Tricky – Nearly God (1996)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Tattoo: 7
  2. Poems: 7,5
  3. Together Now: 8
  4. Keep Your Mouth Shut: 8,5
  5. I Be the Prophet: 8
  6. Make a Change: 8,5
  7. Black Coffee: 9
  8. Bubbles: 8,5
  9. I Sing for You: 6
  10. Yoga: 8
  11. Judas: 7,5
  12. Children’s Story: 7

Hubo un tiempo en Inglaterra donde el Trip Hop era más popular que el futbol o tomar cerveza en un pub por las tardes. A mediados de los noventa Tricky había sorprendido con su magnífico Maxinquaye, llevándolo a fichar por el reconocido sello “Island Records” que en su contrato le prohibía sacar dos discos de Tricky en el mismo año. Fue por ello que en 1996 bajo el seudónimo Nearly God sacaría una colección de “Brillantes demos incompletos” como el mismo lo describiría.

Nearly God continúa la idea de su antecesor pero en un tono más lento, denso, minimalista y experimental, sin ser tan coherente como Maxinquaye. Una buena idea que continúa es la de usar gran cantidad de colaboradores para darle variedad y novedad a los temas destacándose las presencias de Bjork, Martina Topley-Bird y Alison Moyet, entre otros.

Sin ser una obra maestra del Trip Hop, Nearly God cumple su objetivo y aprueba con creces consolidando la carrera solista de Tricky, quien a fines del mismo año repetiría álbum pero esta vez bajo su verdadero identidad.

F.V.

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David Bowie, el gran ganador de los Persi Music Awards desde el más allá!

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Bowie se quedó con los premios a Mejor Disco (Blackstar) y a Mejor Canción del 2016 (“Lazarus”) con una amplia diferencia sobre el resto de sus adversarios. Era un poco previsible considerando que lideró la mayoría de los Rankings y que su muerte había magnificado a aún más su obra. Lo cierto es que el Duque Blanco se ganó estos galardones con justicia y los lectores de Persi Music así lo reconocieron.

El que mayor pelea le dio a David en ambas ternas fue Radiohead. Sin embargo, a la banda de Thom Yorke no le alcanzó. De todas formas, Radiohead se quedó como premio consuelo con el premio al Inoxidable del 2016.  Es un premio a sus más de 20 años de trayectoria, donde nos regalaron discazos y siguen demostrando su vigencia esta vez con A Moon Shaped Pool.

El último premio positivo (por así decirlo) se lo quedó Angel Olsen, que ganó en la categoría Revelación por su trabajo My Woman, un disco que si bien no integró el Top 10 del 2016  de Persi Music, próximamente estaremos haciendo su reseña.

Y para finalizar, como no podía ser de otra manera, el premio a la gran Decepción del año se la llevó Green Day por su álbum Revolution Radio. El trío de Punk Pop tenía muchísimos adversarios que también editaron discos bastante flojos, entre ellos el pésimo trabajo de Bon Jovi le dio pelea, pero lo de Green Day fue aún más decepcionante. Revolution Radio es un disco donde no solo las composiciones dejan mucho que desear, sino que dejan en claro que están estancados en su eterna inmadurez.

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Utopians – Todos Nuestros Átomos (2016)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Alimaña: 8
  2. Tren de la Alegría: 8
  3. Reflejo: 8,5
  4. Todo lo que Tengo: 7,5
  5. Lo Tuyo: 9
  6. Uhh: 8
  7. Los Ríos: 7,5
  8. Maravilla: 7
  9. Las Arañas: 7
  10. Funeral: 7
  11. Fuego: 7,5
  12. Tan Solos: 7

Ya desde Vándalo (2014), los Utopians comenzaron a insinuar ciertos cambios en el sonido eléctrico y potente con el que se hicieron conocidos hacia composiciones más tranquilas y elaboradas y en Todos Nuestros Átomos, su quinta y última placa hasta el momento donde lo confirmarían.

Al igual que para su antecesor la banda se trasladó al estudio “Sonic Ranch” en Estados Unidos pero ahora con la producción de Jimmy Rip, productor y actual segundo guitarrista de la célebre banda neoyorkina Television.

