Iron & Wine – The Creek Drank the Cradle (2002)

Iron & Wine - The Creek Drank the Cradle (2002)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Lion’s Mane: 8,5
  2. Bird Stealing Bread: 9
  3. Faded from the Winter: 9
  4. Promising Light: 8
  5. The Rooster Moans: 7,5
  6. Upward Over the Mountain: 8,5
  7. Southern Anthem: 9
  8. An Angry Blade: 7,5
  9. Weary Memory: 8,5
  10. Promise What You Will: 8,5
  11. Muddy Hymnal: 7,5

Un par de guitarras alcanzan para hacer un disco simple pero plagado de encanto en sus temas. Eso es lo que encontramos en The Creek Drank the Cradle, álbum debut de Iron & Wine, o mejor dicho de Sam Beam.

En su primer disco de estudio Beam evoca a personajes como Nick Drake ofreciendo una variedad de temas acústicos con distintos tonos de belleza. ¿Y saben qué? Lo compuso, interpretó, grabó y produjo en el propio estudio de su casa. Así que se nota el estilo Lo-Fi, especialmente en su voz que se esconde en la calidad del sonido. Aun así el cantautor ofrece armonías vocales en sus canciones de Folk Rock que son realmente muy buenas.

Pero creo que lo que más sobresale es su Slide Guitar marcando esa onda de Rock Sureño/Country y logrando canciones con melodías y una solidez que sorprenden. Entre ellas baladas como “Bird Stealing Bread” resaltan por su belleza. Y en su conjunto The Creek Drank the Cradle es un disco en el que cuando le damos “play” nos podemos relajar y transportarnos por un buen rato. No por nada fue aclamado por la crítica destacándolo como uno de los mejores trabajos del 2002.

Persy

 

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

Fuzz – II (2015)

Fuzz – II (2015)

Puntaje del Disco: 8

  1. Time Collapse II/The 7th Terror: 9
  2. Rat Race: 8,5
  3. Let it Live: 8
  4. Pollinate: 8,5
  5. Bringer of Light: 8
  6. Pipe: 8
  7. Say Hello: 8,5
  8. Burning Wreath: 9
  9. Red Flag: 7
  10. Jack the Maggot: 7
  11. New Flesh: 8
  12. Sleestak: 7
  13. Silent Sits the Dust Bowl: 7,5
  14. II: 5

El 2015 resultó ser uno de los años más tranquilos de Ty Segall, para empezar (por primera vez en su carrera) dejó pasar un año sin lanzar disco de solista. Pero eso no significa que estuviera de brazos cruzados descansando de su hiperactividad música, sino que se concentró en darle forma a dar continuación al que hace un par de años demostró ser uno de sus proyectos alternos más exitosos: Fuzz.

Toda la energía de Segall viene descargada en esta segunda parte de proyecto, ya que si algo representa Fuzz en las tantas caras de Ty, es que es la banda que saca su lado más pesado y salvaje. Pero en esta ocasión la diversión viene duplicado, ya que a diferencia de su breve debut, ahora suelta la nada despreciable cantidad de 14 canciones formando una considerable duración de 67 minutos.

Sin abandonar ese toque de Black Sabbath, pero sonando un tanto más psicodélico tal como sus camaradas Thee Oh Sees, Fuzz presenta algunos temas que captan la atención, como el psicótico “Time Collapse II/The 7th Terror” que en sus siete minutos despliega potencia pseudo-metalera combinada con secciones acidas, en “Rat Race” el guitarrista Charles Moothart muestra que sabe cantar recordando mucho a Ozzy Osbourne con su interpretación además de soltar un buen solo. También destaco “Burning Wreath” que no solo se queda en ser potente sino que hay un buen juego de vocales entre Segall y Moothart.

En cuanto a oscuridad y riffs pesados el disco cumple, aunque su larga duración le hace algo de daño, sobretodo cansando ya al final cuando te fastidian con un relleno de 13 minutos (El infame “II”) dejándole inferior a su predecesor. Pero de alguna manera es bueno que el proyecto no haya quedado en el olvido, ya que esta combinación aun tiene bastante que dar.

