Hernán y luego compartir escenario en nuestra última fecha en sala Sirhan, en donde nos acompañó como artista invitado.

¿Qué nos pueden adelantar de su próxima presentación en “Club Bar”?

En el próximo show del 25 de Noviembre, presentaremos como siempre nuestro disco y 3 temas nuevos de los cuales uno de ellos no está grabado aún, con lo cual es una novedad para todos. Tendremos artistas invitados y sorpresas para todos aquellos que nos siguen por las redes sociales. Ya pusimos en marcha un juego el día de hoy, en el cual se sorteran unas muy buenas placas de películas y cervezas free para el día del show. ¡Les recomendamos que participen ya mismo y no se lo pierdan!

¿Cuáles son sus próximos proyectos a futuro?

Luego del show del Domingo 25 de noviembre a las 21 hs., planificaremos nuestra gira de verano. Si bien seguiremos tocando dentro de la provincia tenemos planes para un circuito costero y porque no al interior del país. Seguiremos componiendo nuevas canciones con mucha empatía con el público que nos sigue, que es lo que más nos motiva a seguir creciendo.

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Bodyguard

Puntaje de la Serie: 

  • Año: 2018
  • Género: Policial, Thriller, Drama
  • Show Runner: Jed Mercurio
  • Reparto: Richard Madden, Sophie Rundle

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Muda Danza

Mudarse de cuerpo, al igual que de casa, es más difícil cuanto más tiempo has vivido allí. Lo primero que mudé fue mi pene. Eso fue fácil, debo confesar. Lo saqué de tu vagina y lo puse en otra. Otras, de hecho. Es que, cuando uno deja su hogar tan repentinamente, importa poco el lugar al que llegas: si te gusta o no, si es seguro, si es cómodo, si tiene todos los servicios, si es cálido o frío, si es grande o pequeño, si está en buenas condiciones o en una colonia decente. Lo único en lo que uno piensa es en dormir calientito y bien cenado.

La primera noche tuve que pasarla con un cuerpo rentado en un hotel de paso. Estaba algo sucio y no pude dormir por estar pensando en ti. La cama no se asemejaba en absoluto a tu torso desnudo, pero al menos las sábanas se empiernaron conmigo varias veces a lo largo de la noche. Claro que sus pechos, aunque grandes, no eran tan confortables como las almohadas de nuestro lecho conyugal.

La segunda noche fue más a-cojedora; la pasé con una amiga en su depa. La llamé para contarle y desahogar mis males; salimos, fuimos a comer, nos tomamos una cerveza, te maldijimos dos o tres horas, y luego me invitó a su depa. Su cuerpo es pequeño, casi no caben muebles en su vientre; apenas tiene un silloncito para dos personas, una mesita de centro, un librero repleto de cachivaches y un lunar debajo del pezón izquierdo. Una vez allí, en lo apretujado de su hospitalidad, tuve que entrar hasta el fondo de su cuerpo para no romper nada.

La tercera noche estuve inconsciente hasta el amanecer. Entré a un bar para llorar tu ausencia. Alcoholizado, con la nostalgia entre los nudillos y el contrato entre las piernas, me desmayé sobre el retrete. Desperté afuera, junto al basurero, sin dignidad pero con experiencia. Ese mismo día conseguí un departamento pequeño, barato y lejos de tu nombre.

Mudarse de casa, al igual que de cuerpo, es más difícil cuando el espejo te reprocha a cada instante lo hueco de tus acciones. Lo segundo que mudé fueron mis ojos. Me costó algo de trabajo meterlos en mi nuevo departamento, pero al final les encontré un buen lugar junto al mueble de televisión. No se ven muy bien (como que no combinan con la decoración), pero he notado que, cerrados, pasan bastante desapercibidos.

