Ween – White Pepper (2000)

Ween – White Pepper

Puntaje del Disco: 9

  1. Exactly Where I’m At: 9,5
  2. Flutes of Chi: 9
  3. Even If You Don’t: 9,5
  4. Bananas and Blow: 8,5
  5. Stroker Ace: 7,5
  6. Ice Castles:
  7. Back to Basom: 9
  8. The Grobe: 8,5
  9. Pandy Fackler: 7
  10. Stay Forever: 9
  11. Falling Out: 8
  12. She’s Your Baby: 8,5

Pop más serio para rendir tributo a los Beatles. Eso es White Pepper, cuyo nombre claramente hace referencia y rinde homenaje a dos de los discos más importantes de los 4 Fantásticos de Liverpool: The White Album y Sgt. Pepper.

Y para ello conforman un disco eminentemente más Pop del que estábamos acostumbrados en ellos, que en cierto sentido muestra una faceta más madura de Dean y Gean Ween, pero que además demuestra las melodías de alta calidad que pueden componer si se lo proponen. De todas formas, en White Pepper no pierden su humor y su impronta extravagante sigue latente.

La seguidilla inicial del álbum,  “Exactly Where I’m At”, “Flutes of Chi” y “Even If You Don’t” son las mejores composiciones de Ween, en las que no solo los ganchos melódicos son fantásticos, sino que también recurren a la psicodelia y hacen canciones que no son para nada en joda.

Por otro lado, White Pepper tiene bastante regularidad y no hay rellenos, pese a su diversidad. Los tipos pueden hacer recurrir a influencias caribeñas como en “Bananas and Blow”, hacer Punk Rock desenfrenado en “Stroker Ace” (de obvias referencias a “Ace of Spades” de Motorhead) o incluso deleitarte con baladas setentosas como “Stay Forever”.

White Pepper no solo es un excelente homenaje sino que también es un álbum que pasó bastante desapercibido en los inicios del nuevo milenio.

Persy

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The Music – The Music (2002)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. The Dance7
  2. Take the Long Road and Walk It8,5
  3. Human7,5
  4. The Truth Is No Words: 8
  5. Float: 8
  6. Turn Out The Light: 9
  7. The People7,5
  8. Getaway: 9,5
  9. Disco: 9
  10. Too High: 8,5

The Music, fue parte de la joven camada de bandas indie rock que invadieron la escena musical mundial a principios del nuevo milenio, se convirtieron de inmediato en una fuerte promesa y favoritos de la crítica pero fueron desinflándose con el correr de los años y no corrieron la misma suerte que otras contemporaneas como The Strokes o The Hives, por solo citar dos casos.

Formados por compañeros de colegio en los suburbios de la ciudad inglesa de Leeds en 1999, consiguieron llamar la atención un par de años más tarde al difundir su demo «Take the Long Road and Walk It”. Poco a poco iban subiendo el perfil y la reconocida publicación británica musical NME los llegó a calificar como: “Potencialmente el grupo más importante desde Oasis”. Finalmente Capitol Records los fichó en 2002 y editarían su homólogo disco debút en Septiembre de aquel año.

The Music cuenta con fuerte influencia tanto de la psicodelia de los sesenta con sonidos tecno más modernos, de una forma elaborada con muchos retoques artísticos, con pasajes épicos, improvisaciones y experimentación de alto nivel, cuesta creer que fueran tan subestimados y que hoy en día pocos se acuerden de ellos.

Por tratarse de un primer trabajo, The Music se las ingenió para mezclar distinción, originalidad y pasión en sus composiciones y a pesar de no haber alcanzado un gran reconocimiento mediático merecen su lugar como fuertes pioneros de la moda que comenzó y se consolido en los 2000.

F.V.

