Luca Bocci – Ahora (2017)

Puntaje del Disco: 9

  1. Intro:
  2. Danza: 8
  3. Era de Piscis: 9
  4. Archipiélago: 8
  5. Ahora9
  6. Bahía: 8
  7. Detener: 7,5
  8. Perla: 9
  9. No Tiene Nombre: 8,5
  10. Füjin Ama a Raijin: 6,5

Producto de la gran movida musical y artística que está llegando recientemente desde la ciudad de Mendoza, acaparando las mayores novedades del indie rock nacional, Luca Bocci a sus jovencisimos veintidos años sorprendería con su disco debut el cual grabó en su propia casa, convirtiendose en la revelación del rock nacional en este año.

La historia inicial de Luca con la música no puede ser mejor explicada que por el mismo en declaraciones recientes: “Arranqué de re chico, toco la guitarra desde los seis años. A mi viejo le gustaba mucho el rock nacional tipo Charly, Los Abuelos de la Nada, y cosas más viejas también. Me mandaron a un colegio de música en Mendoza que es semiprivado y te dan música académica. Ahí aprendí lo primero, tipo audioperceptiva, armonía funcional y todo eso. A los catorce empecé a andar en patineta, escuché mis primeras bandas punk y me cambié a una escuela pública; no quería ir más doble turno y me hice una cresta y una banda punk. Ese fue como mi primer encuentro con mi música, digamos. Música que escribía yo, porque en la escuela siempre me hacían interpretar a otros compositores, a Bach, o lo que verga sea. Siempre eran cosas de otra gente. Cuando me hice la banda, con compañeros de la escuela, fue donde apareció todo. Después aparecieron las drogas, que te cambian el panorama, la cabeza, y todo.”

Luego llegarían sus primeras bandas punk rock, típicas de la adolescencia, hasta que comenzó a experimentar con otras búsquedas más melódicas: “Para mí fue provocativo, fue un desafío aceptar el lado simple de las cosas. Ahora que saqué el disco me doy cuenta de la fuerza que tienen esas canciones. También pasó que siempre hay influencias, cosas que te van marcando para dónde ir. El mundo, mis amigos, todo, quise dejar el virtuosismo de lado, que era algo muy común en la música mendocina antes de que pase todo esto. Todos eran bastante prejuiciosos. Y yo creo que el paradigma ahora está cambiando, las cosas son más genuinas y por ahí más simples, pero son más auténticas al fin y al cabo. Ya no importa si sos un chabón que toca hace veinte años, importa más lo que decís.”

Bocci no descubrió la polvora con sus canciones pero alcanzó un nivel de sensibilidad y simpleza que te lleva a reconciliarte con la música argentina del pasado, principal inspiración en Ahora. Spinetta, Fito Paez, Charly García, entre otros están presentes en sus composiciones, aunque no solo se quedaría allí: “Las referencias son puntos de partida hacia otras cosas. Son esos eslabones los que te conectan con la música de todo el mundo. Por lo que mi disco no es netamente de rock nacional. También tiene muchas influencias internacionales: chillwave, trap y hip hop. Aunque el próximo, seguramente, será muy diferente. Quiero explotar la imagen de pop idol nostálgico”.

Inesperadamente su música comenzó a conocerse no solo en Argentina sino en América Latina y hasta emprendió este año una gira por Ecuador y Mexico, donde se presentó en el Teatro Metropolitan como invitado de Surfistas del Sistema. Los planes de Luca para 2018 son grabar un material con su banda Alicia, tocar en el festival Lollapaloza en Buenos Aires como uno de los números locales pero por sobre todo según sus propias palabras progresar y mejorar como músico: “Este año fue muy rápido y me tomó por sorpresa Me falta perfeccionar muchas cosas porque soy desprolijo e irresponsable. Aunque tengo buen piso sobre el cual trabajar. Solo necesito encontrar el balance y la disciplina que requiere ahora mi carrera. Mi nuevo estandarte es tratar de romper con la imagen del rockstar. Si bien admiro a Charly García, siento que es una persona supertriste y solitaria. No lo juzgo. Pero quiero tener gente cerca.”

Si te interesa descubrir algo más sobre este joven mendocino antes que se popularice y todos hablen de el, podes empezar a descubrir sus canciones en su Bancamp.

