Cafe Tacvba – Un Viaje (2005)

Cafe Tacvba - Un Viaje (2005)

Puntaje del Disco: 8

Disco uno:

  1. María: 8
  2. Batallas: 7
  3. Rarotonga: 6
  4. Noche Oscura: 7
  5. Cero y Uno: 8,5
  6. No Controles: 9
  7. Eo (El Sonidero): 9
  8. Puntos Cardinales: 7,5
  9. Mediodía: 8,5
  10. Eres: 9,5
  11. Esa Noche: 7,5
  12. Ojalá Que Llueva Café: 6,5
  13. La 2: 7,5
  14. La 6: 7
  15. Revés: 6

Disco dos:

  1. Fin De La Infancia: 7
  2. Locomotora: 8
  3. Persianas: 7,5
  4. Chilanga Banda: 9
  5. Labios Jaguar: 8
  6. Chica Banda: 9
  7. Déjate Caer: 9,5
  8. Avientame: 8,5
  9. Espacio: 7,5
  10. El Puñal y El Corazón: 8,5
  11. Las Flores: 8
  12. Como Te Extraño: 8
  13. La Ingrata: 8,5
  14. Pinche Juan: 7

Grabado en vivo en una ocasión inolvidable, el concierto donde celebraban sus quince años de carrera en el Palacio de los Deportes de México DF, Café Tacvba sacaría a la venta en 2005 su primer CD en vivo.

Un Viaje recorre la gran diversidad y variedad de estilos que la banda más grande de México es capaz de abarcar, siempre con impecable efectividad y derroche de talento. El lado uno inicia bien nostálgico con temas que remontan a su primer trabajo de estudio a principios de la década del noventa cortándose de cuajo con el primer gran momento del concierto, una seguidilla de temazos compuestos por “Cero Y Uno”, “No Controles” y “Eo”. Esta primera parte también contiene una de sus mejores obras, la insuperable balada con Meme como vocalista “Eres”.

El segundo lado es el más rico de los dos con una cantidad de versiones bien roqueras de muchos de sus clásicos coreables por la multitud como “Chilanga Banda”, “El Puñal Y El Corazón”, “Chica Banda” y “La Ingrata”. También deslumbran dos temas que no forman parte de su discografía oficial pero que incluyeron en este concierto sabiamente como su impecable versión de “Dejate Caer” de Los Tres y otra gran balada cantada por Meme, “Avientame”, incluida en la banda sonora del film Amores Perros (2000) de Alejandro González Iñárritu.

A pesar de no ser un disco impeacable de principio a fin y de tener algunas fallas y momentos evitables, Un Viaje marca un momento histórico de una de las bandas más grandes de latinoamérica. Además de la versión simple se editó una versión especial con otro CD con temas que quedaron afuera del primer corte y un DVD para fanáticos con entrevistas y filmaciones detrás del backstage.

F.V.

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Tim Buckley – Goodbye and Hello (1967)

Tim Buckley - Goodbye and Hello (1967)

Puntaje del Disco: 9

  1. No Man Can Find the War: 8,5
  2. Carnival Song: 8
  3. Pleasant Street: 9,5
  4. Hallucinations: 9
  5. I Never Asked to Be Your Mountain: 9
  6. Once I Was: 9
  7. Phantasmagoria in Two: 8
  8. Knight-Errant: 7,5
  9. Goodbye and Hello: 8
  10. Morning Glory: 7

Goodbye and Hello es el segundo disco del cantautor Tim Buckley, lanzado en el epicentro del flower power psicodélico del año 1967. Como no podría ser de otra manera, el padre de Jeff Buckley desarrolló su propio álbum psicodélico influenciado por clásicos de aquel entonces como Ste. Pepper de los Beatles, pero con su propio estilo que se asemeja al de Donovan o Leonard Cohen.

