Elvis Costello & the Attractions – Armed Forces (1979)

Puntaje del Disco: 9

  1. Accidents Will Happen: 9
  2. Senior Service: 9
  3. Oliver’s Army: 9
  4. Big Boys: 8,5
  5. Green Shirt: 8,5
  6. Party Girl: 9
  7. Goon Squad: 8
  8. Busy Bodies: 8
  9. Sunday’s Best: 7
  10. Moods For Moderns: 7
  11. Chemistry Class: 8
  12. Two Little Hitlers: 8
  13. (What’s So Funny ‘Bout) Peace, Love And Understanding?: 9

Pocos son los artistas que logran mantener un nivel de excelencia de manera continua sin decaer en ninguno de sus primeros trabajos discográficos. Elvis Costello tiene ese mérito. Sus primeros dos discos fueron excelentes y su tercer álbum, Armed Forces, no sería excepción.

En esta oportunidad Costello desarrolla un New Wave que si bien es diverso, porque incluso experimenta con Reaggae (“Two Little Hitlers”), hace bastante más foco en el Pop, tocando incluso el Dance Pop. En contrapartida, hay menos de ese Rockabilly de los cincuenta al que lo caracteriza y también se aleja de sus insinuaciones Punk.

Su costado Pop está a punto caramelo, desparramando melodías de primera especialmente en el comienzo del álbum, con esa seguidilla conformada por “Accidents Will Happen”, “Senior Service” y “Oliver’s Army”. También destaca la balada “Party Girl” y el dinámico Pop Rock “(What’s So Funny ‘Bout) Peace, Love And Understanding?”.

Sin embargo, en la segunda mitad del disco aparecen algunos cortes que no son tan superlativos y que incluso pueden ser tomados como relleno. De todas formas, no es algo alarmante. En general Armed Forces es muy parejo y reconocido como uno de los mejores en la carrera de Costello.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Humble Pie – As Safe as Yesterday Is (1969)

Puntaje del Disco: 8

  1. Desperation: 8,5
  2. Stick Shift: 7,5
  3. Buttermilk Boy: 8
  4. Growing Closer: 7,5
  5. As Safe as Yesterday Is: 8
  6. Bang!: 9
  7. Alabama ’69: 7
  8. I’ll Go Alone: 8
  9. A Nifty Little Number Like You: 8,5
  10. What You Will: 8
  11. Natural Born Bugie8
  12. Wrist Job: 7,5

Para finales de los sesenta y principios de los setenta había tal proliferación de buenas bandas de rock que muchas quedan algo olvidadas. Dentro de este grupo de increíbles músicos conjuntos de segunda linea podemos ubicar a Humble Pie.

En 1969 el antiguo lider de Small Faces, Steve Marriott, junto al virtuoso guitarrista de Herd, Peter Frampton, unieron fuerzas para formar Humble Pie (completan la formación el bajista Greg Ridley y el baterista Jerry Shirley), con un marcado énfasis en el hard rock y el blues.

En su álbum debut, As Safe as Yesterday Is, grabada en la casa rural perteneciente a Marriott, la banda suena compacta y aceitada como si hace tiempo vendrían tocando juntos con canciones de gran factura como “Desperation”, “Bang!” y “A Nifty Little Number Like You”.

Lejos de ser un clásico, As Safe as Yesterday Is termina redondeando un auspicioso material inicial para esta banda de talentosos ingleses que gozarían su mayor éxito a mediados de los setenta y en especial en los Estados Unidos.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 4)

Cabezones – Hijos de Una Nueva Tierra (1997)

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Puntaje del Disco: 6

  1. Tierra (Introducción):
  2. Hijos: 6
  3. Traidor: 6,5
  4. Promesas: 6,5
  5. Inocentes Por Ahora: 6
  6. Aún No Vine: 7
  7. Heridas: 5,5
  8. Lunas De Un Sol: 6
  9. Discriminación: 6
  10. Buscando Una Salida: 6
  11. Perros De La Calle: 8
  12. Urubu: 5
  13. Amaneceres: 5,5
  14. Pesadillas: 7

Cesar Andino y sus Cabezones ya habían mostrado credenciales en el mundo del metal argentino con su primer lanzamiento, Electroshock (1995), aunque con imperfecciones y una producción limitada gozaron de cierto grado de repercusión.