F.V.

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LCD Soundsystem – American Dream (2017)

Puntaje del Disco: 9

  1. Oh Baby: 9
  2. Other Voices8,5
  3. I Used To9,5
  4. Change Yr Mind: 8,5
  5. How Do You Sleep?: 7,5
  6. Tonite: 8,5
  7. Call the Police: 9,5
  8. American Dream: 10
  9. Emotional Haircut: 8
  10. Black Screen: 7,5

Lo que hizo James Murphy es digno de relatarse, por los que no lo conocen, él comenzó su carrera en la música como productor, pero fue hasta tener 32 años que se lanzó como artista creando su proyecto musical de nombre LCD Soundsystem. Durante toda la década de los 00s, su Dance y Electrónica le hizo ganarse muchos reconocimientos y fama, no obstante, nunca fue el plan original de Murphy extender mucho la vida del proyecto y sintiéndose agotado por las exigencias del éxito decidió anunciar el fin de la banda en pleno concierto en el 2011. De ahí en adelante se le vio a este hombre únicamente efectuando labores de producción.

El retiro no impidió de cualquier forma que siguiera componiendo, y los temas tenían un sonido muy similar al de su vieja banda, haciéndolo preguntarse sobre si debía regresar, siguiendo el consejo de su amigo David Bowie, tomó la decisión de dar el sí. Tras darse la noticia los medios estallaron en expectativa ante el regreso del año y James Murphy solo incrementó mas tales ansias al declarar a American Dream como El LP de LCD con el que me he sentido más satisfecho”. Y como reseñador del disco, les puedo decir que todo fue cierto, American Dream no es solo un disco de regreso, es el regreso del año, American Dream no es uno de los mejores discos de LCD sino que es el mejor que han hecho.

Los ritmos dance infecciosos predominan como siempre ha sido con la banda, la música son temas electrónicos conformados ritmos de batería y bajo repetitivos y continuos, sobre los cuales se desenvuelve un enorme mundo de sintetizadores y mas sintetizadores. Pero he aquí un detalle que detrás de todo ese ambiente bailable y enganchador hay unas letras oscuras que relatan las luchas personales de Murphy, tanto creativas como personales, mientras se enfrenta ante el paso de los años, a los cambios de la vida, y a un sueño americano que no es lo que se dice.

La combinación entredós opuestos como son la felicidad (reflejada en la música) y melancolía (plasmada en la letra) desemboca en temas memorables entre los cuales están dos canciones imprescindibles “American Dream” (la canción más potente emocionalmente de todo el año para mi) y “Call the Police”. Asimismo “Oh Baby”, “I Used To” y “Tonite” son puntos altos dentro del solido trabajo. También pone la piel chinita su tributo final a su héroe David Bowie, donde relata sus recuerdos sobre él, el impacto que le provocó su muerte y sus arrepentimientos de haber hecho crecer más su amistad y pasado más tiempo con él, tal es el extraño que siente por su amigo y tutor que confiesa que “Ha estado mirando imágenes de los satélites y las estaciones espaciales” esperando ver en una de ellas al hombre que cayó del espacio (You could be anywhere, on the black screen).

Al final Murphy logró dos de sus sueños, el sentirse por primera vez plenamente satisfecho con uno de sus trabajos, y encima lograr un objetivo que siempre cazó que fue el de lograr su primer lugar número uno en el Billboard 200 de ventas.  El reconocimiento de este álbum es universal en la mayoría de los sitios de música, así que ¿Por qué no darle una oportunidad?

Gera Ramos

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Kendrick Lamar – DAMN. (2017)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. BLOOD.: 6
  2. DNA.8,5
  3. YAH.: 7
  4. ELEMENT.: 9
  5. FEEL.8
  6. LOYALTY.8
  7. PRIDE.7.5
  8. HUMBLE.9
  9. LUST.8,5
  10. LOVE.8,5
  11. XXX.8
  12. FEAR.8.5
  13. GOD.: 7,5
  14. DUCKWORTH.: 8,5

Después del insuperable e icónico To Pimp a Butterfly (2015), el rapero del momento Kendrick Lamar tendría una monumental tarea para continuar vigente en la cima del hip hop.