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HIM – Love Metal (2003)

Puntaje del Disco: 8

  1. Buried Alive By Love: 8
  2. The Funeral of Hearts: 9,5
  3. Beyond Redemption: 8
  4. Sweet Pandemonium: 7,5
  5. Soul On Fire: 9
  6. The Sacrament: 8,5
  7. This Fortress of Tears: 7
  8. Circle of Fear: 7,5
  9. Endless Dark: 7,5
  10. The Path: 8
  11. Love’s Requiem [Bonus Track]: 7,5

Si le preguntas a alguien que vivió completamente el metal de los 2000: ¿cuál es el mejor álbum de HIM?, tal vez lo mas seguro que te responda es Love Metal del 2003, con un sonido renovado, más duro, oscuro, y con una etiqueta musical que llevarían para siempre Love Metal simplificado bajo el “heartagram”, el logo que posee su portada y que representa el odio y el amor. Sin embargo, aunque es uno de los mejores álbumes de esta banda, y el que les dio la fama mundial, con canciones clásicas de su repertorio; a medida que el disco avanza suele decaer, hasta cerrar en un intento algo apagado, un poco falto de ideas, a pesar de tener buenas intenciones.

Inicia en lo alto con “Buried Alive By Love”, un golpe duro de hard rock, mostrando instantáneamente su evolución, sin perder la frialdad oscura que poseen. Le sigue su super conocida canción, y tal vez la responsable de que se etiquete a este disco como el mejor de la banda, “The Funeral of Hearts”, con un comienzo acústico e instantáneamente atrayente, para luego desatar las guitarras potentes y clásicas de HIM, envueltas del aura oscura que poseen. Sin duda una de sus mejores canciones en todo su repertorio musical.

“Beyond Redemption” y “Sweet Pandemonium” es más de lo anterior hablado, pero en un sentido más que decente. Con “Soul On Fire” tenemos otro de los puntos más altos del disco, siendo desenfrenada e igualmente dura. “The Sacrament” repitenuevamente este estilo. Pero a partir de “This Fortress of Tears” el álbum se viene un poco abajo, por la falta ligera de creatividad, aunque es más que salvable. Canciones como “Endless Dark” o “The Path” aunque contiene un poco menos de potencia y son algo flojas, son aceptables, y sirven como un buen sierre.

En la versión alemana se agregó una nueva canción, «Love’s Requiem» una de las canciones mas góticas del disco, aunque esta suele ser más lenta, y acompañada por guitarras más potentes. Se nota aún más la ligera falta de ideas, ya que recuerda mucho a «This Fortress of Tears» por sus coros algo, que aunque no la perjudican, no es un gran cierre del disco.

Puede que Love Metal sea uno de los mejores discos de HIM, con la esencia de la banda más viva que nunca, con canciones que dan en el clavo. Sin embargo, no llegan a profundizar como en discos anteriores, y se suman algunos temas que demuestran falta de inventiva, afectando su nivel.

Ailton Salirrosas

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Far – Water & Solutions (1998)

Puntaje del Disco: 8

  1. Bury White: 10
  2. Really Here: 8
  3. Water & Solutions: 8
  4. Mother Mary: 9
  5. I Like It: 7
  6. The System: 8,5
  7. Nestle: 7
  8. In 2 Again: 7
  9. Wear It So Well: 9
  10. Man Overboard: 7,5
  11. Another Way Out: 6,5
  12. Waiting For Sunday: 8

La escena del Post-Hardcore en los 90’s ha tenido cierto grado de repercusión dentro del terreno underground y cada vez más bandas iban acercando terrenos musicales nunca antes vistos,  evolucionando al punk rock de una forma brillante que terminarían influyendo a muchas bandas futuras.

Una de las últimas bandas que finaliza la época dorada del Post-Hardcore/Emo, sin duda es Far. A pesar de que su nombre no suene a muchos, su grandioso disco Water & Solutions es algo que se tiene que mencionar al menos en la historia del Punk Rock noventero. Los grandiosos sonidos oscuros que caracterizaron a este fueron de muchísima influencia para bandas como Jimmy Eat World en su disco Clarity, entre otros.