Hijos de Una Nueva Tierra sería el título de su siguiente trabajo. Donde los santafecinos evidencian una profunda mejora, tanto en sus letras como en las composiciones, y adoptan astutamente el genero que comenzaba a pegar en los Estados Unidos desde mediados de los noventa, el Nu Metal.

Con un sonido oscuro y agresivo Cabezones evolucionaba respecto a sus inicios y con el correr de los años se convertirían en referentes y una de las bandas a tener en cuenta dentro del rock pesado y alternativo en su país. Y su siguiente trabajo Alas, del año 2000, sería fundamental para este crecimiento en especial por la inclusión del muy logrado cover de “Sueles Dejarme Solo”, clásico de Soda Stereo.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Yasonuri Mitsuda – Chrono Trigger: Original Sound Version (1995)

Puntaje del Disco: 10

Disco 1: 10

  1. A Premonition:
  2. Chrono Trigger: 9
  3. Morning Glow: 8
  4. Peaceful Days: 9
  5. Green Memories: 8,5
  6. Guardia’s Millennial Fair: 8
  7. Gato’s Song: 7
  8. Strange Occurrences: 8
  9. Yearnings of the Wind: 9
  10. Good Night:
  11. Secret of the Forest: 9,5
  12. Battle: 10
  13. Guardia Castle – Pride & Glory: 9
  14. Huh!?:
  15. The Cathedral: 9
  16. A Prayer for the Wayfare:
  17. Light of Silence: 9,5
  18. Boss Battle 1: 10
  19. Frog’s Theme: 9
  20. Fanfare 1: 10
  21. The Trial: 9
  22. The Hidden Truth: 8,5
  23. Critical Moment: 10

Disco 2: 9,5

  1. A Desolate World: 9
  2. Mystery from the Past:
  3. Site 16: 9
  4. Those Without the Will to Live: 9,5
  5. Lavos’s Theme: 9,5
  6. The Last Day of the World: 9,5
  7. Johnny of the Robo Gang: 8
  8. Bike Chase: 10
  9. Robo’s Theme: 8,5
  10. Derelict Factory: 9
  11. Battle 2: 9,5
  12. Fanfare 2:
  13. At the End of Time: 10
  14. Jolly Ol’ Spekkio: 9
  15. Fanfare 3:
  16. Creeping through the Sewers: 7,5
  17. Boss Battle 2: 10
  18. Primeval Mountain: 9
  19. Ayla’s Theme: 8,5
  20. Rhythm of Earth, Wind, and Sky: 9
  21. Burn! Bobonga! Burn!: 8
  22. The Fiendlord’s Keep:
  23. Strains of Insanity: 7
  24. Magus Confronted: 8

Disco 3: 10

  1. Singing Mountain (unreleased track): 10
  2. Tyranno Lair: 10
  3. Depths of the Night: 9,5
  4. Corridors of Time: 10
  5. Zeal Palace: 9
  6. Schala’s Theme: 10
  7. Sealed Door: 9
  8. Ocean Palace: 10
  9. Crono & Marle – A Distant Promise: 7
  10. The Epoch – Wings of Time: 9
  11. Black Omen: 10
  12. Determination: 8
  13. World Revolution: 10
  14. The Final Battle: 10
  15. Festival of Stars: 8,5
  16. Epilogue – To My Dear Friends: 9
  17. Outskirts of Time: 10

Resultaría totalmente irónico haber hecho primero la reseña del videojuego, y no haber investigado más a fondo la banda sonora del mismo. Porque solamente ocurren raros casos donde tenga que hacer reseñas de una banda sonora, y esta es la primera vez. Señoras y señores, aquí, una de las mejores bandas sonoras de uno de los mejores videojuegos de todos los tiempos.

(Antes que nada, cabe aclarar que este es el título del soundtrack original y el oficial del juego, con todas las pistas originales, e incluso las que nunca se llegaron a lanzar. Todas las otras versiones son las más berretas, y le faltan casi todos los tracks.)

