Deftones – Koi No Yokan (2012)

Puntaje del Disco: 9

  1. Swerve City: 8,5
  2. Romantic Dreams: 9
  3. Leathers: 8,5
  4. Poltergeist: 9
  5. Entombed: 7,5
  6. Graphic Nature: 9
  7. Tempest: 9,5
  8. Gauze: 8,5
  9. Rosemary: 10
  10. Goon Squad: 9
  11. What Happened To You?: 8

Si pensaron que después de la reseña de Diamond Eyes, la de Koi No Yokan va a ser mejor, están totalmente en lo cierto. ¿Por qué? Porque aún tenemos que hablar más sobre el impresionante material que la banda sigue haciendo hasta el día de hoy a pesar de más de 30 años de trayectoria (en la actualidad). Deftones pertenece al movimiento de bandas que evolucionan cada día más, siempre peleándola de todas maneras (por así decirlo).

Pero si bien, el tope de evolución lo dieron con un salto impresionante como fue White Pony (aunque ya habían dado un grandioso salto con el Around the Fur), y lo volvieron a hacer con Diamond Eyes, Koi No Yokan es más un complemento del anterior. ¿Esto le baja los humos de creatividad a la banda? Para nada, es más, hasta el día de hoy existen muchas peleas para considerar si Koi No Yokan o Diamond Eyes es mejor. Mi punto es que ambos son geniales.

Koi No Yokan fue lanzado en noviembre del 2012 y algunos de los materiales ya fueron componiéndose durante la sesión de Diamond Eyes, e incluso sobre la era de Eros. En este disco, si bien Deftones fue una banda que se inspiró muchísimo por bandas del género Shoegaze, nunca se ha considerado dentro de ese estilo. Sin embargo, en el grandioso Saturday Night Wrist habíamos visto ya algo de esto (e incluso en el homónimo, aunque de tonos más débiles y oscuros), sobre todo en tracks como «Beware», «Cherry Waves» y «Xerces». Pero finalmente en Koi No Yokan podemos abarcarla dentro de este estilo, como una banda de Shoegaze Metal (al mismo estilo de otras como Deafheaven y su tan aclamado disco Sunbather).

El estilo de Koi No Yokan no difiere mucho del anterior, pero adapta totalmente la esencia de ese estilo ya mencionado. Aquí encontramos a Deftones en una faceta mucho más experimental, más pop y atmosférica. De aquí sacamos geniales tracks como «Romantic Dreams», «Entombed» (aunque esta no sea la mejor del disco, es un perfecto ejemplo), «Gauze», y «What Happened To You?».  Sin embargo, se toman el tiempo de experimentar y combinar otros estilos como el progresivo (hay solo 2 pista particulares, que son «Graphic Nature» y «Gauze», ambas con un clarísimo homenaje a Tool, de una manera genial) y el Post-Metal (mencionando a geniales bandas como ISIS, Neurosis, o Pelican), y de aquí sacamos dos de los mejores canciones del disco.

Si en serio, yo pensé que con Diamond Eyes no iban a alcanzar a sacar otros temas tan épicos como «Rocket Skates» o «Sextape», pero en Koi No Yokan me sacaron las palabras de la boca. De los dos tracks que estoy hablando son «Tempest» y «Rosemary», particularmente esta última. Ambas tienen un estilo sumamente épico y parecido , «Tempest» por ese estribillo sumamente poderoso y por la genial progresión de acordes y teclados, tanto de Chino como de Stephen Carpenter. Y yo creo que esto sería simplemente lo que puedo decir de esta canción, es magistral y el canto de Chino es sencillamente abrumador como en todo el resto del disco (no caben dudas que él es el que se lleva la mejor parte del disco, se nota mucho la madurez musical con la que ha evolucionado). El resto lo tendrían que escuchar ustedes.

Pero vamos a comentar particularmente esta pista, «Rosemary», es sencillamente el tema largo más épico que ha sacado la banda hasta la fecha desde «Pink Maggit» (incluso diría, mejor que este). Es una canción bellísima y al abarcarse en el mismo estilo que «Tempest», podríamos decir que esta es una canción de aquellas épicas que bandas como ISIS o Neurosis pudo haber compuesto (en sus tiempos de Through Silver In Blood, particularmente). La canción arranca de una forma súper lenta con unos acordes y punteos melódicos (de parte de Chino) para luego desatar los riffs particulares y reconocibles de Stephen Carpenter en su genial guitarra de 8 cuerdas. Tanto los estribillos como los versos van teniendo y cobrando sus formas de a poco y cambiando la progresión de acordes cada vez más. Sin duda, lo mejor del tema es terminando con ese grandioso breakdown con un riff abrumador y machacador de Stephen Carpenter (alrededor del minuto 5:00) y una bella progresión de acordes limpios. No quedan dudas de que estamos ante una de las canciones más queridas de la banda actualmente.

