Más Discos Oscuros…

Darkest Albums

A modo cierre les dejamos esta selección de la revista NME, en la que repasan 50 de los Discos Más Oscuros, a la cual pueden acceder desde AQUÍ.

La semana que viene, el 6 de octubre, Persi Music cumple años y como les anticipábamos en el cierre del Mundial de Bandas, se estará desarrollando un Torneo SorpresaAsí que estate atento y preparate para otra vibrante competencia de Bandas.

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Marvin Gaye – Here, My Dear (1978)

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Puntaje del Disco: 8.5

  1. Here, My Dear: 7
  2. I Met a Little Girl: 9
  3. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You: 8.5
  4. Anger: 8
  5. Is That Enough: 8
  6. Everybody Needs Love: 7
  7. Time to Get It Together: 8
  8. Sparrow: 8.5
  9. Anna’s Song: 8
  10. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You (Instrumental): 8
  11. A Funky Space Reincarnation: 8
  12. You Can Leave, but It’s Going to Cost You: 8
  13. Falling in Love Again: 8.5
  14. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You (Reprise): –

Después de meses de peleas legales, en Junio de 1977 Marvin Gaye finalmente se divorció de su esposa Anna Gordy Gaye, dándo lugar no sólo a una etapa de nostalgia personal, sino que dichos sentimientos dieron como resultado su decimoquinto álbum dedicado exclusivamente a ella.

“Here, My Dear” detalla aquellos tumultuosos momentos de enfrentamientos entre ellos, mientras que “I Met a Little Girl” evoca las crónicas del florecimiento y decaimiento de la relación. Casi como a modo de disco conceptual, todo el material está enfocado a esta historia de amor y desencuentros, con los ritmos suaves y letras melosas que caracterizan a Gaye.

Puede que para otros artistas el desencanto por una relación perdida sea motivo de debacles personales, sin embargo, Gaye condensó toda su tristeza y en un maravilloso material.

Piro

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Bersuit Vergarabat – Libertinaje (1998)

Bersuit Vergarabat - Libertinaje (1998)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Yo Tomo: 6
  2. A Los Tambores: 8
  3. De Onda: 7
  4. Se Viene: 8
  5. Murguita del Sur: 9
  6. Sr. Cobranza: 9
  7. Vuelos: 9
  8. Gente de Mierdas: 5,5
  9. Sincerebro: 6,5
  10. A Marça de Deux: 8,5
  11. C.S.M.: 5
  12. ¿Qué Pasó?: 8,5

Libertinaje (1998) sería el despegue definitivo de Bersuit Vergarabat, tanto a nivel nacional como internacional. Con la producción artística de Gustavo Santaolalla que interpretó de maravillas la identidad del grupo y los mejoró y la incorporación en voces y coros de Daniel Suarez y Germàn Sbarbatti la banda comenzaría a pasar sus años más exultantes.

El propio pelado Cordera lo reconocía por aquellos años: «Si ahora viene más público a vernos, y si vendemos más discos, mejor, pero todo tipo de estallido, si no lo gobernamos, también nos puede matar, porque somos seres muy compulsivos y muy barderos. Y no tenemos mucho más cerebro para gastar.»

El mismo Cordera explicaría cual fue la clave del estallido que generaron con este álbum: «Me hizo cambiar Gustavo Santaolalla, nuestro productor. Con él logramos la felicidad y la diversión dentro de un estudio.» Con el la Bersuit grabó su disco más ecléctico y desprejuiciado. Y a la vez polémico. En Libertinaje se acompaña al rock con

toques distintivos del latino como el tango, rap, murga y la cumbia.

En plena etapa de declive de la década menemista, la Bersuit generaría polémica por sus abiertas críticas hacia el régimen reinante, en especial gracias a la canción «Sr. Cobranza» (de autoría de Las Manos de Filippi, pero popularizada por Bersuit Vergarabat), que sería censurada por el Comité Federal de Radiodifusión (Comfer) apercibiendo severamente a las radios que la difundieran. Las radios ya no podían volver a pasarla, excepto que deseen pagar millonarias multas. El pelado contraatacó con humor: difundió por una versión «autocensurada» del tema, con decenas de piiips, y prometió una nueva versión, «Obsecuente mix», esta vez a favor del Gobierno.

Mas allá de las polémicas y de su canción más reconocible recién mencionada, Libertinaje cuenta con otros momentos musicales que vale la pena recomendar como “A Los Tambores”, “Murguita del Sur”, “Vuelos”, “¿Qué Pasó?” y “A Marça de Deux”, esta última una improvisación divertida donde Cordera canta y se expresa en portugués.