Por eso Goodbye and Hello es un álbum en el que la muy particular voz de Tim vuelve a resplandecer con su onda folk pero sin dejar de amoldarse a lo que sonaba en aquel entonces. Y las composiciones son versátiles y realmente muy buenas.

Ya desde “No Man Can Find the War”, un tema que podría haber sido escrito por Dylan o Jefferson Airplane, Tim Buckley aplica su propia impronta. Y así empieza a variar. “Carnival Song” delinea un pop más payasesco. “Pleasant Street” tiene un sonido mucho más oscuro e intenso, muy bueno. “Hallucinations” tiene un aire que me hace acordar a lo que años más tarde haría Jethro Tull y te transporta con su bizarra atmósfera. “I Never Asked to Be Your Mountain” es más guitarrera, de mucha dinámica. “Once I Was” es una balada folk encantadora. Y la homónima “Goodbye and Hello” es el tema más largo del disco (8 minutos de duración) en el que despliega psicodelia con diferentes secciones.

Goodbye and Hello es un álbum más consistente y atractivo que lo que fue su disco debut. Es otro álbum excelente de 1967.

Persy

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Youth Lagoon – Wondrous Bughouse (2013)

Youth Lagoon – Wondrous Bughouse (2013)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Through Mind and Back: 6
  2. Mute: 8,5
  3. Attic Doctor: 7
  4. The Bath: 6,5
  5. Pelican Man: 8
  6. Dropla: 9
  7. Sleep Paralysis: 7
  8. Third Dystopia: 6,5
  9. Raspberry Cane: 9,5
  10. Daisyphobia: 6

Quien esperara que Youth Lagoon continuase desarrollando el Dream Pop de recamara expresado en su grandioso disco de debut, se quedara estupefacto al encontrarse con un animal completamente diferente en Wondrous Bughouse. Ahora se dedica por completo a la atmosfera y a demostrar su maestría con el sintetizador. Y la temática, pues uff, antes cantó sobre la nostalgia de la juventud, ahora canta sobre la mortalidad, los sueños y la locura.

“Me consumí por la idea de cómo las personas que son consideradas locas comúnmente tienen una comprensión más firme por la realidad que la gente normal. La persona promedio va a través de la vida pensando que será para siempre” mencionó Trevor Powers en una entrevista respecto a la concepción del disco “Nos decimos a nosotros mismos que no viviremos por siempre, pero no creo que ese pensamiento se cree hasta que el día llega. Me asusta que un die yo moriré sabiendo eso”.

Podría definirse a Wondrous Bughouse como un enorme y complejo mundo de sueño, mundo cambiante donde nos encontraremos con agradables sueños de Dream Pop (“Mute”, “Pelican Man”) y terribles pesadillas (“Through Mind and Back”,), lo que define al disco es su inmersiva psicodelia, hay disonantes y demenciales pasajes instrumentales así como intrincadas y hermosas secciones de sintetizador… un disco arrullador y perturbador a la vez.

Pero en medio de tanta experimentación y neo-psicodelia,  lo que hace que Wondrous Bughouse valga la pena son sus tres devastadores sencillos: “Mute” es de lo mas accesible que hay, sonando refrescante y positiva, luego llega la aun mejor “Dropla”, tema sensible que trata sobre el ver alguien cercano a uno morir ( escuchad el coro de “You never die” es intenso y hermoso) pero lo mejor de todo es “Raspberry Cane”, tema completo en todo sentido con unas hermosas y exquisitas secciones de sintetizadores que dan paso a un inspirados estribillo (“Everybody’s wanting to see, Wanting to see it come alive”), y para añadir aun mas, el sencillo viene acompañado de un espectacular video ¿Podrá algún día haber una mejor canción de Youth Lagoon? Será difícil.

En fin, no es un disco para cualquier oído, quien no guste de la psicodelia compleja y el Dream Pop podría encontrarlo aburrido, pero quien aprecie la experimentación podría encontrarle varios puntos interesantes.