Lo más complicado fue empacar mis brazos y nuestras fotos juntos. Los primeros los metí en cajas, pero nunca los desempaqué; las segundas las guardé en un cajón de la recámara, pero no me acuerdo en cuál exactamente. Si alguien me pregunta, diré que las perdí.
Cuando saqué mi colección de discos, no supe si era buena idea volver a colocarlos en mis oídos o no. Cómo escuchar una cascada en la regadera, cómo escuchar el viento en un silbido, cómo escuchar tu voz en mi silencio. ¡Qué difícil decisión! Había mucho dinero invertido en esos discos, mucho tiempo dedicado a apreciarlos nota por nota, mucho esfuerzo en aprender otros idiomas para entender las letras de las canciones, había dedicado la vida entera a mi música, y ahora me era imposible escucharla porque mis orejas aún tenían el acúfeno de tus últimas palabras:

¿Cómo pudiste hacernos esto, amor?

Kobda Rocha

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Cafe Tacvba – Jei Beibi (2017)

Puntaje del Disco: 7

  1. 1-2-3: 8
  2. Matando7
  3. Automático: 6,5
  4. Enamorada8
  5. Futuro: 7
  6. Resolana de Luna7
  7. El Mundo En Que Nací: 7,5
  8. Me Gusta Tu Manera: 6
  9. Vaivén: 7
  10. Que No: 8,5
  11. Diente de León8
  12. Disolviéndonos: 7
  13. Celebración7

Se está haciendo costumbre para la banda mexicana Cafe Tacvba, tomarse su tiempo para pulir y terminar un trabajo. No sería distinto el caso de su octavo material de estudio Jei Beibi lanzado en Mayo de 2017 a cinco años de su antecesor, El Objeto Antes Llamado Disco.

Jei Beibi es el primero grabado sin el apoyo de una discográfica detrás, en forma independiente. “Ahora tenemos todavía más libertad, no tenemos una disquera que nos diga lo que tenemos que hacer”, acotaría el guitarrista “Joselo Rangel” sobre esta nueva etapa. El tecladista “Meme” del Real agregaría al respecto: “Es un disco del cual estamos muy orgullosos y contentos. Y este espíritu de hacer el disco por nuestra cuenta y su gestación detrás de la parte artística ha influido directamente en la parte creativa”.

De nuevo bajo la tutela de Gustavo Santaolalla como productor, los mexicanos repasan su carrera en estos trece temas donde abarcan una diversidad de géneros, tal cual nos tienen acostumbrados, como el bolero, el rock electrónico, rock alternativo y el rock clásico a lo Beatles, aunque sin el lucimiento de otros trabajos donde se los encontraba más efectivos.

“Hemos disfrutado mucho hacer este disco y estamos muy emocionados con el resultado. Se siente una vibra luminosa y entusiasta con letras introspectivas e incluso oscuras. Es divertido, lúdico y espontáneo… no se si sea el mejor disco, el tiempo y la gente lo dirá si se queda y permanece. A final de cuentas el disco trata de disfrutar el presente, no sabemos que pasará mañana y ya sabemos que pasó en el pasado.” Concluiría “Meme” a modo de resumen.

F.V.

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Elliott Smith – Either/Or (1997)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Speed Trials: 8,5
  2. Alameda: 9
  3. Ballad of Big Nothing: 9,5
  4. Between the Bars: 10
  5. Pictures of Me: 9
  6. No Name No. 5: 8
  7. Rose Parade: 8
  8. Punch and Judy: 8,5
  9. Angeles: 9
  10. Cupid’s Trick: 9
  11. 2:45 AM: 8
  12. Say Yes: 8

En  1997, Elliott Smith lanzó Either/Or, su tercer álbum de estudio. Fue grabado en la casa de Elliott Smith y en los estudios Undercover y los Laundry Rules en Portland. Smith produjo y tocó todos los instrumentos del álbum. El nombre del disco está inspirada en un libro del filósofo existencialista danés Søren Kierkegaard, “O lo uno o lo otro”.