Chrono Trigger fue sin duda un videojuego que me hizo volver a sentirme un niño. Toda esa animación, todos esos sprites, los escenarios y la larga aventura que nos brinda todo tipo de emociones es algo que jamás sentí en mi vida desde que vi a Dragon Ball Z.

Supongo que no va a haber otros genios como el Dream Team, especialmente Akira Toriyama. Pero aún peor, no van a haber otros grosos como Yasonuri Mitsuda y a la par en colaboraciones, Nobuo Uematsu, compositor de la banda sonora de la saga Final Fantasy.

Qué decir de este Soundtrack, es maravilloso, con o sin el juego. Para el juego representa el alma, la diversión, la maravilla que es el videojuego. Pero como soundtrack en sí también es más que una simple banda sonora, es una obra maestra musical.

Apenas 16 bits hicieron falta para darle el sonido característico de esta obra con 3 CD’s representadas cronológicamente por el desarrollo de la historia de Crono. Pistas cortas, pero sumamente hipnóticas y bien trabajadas.

Yasonuri Mitsuda aprovecha, junto a Nobuo Uematsu, las influencias de la música Celta y de los soundtracks de películas de horror clásicas. El uso de orquestas es impresionante y magnífico, y de vez en cuando muchas influencias de Rock Progresivo de los años 70’s, como es el caso de las descomunales «Battle» y «Black Omen». Pero no es todo, también hay música ambiental, orientada muy a lo melodramático y a lo depresivo, que se escuchan en las partes más catastróficas del juego, como la parte del año 2300 D.C. (El futuro). Estas resultan ser casi la primera mitad del disco 2, y le dan un toque absolutamente magnífico y atmosférico a la aventura. Solo hay que quedarse callado y disfrutar lo que tenemos en nuestros oídos.

Pero lo mejor de toda la obra, es sin duda el 3er disco. Plagada de tracks sumamente magníficos, y totalmente inolvidables. Es sin duda de lo mejor que he escuchado en toda mi vida. Prácticamente, el disco 3 es el más épico de todos, ya que son tracks que se muestran casi todos al final del juego, que es su punto de climax. Si me tengo que quedar con una sola pista que me haya llenado el alma, esa es sin duda «Corridors of Time», que prácticamente tiene toda la principal influencia de la música celta que dije más arriba y que cuenta con un ritmo sumamente abrumador. Otra genial pista que tiene esta influencia es «Schala’s Theme», aunque ésta es mucho más penetrante y claustrofóbica, como si se tratase de un tema de una película de Suspenso.

Pero también no les quito el mérito a otras como la progresiva e imprescindible «Black Omen» con sus teclados sumamente hipnóticos, la melancólica y oscura «Ocean Palace» y, sobre todo, la épica y frenética «The Final Battle», que es con la que nos enfrentamos a el todopoderoso Lavos, al final del videojuego.

En fin, esto es una obra maestra musical nostálgica, pura y magnífica a 16 bits. Una pasada, al igual que el videojuego. Definitivamente, ambas cosas lo mejor de los 90’s, y este soundtrack es lejos de los mejores en todos los videojuegos, junto con el de Silent Hill 2.

Un álbum imprescindible y único. Los que ya jugaron Chrono Trigger mejor ni les digo más nada, pero aquellos que no, juegen a esa maravilla, que deben hacerlo si o si antes de morir. Dicho hecho está. No más palabras.

Saludos!!

Toto

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Divididos en el Gran Rex, aplanando teatros

Que un Power Trío de Rock atronador como Divididos se presente en un Teatro puede resultar una completa rareza. Pero la banda de Mollo nunca deja de sorprender. Divididos habitualmente brinda shows en el Teatro de Flores, que no es exactamente un Teatro, sino que tiene un campo de pie, y por eso se transformó en un escenario habitúe de muchas bandas nacionales como Los Carajo, Alma Fuerte, el Bordo, etc. Pero el Teatro Gran Rex es un lugar completamente distinto, no hay un campo de pie, sino que hay una abundancia de butacas, además de tener una mayor capacidad. Así que en la previa se planteaba el gran enigma: ¿Qué tipo de Show brindarían? ¿Un acústico?