En primer lugar lanzaría al año siguiente una compilación de demos inéditos que quedaron fuera de su legendario LP, sin tanta repercusión pero para cualquier otro hubiera sido un discazo, y en 2017 volvió a dejar su marca con el también exitoso DAMN. Con el  Kendrick Lamar ratifica ser el rapero más lúcido de su generación combinando la música de vieja escuela con lo moderno, con una creatividad intacta y brillante, apelando a la simpleza, provando (si era necesario) que puede lanzar un material “mainstream” manteniendo la esencia de su música.

En el transcurso DAMN. Kendrick examina la mayoría de los siete pecados capitales desde su punto de vista y relacionado a su propia historia. Sus letras y música son fuertes y vibrantes de principio a fin, incluyendo algunas de sus mejores composiciones y performances vocales como “HUMBLE.” (su primer hit que alcanzó el top ten de los rankings musicales), “DNA.”, “FEAR.”, “LOVE.” y “DUCKWORTH.”, con la grata sorpresa en las participaciones de Rihanna en “LOYALITY.” y en especial de U2 en “XXX.”.

Comparado con los consagratorios Good Kid, M.A.A.D. City y To Pimp a Butterfly estamos ante una obra más terrenal, mucho menos completa y variada pero Lamar es un artista fantástico y continúa a kilómetros de distancia de sus competidores y seguramanete con los años será recordado como una leyenda del hip hop a la altura de Tupac Shakur y The Notorious B.I.G.

F.V.

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El Mató a un Policia Motorizado – La Síntesis O'Konor (2017)

Puntaje del Disco: 9

  1. El tesoro: 9,5
  2. Ahora imagino cosas: 9
  3. La noche eterna: 8,5
  4. Alguien que lo merece: 8
  5. Las luces: 9
  6. La síntesis o’konor: 7,5
  7. Destrucción: 8
  8. Excalibur: 7,5
  9. El mundo extraño: 8,5
  10. Fuego: 8,5

Ser la banda indie más popular a nivel nacional, no implica necesariamente ser la más reconocida o la más conocida en el país. Sin embargo, este año El Mató a un Policia Motorizado logró hacer un punto de inflexión con La Síntesis O’Konor.

Con La Síntesis O’Konor el Mató logró llegar a otro nivel su música. Por un lado, porque a diferencia de sus trabajos anteriores estamos ante un disco en el que la banda busca madurar en su sonido pero sin perder la frescura. Tenemos una versión más medida y cuidada de El Mató, tal vez un poco menos irreverente y revolucionaria, dando lugar a una mayor producción, en el que se escuchan nuevos arreglos instrumentales. De todas formas, su onda guitarrera sigue presente dibujando diferentes melodías, pero se podría decir que es un Indie Rock más elaborado.

Por otro lado, también podríamos decir que es un poco más Pop. No solo en sus melodías sino también porque cosechó elogios desde medios más masivos que los que están acostumbrados. Por eso La Síntesis O’Konor se podría decir que es el álbum que los consolida y que lo libera de las sombras del under en forma definitiva. Y mucho en esto tiene que ver que en este disco el Mató compuso su mejor canción hasta la fecha, “El Tesoro”. “El Tesoro” es una canción encantadora en su estribillo, en su gancho melódico, en todo, que tranquilamente puede ser catalogado como el mejor tema del año 2017 a nivel nacional.

Pero La Síntesis O’Konor es más que un tema. Es uno de sus mejores discos, en el que combina canciones sólidas de distinto calibre. Tenemos cortes más explosivos y rockeros como  “Ahora imagino cosas”, canciones más espaciales como “Las Luces”, e incluso baladas de melodías más lentas como “La noche eterna” y “Alguien que lo merece”.

La Síntesis O’Konor es la demostración de que El Mató a un Policia Motorizado no solo es una bandera del Indie argentino, sino que es una de las mejores bandas del Rock Argentino a nivel nacional.