El álbum es una magistral colección de canciones indie folk, low-fi, pop y folk rock. Smith con su temblorosa voz, envuelve las canciones, que cuentan historias de soledad, amor, amistad, inseguridad e insatisfacción. Las canciones más destacadas son la pop, “Ballad of Big Nothing”, la nostalgica “Between the Bars”, las evocadoras “Alameda” y “Angeles”, y la más roquera del conjunto “Cupid’s Trick”. Sin dejar fuera a cortes tan destacable como “Speed Trials” con su oscuro riff de guitarra, o  la diversa “Pictures of”. En fin, un fantástico trabajo donde las dulces y melancólicas líneas de guitarra que acompañan a cada una de las canciones, son fortalecidas por la emotiva interpretación de Elliott Smith.

El álbum ganó popularidad cuando el cineasta Gus Van Sant invitó a Elliott Smith para formar parte de la banda sonora de “El indomable Will Hunting”. Las canciones de Either/Or incluidas en la película, fueron “Between the Bars”, “Angeles” y “Say Yes“. Además, de la excepcional “Miss Misery”, que no formó parte del disco y obtuvo una nominación a los premios Oscar en la categoría de mejor canción original. En un principio Smith se negó cantar en la ceremonias de premiación de los Oscar, pero la organización le advirtió que si él no asistia, la canción sería interpretada por un artista que ellos elegirían. Ante esta situación, Elliott interpretó “Miss Misery” en la ceremonia de los oscar de 1998, vestido de blanco, con su guitarra acústica en la mano y con la mirada perdida en el vacío. El tímido Elliott terminaría perdiendo ante la famosa “My Heart Will Go On” de Celine Dion. Tiempo después el artista recordaría este hecho. “Los Oscar fueron un espectáculo muy extraño, donde el programa era de sólo una canción reducida a menos de dos minutos, y la audiencia era un montón de gente que no había venido a escucharme tocar. No me gustaría vivir en ese mundo, pero fue divertido estar cerca de las estrellas por un día”. Ahora Elliott está con las estrellas y es una de las más brillantes.

Diego

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Entrevista a Prusia

La banda de Rock Instrumental, Prusia, se presenta ante nosotros en esta entrevista en la cual nos cuentan su historia y sobre el lanzamiento de su primer disco larga duración “Las Uniones Posibles”.

Cuentennos de ustedes ¿Cómo nació Prusia?

Nació de un encuentro muy azaroso en las calles de Padua, en el conurbano bonaerense, donde nos conocimos Roa, Fabris y yo (Catriel). Luego de cruzarnos varias veces y de charlar sobre música que nos gustaba. La primera vez nos encontramos solo para improvisar un rato, pero luego decidimos continuar con esos encuentros pero “sin compromisos”. Fabris en realidad tocaba la guitarra, pero decidió empezar con la batería. Y bueno Roa el bajo y yo la guitarra eléctrica.

Después de algunas juntadas simplemente dejamos que siga y empezamos a tocar en lugares. Nuestra primera fecha fue en una plaza mítica de Morón en un evento contra el gatillo fácil. Quizás de alguna manera esa primera fecha haya marcado el resto de nuestras tocadas en vivo.

Con el tiempo sacamos tres EPs que forman una especie de trilogía (Vol I, Vol II, y Vol III) y sentimos que tras cada disco avanzamos un poco más en nuestra forma de tocar, pensar la música y grabarla.

Para nuestro primer disco o LP comenzamos a ensayar y componer ya con Fer J. en el sinte y samples. Definitivamente eso fue fundamental para componer los nuevos temas ya que agregar una nueva paleta de sonoridades le dio un vuelco a lo que estábamos haciendo hasta el momento.

¿Qué sienten que los distingue frente a otros grupos de Rock instrumental?

No sabemos si hay algo puntual que nos diferencie del resto de las bandas instrumentales. Todas las bandas que llevan un tiempo tocando sean o no instrumentales tienden a tener su propio estilo. Lo que sí podemos ver es que las bandas actuales quizás se vuelvan un poco genéricas, es decir que tocan un estilo en particular, ya sea math rock, post rock, progresivo, stonner, etc. Si bien somos un poco deudores de esos géneros, nos interesa explorar distintas variables musicales y sonoras y no tanto imitar directamente un género, por eso suele ser difícil responder a la pregunta de “a qué música se parecen?”… En todo caso nos interesan las sonoridades, la mezcla que se da entre nuestros instrumentos y entre las referencias, engañar un poco el oído o invertir los roles esperables en cada instrumento, jugar con las expectativas y lo predecible e impredecible. Claro que son cosas que nos llevan mucho tiempo entender y digerir y que no se resuelven solo tocando o ensayando, sino también conversando y compartiendo tiempo juntos.