Obtenidas las entradas, el misterio se resolvería presenciando la primera de las dos fechas que programaron en el Gran Rex: el 25/03/2017 a las 21hs.  Ya establecido en mi asiento uno empezaba a analizar el tipo de público que fue a verlos. Se podría decir que la edad promedio de los espectadores era entre 35 y 40 años. El 60% de ellos vistiendo remeras negras de bandas de Rock, las mismas que utilizarían en cualquier recital sin importar que en esta oportunidad estaban en un teatro.

Divididos se tomaría su tiempo en comenzar. Alrededor de las 21:20hs, las luces se apagarían y Mollo ingresaría al Teatro a través de la misma entrada por la que ingresaron los espectadores, generando la revolución de sus fans que lo veían circular por el pasillo. Luego se sentaría solo en el escenario con telón rojo de fondo y guitarra en mano para dar inicio con “15 – 5”.

El público volvería a aplaudir cuando el telón se abriría para la entrada de Diego Arnero y cuatro invitados especiales en instrumentos de cuerda. Juntos interpretarían “Vengo del placard de otro”. Pero faltaba un integrante, Catriel se sumaría apareciendo de entre el público con bombo en mano para interpretar la bella versión de “Vientito de Tucumán”.

Todo daba a entender que el espectáculo iba a ser acústico y de cuerdas, pero no. El telón se cerraría y la aplanadora del Rock, con sus instrumentos eléctricos en mano y con batería de fondo empezaría a dar su clásico show de Rock con la actitud y contundencia que los caracteriza. Y por supuesto algunas facciones de su público, acostumbrado a poguear, sucumbirían en sus ganas de agitar por sobre el confort de estar cómodamente sentados disfrutando el evento.

Sus clásicos como “Perro Funk” y “Salir a Comprar” se sucedían uno tras otro, pero en el medio de la vorágine, nuevamente se cerrarían el telón. Era el momento de la sección acústica, comenzando con “Dame un Limón”, pasando por hits conocidos como “Spaghetti del rock” y “Par mil”, hasta cerrar finalmente con la folclórica “La flor azul”, en donde invitarían a chicas del público a  demostrar cómo se baila folklore en el escenario.

Por tercera vez el telón rojo se cerraría, marcando el cierre de esa etapa y el retorno del rock eléctrico de Divididos. Con todo su despliegue y talento harían un recorrido variado tocando temas como “Qué tal”, la siempre rutilante “Amapola del 66” y cerrando con la tríada “Elefantes en Europa”, “Paraguay” y “Ala Delta”. Mollo incluso se daría el gusto de tocar con una zapatilla que le arrojaría el público.

Las luces se encenderían y si bien un Mollo ya cansado se despedía algo faltaba, así que como cierre interpretarían la infaltable canción de Sumo, “Crua Chan”.

Fue un recital tremendo, que duró alrededor de 3hs, en el que demostraron por un lado por qué son la Aplanadora del Rock y también dejaron en claro su versatilidad. En sus distintas secciones (Cuerdas, Eléctrico y Acústico) tuvieron un sonido impecable, dejando extasiados a sus espectadores en sus diferentes versiones. Así que mi interrogante sobre qué tipo de recital daría quedó resuelto: un show sublime en todas sus gamas.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Papa Roach – The Paramour Sessions (2006)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. …To Be Loved: 5
  2. Alive (N’ Out of Control): 6
  3. Crash: 4,5
  4. The World Around You: 7,5
  5. Forever: 6,5
  6. I Devise My Own Demise: 4
  7. Time Is Running Out: 6
  8. What Do You Do?: 5
  9. My Heart Is a Fist: 6
  10. No More Secrets: 5,5
  11. Reckless: 6,5
  12. The Fire: 5
  13. Roses on My Grave: 5,5

Hace ya unos años que nos hacemos profundos interrogantes acerca de con que otro sentido que recaudar algo de dinero continúa la carrera de bandas mediocres como Papa Roach.

Su quinto álbum, The Paramour Sessions (2006), que toma su nombre en referencia a la Mansión Paramour en Hollywood donde se realizaron las sesiones de grabación, continúa con la busqueda del grupo de alejarse del pasado de moda Nu Metal para acercarse a un sonido pesado entre el Metal y el Alternativo.