Persy

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Lorde – Melodrama (2017)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Green Light: 9
  2. Sober: 8,5
  3. Homemade Dynamite: 9
  4. The Louvre: 8,5
  5. Liability: 8
  6. Hard Feelings/Loveless: 8
  7. Sober II (Melodrama): 8
  8. Writer in the Dark: 8
  9. Supercut: 8
  10. Liability (Reprise): 7,5
  11. Perfect Places: 8

La joven cantante neozelandesa Ella Marija Lani Yelich-O’Conno, mejor conocida como Lorde, ya tenía cierta popularidad dentro del mundo del Pop. Sin embargo, se había instalado más a fuerza de canciones como “Royals” y “Yellow Flicker Beat” (que integró el soundtrack de los Juegos del Hambre). Pero hasta el momento no había demostrado su esplendor en un disco que la consolide como artista, como sí le pasó a otras cantantes como Adele o incluso Lana del Rey. El año en que encontraría alcanzar ese punto de inflexión sería el 2017, con el lanzamiento de su segundo disco Melodrama.

Melodrama es un álbum que en sus pocos días de lanzamiento cosechó críticas realmente muy favorables, ubicándose entre los mejores trabajos discográficos del año según los críticos. ¿Pero qué hace tan especial a Melodrama?

Para empezar hay que decirlo, es un álbum de Pop. Pero a diferencia de artistas como Taylor Swift, no es un disco cuya principal característica sea ser un trabajo marketinero. Al contrario, Lorde  ya no es la chiruza de 12 años que firmó un contrato con Universal con la premisa de transformarse en la próxima Miley Cyrus. Es una joven con inquietudes, y por eso en Melodrama hay cierta preocupación por las composiciones de sus canciones, su diversidad de melodías, sus arreglos (sintetizadores y arreglos electrónicos como moneda común), sus cambios de ritmo, los juegos de voces que la misma Lorde ofrece e incluso las letras con su carga personal. Es un disco cuidado en el sentido artístico.

Así Lorde logra hacer de Melodrama un muy buen álbum, con muy buenas melodías especialmente en su primera mitad, como los hits “Green Light” y “Sober”, y su destacable interpretación vocal en “Homemade Dynamite”. También es difícil no engancharse con algunos estribillos como el de “The Louvre”.

Obviamente al ser un disco Pop puede recordarnos lo peor de ciertos artistas que se destacaron en este género. Pero lo que hace Lorde es tan bueno que no solo rompe con ese prejuicio sino que la ubica ahora como una artista a tener en cuenta en los años venideros.

Persy

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Juana Molina – Halo (2017)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Paraguaya: 7,5
  2. Sin Dones: 8,5
  3. Lentísimo Halo: 7
  4. In the Lassa: 8,5
  5. Cosoco9
  6. Cálculos y Oráculos7,5
  7. Los Pies Helados: 8
  8. A00 B017
  9. Cara de Espejo: 8
  10. Andó: 8,5
  11. Estalactitas: 9,5
  12. Al Oeste: 8

Juana Molina continúa su camino paralelo al ambito comercial e incluso va más allá en su séptimo trabajo, Halo (luz mala), editado mundialmente en Mayo de 2017, cuatro años después de su antecesor Wed 21.

Experimental, incluso para sus estandares, Halo representa un desafio para sus oyentes y un verdadero trance, impecablemente producido y cargado de inesperadas melodías poco convencionales y repetitivas. Si bien en toda su discografía apeló a este tipo de exéntricas técnicas y se posicionó como una referencte en el pop experimental y en la electrónica en esta oportunidad vuelve a sorprender.

Entre los temas más hipnóticos y seductoros que logran llamar más la atención podemos citar “Sin Dones”, “In the Lassa”, “Andó” y sobretodo “Cosoco” y “Estalacticas”.

Halo es otro disco genial en la discografía de Juana Molina. Una artista tan individual, particular y favorita de la crítica especializada, como poco popular y complicada, que después de dos décadas consiguió establecerse y crecer en reputación con cada lanzamiento.

F.V.

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Brand New – Science Fiction (2017)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Lit Me Up8,5
  2. Can’t Get It Out: 9
  3. Waste: 8
  4. Could Never Be Heaven: 7,5
  5. Same Logic/Teeth: 8
  6. 1378,5
  7. Out of Mana: 9
  8. In the Water: 8,5
  9. Desert: 8
  10. No Control: 7,5
  11. 451: 8,5
  12. Batter Up7,5

La bande de rock alternativo Brand New (poco conocida en estas latitudes) inició su camino en el año 2000 en Nueva York, cuando el cantante y guitarrista Jesse Lacey, el guitarrista Vincent Accardi, el bajista Garrett Tierney y el baterista Brian Lane unieron fuerzas y comenzaron a tocar en reductos de Long Island, en las afueras de la gran manzana.