La banda suena bien instrumentalmente ¿Nunca pensaron en agregar un vocalista?

No. En todo caso si agregaramos un vocalista no sería para hacer canciones ya que lo que hacemos se aleja de eso, sino quizás para que construya desde el mismo lugar que nosotros como un instrumento más y no como sucede normalmente en las canciones donde el foco de atención está puesto primero en el o la cantante y luego en la banda.

¿Qué sensaciones les deja su reciente disco “Las uniones posibles”? ¿Qué es lo que más destacan del mismo?

De mucha satisfacción y aprendizaje. Lo que más destacamos es el proceso de grabación el antes y el durante, al ser nuestro primer disco largo hablamos mucho al respecto. Queríamos entender cómo construirlo y desde qué lugar. El disco tiene mucho de esas conversaciones, de las charlas durante los viajes hacia el estudio Mikrokosmos de Fer J, conversaciones sobre música, nuestras influencias y gente que admiramos, política, filosofía, nuestrxs amigxs y la música que hacen, lo que nos gusta y lo que no. Un poco el disco es la unión de todos esos retazos y segmentos que entran en relación, colisionan entre sí y dan como resultado el trabajamos que hicimos. Por otro lado, creemos que el aspecto visual del disco es también muy importante, contactamos gente amiga que nos gustaba como trabajaba, tanto para la portada como para el diseño de la edición física, además nosotros mismos salimos a sacar fotos con una cámara analógica a capturar momentos que podían relacionarse con los tracks… en definitiva “Las uniones posibles” tiene mucho de lo extra musical.

¿Cuáles son los próximos proyectos de la banda?

Estamos pensando en viajar a algunas provincias y armar una suerte de tour veraniego, además de seguir tocando y ensayando.

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Florence + The Machine – Lungs (2009)

Puntaje del Disco: 8

  1. Dog Days Are Over: 8
  2. Rabbit Heart (Raise It Up)8,5
  3. I’m Not Calling You a Liar: 8
  4. Howl: 8,5
  5. Kiss with a Fist7,5
  6. Girl with One Eye8
  7. Drumming Song: 7,5
  8. Between Two Lungs: 7
  9. Cosmic Love8
  10. My Boy Builds Coffins7
  11. Hurricane Drunk: 7,5
  12. Blinding8
  13. You’ve Got the Love: 8,5

Nacida en Londres el 28 de Agosto de 1986, Florence Welch, se crió en una familia intelectual de periodistas, escritores y profesores universitarios. Aunque sería su padre Nick, un publicista que se define como músico frustrado quien le inculcó el rock and roll.

A sus veinte años Florence comenzó a hacer música con su amiga Isabella Summers presentándose en clubes locales con el nombre Florence Robot / Isa Machine, de allí surge la posterior denominación de su banda reduciéndose a Florence + The Machine o Florence and the Machine.

Su primer trabajo, Lungs (2009), grabado con cinco productores distintos: Paul Epworth, James Ford, Stephen Mackey, Eg White y Charlie Hugall la estableció como un suceso internacional del indie y art tock, con una predilección por los arreglos cuidados, toques de soul, folk y hasta jazz, canciones de corte épicas, emocionales y la potencia y el atractivo especial en la voz de Florence, solo comparable con figuras femeninas de la talla de PJ Harvey, Fiona Apple, Regina Spektor o Björk.

Luego de este sobresaliente debut la carrera de Florence + The Machine continuó en forma ascendente presentándose en innumerables festivales y gracias a su mejorada continuación Ceremonials de 2011, que los establecería como una de las novedades más celebradas y premiadas del Reino Unido de esta década.

F.V.

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