Gracias al impulso de este trabajo Bersuit inicia una larga etapa de presentaciones por toda Latinoamérica, Estados Unidos y hasta llegán al viejo continente presentandose en España en una gira más que exitosa. Para cerrar el año 1999 deciden cerrarlo con un show multitudinario al aire libre nada más y nada menos ante cincuenta mil fanáticos frente al emblemático obelisco.

F.V.

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Suicide – Suicide (1977)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Ghost Rider: 9
  2. Rocket U.S.A.: 9
  3. Cheree: 9
  4. Johnny: 8,5
  5. Girl: 8
  6. Frankie Teardrop: 9
  7. Che: 8,5
  8. Cheree (Remix): –
  9. I Remember: 8
  10. Keep Your Dreams9

Suicide es un dúo punk que nació a fines de los setenta, conformado por Alan Vega y Martin Rev. Lo que caracteriza y diferencia a esta banda respecto de otras bandas Punk neoyorquinas que nacieron en la misma época es que Suicide desarrolla su Post Punk combinándolo con electrónica. No hay guitarristas, ni riffs violentos. De todas formas logran su propio estilo en base al uso de sintetizador de Rev, que genera un sonido que penetra en tu mente con su caja de sonidos que si bien es taladrante también es efectiva, a la cual se acopla la voz fantasmagórica de Vega. Así logran atmosferas oscuras que no tienen comparación con otros grupos del período, donde la influencia de bandas como The Velvet Underground es notoria.

Esto se puede escuchar en su homónimo álbum debut, siendo la primera parte la más reconocida, especialmente por la presencia de “Ghost Rider”, el clásico de la banda con la melodía más pegadiza del disco. “Rocket U.S.A.” te hace entrar de lleno en el trance que ofrece Suicide. Mientras que “Cheree” se podría decir que es de lo más “Pop” del álbum junto a la hipnótica «Keep Your Dreams».

Su primer disco en general tiene un muy buen nivel, pero el tema más perturbador y llamativo del disco es “Frankie Teardrop”, con sus más de 10 minutos de duración, donde Vega cuenta la historia de un padre joven trabajador de fábrica que al perder su trabajo, también pierde la cordura. Así asesina a su familia y luego se suicida. En esta canción los sintetizadores suenan más paranoicos y repetitivos que nunca. Además, Vega cuenta la historia con su voz de manera insana, lanzando por momentos gritos aterradores. Y sobre el final, expresan como el protagonista viaja al infierno volviéndose todo más surrealista. Tal vez no sea gran tema desde lo estrictamente musical (es hasta monótono), pero la experiencia que logran es única y te mantiene en vilo los 10 minutos que dura.

Suicide de Suicide es un disco tremendo y muy original por la mística que logran despegándose del arquetipo modelo de todos los grupos punk de esa época. Por eso fue muy influyente. Sin ir más lejos fue la principal fuente de inspiración del disco de Bruce Springsteen Nebraska.

Persy

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Bauhaus – In the Flat Field (1980)

Bauhaus - In the Flat Field (1980)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Double Dare: 9
  2. In the Flat Field: 8
  3. A God in an Alcove: 7,5
  4. Dive: 8,5
  5. The Spy in the Cab: 8,5
  6. Small Talk Stinks: 7
  7. St. Vitus Dance: 8,5
  8. Stigmata Martyr: 9
  9. Nervess: 8

Desde la ciudad de Northampton, en el centro de Inglaterra, nacería a finales de los setenta una de las bandas pioneras del rock gótico y la “onda” dark, Bauhaus, nombre tomado de de la escuela de diseño alemana Bauhaus creada durante la segunda década del siglo XX, compuesta por of Peter Murphy (voz), Daniel Ash (guitarra), Kevin Haskins (batería) y David J (bajo).

Inlfuenciados tanto por el punk y el glam rock con cosas de The Clash, Iggy Pop, Can, Joy Division, entre otros Bauhaus editó su debut discográfico el 1 de Octubre de 1980, In the Flat Field, encargandose de todos los detalles inclusive de la producción, considerado uno de los primeros discos de rock gótico.

A pesar de su estilo innovador la prensa británica de la época destruyó al álbum con críticas lapidarias, criticandoles la falta de temas fuertes y reconocibles, y hasta calificandolos de engreidos. Aunque con los años fue visto con mejores ojos (como muchas veces pasa) resaltando la atmosfera misteriosa de desolación que fueron capaces de crear y que pocos discos debuts tienen tanta personalidad por si mismos, destacando a su carismático frontman, Murphy, y a su vez el legado que dejaron en la música gótica.