Gera Ramos

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

Lauryn Hill – The Miseducation of Lauryn Hill (1998)

Lauryn Hill - The Miseducation of Lauryn Hill (1998)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Intro:
  2. Lost Ones: 9
  3. Ex-Factor: 8,5
  4. To Zion: 7,5
  5. Doo Wop (That Thing): 9
  6. Superstar: 8
  7. Final Hour: 8,5
  8. When It Hurts So Bad: 7,5
  9. I Used to Love Him: 7,5
  10. Forgive Them Father: 8
  11. Every Ghetto, Every City: 8,5
  12. Nothing Even Matters: 7
  13. Everything Is Everything: 8,5
  14. The Miseducation of Lauryn Hill: 7
  15. Can’t Take My Eyes Off Of You: 9
  16. Sweetest Thing: 8,5

Un valuarte en la música de la década del noventa fue la cantante neoyorquina Lauryn Hill. Pieza clave de la famosa banda de hip hop Fugees, recordados por ser quienes popularizaron el clásico “Killing Me Softly”, y a su vez responsable en soledad de uno de los mejores discos del género en la década The Miseducation of Lauryn Hill (1998).

Durante 1996 mientras giraba con Fugees la joven Lauryn conocería a Rohan Marley (Hijo de la leyenda del reggae Bob Marley), de quien quedaría embarazada al poco tiempo. Cuenta la historia que la maternidad inspiro a Hill para grabar su propio trabajo y expandió su creatividad como nunca antes.

El resultado de este renacer de Lauryn fue este valioso e icónico álbum que llevo a la artista a niveles de popularidad impensados. Incorporando diversos estilos como el R&B, soul, hip hop y reggae logra sobresalir en tracks entre instrospectivos y relajados como “Lost Ones”, “Ex-Factor”, “Doo Wop (That Thing)”, “Final Hour”, “Every Ghetto, Every City”, “Everything Is Everything”, “Can’t Take My Eyes Off Of You” y “Sweetest Thing”, aunque quizás su extensa duración le juegue un poco en contra.

Con todo esto conseguido Hill fue uno de los típicos casos donde la presión de la fama y las exigencias la sobrepasaron. Comenzó varios proyectos pero los descartó por abocarse a la vida familiar, inclusive rechazo roles importantes para protagonizar películas que luego se convirtieron en “blockbuster” como Charlie’s Angels, The Matrix, The Bourne Identity, entre otras. Lauryn dejó de hablar con la prensa, mirar televisión y hasta de escuchar música, necesitaba un respiro.

Desde entonces ha sido bastante crítica con la industria musical. En Julio de 2001 reaparecería por última vez con un Unplugged de MTV con un look algo distinto y haciendo hincapié en el mensaje de sus letras y nunca más editaría ningún material aunque si se presentaría esporádicamente en público.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

No Te Va Gustar – Este Fuerte Viento Que Sopla (2002)

No Te Va Gustar - Este Fuerte Viento Que Sopla (2002)

Puntaje del Disco: 8

  1. Cómo Brillaba Tu Alma: 7
  2. Tenés Que Saltar: 8
  3. La Única Voz: 8
  4. Machete: 8,5
  5. Te Voy a Llevar: 7,5
  6. Padre de la Patria: 7
  7. Me Cuesta Creer: 8,5
  8. Clara: 8
  9. La Soledad: 7,5
  10. No Hay Dolor: 9
  11. Te Quiero Más: 6
  12. Mucho Más Feliz: 6,5
  13. Más Mejor: 7
  14. No Necesito Nada: 8,5

Luego de su disco debut lanzado a finales de 1999, Sólo de Noche, No Te Va Gustar no paró de sumar presentaciones y giras interminables en su país, haciendose cada vez más conocidos.

En la primera mitad del año 2002 se gestaría, Este Fuerte Viento Que Sopla, grabado casi íntegramente en Santiago de Chile (Con excepción de “Clara” en Montevideo). Con este disco los uruguayos se consolidarían tanto en su país como en sus países vecinos y comenzarían a experimentar con diversa mezcla de ritmos que hoy son su marca registrada como el ska, rock, reggae, murga, entre otros.

Este Fuerte Viento Que Sopla superó todas las expectativas del grupo apoyado en temazos como “Me Cuesta Creer”, “Machete”, “No Hay Dolor” y “No Necesito Nada”, llegando a ser disco de oro en su país y a convertirse en uno de los referentes del rock uruguayo en la región.