Finalmente, comentamos a los 2 temas finales del disco, «Goon Squad» y «What Happened To You?», cerrando el disco de una forma genial. Aunque particularmente, creo que «Goon Squad» termina siendo una de las pistas más infravaloradas de la banda (junto con «Beware»), si bien los versos son algo que ya hemos escuchado durante todo el disco, lo que resalta totalmente y me pone de punta los pelos es ese estribillo y post-estribillo, con una vocal de Chino melódicamente por los cielos (es más, creo que hasta aquí es el mejor momento vocal junto a «Tempest»). Es una canción muy poco vista, pero tiene su relevancia. Y «What Happened To You?» tampoco se queda atrás, con un estilo más popero en todo caso, al igual que «Entombed», pero mucho más atmosférico.

Con este disco, finalmente terminamos la tanda de los 3 discos épicos de la banda. Luego vendría Gore, que si bien, ya no es nada relevante comparado sus 3 anteriores, tampoco se queda atrás con la evolución, y podríamos pensar que es simplemente un descanso para ver lo que después haría la banda con su genial estilo ya definido. Yo creo que esta banda ha sobrevivido mucho a lo que fue la fama del White Pony, y de la mejor manera. Muchas bandas le deben mucho a Deftones por haber fundado y creativizado muchos estilos, que servirán de muchísima influencia. Actualmente esperamos con ansias su próximo trabajo. Para los que son nuevos en ellos, yo creería que toda su discografía vale la pena y deberían meterle pata sobre todo a sus últimos trabajos.

En fin, un trabajo sumamente recomendable, no caben dudas. Una banda que hacía realmente falta comentarla en esta página.

Toto

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Richard Coleman – F-A-C-I-L (2017)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. F- A- C- I- L: 7,5
  2. El Ritmo Cuando Rima: 7,5
  3. ¡Simpático!8,5
  4. Para Sufrir de Verdad: 7,5
  5. El Agua No Se Puede Beber7
  6. Tu Mejor Momento: 6,5
  7. Días Futuros: 7,5
  8. Cuarto Secreto: 8
  9. Sin un Plan: 6,5
  10. Desechos Cósmicos: 7

En sus últimos lanzamientos Richard Coleman logra sonar más concreto, accesible y pegadizo que nunca. Con su antecesor Incandescente (2013), ya había logrado mayor difusión y alejarse de las guitarras podridas y el dark, con F-A-C-I-L (2017) logra acentuar esta propuesta aunque baje un poco el nivel de composiciones.

F-A-C-I-L es un disco corto que hace honor a su título, facil de escuchar y para nada complejo. Entre sus mejores temas su primer sencillo “¡Simpático!” se lleva los mayores honores con toques de glam rock setentoso a lo T-Rex, otro tema a la altura es el hitero de estribillo adictivo “Cuarto Secreto” y “Días Futuros” con un funk electrónico agradable y la participación del salmón Andrés Calamaro. “Una parte de la letra de «Días Futuros» dice: «cada momento es una prueba cuando el pasado es la condena», que para mí la tenía que cantar Andrés y quedó muy bien. «Días Futuros» también es el título de uno de los discos que más me gustan de Can.” Contaba Coleman sobre el llamado a su viejo camarada para formar parte de esta canción.

Además Richard le dedicó F-A-C-I-L  a una de sus mayores inspiraciones y a quien ya había homenajeado en varias oportunidades, su admirado David Bowie recientemente fallecido: “Es una influencia que nunca desconocí, pero nunca la reconocí tanto como en este disco. Hay mucho de eso, deliberado por momentos pero muchas veces de un modo inconsciente. Cuando falleció, lloré todo el día, me puse muy triste… Entonces fue como un reconocimiento, dar un poquito desde el corazón a un artista que me dio mucho.”

F.V.