Brand New gozó desde un comienzo de cierta reputación, ya que antes de su formación sus integrantes procedían de varias bandas locales conocidas. Creciendo concierto a concierto su base de seguidores el grupo fichó para el sello independiente Triple Crown Records en 2001 para grabar su debut discográfico: Your Favorite Weapon, a pesar de ser el más flojo en su carrera a la fecha gozó de cierta aceptación de la crítica por aquel entonces y los ayudó a continuar creciendo y estableciéndose hasta llegar a su consagratorio y altamente recomendado The Devil and God Are Raging Inside Me (2006).

Science Fiction sería el título elegido para el retorno de la banda, tras rumores de separación y ocho sin novedades. El álbum es el más complejo e introspectivo en toda su carrera, no es fácil de escuchar pero aún con sus matices es una demostración que a pesar del tiempo transcurrido todavía son capaces de producir un rock alternativo y potente consistente y de calidad.

A pesar de renovar sus energías y pisar fuerte en este nuevo trabajo, que los posicionó como uno de los lanzamientos del 2017, volvieron a circular rumores de desarme de Brand New, que fueron finalmente confirmados por Lacey en un concierto de su gira promocional.

F.V.

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Amor Elefante – Oriente (2017)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Disimulando: 8
  2. Nadar: 8,5
  3. La verdad: 8,5
  4. No me inspira: 9
  5. Estrella de mí: 8,5
  6. Trópico: 9
  7. Qué raro que me siento: 7,5
  8. Tokio: 7
  9. Me fui: 7,5

La historia de Amor Elefante nace allá por el 2008, en Banfield, Provincia de Buenos Aires cuando 3 amigas, Rocío Bernardiner (voz y guitarras), Rocío Fernández (voz y batería) y Inés Copertino (voz y teclados) se juntaron a tocar, luego sumando en sus filas a Juan Ignacio Vallesi (bajo) para terminar de delinear una banda casi íntegramente de chicas, algo no tan común en el mundo del Rock Argentino, aunque es un hecho que se repite a nivel internacional. Con el tiempo editarían dos discos y un EP en el 2016 (Viishnu), hasta que finalmente este año lanzarían, con Andrés Merlo en bajo en reemplazo de Vallesi, a Oriente.

Oriente es uno de los mejores discos nacionales del 2017, porque Amor Elefante logra un Indie Pop de melodías realmente encantadoras, que pocos grupos a nivel local logran, lo cual es una cualidad envidiable. También se destaca su magnífica interpretación vocal, y sus sutiles coqueteos con la temática oriental especialmente en arreglos que le dan un toque especial al álbum.

Es uno de esos discos que cuando los volvemos a escuchar redescubrimos su belleza. Mejora en cada repetición. Y tan parejito es su nivel que cuesta elegir un tema como sobresaliente. Tal vez “No me inspira” y “Trópico” por transmitir de la mejor manera su estilo y ofrecen sus mejores ganchos melódicos. Pero es un álbum para apreciar en su conjunto. Por eso no se pierdan la oportunidad de escuchar este muy buen trabajo desde su Bandcamp desde AQUÍ.

Persy

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Paul Weller – A Kind Revolution (2017)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Woo Se Mama: 8,5
  2. Nova8,5
  3. Long Long Road: 9
  4. She Moves with the Fayre9
  5. The Cranes are Back: 8,5
  6. Hopper: 8
  7. New York: 9
  8. One Tear: 8
  9. Satellite Kid: 8
  10. The Impossible Idea: 8,5

Paul Weller no ha quitado nunca el dedo del renglón, en sus 50s ha agarrado la costumbre de sacar disco cada dos años y puede presumir que ha cumplido ya diez años continuos de puros discazos (casi todos ellos siempre contendientes a los discos del año de Persimusic). Y estando apunto de entrar a sus 60s, ha continuado mostrando que es un inoxidable con su ultimo lanzamiento A Kind Revolution.

El exlíder de The Jam siempre ha sido un artista que trata canta mucho sobre temas políticos y si bien este año estuvo repleto de acontecimientos políticos, Weller llama pero a una “revolución amable”, lejos de adentrarse en temas espesos y tristes abraza la parte agradable y alegre de la vida, con temas cálidos que cautivan de principio a fin. Esto da un aire ligero y de fácil escucha, como para olvidarse los problemas por un momento.