Claramente, a lo largo de él podemos escuchar influencias de muchísimas bandas de Post Hardcore, tales como Quicksand, Jawbox o la ruidosa HUM, llevando la oscuridad de las canciones llenos de riffs monstruosos presentes en todo el tracklist. Las letras de las canciones hablan temas metafóricos, relacionados a la vida y la muerte, y la voz del cantante Jonah, suena dulce a lo largo del disco. Sin embargo, algunos screams pueden hasta aterrarte, como el del pre-estribillo de «Bury White». Por lo tanto, tenemos canciones bastante lentas y melódicamente pop (como «Nestle»), otras más rápidas y otras lentas y pesadas. Claramente lo que se puede esperar de cualquier banda Emo de la época.

El disco arranca con una pista totalmente increíble… sumamente increíble, y lamentablemente, la mejor del disco y la mejor de la banda. Hablamos de la ya mencionada «Bury White», una canción sumamente lenta, con riffs súper pesados, y un estribillo que sentís que te hunde hasta los fondos más terroríficos de un océano, llevandote hacia un caos terrible. Sin duda una de las mejores canciones dentro del género, y personalmente, uno de los mejores openings que he escuchado en cualquier álbum. Si bien, las otras pistas no la alcanza (para algunos también puede ser «Mother Mary»), el disco logra mantenerte tenso hasta el final.

A lo largo del álbum, también hay diversidad. Las canciones suenan bastante diferentes entre sí. Tenemos cosas interesantes como la rápida y frenética «The System» (un clarísimo homenaje a Nirvana), la melancólica «Really Here», y sin duda otro de los pilares del disco, «Mother Mary» (la más conocida de la banda, y el único sencillo del disco, con un asombroso video clip), adaptando actitudes punk únicas. Y por último también está la atmosférica «Wear It So Well», con unos versos oscuros que te ponen la piel de gallina, haciendo un puente con un estribillo sumamente brutal y furioso. Sin duda esta es la pista más oscura del disco, y también es para algunos la más llamativa junto a «Bury White».

No hay mucho que decir sobre los otros temas, tenemos algunas canciones más pop como «I Like It» y «Nestle», canciones también llamativas pero que recuerdan más a bandas como Weezer que a la propia Far. Se alejan un poquito del estilo punk-darketón que presenta el disco. «Man Overboard» conecta perfectamente este estilo pop y la atmósfera oscura de una manera genial, pero apenas es un poquito más llamativa.

Sin embargo, el gran motivo por el cual estoy reseñando este interesante disco, no es por su genial música en sí, sino por haber sido el motor fundamental para Deftones (Far y Deftones son bandas muy amigas entre sí) y su alabadísimo disco White Pony lanzado 2 años después. Water & Solutions prácticamente cambió a la banda y le dejó unas puertas evolutivas para que ellos pudieran progresar. Por estas sencillas razones éste y el anterior disco mencionado guardan ciertas similitudes en el sonido. Menos mal, Deftones le debe casi todo a Far (pienso que sin este disco no hubiesen evolucionado mucho… es más, ni siquiera hubiera salido White Pony, que es uno de mis favoritos), al igual que muchas otras bandas.

Así que no se pierdan Water & Solutions, un álbum recomendadísimo para aquellos que buscan un buen Post-Hardcore/Emo súper darketón. Un consejo, no escucharlo cuando andamos tristes, es lo peor que pueden hacer, jajaj.

Toto

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Attaque 77 – Otras Canciones (1998)

Puntaje del Disco: 8

  1. Perfección: 8
  2. El Jorobadito7,5
  3. Fotos de Lily7,5
  4. Canción del Adiós: 8
  5. Cinco Estrellas: 8
  6. Do You Wanna Dance?: 7
  7. Escucha tu Corazón: 8
  8. La Colina de la Vida: 8,5
  9. Un Poco de Respeto8
  10. Callejero: 8
  11. Amigo/White Trash: 9
  12. No Me Arrepiento de Este Amor: 9
  13. Soy Rebelde: 7,5
  14. Dame, Dame, Dame: 8
  15. A Galopar7,5
  16. Beat On The Brat: 6,5
  17. Otras Canciones (Sweet Dreams, La Bestia Pop y Prófugos): 8

Attaque 77 continuaría su progreso a lo largo de la década del noventa y para sacar ventaja de su gran momento de finales de los noventa decidieron sacar un álbum integramente compuesto por versiones de sus artistas favoritos que van mucho más allá del punk por el que se hicieron conocidos.