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Marvin Gaye – Midnight Love (1982)

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Puntaje del Disco: 8.5

  1. Midnight Lady: 8
  2. Sexual Healing: 10
  3. Rockin’ After Midnight: 8.5 
  4. Til Tomorrow: 7
  5. Turn On Some Music:
  6. Third World Girl: 8
  7. Joy: 7.5
  8. My Love Is Waiting: 8

Midnight Love, el decimoséptimo disco de estudio del gran Marvin Gaye lanzado en 1982, sería no sólo un enorme éxito en su carrera, sino también el último que grabaría el artista, quien fallecería tragicamente dos años después.

El material recibió críticas muy positivas por parte de la prensa especializada, que destacaron la evidente vuelta del músico a los ritmos y estilo que había alcanzado tiempo, particularmente con el recordado álbum Let’s Get It On.

«Rockin’ After Midnight» es uno de los temas destacados en este material que, si bien es de corta duración, condensa muy bien la gran calidad del artista y los arreglos que encontró. «Sexual Healing», de todos modos, uno de los grandes clásicos en la carrera del músico, es sin dudas un emblema de la impronta que Gaye nos dejó como legado.

Piro

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The Xx – I See You (2017)

Puntaje del Disco: 8

  1. Dangerous: 8
  2. Say Something Loving: 8,5
  3. Lips: 7,5
  4. A Violent Noise: 8
  5. Performance: 7,5
  6. Replica: 8
  7. Brave for You: 7,5
  8. On Hold: 8
  9. I Dare You: 8,5
  10. Test Me: 6

I See You es el tercer disco de The xx, que tardó nada menos que 5 años en llegar. El grupo que había llegado al estrellato gracias al éxito de su hit “Crystalised”, retorna en esta nueva entrega con una versión de ellos que es un poco menos oscura y hasta más optimista.

En I See You, los Xx nos ofrecen una paleta de ritmos bastante diversa. Por momentos son más bailables en sus arreglos electrónicos y en su bajo. Sin embardo, sus canciones atmosféricas no desaparecen y la combinación vocal entre Oliver Sim y Romy Madley Croft sigue teniendo ese encanto intangible. De todas formas, las melodías nunca llegan a ser tan atrapantes y atractivas como así lo lograron en “Crystalised”. Tampoco hay estribillos que sean contagiosos. The Xx es un grupo que si bien supo instalarse comercialmente en el exterior, un poco tal vez por el género que abordan, se preocupan mucho por no despegarse de su costado de hacer algo medido y cuidado, y eso hace que sean un poco aburridos y por momentos algo lentos (especialmente en «Test Me»).

Por eso I See You es un buen retorno. Pero simultáneamente nos deja con esa sensación de que The Xx podría despegar un poco más, tomar más vuelo hacia algo superior, con composiciones un poco más entretenidas sin descuidar su estilo.

Persy

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The Streets – Computers and Blues (2011)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Outside Inside8
  2. Going Through Hell: 9
  3. Roof of Your Car: 6,5
  4. Puzzled By People: 6
  5. Without Thinking: 7
  6. Blip on a Screen: 7,5
  7. Those That Don’t Know: 6,5
  8. Soldiers: 5,5
  9. We Can Never Be Friends7
  10. ABC5
  11. OMG: 7,5
  12. Trying to Kill M.E.: 6,5
  13. Trust Me: 6
  14. Lock the Locks: 6,5

The Streets, ese experimento que documenta la cultura urbana de Gran Bretaña a cargo de una de las voces de su generación en su tierra Mike Skinner, decidía ponerle fin (al menos hasta ese momento) a su carrera.

En 2011 salcaría al mercado Computers and Blues, un adios anunciado basado en la teconología, las redes sociales y las paradojas de la sociedad moderna con su hip hop carácterístico como estandarte mechado con música electrónica y canciones futuristas.

“No tengo ninguna duda de que no haré nunca más un álbum con el nombre de The Streets. Me metí desde hace algún tiempo en la escritura cinematográfica, intento hacer una película, hacemos muchos vídeos: estoy muy ocupado, no tengo mucho tiempo como para hacerme muchas preguntas.”, declararía Skinner en una entrevista de aquellos tiempos al ser consultado sobre su futuro inmediato. Y además confesaría “Si Computers and Blues no hubiera sido el último, no lo habría podido hacer, me habría sentido obligado a ir hacia la novedad. Y el disco habría sido algo peor, sin duda.”