Gera Ramos

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Badly Drawn Boy – One Plus One Is One (2004)

Badly Drawn Boy - One Plus One Is One (2004)

Puntaje del Disco: 8

  1. One Plus One Is One: 8
  2. Easy Love: 8
  3. Summertime in Wintertime: 8
  4. This Is That New Song: 9
  5. Another Devil Dies: 7,5
  6. The Blossoms: 6
  7. Year of the Rat: 7
  8. Four Leaf Clover: 8,5
  9. Fewer Words: 6,5
  10. Logic of a Friend: 7,5
  11. Stockport: 7
  12. Life Turned Upside Down: 8,5
  13. Take the Glory: 8
  14. Holy Grail: 7
  15. Don’t Ask Me I’m Only the President: 7
  16. Plan-B: 7,5

Lo que era muy bueno hoy debe ser malo al poco tiempo, todo lo que sube baja. Esas leyes rigen al mundo del rock y el pop. Luego de los adorados The Hour of the Bewilderbeast (2000) y el soundtrack de la película About a Boy (2002), la estrella de Badly Drawn Boy parecía desvanecerse con su siguiente trabajo y paso de ser un creador de melodías mágicas y clásicos instantáneos a dejar de ser interesante.

Estas exageradas críticas debieron archivarse cuando Damon Gough lanzaría en 2004, One Plus One Is One. Un trabajo con alma, bohemio, sereno, con una instrumentación íntima y simple, con cosas de folk y rock clásico.

One Plus One Is One, como el propio título lo indica, apunta a los beneficios de la soledad, la melancolía, meterse para adentro y auto conocerse y fue el gran motivo por el que Badly Drawn Boy volvió a llamar la atención y a convertirse en uno de los mimados de la prensa británica, gracias a su innegable talento para componer bellas y simples canciones, virtud que nunca había perdido.

F.V.

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Copa Argentina 2015: Semifinales

copa-argentina-2015-semis

Terminaron las votaciones de los Cuartos de Final y podemos decir que quedaron las bandas y artistas que probablemente son los más importantes y populares que dieron el Rock Argentino.

Premios de la Fecha

Mejor Banda/Artista de la Fecha: Luis Alberto Spinetta. Dentro de los favoritos de esta fase era uno de los que más difícil la tenía ante Pappo. Pero fue el que con mayor autoridad ganó su enfrentamiento. El Flaco se quedó con el duelo de leyendas inmortalizadas y ahora se batirá contra Soda.

Banda/Artista Más Goleador: Charly Garcia. Nuestro amigo del bigote bicolor pulverizo a la sorpresa de la Copa, Attaque, logrando la mayor diferencia de votos a favor en Cuartos de Final.

Enfrentamiento Más Parejo: Los Redondos vs Andrés Calamaro. El Salmón dio una dura pelea a la banda del Indio Solari haciéndolos sufrir hasta el final. Sin embargo, los Redondos siempre estuvieron firmes y por eso se colaron entre los mejores 4 competidores de la Copa.

Semifinales

Como decíamos quedaron las 4 bandas y artistas más importantes del Rock Argentino. Y se podría decir que son clásicos cruzados:

Luis Alberto Spinetta vs Soda Stereo: Un duelo con olor a final anticipada. El Flaco con todos sus pergaminos se enfrenta a una banda con himnos que sonaron tanto en el país como en el mundo como Soda. Si gana Spinetta tiene la posibilidad de enfrentarse a Charly en la final, en lo que puede ser el duelo de los dos máximos compositores del rock nacional. Y si gana Soda Stereo enfrentarse en la final contra su clásico rival, Los Redondos.

Charly Garcia vs Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota: Otro enfrentamiento de pesos pesados. Charly (y todas sus bandas: Seru Giran, Sui Generis, La Máquina de Hacer Pajaros) hará todo lo posible por llegar a la final. Mientras que los Redondos tienen una chance inigualable de llegar a la final para hacer frente a Soda Stereo.