Lo positivo de Otras Canciones (1998), es que la banda porteña le logra poner su impronta y sello a canciones de autores tan disimiles como Alberto Cortez, Los Auténticos Decadentes, Erasure, The Beach Boys, The Who y The Ramones,  hasta se animaron a hacer una versión punk rock de la cantante tropical argentina Gilda, que sirvió como corte de difusión: “No Me Arrepiento de Este Amor”.

Junto a esta última “Amigo/White Trash” (la primera del brasilero Roberto Carlos y para el cierre una parte del clásico de Sumo) serían los únicos singles desprendidos de esta particular propuesta aunque otros covers bien resultos como “La Colina de la Vida” de León Gieco, “Cinco Estrellas” de Leo Masliah y “Dame, Dame, Dame” de ABBA merecían mayor difusión.

Con Otras Canciones, El Otro Yo, se sacó el gusto personal de interpretar a algunas de sus amplias y más importantes influencias y serviría para confirmar el auspicioso momento que atravesaban luego de su disco despegue de un año anterior, Un Día Perfecto y su siguiente trabajo destacado Radio Insomnio del año 2000.

F.V.

 

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America – Hearts (1975)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Daisy Jane: 8
  2. Half a Man: 8
  3. Midnight: 8
  4. Bell Tree: 7
  5. Old Virginia: 7
  6. People in the Valley: 7.5
  7. Company: 7.5
  8. Woman Tonight: 8
  9. The Story of a Teenager: 8
  10. Sister Golden Hair: 9
  11. Tomorrow: 7.5
  12. Seasons: 7

Producido por el mismísimo productor Geroge Martin, Hearts, el quinto disco de estudio de America terminó de editarse en 1975 y pronto alcanzó buena repercusión que se tradujo en las primeras colocaciones en los charts estadounidenses.

Siempre con un estilo armónico y agradable, las melodías fluyen fácilmente a lo largo del disco.  Con «Daisy Jane,» la exitosa»Sister Golden Hair» y «Woman Tonight» al frente, también son de mencionar las otras producciones como «Midnight», «Half a Man» y «Company».

 Piro

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Courtney Barnett & Kurt Vile – Lotta Sea Lice (2017)

Puntaje del Disco: 7

  1. Over Everything: 8,5
  2. Let It Go: 7,5
  3. Fear Is Like a Forest: 7,5
  4. Outta the Woodwork: 8
  5. Continental Breakfast: 8,5
  6. On Script: 6,5
  7. Blue Cheese: 6,5
  8. Peepin’ Tom: 6,5
  9. Untogether: 6,5

Courtney Barnett y Kurt Vile, una asociación muy prometedora entre dos de los artistas indies más importantes del momento. Sin embargo, no todas las uniones logran los resultados que se esperan. Lotta Sea Lice es un ejemplo de ello.

En este disco el dúo en lugar de complementarse, parecen tratar de acomodarse con sus estilos para ver lo que pasa. Es como si no tuvieran idea de lo que quieren hacer juntos como proyecto. Entonces lo genial que venían haciendo se ve reducido a un álbum con un sabor decepcionante. Y el disco es decepcionante porque es un trabajo de Indie Rock/Indie Folk bastante promedio. Las melodías en sí son decentes y tienen cierta frescura, pero no son para nada especiales. “Over Everything” y la agradable acústica “Continental Breakfast” son de lo más destacable de un álbum, que nunca termina de despegar y que de hecho sobre el final se torna un poco repetitivo y agotador.