Como ya nos habían acostumbrado la banda de Montevideo no paró de girar y presentar su disco desde su presentación el 12 de Octubre de 2002 en el Teatro de Verano de la capital uruguaya hasta el verano de 2004 donde comienzan una gira por la costa argentina y presentándose en el tradicional festival Cosquin Rock, compartiendo cartel con leyendas como Spinetta, Leon Gieco, entre otros. La banda de Emiliano Brancciari pisaba cada vez más fuerte, pero lo mejor todavía estaba por venir.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

Stevie Ray Vaughan [The Vaughan Brothers] – Family Style (1990)

Stevie Ray Vaughan [The Vaughan Brothers] - Family Style (1990)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Hard to Be: 7
  2. White Boots: 7,5
  3. D/FW: 8
  4. Good Texan: 7,5
  5. Hillbillies from Outerspace: 7
  6. Long Way From Home: 7,5
  7. Tick Tock: 6
  8. Telephone Song: 9
  9. Baboom/Mama Said: 7
  10. Brothers: 9

Family Style no alcanza ni a los talones a los mejores momentos de Stevie Ray Vaughan, pero se trata de un disco histórico ya que es la última grabación del eximio guitarrista antes de su accidentada muerte.

La idea de grabar algo juntos llevaba unos años dentro de la cabeza de los hermanos Vaughan, el famoso Stevie Ray y el menos conocido Jimmie, pero la llevarían a cabo recién en el comienzo de 1990 con el lanzamiento de Family Style.

Musicalmente hablando no hay sorpresas incluso cierta desilusión, es un disco de blues clásico pero con orientación al pop rock convencional y accesible. La pulcra producción de Nile Rodgers ayudó a este resultado y solo algunos temas quedaran en el recuerdo como el instrumental “D/FW”, “Telephone Song” y “Brothers”, donde el gran Stevie Ray nos deja sus últimos acordes de estudio.

A los pocos meses Vaughan encontraría su trágico final el 27 de Agosto de 1990 en un accidente de helicóptero luego de participar de un concierto de Eric Clapton, donde también fallecieron el agente de este último, Bobby Brooks y dos integrantes de su banda y también el piloto.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

The Beach Boys – Smiley Smile (1967)

The Beach Boys - Smiley Smile (1967)

Puntaje del Disco: 8

  1. Heroes and Villains: 8,5
  2. Vegetables: 8
  3. Fall Breaks And Back To Winter: 7
  4. She’s Goin’ Bald: 8
  5. Little Pad: 7,5
  6. Good Vibrations: 10
  7. With Me Tonight: 8
  8. Wind Chimes: 7,5
  9. Gettin’ Hungry: 7
  10. Wonderful: 7
  11. Whistle In: 7

A los Beach Boys también les cayó la psicodelia encima. Pero nuestros chicos de playa nunca abandonaron su estilo pop. Lo tenían más arraigado (mucho más) que los Beatles. Y para plasmarlo Brian Wilson tenía en mente un mega proyecto conocido como SMiLE. Lamentablemente SMiLE no prosperaría y sus grabaciones se transformarían en una especie de obra de culto de un disco nunca se llegó a editar. De todas formas, en 1967 los Beach Boys lanzaría la versión reducida del mismo bajo el título de Smiley Smile.

Tengo que decirlo,  me gusta más esta versión de la banda. Escuchar a Smiley Smile es como escuchar a nuestros chicos inocentes de playa pero con algunos kilos de ácidos encima. Así que en el álbum lo que emergen son los arreglos psicodélicos tan típicos de la época. Pero además no abandonan su principal cualidad que son las armonías vocales.

En contrapartida, Smiley Smile es un disco más experimental y se nota que es más bien un conjunto de descartes de SMiLE. Las canciones son más bien vagas improvisaciones fumadas que por ende no terminan teniendo en general un nivel extraordinario. A excepción de ese clásico que brilla por sí solo llamado “Good Vibrations”. Se podría decir que la existencia de este álbum vale la pena solo por “Good Vibrations”, marcando una diferencia tremenda por combinar una excelente melodía pop con el estilo psicodélico que buscaban y sus conocidos juegos de voces. Es el sinónimo de lo bien hecho del disco, aunque como comentaba disfruté de este trabajo en general, porque es otra cara de los Beach Boys que no conocíamos.