In the Flat Field fue relanzado como CD en 1988 con ocho bonus tracks incluyendo los importantes singles «Dark Entries», «Terror Couple Kill Colonel» y un cover de T. Rex “Telegram Sam”, y en 2009 el sello 4AD/Beggars Banquet volvió a editarlo esta vez como una edición de lujo remasterizado con sus nueve canciones originales junto a un disco de rarezas y versiones alternativas a las originales con un libre con fotos de la banda, comentarios y demás, ideal para coleccionistas.

F.V.

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Bruce Springsteen – Nebraska (1982)

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Puntaje del Disco: 8.5

  1. Nebraska: 8
  2. Atlantic City: 8.5
  3. Mansion on the Hill: 8
  4. Johnny 99: 8.5
  5. Highway Patrolman: 8
  6. State Trooper: 8.5
  7. Used Cars: 8
  8. Open All Night: 8
  9. My Father’s House: 8
  10. Reason to Believe: 8.5

El sexto álbum de estudio de Bruce Springsteen, Nebraska, había sido originalmente pensado como un conjunto de demos que editaría The E Street Band. Sin embargo, el vocalista y compositor prefirió que aquellas diez canciones formasen parte de su discografía personal.

Desde un arte de tapa lúgubre de una carretera vacía, pasando por las letras y el estilo musical, se puede decir que éste ha sido uno de los discos menos eufóricos en la extensa discografía de Springsteen. Nebraska, que da nombre al álbum, está narrado en primera persona desde la perspectiva del joven asesino serial Charles Starkweather y su novia. La guitarra acústica, la armónica y por supuesto la inconfundible voz de El Jefe, ayudan a crean un ambiente de desolación y desesperanza, como a lo largo de los temas se desarrollan historias de criminales y asesinos cuyos destinos no terminaron de la mejor manera.

Más allá de eso, es innegable la versatilidad de este maravilloso artista, que refleja la desesperación de los personajes que narra; pero a quienes a su vez, les da cierta esperanza con temas como “Open All Night” y “Reason to Believe”.

Piro

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Cat Power – Moon Pix (1998)

Cat Power - Moon Pix (1998)

Puntaje del Disco: 9

  1. American Flag: 9
  2. He Turns Down: 8,5
  3. No Sense: 9
  4. Say: 8,5
  5. Metal Heart: 10
  6. Back of Your Head: 8
  7. Moonshiner: 8
  8. You May Know Him: 8
  9. Colors and the Kids: 7
  10. Cross Bones Style: 9
  11. Peking Saint: 7,5

Moon Pix es considerado como la obra cumbre de Cat Power y también es un fiel ejemplo de lo que se conoce como “Sadcore”, un subgénero del rock alternativo utilizado por periodistas cuya denominación lo dice todo: melodías lentas, sombrías y letras tristes.

En ese sentido, la cantautora también conocida como Chan Marshall nos trae canciones bastante simples que tiran para el lado del folk alternativo, de pocos acordes realzando la emocionalidad y profundidad de sus letras, que siempre merodean entre lo oscuro y melancólico.

Al respecto Cat Power dijo que varias canciones en Moon Pix – «No Sense,» «Say,» «Metal Heart,» «You May Know Him» y «Cross Bones Style» fueron escritas en una noche alucinante, luego de tener una pesadilla en una noche de 1997.

«Me desperté por alguien en el campo detrás de mi casa en Carolina del Sur» explicó. «La tierra comenzó a temblar, y los espíritus oscuros estaban rompiendo contra todas las ventanas de mi casa. Me desperté y tenía a mi gatito al lado mío… y comencé a orar a Dios para que me ayude… Así que tome mi guitarra tratando de distraerme. Tuve que encender las luces y cantarle a Dios. Tenía una grabadora y empecé a grabar los siguientes sesenta minutos”.

Mucha de la mística sombría de su historia logra transmitirlo en Moon Pix. Por eso, si algo es remarcable son las atmósferas que logra sin ser pretenciosa, por momentos acompañando con algunos arreglos alternativos como en “American Flag” y hasta combinándose con la flauta de Belinda Woods (que parece tomada de Jethro Tull)  en “He Turns Down”.

Entre ellas las que más se destacan con su estilo son “No Sense”, “Cross Bones Style” y especialmente “Metal Heart”, demostrando que la primera parte del disco es la mejor. Aunque en general Moon Pix es un álbum excelente.