A pesar de su autoconvencimiento estamos ante su trabajo menos logrado. A lo largo de estos catorce tracks podemos rescatar algunos temas a la altura de lo mejor de The Streets como “Outside Inside”, “Blip on a Screen”, “OMG” y en especial “Going Through Hell” con la participación del cantante Robert Harvey de The Music, quien sería un número activo a lo largo del trabajo con dos colaboraciones más.

Sobre como sería su vida sin su creación, Skinner tendría una interesante reflexión/enseñanza acerca de porque a veces es necesario bajarse de un proyecto cuando todavía este esta en pleno funcionamiento: “Todo se resume finalmente en una simple elección: ¿querés hacer más dinero o querés ser más feliz? Hice bastante plata en el pasado, también gasté mucho, y me di cuenta de que el dinero jamás será la cosa que me haga feliz. También me di cuenta de que los momentos en los que fui más feliz fueron aquellos en los que creaba algo sin saber exactamente qué estaba haciendo. Es probablemente algo que la gente siente. Entonces necesito volver a empezar, encontrar la emoción con algo desconocido, nuevo. Es lo que buscaba en cada uno de los nuevos discos de The Streets, pero no habría sido capaz de encontrarlo si seguía.”

F.V.

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Lostprophets – The Fake Sound of Progress (2001)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Shinobi vs. Dragon Ninja: 9
  2. The Fake Sound of Progress: 9,5
  3. Five is a Four Letter Word: 7,5
  4. And She Told Me To Leave: 6,5
  5. Kobrakai: 8
  6. The Handsome Life of Swing: 4,5
  7. A Thousand Apologies: 6
  8. Still Laughing: 7,5
  9. For Sure: 7,5
  10. Awkward: 8,5
  11. Ode To Summer: 6

Nota Importante: Si ustedes son de investigar mucho acerca de lo que anda pasando en el mundo de la música últimamente, estoy seguro de que están enterados acerca de quiénes son Lostprophets, que pasó con ellos durante su separación y que pasó con su repugnante vocalista. No me vayan a odiar por qué me ponga a analizar su trabajo, simplemente me parece una banda genial y curiosa en el ámbito musical, separando toda su genialidad musical de los innombrables hechos sucedidos en referencia a su desquiciado frontman. Para los que no saben, más tarde investiguen por su cuenta, es preferible no tocar esos temas en esta página. Solo hago propaganda a su música, nada más. Comencemos.

Durante el boom del metal alternativo, el funk metal y el nu metal hecho en los 90’s, tuvo cierta repercusión por América del Norte. Bandas como Incubus, Primus, Korn, Deftones, entre otras estuvieron ganando muchísima popularidad llegando a un montón de estados, entre ellos, el Reino Unido también tuvo su escena. Actualmente hay mucho reconocimiento de bandas como Skindred, que combinaba su particular estilo llamado Roots Metal, la reconocida banda de Post-Punk Killing Joke que también se adaptó a esta nueva industria con su genial homónimo del 2003, y otras bandas más del género. Pero una de las primeras en adaptar este nuevo estilo fue la banda Lostprophets.

Se formaron en el año 1997 y en las primeras etapas el grupo estaba formado por Ian Watkins en las voces, Jamie Oliver en los samplers y teclados, Lee Gaze en guitarra líder, Mike Lewis en la rítmica (que antes era el bajista), Stuart Richardson más tarde se suma al bajo y Mike Chiplin en la batería (que duró hasta el disco Start Something). Si bien, publicaron dos EP (por cierto, perdónenme, pero tienen unos títulos bastante raros, al igual que el nombre de la banda, solo vayan a verlo), no fue hasta el año 2000 en el que publicarían en el Reino Unido su debut oficial, The Fake Sound of Progress, y a nivel mundial en el año 2001, bajo Columbia Records.

El disco, obviamente estaba pegado a la moda del momento, que era el Nu Metal, pero si bien, Lostprophets lo hacía, tenía su principal estilo pegado un poco al Hip Hop, a los samplers y sobre todo a un montón de rock underground que los hacían un poco más distintos del resto. ¿Pero es acaso eso compatible? Vamos a checarlo.