Persy

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

The Libertines – Anthems for Doomed Youth (2015)

The Libertines - Anthems for Doomed Youth (2015)

Puntaje del Disco: 8

  1. Barbarians: 6,5
  2. Gunga Din: 7,5
  3. Fame and Fortune: 8
  4. Anthem for Doomed Youth: 8
  5. You’re My Waterloo: 9
  6. Belly of the Beast: 7
  7. Iceman: 8,5
  8. Heart of the Matter: 8
  9. Fury of Chonburi: 7,5
  10. The Milkman’s Horse: 7
  11. Glasgow Coma Scale Blues: 8,5
  12. Dead for Love: 8,5

Inexorablemente iba a pasar. La vuelta más esperada en el rock ingles en los últimos tiempos se concretó definitivamente con la edición del tercer disco de The Libertines, Anthems for the Doomed Youth, en Septiembre de 2015.

La dupla creativa entre Carl Barat y Pete Doherty continúa vigente y aceitada, a pesar de los años sin componer juntos. Esta nueva versión de los Libertines es más melódica, prolija y menos desfachatada que la de sus años iniciales (Y si, los muchachos están más grandes). Nos deleitan joyas que pronto se convertiran en clásicos como “You’re My Waterloo”, “Glasgow Coma Scale Blues”, “Iceman”, “Fame and Fortune”, “Heart of the Matter” y “Dead for Love”, dentro de un regreso favorable sin llegar a los niveles de inspiración de once años atrás pero no deja de ser bastante bueno.

Todo parece indicar que la otrora relación tormentosa entre Carl y Pete comienza a mejorar y con la madurez actual podrán consolidarla y tendremos Libertines para rato. Acerca de su relación actual Pete diría lo suyo en una entrevista reciente: “Las cosas han cambiado en nuestros mundos. Carl es padre de dos pequeños que ama. Es una persona distinta. Hay algo en sus ojos que antes no existía. Algo que se parece a la felicidad.” Y Carl agregaría sobre el presente y el futuro de la banda y las nuevas generaciones: “Tenemos fans que nos acaban de conocer. Últimamente vemos a muchos chicos de 15 años en primera fila. Solo hacemos lo que tenemos que hacer, no sentimos presión alguna luego de tanto tiempo sin tocar juntos.»

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

Leonard Cohen – The Songs of Leonard Cohen (1968)

Leonard Cohen – The Songs of Leonard Cohen (1968)

Puntaje del Disco: 10

  1. Suzanne: 10
  2. Master Song: 9
  3. Winter Lady: 8,5
  4. The Stranger Song: 9
  5. Sisters of Mercy: 9
  6. So Long, Marianne: 10
  7. Hey, That’s No Way to Say Goodbye: 9,5
  8. Stories of the Street: 9
  9. Teachers: 8,5
  10. One of Us Cannot Be Wrong: 9,5

Leonard Cohen es uno de los artistas folk más importantes de la historia, una figura muy reconocida y respetada incluso hasta el día de hoy. Inicialmente un poeta y escritor, el Canadiense pasó la mayor parte de la década de los sesentas liberando novelas y poesía, no obstante financieramente la escritura no arrojaba el fruto esperado, por lo que el hombre buscó probar con otra de sus pasiones artísticas; la música.

Como el modesto hombre que es, Cohen llamó su primer disco bajo el simple titulo de The Songs of Leonard Cohen, su sencilla portada de un retrato personal no hizo muy llamativo el disco; sin pretensiones, el trovador simplemente invitó al escuchante a adentrarse en sus canciones minimalistas y melancólicas, pero de una letra suprema y narrativa expresiva, producto de todos aquellos años como escritor.

En su debut el Canadiense se acompaña de su guitarra y ocasionalmente hay tenues arreglos de fondo que no alteran significativamente la música de sus canciones, el punto en este trabajo es claro; dirigir la atención a la sofisticada e impactante lirica que se desarrolla y sobretodo el impacto de emociones que generan, es curioso ya que la voz del señor Cohen no es espectacular y carece de grandes trucos vocales, pero le imprime un toque que inmersa a cada historia. No vayamos más allá del tremendo hit “So Long, Marianne” donde casi se puede sentir a flor de piel la añoranza de Leonard por Marianne, reflejada en una hermosa poesía de amor y varias referencias religiosas. Precisamente en referencia e las simbologías bíblicas, estas son un elemento que siempre ha estado presente en las letras del poeta y son notables en el otro temazo del disco “Suzanne”, un sentimental tema que había regalado a la cantante Judy Collins y que en vista del éxito conseguido por ella, el llegaría a animarse a probarse como cantante en lugar de quedarse como letrista. En lo personal me encanta la final  “One of Us Cannot be Wrong” donde cuenta cuatro historias desgarradoras de corazones rotos que duelen hasta el corazón de uno mismo.