Como había pasado con su antecesor, Getting Away With Murder, Papa Roach hace el esfuerzo por reinventarse hacia el hard rock pero a pesar de sus esfuerzos no terminan siendo más que una mala imitación de bandas ochentosas como Mötley Crüe. Inclusive los temas que mejor funcionan son los de una orientación más cercana al pop o rock melódico y pegadizo como “The World Around You” desacreditando así los esfuerzos de California por querer sonar más potentes de lo que realmente pueden ser.

Papa Roach promocionó su nueva creación en el verano de Estados Unidos y más tarde en Europa durante el resto del 2006. A comienzos de 2008 se confirmarían los rumores de partida de su baterista fundacional Dave Buckner, y en el mismo comunicado su frontman Jacoby Shaddix comentaría que se volverían a instalar en la Mansión Paramour para grabar un nuevo material.

F.V.

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(Votos: 1 Promedio: 3)

David Gilmour – David Gilmour (1978)

Puntaje del Disco: 6

  1. Mihalis: 7
  2. There’s No Way Out of Here: 8,5
  3. Cry from the Street: 6,5
  4. So Far Away: 5,5
  5. Short and Sweet: 5,5
  6. Raise My Rent: 5,5
  7. No Way: 6,5
  8. It’s Deafinitely: 6
  9. I Can’t Breathe Anymore: 6

El primer disco de David Gilmour como solista no llegó cuando se había disuelto Pink Floyd. Al contrario, lo lanzó en el momento de pleno auge de la banda en los setenta. Sin embargo, por aquel entonces Roger Waters empezaba a dominar cada vez más monopólicamente el andar artístico de la banda. Así que la aparición de este disco solista de Gilmour algunos lo podrían tomar como un gusto que se dio, un capricho personal por así decirlo, así como una prueba para demostrar cómo le podía ir sólo en el caso de que las cosas no funcionaran en Pink Floyd.

El homónimo disco debut de Gilmour, tiene algo del sonido de Floyd pero no íntegramente. David trata de combinar Rock Progresivo con un poco más de Blues Rock. Y el resultado son 9 canciones que francamente son por momentos tan genéricas como inmemorables.

Por un lado, tenemos canciones instrumentales, como “Mihalis”, apacibles, escuchables, en las que Gilmour trata de destacar en guitarra, pero simultáneamente intrascendente. Incluso en su aventura más experimental, “It’s Deafinitely”, una rareza de un sonido espacial, Gilmour no logra brillar con lo que ofrece compositivamente.

Por otro lado, en los temas en los que incorpora su voz alterna buenos y malos momentos. Dentro de lo bueno, “There’s No Way Out of Here” ofrece una melodía que se puede apreciar y toma una dimensión superior al resto del disco. Y dentro de lo malo tenemos canciones como “So Far Away”, una balada a piano tan floja como corriente.

Tampoco ayuda que las canciones son más bien largas (promedian los 5 minutos y medio), por eso cuesta digerir un poco este primer trabajo solista de Gilmour. Así que hay que tomarlo como lo que es, un tibio intento para ver si podía sobrevivir sin Pink Floyd.

Persy

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(Votos: 0 Promedio: 0)

John Lennon – Double Fantasy (1980)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. (Just Like) Starting Over: 9,5
  2. Kiss Kiss Kiss: 6
  3. Cleanup Time: 6,5
  4. Give Me Something: 5
  5. I’m Losing You: 8
  6. I’m Moving On: 6
  7. Beautiful Boy (Darling Boy): 7,5
  8. Watching the Wheels: 9
  9. Yes, I’m Your Angel: 6,5
  10. Woman: 7,5
  11. Beautiful Boys: 4
  12. Dear Yoko: 6,5
  13. Every Man Has a Woman Who Loves Him: 5
  14. Hard Times Are Over: 6

Double Fantasy, el último LP oficial de John Lennon antes de su asesinato el 8 de Diciembre de 1980, es una mezcla de canciones maravillosas y otras terribles y muy malas, como una especie de “Dos Caras” el clásico villano de “Batman”.

En la parte buena John apela a su calidad compositiva e interpretativa entregando algunas de las canciones más lúcidas e inspiradas que escribió en toda su vida, “(Just Like) Starting Over” y “Watching the Wheels”, brillan con claridad.