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Copa Argentina 2015: Semifinales

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Terminaron las votaciones de los Cuartos de Final y podemos decir que quedaron las bandas y artistas que probablemente son los más importantes y populares que dieron el Rock Argentino.

Premios de la Fecha:

Mejor Banda/Artista de la Fecha: Luis Alberto Spinetta. Dentro de los favoritos de esta fase era uno de los que más difícil la tenía ante Pappo. Pero fue el que con mayor autoridad ganó su enfrentamiento. El Flaco se quedó con el duelo de leyendas inmortalizadas y ahora se batirá contra Soda.

Mejor Banda/Artista Más Goleador: Charly Garcia. Nuestro amigo del bigote bicolor pulverizo a la sorpresa de la Copa, Attaque, logrando la mayor diferencia de votos a favor en Cuartos de Final.

Enfrentamiento Más Parejo: Los Redondos vs Andrés Calamaro. El Salmón dio una dura pelea a la banda del Indio Solari haciéndolos sufrir hasta el final. Sin embargo, los Redondos siempre estuvieron firmes y por eso se colaron entre los mejores 4 competidores de la Copa.

Semifinales

Como decíamos quedaron las 4 bandas y artistas más importantes del Rock Argentino. Y se podría decir que son clásicos cruzados:

Luis Alberto Spinetta vs Soda Stereo: Un duelo con olor a final anticipada. El Flaco con todos sus pergaminos se enfrenta a una banda con himnos que sonaron tanto en el país como en el mundo como Soda. Si gana Spinetta tiene la posibilidad de enfrentarse a Charly en la final, en lo que puede ser el duelo de los dos máximos compositores del rock nacional. Y si gana Soda Stereo enfrentarse en la final contra su clásico rival, Los Redondos.

Charly Garcia vs Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota: Otro enfrentamiento de pesos pesados. Charly (y todas sus bandas: Seru Giran, Sui Generis, La Máquina de Hacer Pajaros) hará todo lo posible por llegar a la final. Mientras que los Redondos tienen una chance inigualable de llegar a la final para hacer frente a Soda Stereo.

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David Bowie – Black Tie White Noise (1993)

David Bowie - Black Tie White Noise (1993)

Puntaje del Disco: 4,5

  1. The Wedding6
  2. You’ve Been Around6
  3. I Feel Free5
  4. Black Tie White Noise6,5
  5. Jump They Say5,5
  6. Nite Flight4,5
  7. Pallas Athena: 4,5
  8. Miracle Goodnight: 4
  9. Don’t Let Me Down & Down: 4,5
  10. Looking For Lester: 4,5
  11. I Know It’s Gonna Happen Someday: 5,5
  12. The Wedding Song: 6

Luego de su proyecto con Tim Machine, Bowie retomaría su carrera solista pero ya estacionado en los noventa. De todas formas, que este en los noventa no implica que haya abandonado los malos vicios que lo marcaron en los ochenta. Por eso Black Tie White Noise, su primer disco de los noventa, es un nuevo trabajo decepcionante del Duque Blanco, que la venía pifiando bastante seguido.

De entrada con “The Wedding”, David Bowie nos demuestra que ritmos bailables siguen vigente. Aunque la caja de sonidos, la pésima producción de los ochenta, ya no está. De todas formas, Bowie busca ser moderno incorporando sus arreglos que hacen el sonido de Black Tie White Noise una mezcla de Dance medio hip hopera, con influencia del Soul y del Funk.

Más allá que el estilo que aborda no es el mejor, se nota que compositivamente hablando Bowie seguía escribiendo como el “tuje”. Las melodías no son memorables. Son más bien mediocres. Si bien apunta a algo vendible ninguna alcanza por ejemplo el nivel de hits como “China Girl” o Let’s Dance”. Hay canciones como “Pallas Athena” que ni siquiera suenan a Bowie, son puro relleno. También hay temas tan malos como “Nite Flight” y “Miracle Goodnight” que cuesta creer que sean de David. Y como decía no olvida por completo los ochenta, “Don’t Let Me Down & Down” es una balada arrastrada que recuerdo un poco lo menos grato de aquellos años.