Es interesante pero cautivador como Cohen se vale no solo de historias ficticias sino de experiencias reales como la narrada en “Sisters of Mercy” sobre dos mujeres a las que conoció y que dio hospedaje en una noche nevada, quienes le inspiraron a redactar la canción, o por otro lado está “Stories of the Street” donde canta sus impresiones sobre el sufrimiento humano tras haber estado observando desde un balcón lo que sucedía en una calle. Pero es difícil a veces discernir en que se inspiró en cada tema, ya que cada una es tan sentida que parecieran reales y podría pasar párrafos y párrafos de esta reseña analizando la profundidad de una por una. Todas son excelentes, y el disco en general es perfecto y digno de la calificación máxima.

Concluiré contando que nadie daba muchas esperanzas a que un tímido e humilde trovador en sus treintas pudiera brillar habiendo tantos artistas de moda (y sobretodo de gran calidad) y tantas sensaciones juveniles en ascendencia, ni siquiera la propia disquera esperaba mucho por el pobre Leonard Cohen, pero su calidad se impuso y dio la sorpresa al vender más de 100,000 copias convirtiéndolo en un artista de culto, condición que mantiene aun al día de hoy, cuando a sus más de ochenta años aun sigue desarrollando música de calidad envidiable.

Gera Ramos

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

Fun People – Angustia, No, No (2000)

Fun People - Angustia, No, No (2000)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Perdidos: 8
  2. Hoy Para Hoy: 6
  3. Born Free: 6,5
  4. Mea Culpa: 5
  5. Looking For: 5,5
  6. Piaf: 7
  7. Touch Me: 6
  8. Dreams in Trouble: 6
  9. King of the Underground: 4,5
  10. We Want More: 5,5
  11. No Llores: 7,5
  12. Oro: 6
  13. Angustia, No, No: 5,5
  14. A la espera:

Angustia No, No (2000), fue el quinto y el último trabajo de estudio de la banda argentina de Hardcore punk argentina Fun People.

Según su cantante y líder Boom Boom Kid se trato de una, “Vuelta a los raices”. Poblado de hardcore rabioso y con demasiados temas cortos en ingles, de menos de dos minutos de duración y muchas de menos de uno que en el comienzo pintan bien pero cuando empezás a escucharlo ya está por terminar. Es un disco exclusivamente para sus fanáticos, si bien cuenta con algunas perlitas, siempre dentro de este formato poco accesible alejado de toda sutileza, como «Perdidos» y «No Llores». Angustia No, No está lejos de ser un buen disco y no hay demasiado más por agregar de este material que recomendaría no perder tiempo en escucharlo.

Al poco tiempo la banda se disolvería casi no llegando a presentarlo en vivo. Es que Boom Boom Kid ya tenía la cabeza en otra cosa, su proyecto solista, una búsqueda más amigable, basada en el rock y pop alternativo y con la intención de llegar a más hogares.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

Nas – It Was Written (1996)

Nas - It Was Written (1996)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Album Intro:
  2. The Message: 9
  3. Street Dreams: 9
  4. I Gave You Power: 7
  5. Watch Dem Niggas: 8
  6. Take It in Blood: 7,5
  7. Nas Is Coming: 8,5
  8. Affirmative Action: 8
  9. The Set Up: 8
  10. Black Girl Lost: 7,5
  11. Suspect: 8,5
  12. Shootouts: 8,5
  13. Live Nigga Rap: 8
  14. If I Ruled the World (Imagine That): 8,5

Luego de una obra maestra del rap como Illmatic (1994), disco debut del joven neoyorquino Nas,  se hacía difícil igualar la vara alta que había dejado. Para esta dificil tarea el artista contrato a los más grandes productores de hip hop del momento como Dr. Dre, DJ Premier, Stretch, entre otros, para ayudarlo a encauzar su talento innato para lo que sería su segundo LP.

It Was Written salió a las calles para mediados de 1996 con un leve cambio en su lírica y su sonido duro de Illmatic “suavizandolo” un poco, acercándose más a ritmos comerciales con aires pop mas accesibles.