Lo más reprochable del disco es que se extraña el costado dylanesco de Courtney, a quien se la nota tapada en esta asociación con Vile. En ese sentido el gran problema es que Lotta Sea Lice tiene más de Kurt Vile que de Barnett, cuando debió haber sido al revés. Si hubiera sido un álbum en solitario de Barnett como principal compositora, demostrando su talento compositivo y su encanto para interpretar a lo Dylan, con Kurt Vile acompañando como guitarrista invitado, es posible que hubiera sido mejor. Pero bueno, lo hecho hecho está y al resultado a su vista nos atenemos.

Persy

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Ozzy Osbourne – Diary of a Madman (1981)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Over the Mountain: 8
  2. Flying High Again: 8
  3. You Can’t Kill Rock and Roll: 7,5
  4. Believer: 9
  5. Little Dolls: 7,5
  6. Tonight: 7,5
  7. S.A.T.O.: 8,5
  8. Diary of a Madman: 9,5

La sociedad musical Osbourne/Rhoads se extendió por pocos años, aunque no por ello resultó poco importante. El carismático cantante y el eximio violero produjeron juntos el maravilloso Blizzard of Ozz (1980) y un año después el no mucho menor Diary of a Madman.

A diferencia de su antecesor, muchos temas en Diary of a Madman parecen alargados innecesariamente y no del todo bien resueltos. Así y todo contiene momentos elevados, dignos de ser incluidos entre lo más destacado de la carrera de Ozzy, entre estos la épica y maravillosa canción que le de el título al álbum con un trabajo notable de Rhoads en guitarra, como así también otros temas cañoneros como “Believer”, “Over the Mountain”, “Flying High Again” y “S.A.T.O.”.

Es dificil augurar lo que hubiera sido del metal si esta sociedad se hubiera extendido por años, pero fatalmente llegó a su fin el 19 de Marzo de 1982. La noche anterior Randy Rhoads tocó en su último concierto 18 de marzo de 1982 en el Knoxville Civic Coliseum sin saber que sería el último. Al día siguiente el conductor del autobús de la banda, Andrew Aycock, invitó a Randy y a una asistente de la banda, Rachel Youngblood, a dar un paseo en la aeronave. Al parecer Andrew era piloto de aviones y todo venía bien, hasta que una de sus alas golpeó al autobús y generó un desastre que termino en el incendio de la aeronave , la cual se incendió e hizo perder la vida a sus tres ocupantes, entre ellos Randy.

Esta bizarra forma de terminar la vida de uno de los mejores guitarristas del siglo pasado terminó con esta aceitada sociedad y la carrera solista del bueno de Ozzy cayó en un largo abismo creativo. Sobre la muerte de su compañero Osbourne reconocería años mas tarde en forma emotiva: “Fue uno de los momentos más terribles de mi vida, no pasa un solo día sin que yo piense en él, yo aún hablo con Randy en mi cabeza, juntos hicimos la historia eterna y la vida inmortal.”

F.V.

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Los Natas – Nuevo Orden de la Libertad (2009)

Puntaje del Disco: 8

  1. Las Campanadas: 8
  2. El Nuevo Orden de la Libertad: 9
  3. Resistiendo al Dolor8
  4. Hombre de Metal: 7,5
  5. Ganar-perder8,5
  6. El Pastizal8
  7. David y Goliath: 7
  8. Bienvenidos: 7,5
  9. 10.000: 9
  10. Dos Horses: 7,5

La primera y más emblemática banda argentina de Stoner Rock, Los Natas, anunciaría su sorpresiva separación El 3 de febrero de a través de un comunicado en Facebook. Unos años antes nos habían dejado, Nuevo Orden de la Libertad (2009), sin saber que sería el último.

Grabado en Buenos Aaires y masterizado en los Estados Unidos, en este nuevo disco Los Natas continuarían con la tónica de sus trabajos anteriores, dejandonos algunos tracks memorables como “Las Campanadas “, “El Nuevo Orden de la Libertad”, “Ganar-perder” y “10.000”, entre otros.