Hay poco para rescatar de Black Tie White Noise. Por eso se torna una experiencia tediosa y repetitiva con el correr de los minutos, siendo así uno de los peores discos de Bowie.

Persy

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Viejas Locas – Especial (1999)

Viejas Locas - Especial (1999)

Puntaje del Disco: 7

  1. Estamos Llegando: 5,5
  2. Todo Sigue Igual: 8
  3. Me Gustas Mucho: 8,5
  4. Una Espina en el Ojo: 7
  5. Homero: 8,5
  6. ¿Qué Vas a Hacer Tan Sola Hoy?: 7,5
  7. Una Vez Más: 6
  8. Legalizenla: 7
  9. Excusas: 7
  10. Se Que Lo Atraparé: 5,5
  11. 638…: 8
  12. Niños: 8
  13. Descansar en Paz: 7,5
  14. Una Piba Como Vos: 7
  15. El Árbol de la Vida: 6,5
  16. Voy a Dejarte: 7

Especial, sería el título escojido por Viejas Locas para su tercer álbum, El último (antes de su separación) y el más exitoso comercialmente de toda su carrera publicado en 1999 bajo la producción del británico Nigel Walker.
Repleto de hits que tuvieron alta rotación en radios y canales musicales como “Me Gustas Mucho”, “Todo Sigue Igual”, “Legalizenla” y “Homero”, todo indicaba que “Pity” Alvarez iban camino a convertirse en uno de los grupos más importantes de rock and roll clásico de Argentina y su música comenzaba a cruzar fronteras, pero todo se desplomó cuando el desconcertante Alvarez se alejó de Viejas Locas para formar Intoxicados.

“La separación de una banda es como pelearse con una chica con la que estuviste casado diez años: no la aguantás más, pero todavía tenés sentimientos hacia ella. Yo me fui de la banda”, declaraba “Pity” al respecto luego del repentino final de las Viejas Locas.

Al margen de los temas más conocidos y su lenguaje básico y busqueda poco pretensiosa Especial, tiene algún que otro tema que soprende para bien tal es el caso del psicodelíco “Niños” y las agradables roqueras “638” y “¿Qué Vas a Hacer Tan Sola Hoy?”.

Durante su período de inactividad, hasta su reunión en 2009, la banda editaría algunos mimos para sus seguidores como la recopilación, Sigue Pegando – Grandes Éxitos, con la inclusión de “El Hombre Suburbano” con Pappo Napolitano en guitarra y su primer DVD, que contenía un show grabado en vivo en el estadio Obras Sanitarias y seis de sus videoclips.

F.V.

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The Magnetic Fields – The Charm of the Highway Strip (1994)

The Magnetic Fields - The Charm of the Highway Strip (1994)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Lonely Highway: 8
  2. Long Vermont Roads: 7
  3. Born on a Train: 9
  4. I Have the Moon: 8
  5. Two Characters in Search of a Country Song: 8,5
  6. Crowd of Drifters: 6
  7. Fear of Trains: 7,5
  8. When the Open Road is Closing In: 6,5
  9. Sunset City: 7
  10. Dust Bowl: 6,5

Dos años después de haber sacado un dúo de discos de Synthpop inocente y de baja calidad instrumental,Stephin Merrit y sus Magnetic Fields (si no es que Stephin Merrit es The Magnetic Fields en sí) regresaron con un tercer disco, con sutiles cambios que marcan una diferencia y un intento por tomar un nuevo rumbo.

The Charm of the Highway Strip es un fenómeno de disco, en si es bastante conceptual, girando alrededor de un par de temáticas; en primer lugar como su título indica, trata mucho sobre la carretera, podría definirlo como “un disco hecho para ir manejando a solas de noche en una vacía carretera mientras te inundando pensamientos tristes de desamores”, pero el concepto no se queda solo en eso, sino que el raro de Merrit se le ocurre hablar de vampiros ¡Carreteras y vampiros! Así de extraño es este álbum.