Así y todo se despachó con temazos como “The Message”, “Street Dreams”, “Nas Is Coming”, “Suspect”, “Shootouts” y “If I Ruled the World (Imagine That)”, esta última con la participación de la estelar por aquel entonces vocalista de The Fugees Lauryn Hill. Otro punto para destacar fue la aparición de The Firm, un super grupo formado por el propio Nas, AZ, Foxy Brown y Cormega, con quienes grabaría al año siguiente The Album.

It Was Written es una más que digna continuación en la prometedora carrera de otro de los grandes raperos surgidos en la década del noventa. Con una producción más detallada y elaborada, a veces en exceso, estaba claro que la carrera de Nas recién comenzaba y todavía tenía muchos momentos inspirados para ofrecer.

F.V.

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

America – Hat Trick (1973)

MI0002408168

Puntaje del Disco: 6

  1. Muskrat Love: 8
  2. Wind Wave: 6
  3. She’s Gonna Let You Down: 8
  4. Rainbow Song: 7.5
  5. Submarine Ladies: 6
  6. It’ Life: 6
  7. Hat Trick: 6
  8. Molten Love: 6
  9. Green Monkey: 6
  10. Willow Tree Lullaby: 6
  11. Goodbye: 7

El destacado segundo material de estudio de America, Homecoming, pudo haberle jugado una mala pasada al grupo, que en 1973 editó su tercer disco Hat Trick, que lejos estuvo del anterior trabajo.

Con la particularidad de presentar el primer tema no escrito por ninguno de sus integrantes, como fue “Muskrat Love”, este álbum mantiene el estilo folk tradicional del grupo; sin embargo, desde el plano compositivo, se aleja del buen camino que estaba tomando America, como se deja entrever en “Green Monkey” y “Mollten Love”, por ejemplo.

“She’ Gonna Let You Down” y “Rainbow Song” podrían considerarse las canciones más destacadas de este material, del cual se esperaba más.

Piro

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]

Deep Purple – Slaves and Masters (1990)

Deep Purple - Slaves and Masters (1990)

Puntaje del Disco: 4

  1. King Of Dreams: 7
  2. The Cut Runs Deep: 5
  3. Fire In The Basement: 5
  4. Truth Hurts: 5
  5. Breakfast In Bed: 5
  6. Love Conquers All: 3,5
  7. Fortuneteller: 4,5
  8. Too Much Is Not Enough: 4
  9. Wicked Ways: 4

Una nueva formación de Deep Purple. ¿Cuántas van ya? Mucho no parece importar contar de seguir prolongando la vida de una banda que hacía rato no lanzaba un disco como la gente. En fin, en esta oportunidad Ritchie Blackmore volvería luego de su incursión con Rainbow y traería como compañerito nuevo al vocalista Joe Lynn Turner. El resto del grupo son viejos conocidos de Deep Purple: Jon Lord en teclado/órgano, Ian Paice en batería y Roger Glover en bajo. Esta nueva alineación produciría en 1990 uno de los peores trabajos de la banda: Slaves and Masters.

¿Por qué es malo el disco? Bueno, tiene varios problemas. En primer lugar, tenemos el temita del cantante. Joe Lynn Turner es un vocalista más que decente. Pero su voz no ruge como la de Ian Gillan ni tiene una cualidad que realce a la banda. Es una voz más ajustada y técnica. Es más sacada del Glam Metal. Me hace acordar demasiado a lo que pasaba con David Coverdale.

El segundo inconveniente es que Deep Purple no suena a Deep Purple. Suena más a Bon Jovi. Así que para el oyente de la época clásica del grupo en los setenta, le puede resultar un poco chocante.

La tercera falla y tal vez la más importante es el mediocre nivel compositivo. Es Hard Rock promedio, con riffs y melodías que no están mal. Canciones técnicamente bien ejecutadas por la banda, pero que no transmiten absolutamente nada. Y cuando digo nada es la nada misma. Deep Purple en ese sentido parece una banda genérica totalmente intrascendente.

No recuerdo uno solo de los temas para resaltar lo bueno que hacen. Al contrario, si de alguna canción me acuerdo es solo de las más flojas. Porquerías como “Love Conquers All” (el nombre lo dice todo) que no es otra cosa que la típica Power Ballad de los ochenta, con esa fórmula tan ruin y gastada que da ganas de matarlos.

¿Cómo podía terminar esta historia? Con Turner abandonando la banda y con Gillan recuperando el lugar que le pertenecía como vocalista.

Persy

Calificación de Usuarios
[Total: 0 Average: 0]