Lamentablemente la banda que llegó a girar por el mundo y dejó un rico e interesantísimo legado musical se disolvería insolitamente en su mejor momento, su frontman y lider Sergio Chotsouria lo justificaría del siguiente modo: “Básicamente llegó un momento en que era o reventarnos con la camioneta en la ruta, o terminar presos en un cruce de frontera en Suiza, o que exploten todos los equipos en un show. Nosotros llevamos todo lo que pudimos la banda  a un máximo límite durante muchos años. Creo que paramos en un momento justo, como para que cada uno de los tres pudiera dedicarse a sus prioridades en ese momento. El momento en que la banda dejó de ser nuestra prioridad fue cuando nos empezó a consumir. Bah, hablo por mí; no sé cómo se sentirán Walter (Broide) y Gonzalo (Villagra) al respecto. Pero básicamente fue eso. Fue parar o morir.”

Actualmente Sergio se encuentra abocado a diversos proyectos musicales entre los que se destacan Ararat y Soldati, dos bandas completamente diferentes. Según sus propias palabras: “Ararat es una banda doom, stoner por así llamarlo, donde la guitarra no manda, o queda en un segundo plano completamente. Soldati es un trío mas clásico de rock: batería, bajo y guitarra.”

Pasados más de cinco años de su disolución muchos se preguntan si Los Natas volverán a tomar forma, dicha cuestión fue contestada por el propio Sergio en la misma entrevista cerrándole la puerta por el momento al tema: “La reunión de Los Natas es un tema que va a estar abierto siempre, al menos hasta el día que uno de los tres pase a mejor vida. Creo que es un deseo de los tres, pero bueno, depende de muchos factores. Por el momento, creo que estamos muy bien como estamos. Nosotros discográficamente entregamos un material ya cerrado. Nos despedimos con el split con la banda Solodolor que yo tuve con Billy Anderson, Gustavo Rowek y el Topo (Armetta), uno de los fundadores de Massacre, y tuvimos invitados como Boom Boom Kid y Ricardito Iorio. Creo que por ese lado ya estamos bastante llenos. Si llega a venir una vuelta va a ser un plus. Pero hoy por hoy, Los Natas no vuelven.”

F.V.

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Basement – Promise Everything (2016)

Puntaje del Disco: 9

  1. Brother’s Keeper: 9
  2. Hanging Around: 9,5
  3. Lose Your Grip: 9
  4. Aquasun: 9,5
  5. Submission: 9
  6. Oversized: 9,5
  7. Blinded Bye: 9
  8. For You the Moon: 8,5
  9. Promise Everything: 9
  10. Halo: 9,5

Siempre he buscado canciones que me hagan sentir emociones y sensaciones nostálgicas, aquellas que si las escuchas en determinado momento inmediatamente te trasladan a un lugar completamente diferente. Canciones como “1979” o “Perfect” de los Smashing Pumpkins son un gran ejemplo de lo que la música puede hacer. Canciones que te traen calidez así las escuches por primera vez, como al mismo tiempo te hacen vivir las melodías y capturar momentos en muestras mentes. Después de todo uno de los principales objetivos de la música, es que sea sentida y entendida. Promise Everything te ofrece esta experiencia por 28 minutos, en 10 canciones que te harán sentir momentos y poder atraparlos.

Basement es una banda inglesa fundada en el 2009 con 3 álbumes de estudio en su repertorio. Su sonido ha tenido varias etiquetas a lo largo, descrito como Punk Rock en sus principios, Grunge por sus notables influencias de la época noventera, Emo por su lírica en una que otra canción, y Rock Alternativo un género que en mi oído va más acorde con su estilo.

Con su segundo disco, Colourmeinkindness, se podría decir que encontraron su estilo. De hecho, fue más que una buena consagración como banda, con un sonido más enérgico e incluso más agresivo. Aquel álbum abre con “Whole” una canción que serviría de base para lo que sería su siguiente disco, Promise Everything.

El álbum está rodeado de un aura emotiva, tranquila, nostálgica, divertida, soñadora, e incluso relajante, especialmente dominada por esas guitarras distorsionadas y a veces potentes que fluyen acompañadas por el vocalista Andrew Fisher, que canta con una calidez que simplemente tranquiliza tu oído. Mientras en otras aun demuestra su estilo raspante al cantar como lo hizo en trabajos anteriores.