Es súper, pero totalmente súper triste que las dos primeras pistas, sean totalmente las mejores del disco, totalmente alejadas del estilo que presenta The Fake Sound of Progress. Principalmente, si es que no aguantas a lo largo del disco, estas dos son prácticamente las razones por las que deberías escuchar este álbum, también son dos de las mejores canciones de la banda. «Shinobi Vs. Dragon Ninja» fue escrita en una hora, y prácticamente es una canción que te hace saltar con unos riffs simples pero poderosos, unos versos con interludios funky y a la vez bastante melódicos en donde la voz de Ian se destaca muchísimo. La parte final es pura adrenalina.

Pero la que sigue es sin duda, la homónima del álbum, es sin duda la mejor canción del grupo junto a «Make a Move» del siguiente trabajo. «The Fake Sound of Progress», si bien, parece una canción escrita por Incubus, parece como que si es una canción hecha con cada detalle cuidadísimo. Los samplers del tema deslumbran, las guitarras tranquilas ayudan y las melodías de Ian Watkins en la voz son deslumbrantes, si bien, los riffs en el estribillo son un poco pesados, son el motor para combinar la parte del brutal breakdown, la parte en donde Ian grita «SWAY IT!» de una manera descomunal para terminar en un caos sumamente poderoso. Es sin duda el punto más alto del disco. Y aclaro otra cosa, dentro del vídeo oficial de la canción, van a encontrar a Guido Süller, a ver si lo ubican jajaj (no importa lo que haya hecho el frontman, el peor crimen que hizo fue haber tenido ese look, xD)

No sé si haya mucho que decir del resto del disco. Quizás sí. No es que sea un disco de esos genéricos como los de bandas de Post-Grunge a lo Creed, Nickelback, entre otras. Para nada. El problema de The Fake Sound of Progress no es eso, es que es un disco tan pero tan diverso, solamente que está muy mal ejecutado! Los músicos dentro de Lostprophets son totalmente increíbles, ni se hable de los dos guitarristas, de Mike Lewis y Lee Gaze, que son unas bestias, al igual que Stuart Richardson en el bajo, y Mike Chiplin (que ya por defecto en todo el disco hace un trabajo descomunal), también Ian Watkins tenía unas melodías vocales de envidia. Pero The Fake Sound of Progress musicalmente hace como una apología a su título, quizás, como una forma de burla. Porque cada canción, está hecha con detalles un poco raros (más allá de los largos interludios hip hoperos en cada pista), algunas suenan bastante diferentes entre otras, pero no por eso deja de ser, no un disco débil, sino decente pero mal ejecutado. Ah, exceptuando a «The Handsome Life of Swing». ¿Por qué carajo esta esa pista ahí, dios mío? Es tan mala por los gritos sin sentido y por lo mala que es, una copia barata de una banda de metalcore. Prácticamente es una pista de relleno y sin ganas, que tampoco encaja en el estilo de la banda.

Pero aún si podemos hablar del resto de algunas pistas, a pesar de la rareza y el caotismo del álbum. Tenemos a «Kobrakai», que si bien, tiene un estribillo bastante pesado y nu metal, raramente encaja bastante bien con los versos, que es lo mejor del tema, y sobre todo descubrimos la gran creatividad musical que tienen los músicos dentro de Lostprophets, creando un ambiente/medley super funky y creativamente genial. Esta pista es otra de mis favoritas, que «Five Letter is a Four Word» también se parece un poco a esta, solamente que no dentro del ámbito funky.

Luego de la ya horrenda «The Handsome Life of Swing», tenemos otra pista como «A Thousand Apologies», que, quizás, sea una versión prácticamente mejor que la canción anteriormente mencionada, simplemente que ya no con tantos gritos, aunque con la misma rareza. «Still Laughing» es curiosa, por ser la más tranquila del disco, y porque tiene los mismos interludios funky de «Kobrakai», solamente que están cubiertos a lo largo de todo el tema. La canción va progresando adecuadamente y es un alivio escuchar esto después de dos pistas sumamente raras como las anteriores dos.

Luego, ya terminando, tenemos a «For Sure», otra de mis favoritas dentro del disco, melódicamente bastante pop durante los versos, aunque tiene mucha más pinta y se asemeja a bandas Post-Grunge. Aún, sigue siendo mejor que Puddle of Mudd o Saliva… por lejos. Y finalizando con la última gran pista del disco, «Awkward» es la más Nu Metal dentro de Fake Sound of Progress y la más pegada a la moda del momento. Es un subidón de todo el disco, casi llegando a las dos primeras canciones. Es prácticamente un tema súper frenético, el bajo de Stuart Richardson es descomunal, las guitarras de Mike y Lee andan en su forma más simple asemejandose al estilo del primer track, Mike Chiplin es una bestia en la batería y los teclados de Jamie Oliver se hacen presente y le dan sumamente toda la calidad a la canción, dentro de los geniales estribillos. Se asemeja un poquito a lo que hizo Mudvayne en temas como «Dig», aunque sin gritos. Sin duda, de las mejores del disco también. Aunque todo esto se cae cuando llegamos a «Ode To Summer», del que directamente no comento mucho acerca del mismo, porque prácticamente es más de lo mismo visto en temas anteriores.