Polifacético y siempre abierto a experimentar, el británico suele meter todo tipo de variantes a sus álbumes, desde el Krautrock hasta Jazz, además de valerse de la influencia de todo tipo de artistas de los 60s y los 70s, entre ellos Paul McCartney, Ray Davies y Traffic. Tal mezcla convierte al modfather en un estuche de sorpresas. En este disco al inicio tenemos la bailable y contagiosa “Woo Se Mama”, pero de un momento viene el krautrock con “Nova”, todavía se encuentra uno degustando ese tema tan Bowiezco cuando viene la hermosa balada “Long Long Road” a darnos un mensaje positivo. En apenas tres temas hemos encontrado cosas tan diferentes y ¡Que sorpresa! Porque prosigue un interesantísimo tema Jazzero “She Moves with the Fayre” con la participación en trompeta de Robert Wyatt (The Soft Machine) y el Gospel de “The Cranes are Back”, a los fans de Weller estos temas nos recordaran la etapa de inicios de los 90s de Weller en aquellos excelentes discos Wild Wood y Stanley Road.

Si bien al entrar a la segunda mitad del disco nos encontramos que “Hopper” no presenta nada particularmente espectacular, a continuación, llega el tema más increíble del álbum “New York” con una poderosa interpretación vocal de Weller en medio de un Groove Funky. Enseguida hace dueto con Boy George (Culture Club) una pieza Soul, y es que el Soul no puede faltar en un disco de Weller. “Satellite Kid” es Blues clásico con una grandiosa línea de bajo y unos riffs de guitarra exquisitos. Y para cerrar Paul elige el tema idea con “The Impossible Idea”, una suave balada que brilla por su sinceridad, aquí Paul Weller en medio de un ritmo de vals admite con una gran paz que es imposible que el vaya a cambiar el mundo, que ni siquiera puede cambiarse a sí mismo, pero que aun así seguirá intentando ser mejor persona.

Como pueden ver en la puntuación asignada, todos los temas fluctúan entre ocho y nueve de calificación, así que tenemos un disco muy consistente Y si bien no es mi disco favorito de Weller (me quedo con Saturn’s Pattern y Stanley Road), lo disfruté bastante y me entusiasma el hecho de que este veterano artista no da ningún signo de salir de su buena racha, seguramente lo encontraremos igual de inspirado en un par de años más.

Gera Ramos

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Baltasar Comotto – Elite (2017)

Puntaje del Disco: 8

  1. Marr: 8,5
  2. Ciego: 8
  3. Jaguar: 8,5
  4. Libertad: 7,5
  5. Sky (un tren): 9
  6. Equinoccio: 7
  7. Quiero Hacerlo: 8
  8. Péndulo: 7
  9. En Lo Bueno: 7,5
  10. Sabrás Escapar: 7,5
  11. Sigue Sigue: 8,5
  12. Espejo7
  13. Medicación: 6

Afortunadamente la experiencia solista de Baltasar Comotto, guitarrista del Indio Solari y anteriormente de Luis Alberto Spinetta entre otros, no quedo solo en sacarse las ganas de sacar su propio disco sino que se extendió y se fue renovando año tras año. En este caso con el lanzamiento del poderoso Elite.

“Es un disco muy movilizador para mi porque transcurrieron muchas cosas en mi vida mientras se fue dando el proceso del disco. Me separé, por un lado, y por otro el productor del álbum, Eduardo Herrera, tuvo un accidente y gracias a la vida que quiso que siga con nosotros salió adelante. Eso fue muy fuerte para mí. Al disco lo terminamos de grabar en diciembre pasado. Tenía las canciones, que son 13, algunas las terminamos de definir ahí en el estudio, en la preproducción. La mayoría son temas que tenía hechos, que no entraron en Blindado (2011), y que terminaron acá. Al igual que en Blindado hay un montón de invitados, pero la dinámica es muy diferente, muestra otra faceta musical. Hay un tema con contrabajo, por ejemplo. Si bien el disco es muy roquero, hay espacio para otras cuestiones. Baja a otro plano y enseña otro lado mío, que por ahí la gente no conoce tanto porque me vinculan por tocar con uno y otro.”, Así explicaba detallademente Baltasar el proceso de grabación.