El lado malo es cuando Yoko Ono entra en escena. Yoko, una artista conceptual reconocida, siempre fue terrible cantando, estar al lado de Lennon le facilitó llegar a un público mayor al que jamas hubiera llegado por si sola. Entre los temas más pobres que forman parte de este trabajo podemos citar a “Give Me Something” y “Beautiful Boys”. La única que aprueba es “Yes, I’m Your Angel”, una pista en tono cabaret que es bastante simpática y tolerable, para ser interpretada por la japonesa.

De haberse centrado en sus composiciones y las canciones de Ono hubieran sido borradas de un plumazo, seguramente estaríamos ante uno de los puntos altos en la carrera solista de Lennon, quizás el mejor pero sin dudas el de mayor madurez. Hoy en día nos queda solamente saltearlas y disfrutar de los últimos registros grabados por John durante su vida.

Double Fantasy salió a la venta el 17 de Noviembre de 1980 y a las pocas semanas el mundo se estremecía por culpa de Mark David Chapman quien le disparo cinco veces por la espalda cerca al edifico Dakota de Nueva York donde John y Yoko vivían. Hoy en día Chapman continúa detenido con reclusión perpetua y Lennon continúa vigente con su brillante obra, tanto en The Beatles como las que compuso por su cuenta, que nunca podrá desaparecer.

F.V.

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(Votos: 2 Promedio: 4.5)

La Cofradía de la Flor Solar – La Cofradía de la Flor Solar (1971)

 

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Quiero Ser Una Luciérnaga: 7,5
  2. Fiesta de Amor en el Cielo: 8,5
  3. Todo Mi Mal: 7,5
  4. Paz de Panza: 7
  5. Se Ama o No Se Ama: 9
  6. En La Siesta: 8
  7. Nos Encontraremos en Alguna Parte: 9,5
  8. Rock Alrededor del País: 8,5

La Cofradía de la Flor Solar nació en la ciudad de La Plata en 1968 y no se trató solo de un grupo fundacional del rock argentino. Comenzó como un emprendimiento artístico surgido en la comunidad hippie de platense, por jóvenes de distintas ramas como el periodista de rock y ecologista Miguel Grinberg, el artista gráfico Rocambole Cohen, el guitarrista Kubero Díaz y el futuro guitarrista de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Skay Beilinson, entre otros.

Para 1969 La Cofradía como banda consolidada comienza a tocar en Buenos Aires en reductos pequeños y en 1970 actuaron en el primer festival B.A. Rock, multitudinario evento donde estuvieron presentes Los Gatos, Manal, Almendra, Moris, Vox Dei, entre otros.

A pesar de ser una banda nueva recibieron una excelente repercusión y se les ofrece la posibilidad de grabar su álbum debut por intermedio del sello Microfón, una compañía local importante en el campo del tango y folclore argentino en los años sesenta.

El disco homónimo editado en 1971, contó con la producción de Jorge Álvarez y como supervisor de grabación, a Billy Bond, líder carismático de la arriba mencionada Pesada del Rock and Roll. Formaban parte de La Cofradía de la Flor Solar Díaz (guitarra y voz), Morci Requena (bajo) y «Manija» Paz (batería) , más dos guitarristas invitados Enrique Gornatti y un jovencísimo Skay Beilinson.

La música del grupo aludía al rock psicodélico y experimental popular a fines de los sesenta en todo el mundo y al hard rock explicito dominante en los setenta, aunque para nada básicos con una orientación y elaboración en cuanto a lo musical de avanzada para la época.

Lamentablemente debido al clima político y la creciente e inquietante atmósfera de violencia que crecía durante la década del setenta La Cofradía comenzó a ser hostigada que desenvocó en su separación en 1974. Inclusive Gornatti, Kubero y Morci Requena se exiliaron en España y Francia concretado el Golpe de Estado Militar de 1976.

Tras varios años de anonimato La Cofradía de la Flor Solar revivió en 1997 con un nuevo álbum y la producción de Rocambole, un nuevo trabajo totalmente moderno pero con su espíritu intacto, El Café de los Ciegos.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)