Por otro lado, puede que te preguntes ¿porque dura tan poco el disco? simplemente porque no encontraras relleno o canciones extendidas para hacer tiempo. El álbum es así para conseguir un producto más completo y pulido. No hay momentos bajos, ni aburridos, solo canciones con una esencia diferente cada una.

Piezas como “Hanging Around” o “Oversized” son perfectas canciones que define lo que es este trabajo. De hecho si piensas escucharlo empieza con éstas como un adelanto para saber lo que encontraras. Por tal motivo lo considero como uno de los mejores del 2016, y que lamentablemente pasó algo desapercibido.

Ailton Salirrosas

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Kiss – Lick It Up (1983)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Exciter: 7.5
  2. Not fot the Innocent: 7.5
  3. Lick It Up: 9
  4. Young and Wasted: 8
  5. Gimme More: 7.5
  6. All Hell’s Breakin’ Loose: 8
  7. A Million to One: 8
  8. Fits Like a Glove: 7
  9. Dance All Over Your Face: 7.5
  10. And on the 8th Day: 7.5

Lick It Up, el undécimo disco de estudio de KISS fue lanzado en septiembre de 1983 a través de la discográfica Mercury Records y se convirtió no sólo en un éxito en términos comerciales y aclamado por la crítica, sino que fue el primero en el cual los integrantes de la banda abandonaban sus característicos maquillajes.

Vinnie Vincent, quien había participado en la en la grabación de varios temas de Creatures of the Night, reemplazó definitivamente en la guitarra a Ace Frehley, realizando para este nuevo material un importante aporte, como fue el caso del tema que da nombre al disco, que resultó ser muy pegadiza y un clásico en el repertorio de KISS. Su intervención, sin embargo, se extiende a lo largo del álbum, logrando poderosos sonidos y varios puntos destacados como «Exciter», «A Million to One» y «All Hell’s Breakin’ Loose».

Tras la gira promocional  Vincent dejaría el grupo, aunque su gran aporte tendría un gran reconocimiento y Lick It Up considerado por muchos como el mejor disco KISS sin los maquillajes.

Piro

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Jethro Tull – Minstrel in the Gallery (1975)

Puntaje del Disco: 8

  1. Minstrel in the Gallery: 8,5
  2. Cold Wind to Valhalla: 8
  3. Black Satin Dancer: 8
  4. Requiem: 7,5
  5. One White Duck / 010 = Nothing at All: 8,5
  6. Baker St. Muse: 7
  7. Grace:

Una mejoría de lo que veníamos escuchando. Jethro Tull luego de editar Thick as a Brick se vio profundamente eclipsado y no pudo recuperar el grandioso nivel que tuvo en ese extraordinario álbum. Pero afortunadamente luego de un par de trabajos regulares, volvería a demostrar que puede recuperarse en  Minstrel in the Gallery.

Minstrel in the Gallery es nuevamente un disco conceptual que hace referencia a las galerías de trovadores, que se podían encontrar en los salones principales de castillos, donde los músicos tocaban sus melodías, ocultos de la vista de los comensales.

Musicalmente Jethro Tull repite un poco la receta que ya habíamos escuchado en Thick as a Brick, destacándose los pasajes con melodías acústicas y Anderson imprimiendo una onda folklórica con su flauta. Y así encontramos canciones multisegmentadas como “Minstrel in the Gallery” que llega a ser bastante acertada. Aunque tenemos la épica suite de 16 minutos “Baker St. Muse”, que tiene tramos tan logrados como omitibles. El resto de las canciones están bastante bien resaltándose “One White Duck / 010 = Nothing at All”  por su melodía acústica que captura.

Y eso es lo que Jethro Tull refleja en el álbum, por un lado una mejoría notoria en sus melodías haciendo que el trabajo sea muy bueno, pero por otra parte, esa sensación de que no llega a ser un disco enteramente atrapante.

Persy

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