Musicalmente estamos ante una continuidad de sus anteriores trabajos, aunque lo encuentro superior a los demás, no solo por lo power que suena sino por lo accesible y menos rebuscado de sus composiciones, y además porque canta cada vez mejor, sobresaliendo entre ellas “Marr”, “Jaguar”, “Sky (un tren)” y “Sigue Sigue”.Por suerte según sus propias palabras Comotto proyecta seguir consolidando su propio proyecto y planea seguir sacando discos en el futuro.

Sobre el título elegido el guitarrista explicaría el por que: “El nombre tiene mucho poder y refleja un poco lo que pasa hoy en día en muchos estratos sociales… Se me ocurrió el tema del nombre por elegir una elite de temas: tenía 20 temas y quedaron 13.”

F.V.

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Robert Plant – Carry Fire (2017)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. The May Queen: 9
  2. New World…: 9
  3. Season’s Song: 9
  4. Dance with You Tonight: 8,5
  5. Carving Up the World Again…a Wall and Not a Fence: 8,5
  6. A Way with Words: 7,5
  7. Carry Fire: 7,5
  8. Bones of Saints: 8
  9. Keep It Hid: 7
  10. Bluebirds Over the Mountain: 8,5
  11. Heaven Sent: 7

Robert Plant es uno de esos músicos que luego de la separación de Zeppelin con un andar artístico irregular, uno pensaba en décadas pasadas que sería un dinosaurio sin mucho futuro. Pero contrario a ese presagio, en esta última década la música de Plant es como el vino, se pone mejor con el correr de los años, editando discos cada vez más refinados en su solidez.

En este caso el gran Robert nos deleita con Carry Fire, que es una especie de continuación de lullaby desarrollando un Folk Rock exótico con algunos pasajes psicodélicos, que se remite a Led Zeppelin III,

Carry Fire empieza de la mejor manera. Canciones como “The May Queen” podrían haber integrado el Tracklist del fantástico Zep III. De hecho a Plant se lo escucha con una voz que no le suma años, como si el tiempo no hubiese pasado. Mientras que en otras como “New World…” Plant rockea con su impronta personal, con el estilo que amalgamó en los últimos años. Robert también da lugar a baladas acústicas muy buenas como “Season’s Song”, que podrían superar incluso a las de Zeppelin. Mientras “Dance with You Tonight” es la demostración de su beta psicodélica.

Sí, la primera parte del álbum nos muestra su mejor cara. En la segunda parte las composiciones de Plant no son rutilantes, aun así Carry Fire es un álbum sólido y fresco pese a los años del ex vocalista de Zeppelin, en el que se preocupa por llevar su Rock a un nivel más artístico, por su buen gusto y por tratar de no hacer Rock cuadrado y genérico.

Persy

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Ruido Blanco – Ciudad (2017)

Puntaje del Disco: 8

  1. CIUDAD I: 8,5
  2. CIUDAD II: 9
  3. CIUDAD III: 8
  4. CIUDAD IV: 7
  5. CIUDAD V: 7,5

Fernando Blanco, el guitarrista de Valle de Muñecas, es un aficionado del Noise Rock, así que no tuvo mejor idea que llamar a este proyecto paralelo “Ruido Blanco”, que también cuenta con Hernán Martínez en sus filas.

De su Noise nace uno de los discos más destacados del año, Ciudad, en el cual desarrollan un Space Rock que se remite a bandas de los ochenta como Spacemen 3 y The Jesus and the Mary Chain (“CIUDAD V” es prácticamente un tributo a “Just Like Honey”). Es decir, estamos ante un álbum conformando por 5 pistas más bien largas pero llevaderas en su propósito de hacerte extasiar con distorsiones de guitarra.

Así logran muy buenas atmósferas y melodías especialmente en “CIUDAD I” y CIUDAD II”, que pese a parecer repetitivas llegan a ser hipnóticas. De todas formas, aquellos que no estén acostumbrados al género, “CIUDAD IV” y “CIUDAD V” pueden resultarles un poco excesivas.

Aun así lo que logra Ruido Blanco es notable. Por eso se los recomendamos escuchar Ciudad desde AQUÍ.

Persy

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