Utopians continúa ampliando la paleta de colores de su sonido en cada disco, atreviéndose a bajar varios cambios , probar nuevos sonidos de guitarra, perderle el miedo al pop, cantar con melodía y volver a la rabia cuando es necesario. En sus comienzos el Utopians era puros y absolutos guitarrazos penetrantes llegándolos a señalar como “El último gran grupo de Rock en Argentina”. Esa identidad parece estar mutando y si bien todavía parece un camino por recorrer y no parecen haber alcanzado su pico máximo de creatividad se pueden extraer algunos temas sólidos, en especial en la primer mitad de álbum, como “Tren de la Alegría”, “Reflejo”, “Lo Tuyo” y “Uhh”.

Quienes se hayan salteado etapas de esta evolución y recuerden al grupo en su momento más visceral, se sorprenderán con mucho de lo que escuchen en Todos Nuestros Átomos, una banda joven tratando de agregar nuevos ingredientes a su receta y que no se quedó haciendo la fácil estancándose en su zona de confort, como tantos de bandas de estas latitudes.

F.V.

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Semisonic – Feeling Strangely Fine (1998)

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Puntaje del Disco: 8.5

  1. Closing Time: 9
  2. Singing in My Sleep: 8.5
  3. Made to Last: 8
  4. Never You Mind: 8.5
  5. Secret Smile: 8.5
  6. DND: 8
  7. Completely Pleased: 7
  8. This Will Be My Year: 7.5
  9. All Worked Out: 8
  10. California: 8
  11. She Spreads Her Wings: 8
  12. Gone to the Movies: 8

En marzo de 1998 la banda estadounidense Semisonic editó su segundo disco de estudio bajo el nombre de Feeling Strangely Fine, que se convertiría en el despegue del grupo liderado por Dan Wilson.

“Closing Time”, el primer sencillo logró muy buenas ubicaciones en los charts norteamericanos y se transformó también en el principal hit del disco y el gran clásico en la carrera de la banda. El disco, sin embargo, muestra además una evolución en el estilo que Semisonic venía haciendo, con la oportuna incorporación del piano y otros instrumentos.

Además de “Made to Last” y “Never You Mind”, “Secret Smile”, que encontró buena recepción en el Reino Unido, es otro de los temas que le dan forma a este destacado material de fines de los noventa.

Piro

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Adam and the Ants – Kings of the Wild Frontier (1980)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Dog Eat Dog: 9
  2. Antmusic: 9
  3. Los Rancheros: 8,5
  4. Feed Me to the Lions: 9
  5. Press Darlings: 7,5
  6. Ants Invasion: 10
  7. Killer in the Home: 9,5
  8. Kings of the Wild Frontier: 9
  9. The Magnificent Five: 8,5
  10. Don’t Be Square (Be There): 8,5
  11. Jolly Roger: 8
  12. Physical (You’re So): 8
  13. The Human Beings: 7,5

Si el álbum debut de Adam and the Ants te gustó, su succesor no se queda atrás. Kings of the Wild Frontier es un disco realmente muy divertido, tanto como el primero. Algunos de hecho lo catalogan como el mejor del grupo.

Lo cierto es que Kings of the Wild Frontier tiene mucho de su predecesor pero al escucharlo la experiencias es más una ensalada de los múltiples géneros y artistas de quienes toman influencias. David Bowie, Elvis Costello, Talking Heads, The Fall, The Clash, etc. Adam Ant le saca el jugo a cada uno de ellos, incluso su voz se puede confundir con la de Bowie. Se podría catalogar como New Wave para hacerlo más sencillo, pero lo cierto es que es dificil de encasillarlos. Por momentos hacen Glam Rock, en otros pasajes Punk, Post Punk, etc. Pero esta vez el grupo sorprende con incluso arreglos de percusión que hacen su sonido más exótico, pero no por ello menos entretenido.

Otro punto a destacar de Kings of the Wild Frontier son sus excelentes melodías, que son realmente muy pegadizas. Desde “Dog Eat Dog” uno se engancha y divierte instantáneamente. Y así logran temazos como “Ants Invasion”, que es prácticamente de ciencia ficción, además de ser el más “Bowie”, el más Glam y el de mejor melodía (el más mejor en todo sentido). “Killer in the Home” es otra gran canción, de muy buenos ganchos melódicos en sus distintos pasajes.

En fin, Kings of the Wild Frontier es otro discazo de esta banda que encaminaría a lo que luego haría Adam Ant en los ochenta como solista.