The Fake Sound of Progress, empieza de una forma descomunal con dos pistas monumentales, pero resulta totalmente raro y hasta un poco bizarro dentro de los siguientes temas. Sin embargo resulta un disco súper curioso por ese caso. Más o menos la banda recién se estaba formando, y todavía les faltaba forjarse, sobre todo con dos Ep bastante raros antes de su debut que son sumamente malos. Por suerte, con Start Something todo esto va a suceder, y lo vamos a reseñar en la próxima.

Toto

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Eurythmics – 1984 (For the Love of the Big Brother) (1984)

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Puntaje del Disco: 6

  1. I Did It Just the Same: 7
  2. Sexcrime (1984): 7
  3. For the Love of Big Brother: 6
  4. Winston’s Diary: 6
  5. Greeting From a Dead Man: 6
  6. Julia: 6
  7. Doubleplusgood: 6
  8. Ministry of Love: 5
  9. Room 101: 6

Como parte de su discografía, en 1984 el dúo Eurythmics editó el álbum 1984 (For the Love of the Big Brtoher), basado en la película inspirada en la reconocida novela distópica de George Orwell.

Con mayoría de temas instrumentales y con partes de las letras extraídas de la novela, el álbum no se erigió como la música original de la película, pero llegó a tener cierta repercusión, sobre todo con temas como «Sexcrime (1984)».

Piro

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Massacre – 12 Nuevas Patologías (2003)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Adiós Caballo Español8,5
  2. Querida Eugenia: 8
  3. La Nueva Amenaza7
  4. Heredarán la Tierra8
  5. Seguro Es Por Mi Culpa8
  6. Bienvenido al Mundo de los Conflictuaditos: 8,5
  7. Ideal Para El Invierno: 6,5
  8. Sofía, la Súper Vedette: 7,5
  9. Rio Siempre: 8,5
  10. Invasión de Aguavivas en Santa Mónica: 7,5
  11. Ambas Estatuas9
  12. Gilda Manson: 8,5

Massacre se supo ganar un respeto y posicionarse como referentes del indie rock argentino a base de lanzamientos frescos, cautivantes y modernos que fueron agigantando su leyenda.

Entre los más significativos es imposible pasar por alto, 12 Nuevas Patologías, su quinta placa de estudio lanzada en el año 2003. Un álbum conceptual compuesto por doce temas que como su título lo anticipa agrupa diferentes patologías individuales y colectivas, como obsesiones, culpas, fobias, miedos y dudas.

Musicalmente hablando Massacre abusa un poco de la psicodelia, pasando a primer plano los efectivos riffs de guitarra de Pablo M que a su vez se matizan con sonidos electrónicos y letras dementes de Walas.

El drogón comienzo con “Adiós Caballo Español”, el corte difusión “Querida Eugenia”, el genial track instrumental “Bienvenido al Mundo de los Conflictuaditos”, el noise rock a lo Sonic Youth en “Rio Siempre” y el poderoso y contundente final con “Ambas Estatuas” y “Gilda Manson” son los puntos altos de este discazo, de los más guitarreros y volados en toda su recomendable discografía.

F.V.

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Metallica – St. Anger (2003)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Frantic: 8,5
  2. St. Anger: 7,5
  3. Some Kind of Monster: 7
  4. Dirty Window: 6,5
  5. Invisible Kid: 6
  6. My World: 5
  7. Shoot Me Again: 6,5
  8. Sweet Amber: 5,5
  9. The Unnamed Feeling5
  10. Purify: 4
  11. All Within My Hands: 5

St. Anger (2003), lo primero que se conoció de Metallica en el nuevo milenio, se anunciaba como el disco donde volvían a sus orígenes, más thrasheros y menos Easy Metal que dominaría su música en los noventa. Pero el resultado estaría lejos del buscado en la mayoría del tiempo, con una producción descuidada, temas injustificadamente largos sin sentido alguno y escasos solos de guitarra destacables.