Pero la peculiaridad no termia en la temática, sino que continua con el mismo sonido que adopta, es una combinación de música country con sintetizadores baratos Lo-Fi mezclado con sonidos de videojuegos viejos (como que le gusta mucho ese sonido), haciendo una combinación única.

Como siempre lo que más brilla en un disco de The Magnetic Fields es su lirica y este no es la excepción; Stephin Merrit ahora estrenando su voz barítono como vocalista único de la banda, se muestra melancólico, romántico y con un único toque de franqueza que le hacen único y le permiten generar un par de joyas en forma del éxito pop (y de lo mejor de The Magnetic Fields) que es “Born on a Train” y el tema más influenciado por el Oeste, que es “Two Characters in Search of a Country Song”. El disco en su segunda parte pierde fuerza, pero eso es algo que corregiría en sus siguientes trabajos. Además, creo que es el mejor disco de Lo-Fi Country-Synthpop que trata sobre “vampiros en carreteras” que se encontrarán.

Gera Ramos

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Fate/Stay Night Unlimited Blade Works: Primera Temporada

Fate Stay Night Unlimited Blade Works

Puntaje de la Temporada: star-rating 3m

  • Año: 2014
  • Género: Anime, Fantasia, Acción
  • Director: Takahiro Miura

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Madonna – American Life (2003)

Madonna - American Life (2003)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. American Life: 6
  2. Hollywood: 7
  3. I’m So Stupid: 7,5
  4. Love Profusion: 8,5
  5. Nobody Knows Me: 7
  6. Nothing Fails: 7,5
  7. Intervention: 6
  8. X-Static Process: 5
  9. Mother and Father: 5
  10. Die Another Day: 7,5
  11. Easy Ride: 6,5

La sociedad creativa entre Madonna y el productor electrónico Mirwais Ahmadzaï, que tan bien había funcionado en Music (2000), se repetiría en su siguiente álbum editado mundialmente el 21 de Abril de 2003, aunque sin replicar los mismos resultados.

American Life intentó ser un proyecto conceptual donde una Madonna que abandonó los Estados Unidos y se fue a vivir a Gran Bretaña, con su por entonces pareja el cineasta Guy Ritchie, habla y a la vez critica la cultura americana y el materialismo. Ideas totalmente contrarias a lo que la “La chica material” pregonó en su explosión mediática en los ochenta.

Musicalmente hablando American Life se puede describir como confuso. Si bien trata de sonar contemporánea continuando la senda de mezclar electrónica, folk acústico y pop, no resulta tan efectivo como se esperaba con pocos momentos interesantes que se salvan como “I’m So Stupid”, “Love Profusion”, “Nothing Fails” y “Die Another Day”.

Sobre las inspiraciones para producir el disco, Mirwais explicaría lo siguiente: “Cuando la gente habla sobre música dance, hablan de funk pero eso no es el final para mi. Se trata de funk y electro, como Kraftwerk, especialmente de finales de los setenta. La mixtura de los sonidos europeos y la música negra estadounidense crearon el electro, el tecno y el rap. Yo trate de hacer una conexión entre el sonido europeo y el soul negro. No quería reprimirme.”

Siempre la imagen de Madonna dio que hablar tanto como su música. Por aquel entonces sugirió que se encontraba en una “onda revolucionaria”. Cambió radicalmente su imagen a la de una guerrera inspirada en fotos del líder revolucionario Argentino, Che Guevara, su imagen icónica se convertiría en la inspiración principal de la portada y el estilo que adoptaría en esos años.

F.V.

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Back to the Future

Back to the Future

Puntaje de la Película: star-rating 5

  • Año: 1985
  • Género: Aventura, Ciencia Ficción
  • Director: Robert Zemeckis
  • Reparto: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover, Thomas F. Wilson

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