Persy

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Chris Cornell – Carry On (2007)

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Puntaje del Disco: 6

  1. No Such Thing: 7,5
  2. Poison Eye: 7
  3. Arms Around Your Love: 4
  4. Safe and Sound: 3,5
  5. She’ll Never Be Your Man: 6
  6. Ghosts: 6,5
  7. Killing Birds: 7
  8. Billie Jean: 6
  9. Scar on the Sky: 6,5
  10. Your Soul Today: 5
  11. Finally Forever: 6
  12. Silence the Voices: 6
  13. Disappearing Act: 5,5
  14. You Know My Name: 7

Entre el primer intento de armar una carrera solista con Euphoria Morning (1999) y su segundo álbum Carry On (2007), pasaron ocho años en la vida de Chris Cornell y una aventura con una nueva banda con la que tuvo bastante suceso, Audioslave.

Sobre ese período de su vida Chris lo recordaría así: “Estuve en Audioslave varios años y no podía trabajar en otras cosas más que en las canciones del grupo. Pero no la pasé mal, disfruto ensayar canciones en una habitación con otros músicos, lo que hice con ellos y, antes, con Soundgarden. Ahora es un gran cambio, estuve con aquellos tipos cinco, seis años. Me reconcentré mucho en mí mismo para mi disco Carry On, y eso me gustó.”

En esta placa Cornell hace base en el rock alternativo pero sin olvidar el blues, el hard rock y lamentablemente las baladas, como las mediocres “Arms Around Your Love” y “Safe and Sound” que parecen sacadas del repertorio de un artista pop del montón. Por suerte no todo el disco es así y hay momentos más potentes como “No Such Thing”, “Poison Eye”, “Killing Birds” y “You Know My Name” que lo salven de ser un desastre. A su vez se le ocurrio la divertida (?) idea de hacer su propia versión de Billie Jean de Michael Jackson, que si bien no se parece demasiado a la original tampoco quedara en el recuerdo de quien la escuche.

No hay dudas que Chris Cornell es una de las mejores voces del rock y pieza clave de dos bandas de enorme calibre como Audioslave y mayor todavía con Soundgarden, pero a la hora de sus aventuras personales desde mi punto de vista parece equivocar el rumbo y pifiarle bastante seguido.

F.V.

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Golden Shag – Trisceláneo (2016)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. I1: 7,5
  2. The Journey: 8
  3. Tempestad en el planeta Zentius: 7,5

Golden Shag es un grupo tucumano que lanzó su primer trabajo en el 2016, titulado Trisceláneo, de un género no tan común hoy en día y difícil de encasillar, lo cual le da cierta originalidad. Se podría decir que es Jazz Fusion combinado con Rock Progresivo. Sin embargo, Golden Shag tiene la llamativa particularidad de que no hay guitarras. Saxofón (Jorge Ignacio Barrionuevo), bajo (Ricardo Gor), teclado/sintetizador (Ricardo David Alvarez), batería (Joaquín Álvarez) y percusión (Santiago Cáceres) son los elementos encargados de conformar el sonido del grupo.

Ante la ausencia de guitarras, en Golden Shag preponderan el bajo y saxo, dándole un toque más Funk a su estilo. Pero además la percusión que utilizan tiene ciertos aires folklóricos.

Con esta combinación llamativa hicieron de Trisceláneo, un EP conformado por 3 canciones instrumentales que pueden resultar tan exóticas como llevaderas en la interacción de sus integrantes. “The Journey” resalta entre ellas como su tema más progresivo por sus diferentes secciones.

Sin embargo, la ausencia de grandes melodías es lo que no lo hace llegar al EP a un nivel superior. De todas formas, Trisceláneo es un debut más que aceptable el cual pueden escuchar desde aquí.

Persy

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Ty Segall – Emotional Mugger (2016)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Squealer: 8
  2. Californian Hills: 7,5
  3. Emotional Mugger/Leopard Priestess: 8,5
  4. Breakfast Eggs: 7,5
  5. Diversion: 7,5
  6. Baby Big Man (I Want a Mommy): 7
  7. Mandy Cream: 7,5
  8. Candy Sam: 9
  9. Squealer Two: 8
  10. U.O.T.W.S.: 5
  11. The Magazine: 7

2015 fue el primer año sin que Ty Segall sacara un álbum de estudio como solista, pero para compensar apenas empezó el 2016, cuando el garagero sacó a la luz un nuevo disco, mostrando un cambio en su enfoque, ya que por primera vez dejó a un lado su guitarra dedicándose a ser un frontman puro y dejar las labores musicales a una nueva banda estelar bautizada “The Muggers” y conformada por nombres de la escena de Garage de California tales como Mikal Cronin, Kyle Thomas (King Tuff) y Emmet Kelly.