El comienzo no es tan desesperante. La salvaje “Frantic”, “St. Anger” con su melodía infecciosa y “Some Kind of Monster” es una poderosa canción típica de Metallica. Sin embargo a partir de allí comienza un declive irrecuperable, denso, molesto con detestables temas horrendamente estirados sin sentido alguno y una segunda parte que no merece la pena darle una segunda escucha.

Su productor Bob Rock (que además tomaría el bajo momentaneamente en reemplazo de Jason Newsted que abandonó el conjunto) declaró que intentaron que suene como “Una banda improvisando en el garage por primera vez, y la banda resulta que sería Metallica”. “No buscamos un tema de cuatro minutos amigable para la radio, ni estribillos, ni baladas, ni solos”.

Esta filosofía es la explicación del crudo sonido de St. Anger, un material con algunas pocas buenas ideas estiradas al límite con un una producción descuidada intencionalmente para que parezca espontaneo pero con pocos resultados convirtiéndose en uno de sus más flojos lanzamientos (sino el más flojo) en su extensa trayectoria.

F.V.

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Rainbow – Ritchie Blackmore’s Rainbow (1975)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Man on the Silver Mountain: 8,5
  2. Self Portrait: 8,5
  3. Black Sheep of the Family: 6,5
  4. Catch the Rainbow: 4
  5. Snake Charmer: 5,5
  6. Temple of the King: 6
  7. If You Don’t Like Rock ‘n’ Roll: 5,5
  8. Sixteenth Century Greensleeves: 5,5
  9. Still I’m Sad: 7,5

A mediados de la década de los setenta, Ritchie Blackmore abandonaría Deep Purple para abocarse a un nuevo proyecto. Originalmente Blackmore quería grabar un sencillo, pero el éxito en las sesiones con la banda que había reunido hizo que Ritchie terminara grabando un disco completo con sus sesionistas. Entre ellos tenemos a un joven Ronnie James Dio, que a decir verdad se encuentra en un momento esplendoroso como vocalista, y así lo demuestra en este primer trabajo de la banda que se terminaría llamando Rainbow.

El estilo de Rainbow no es otra cosa que Hard y Blues Rock, que no es para nada original y en ese sentido encuentra su principal defecto. De hecho hay quienes lo puedan tomar como bastante genérico. Sin embargo, en las primeras canciones de este álbum, “Man on the Silver Mountain” y “Self Portrait”, Rainbow nos deja satisfechos porque son muy buenos ejecutando su estilo.

Pero, sacando estas dos canciones y pese a ser un proyecto de Blackmore, Ritchie no está muy inspirado que digams. Acá no apela a su velocidad y a sus solos de guitarra en ningún momento, salvo tal vez en «Still I’m Sad».Y de hecho, “Catch the Rainbow” es un plagio descarado a “Little Wing”, que no solo es inferior sino que es extremadamente largo.

En ese sentido el disco es irregular, encontramos flojeras como “Snake Charmer”, “If You Don’t Like Rock ‘n’ Roll” y “Sixteenth Century Greensleeves”, sumado a canciones convencionales que nunca terminan de levantar vuelo. Por eso está primera incursión de Rainbow pese a ser prometedora no es lo mejor que van a escuchar de ellos.

Persy

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Indochine – 3 (1985)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. 3eme Sexe: 9,5
  2. Canary Bay: 9
  3. Monte Cristo: 8,5
  4. Salômbo: 9,5
  5. Hors-La-Loi: 9
  6. A L’Assaut (Des Ombres Sur L’O): 9
  7. 3 Nuits Par Semaine: 9,5
  8. Le Train Sauvage: 8
  9. Tes Yeux Noirs: 8,5

En 1985, una banda con una imagen similar a The Cure e influenciados por el new wave de los 70’s, sonaban muy seguido en las radios francesas. Una banda que combinaba un sonido del Lejano Oriente junto a una estética lirica oriental, y aunque parece una combinación algo bizarra, lograban acoplar muy bien. Y había quedado demostrado en sus dos trabajos anteriores, L’Aventurier y Le Péril jaune, exitosos discos, muy decentes, pero aun algo inmaduros.