Segall necesitaba un cambio de aires, y en Emotional Mugger llegó al punto de formarse un nuevo alter-ego (Sloppo), una especie de bebé psicópata y crear una especie de disco conceptual que gira alrededor de dos conceptos: Bebés y dulces (este último una adicción de la vida real de Segall). Esto llevó a demenciales presentaciones en vivo donde Segall ataviado con una máscara de bebé, babeaba sobre su audiencia, lloraba, demandaba a su mamá y repartía dulces, afirmando que todos no somos más que bebés crecidos. Lo que si es que detrás de toda esa fachada de locura, el procedente de California pareciese querer dar un mensaje de alerta contra el consumismo desenfrenado de nuestra era y el daño social y emocional provocado por la dependencia a la tecnología (de ahí viene el concepto de “Emotional Muggin”).

En cuanto a los temas del disco, en este perdura un estruendoso Glam-Garage con un fuzz mas sucio que nunca que en ningún momento se detiene, contrastando con el melódico Manipulator y el folk de Sleeper, sus anteriores dos discos que le catapultaron al reconocimiento. Aquí nos encontraremos un par de temas llamativos en “Emotional Mugger/Leopard Priestess” y  el sencillo “Candy Sam”, pero fuera de esas dos piezas no hay mucho que destacar. Al final este disco no es ni lo mejor de Segall ni lo peor.

¿Pero que creen? Al momento en que esta reseña es publicada, se viene lanzando el noveno disco de estudio de este hiperactivo músico ¡Incansable Ty Segall!

Gera Ramos

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Can – Soon Over Babaluma (1974)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Dizzy Dizzy: 8,5
  2. Come Sta, La Luna: 8
  3. Splash: 8,5
  4. Chain Reaction: 8
  5. Quantum Physics: 7,5

Sin Damo Suzuki, esa omnipresente figura para el estilo de la banda experimental Can en sus mejor años, se suponía que los alemanes transitarían un período de transición sin discos de buena calidad, pero nada de esto ocurrió en un principio cuando lanzaron su sexto LP en 1974, Soon Over Babaluma.

Con la salida de Damo las voces se compartieron entre el guitarrista Michael Karoli y el tecladista Irmin Schidt, quienes sabiamente no intentaron copiar el estilo de su reciente cantante ni del anterior Malcolm Mooney.

Soon Over Babaluma continúa la linea de ambient inspirado de Future Days (1973) llevándolo hacia el extremo en particular en la canción que cierra el corto listado de temas “Quantum Physics”. El resto es Can en estado puro con momentos tan cercanos a la electrónica como al jazz pero sonando claro y con una atención a los detalles en cada canción admirable.

Lamentablemente estos prodigiosos músicos alemanes no pudieron mantener esta calidad sus siguientes años de historia. Es como si Soon Over Babaluma ofició de una continuación o una colección de “lados B” de Future Days y a partir de entonces se les acabó la inspiración, incluso muchos afirman que no volvieron a hacer nada decente desde entonces a pesar de sus intentos por reinventarse y de revivir musicalmente.

F.V.

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León Gieco – De Ushuaia a La Quiaca. Disco 1 (1985)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Esos Ojos Negros: 8
  2. Don Sixto Palavecino: 8
  3. Por el Camino Perdido: 9
  4. Príncipe Azul: 7,5
  5. Para Pete: 8,5
  6. Cola de Amor: 8
  7. Camino de Llamas: 8,5
  8. Carito: 8,5
  9. No Existe Fuerza en el Mundo: 8,5
  10. Yo Vendo Unos Ojos Negros: 6

De Ushuaia a La Quiaca es el proyecto profesional de la vida de León Gieco. Incluyó tres discos grabados bajo la idea de abarcar los sonidos de todo el territorio argentino. Se trato de ir a los lugares donde la música misma nace y grabarla en su ambiente natural y no llevar a los músicos a un estudio de grabación en una ciudad grande donde perderían parte del sentimiento que les da el lugar de origen.

La idea de Ushuaia a La Quiaca partió de la gira que llevó a Gieco por todo el país, donde tomó contacto con artistas desconocidos que trabajaban en el folclore de las distintas regiones.