“3” dio el título de consagración a la banda, y fue casi una vuelta completa de tuerca con respecto a su estilo. Aparte de una mejor producción, hay una madurez muy notable tanto en la composición musical como líricamente, con letras mayormente referidas al amor como a la diversidad sexual.

Con canciones que en mayoría se convertirían en clásicos de su repertorio, y piezas obligadas a ser tocadas en vivo hasta el fin de sus días. De hecho aún hoy en la actualidad son pedidas por sus fans.

En cuanto a lo musical, aunque dejaron los orientalismos por algo más alternativo y menos infantil, aun se nota la ligeramente esa esencia. Por otro lado, Nicola Sirkis el vocalista, en 3 canta de una forma más simple que en sus dos trabajos anteriores, y de alguna manera le da puntos extra al disco, ya que se combina perfectamente con la música.

El tracklist comienza muy bien con “3eme Sexe” una de las mejores del álbum, y un canto a la tolerancia sexual. En aquella época hubo 2 versiones de la canción, la normal que se encuentra en el disco, y una más corta que se editó para ser lanzada como Sencillo.

Le sigue “Canary Bay”, tambien uno de sus mejores temas así como uno de los más conocidos. Además de ser muy pegajosa, también es un himno a la diversidad sexual, al hablar sobre la homosexualidad femenina.

Con “3 Nuits Par Semaine” llega un punto en el que ya está demostrado que el disco sería un icono francés de los 80’s, mientras otras como “Monte Cristo “junto a “Salômbo” y “A L’Assaut (Des Ombres Sur L’O)” también excelentes canciones, que no pasaron desapercibidas y son grandes clásicos de la banda.

Por otro lado, aunque el éxito del disco en cuanto al mercado internacional fue mediano, tal vez se deba a los percances del Idioma Francés. Pero logro convertir a los jóvenes de Indochine en una tendencia en aquel país. Una curiosidad, la banda pego muy fuerte en Perú por aquella época ¿Por qué? Quién sabe.

Ailton Salirrosas

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El Cuarteto de Nos – Apocalipsis Zombie (2017)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Apocalipsis Zombi: 7
  2. Invisible: 6
  3. El Innombrable: 6
  4. Calma Vladimir: 5,5
  5. Gaucho Power7,5
  6. Mirada De Nylon: 6,5
  7. Hola Karma7
  8. La Bestia: 6,5
  9. Nombres7,5
  10. El Rey y El As: 6,5

Luego del punto de inflexión que significó para El Cuarteto de Nos en su extensa trayectoria, Raro (el disco del 2006 que contuvo el hit “Yendo a la Casa de Damian”), luego de más de veinte años en la escena alternativa del rock uruguayo como una banda de culto, cada nuevo lanzamiento de los uruguayos comenzó a ser mirado con atención de los dos lados del charco.

Para su último proyecto, Apocalipsis Zombie, Después de una década y cinco discos con Juan Campodónico, la producción cambió de manos y quedaría a cargo de Cachorro López. . «Juan fue una de las grandes razones de por qué el Cuarteto está donde está hoy», señala su líder, cantante y compositor Roberto Musso. Y continúa Santiago Tavella, bajista y fundador de la banda: «La visión de alguien ajeno al grupo ayuda en la parte sónica pero también en lo vincular. Como un psicólogo».

Luego de abarcar temáticas peronsales, Musso decidió cambiar el enfoque de sus composiciones y según sus propias palabras con Apocalipsis Zombie se adentra en personajes fantasiosos como los zombis, gauchos con superpoderes, bestias convertidas en humanos, hombres invisibles, etc.

Musicalmente hablando es el trabajo menos logrado desde su mencionado despegue hace un poco más de diez años. Carentes de sorpresa y sin temas con el ingenio y frescura de “Así Soy Yo”, “Mi Lista Negra”, “Lo Malo de Ser Bueno” o “21 de Septiembre”.

Sobre su futuro inmediato Roberto aporta una visión esperanzadora y positiva, que deja en evidencia que tienen cuerda para rato: “Creo que El Cuarteto sigue con una energía enorme debido a que, aunque tengamos tantos años, nuestro repertorio actual no va más allá de una década para atrás. Y los discos nuevos que sacamos no son ni peores que los anteriores ni pasan inadvertidos. Todo lo contrario, aportan cosas nuevas a nuestros shows, haciéndonos sentir más jóvenes. Vamos a seguir hasta que nos dé el cuerpo. O nos muerda un zombie…”

F.V.

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