El primer volumen fue lanzado en 1985 con la ayuda de Gustavo Santaolalla, una pieza clave del proyecto, que ofició de director y productor musical y también participó como músico, tocando guitarras, charango, percusión y en coros.

En este primer disco nos encontramos con un excelente ensamble entre el folk rock carácteristico en el repertorio del cantautor y la música tradicional, folklorica y regional de distintas partes del país y la participación de infinidad de músicos, y tan solo seria el puntapie inicial de esta maravillosa idea.

En el año 2005, al cumplirse veinte del primero de los discos, se publico una edición aniversario remasterizada con material multimedia de la obra original. Además de los cuatro volúmenes, se lanzó un libro con el mismo nombre, escrito por el propio León Gieco y Gustavo Santaolalla con Claudio Kleiman, e ilustrado con más de cien fotografías de esa gira histórica tomadas por Alejandra Palacios.

F.V.

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Collective Soul – Blender (2000)

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Puntaje del Disco: 5

  1. Skin: 5
  2. Vent: 6
  3. Why, Pt. 2: 6
  4. 10 Years Later: 5
  5. Boast: 5
  6. Turn: 5
  7. You Speak My Language: 4
  8. Perfect Day: 5
  9. After All: 5
  10. Over Tokyo: 5
  11. Happiness: 5

Blender, el quinto disco de estudio de Collective Soul no sólo fue el último que el grupo grabó con Atlantic Records sino también su álbum con mayor orientación pop.

De entrada llama la atención la foto seleccionada como tapa de disco, muy similar a cualquier boy band que inundó la escena musical durante fines de la década de los noventa. Musicalmente el disco presenta canciones artificialmente armadas, con lindas letras pero con sonidos que no terminan de convencer.

A excepción del segundo y el tercer tema, el resto del disco sencillamante pasa casi desapercibido, y ni la intervención de Elton Jhon ayuda a levantar este material que claramente no fue lo más destacado en la carrera del grupo.

Piro

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The Kills – Ash & Ice (2016)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Doing It to Death: 9
  2. Heart of a Dog: 8
  3. Hard Habit to Break: 8
  4. Bitter Fruit: 7,5
  5. Days of Why and How: 7,5
  6. Let It Drop: 7,5
  7. Hum for Your Buzz: 7
  8. Siberian Nights: 7,5
  9. That Love: 8
  10. Impossible Tracks: 6,5
  11. Black Tar: 7,5
  12. Echo Home: 8,5
  13. Whirling Eye: 6,5

El retorno de The Kills se podría decir que fue traumático. Nada menos que 5 años tendríamos que esperar para volver a escuchar un disco de ellos. En el medio Jamie Hince tendría las dificultades de afrontar su divorcio y una lesión en la mano que lo mantendrían marginado de su guitarra. Mientras que Alison Mosshart estaba demasiado ocupada en otros proyectos como The Dead Weather. Finalmente, llegaría Ash & Ice reflejando un poco las dificultades de por medio.

Ash & Ice es su disco menos lucido. Es un trabajo que se parece más a Blood Pressures que a Midnight Boom. Porque es oscuro y no es muy jovial. Tenemos algunos buenos riffs de garage rock de Hince pero compositivamente ofrecen las canciones menos logradas que hizo de Kills en su carrera. Algunos cortes son inmemorables y otros simplemente están lejos de lo mejor que puede hacer e hizo The Kills.

Tampoco ayuda la duración del álbum. Mientras Midnight Boom era un manjar festivo de poco más de 30 minutos, en este disco The Kills se sobre esfuerza por poner más canciones en el álbum, estirándolo innecesariamente y haciendo notar más sus baches.

Es una versión más apagada de ellos incluso en los arreglos que usan, que a veces resultan menos acertados, menos divertidos y hasta desubicados. ¿Pero saben qué? No deja de ser un buen disco.

Ningún tema de Ash & Ice puede ser tomado como malo.  Y de hecho tenemos canciones para destacar como “Doing It to Death”, con su muy buen riff, y “Echo Home”, con su ritmo sutil, lento y convincente. La balada “That Love” también es agradable. Mientras que “Heart of a Dog” y “Hard Habit to Break” con ritmos y esos arreglos minimalistas rememoran a otros discos del dúo.

Ash & Ice es un producto más que aceptable y llega a ser incluso más entretenido que muchas de las canciones de The Dead Weather. Y pese a ser el más endeble de los discos de The Kills, es una muy buena noticia tenerlos de vuelta.

Persy

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