Persy

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Antony and the Johnsons – Swanlights (2010)

Antony and the Johnsons - Swanlights (2010)

Puntaje del Disco: 8

  1. Everything Is New: 8
  2. The Great White Ocean: 8,5
  3. Ghost: 7,5
  4. I’m in Love: 8
  5. Violetta:
  6. Swanlights: 8,5
  7. The Spirit Was Gone: 8
  8. Thank You for Your Love: 9
  9. Flétta: 8
  10. Salt Silver Oxygen: 7,5
  11. Christina’s Farm: 7,5

El proyecto Swanlights fue pergeniado por más de tres años por Antony Hegarty, inclusive de antes de su anterior lanzamiento The Crying Light (2009),  y abarcaba no solo estrictamente lo musical sino que también incluía la pintura, dibujos, fotografías, poemas, en colaboración con los artistas Garrick Gott y Joie Iacono, con quienes diseñó un libro de arte de 144 páginas con el mismo nombre.

Swanlights, el cuarto lanzamiento de estudio de Antony and the Johnsons, se editó mundialmente en Octubre de 2010 y desde el punto de vista estrictamente musical estamos ante una colección de temas que van desde el folk rock hasta orquesta clásica, pasando por el pop oscuro, jazz y el rock alternativo con el toque particular que le da su mágica voz. Entre los números más valiosos podemos citar “The Great White Ocean”, “Swanlights”, “Thank You for Your Love”, “The Spirit Was Gone” y “Flétta” (dueto majestuoso con Björk), dentro de un setlist parejo y sólido.

Con esta hermosa creación de art pop, rica, detallada y a la vez accesible Antony se consolidaría como un artista de verdadera vanguardia en los años 2000, único en su tipo.

F.V.

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Festival de Discos Depresivos

Ayer en esta región del mundo se celebró la llegada de la primavera. Pero nosotros como somos muy «Anti», decidimos ir en contra de la corriente. Por eso los Festivales de Discos vuelven a Persi Music luego del Mundial de Bandas con un Festival de Discos Depresivos.

Sí, muchos de los álbumes más oscuros, angustiantes, tristes, sombríos, depresivos y letárgicos serán repasados durante la próxima semana en el sitio.

Subite a la ola depresiva y contanos ¿Cuales son los discos más depresivos y oscuros que recuerdan?

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Game of Thrones arrazó en los Emmys 2015

Game of Thrones Emmys 2015

La quinta fue la vencida para Game of Thrones. Luego de varios años en los que no pudo ganar tapada por la maestría de Breaking Bad, la serie inspirada en los libros de George R.R. Martin tuvo que esperar a que no este más en el aire el fantástico programa de Vince Gilligan para poder hacerse del premio a la mejor serie del año.

Pero saben qué, este año tampoco se esperaba que ganará Game of Thrones. Las apuestas estaban en que Mad Men con su final de serie tuviera su reconocimiento especial. Solo Jon Hamm logró hacerse del premio a mejor actor protagónico de una serie de drama. Pero sonó un poco a premio consuelo para Mad Men.

De esta forma, Game of Thrones logró un premio que merecía llevarse antes. Ya que seamos realistas, está no fue la mejor temporada de la serie. La cuarta tranquilamente merecía ese galardón. Pero tuvo muy buenos episodios y mantuvo un nivel muy bueno. Y si de episodios hablamos, el décimo de la temporada, «Mother’s Mercy», recibió el premio a la mejor dirección y al mejor guión. ¿Cómo no serlo? Todavía se sigue hablando de su muy fuerte final.

Pero además, parece que los enanos dan suerte. Peter Dinklage (nuestro querido Tyrion) se hizo del premio al mejor actor de reparto cuando parecía que Jonathan Banks (sí, Mike de Better Call Saul) se iba a quedar con él.

También hay que decir que Game of Thrones batió records como la serie más ganadora. En total se llevó 12 estatuillas. Las otras 8 son de los Emmys más bien «técnicos y creativos».

Dejemos de hablar de esta grandiosa serie un poco. La otra gran ganadora de la noche fue otra serie de HBO, Veep, desde el aspecto comedias. Superando a Transparent que tenía muchas chances de llevarselo. Cosechando además otros premios como mejor actriz (Julia Louis-Dreyfus), mejor actor de reparto (Tony Hale), mejor guión de comedia.

En lo que es Miniseries, tengo que reconocer que no vi ninguna de este año. Dudo que alguna haya estado a la altura de lo que fue True Detective o Fargo en el 2014. Pero lo cierto es que Olive Kitteridge fue la mejor del 2015.

Así se fueron otros Emmys, en donde HBO se impuso sobre el resto con Game of Thrones a la cabeza. Finalmente y con justicia se superó el estigma de que no se puede premiar una serie con fantasía. Y si lo analizamos contra la competencia que tenía enfrente había muy buenas series como Better Call Saul, otras que a mi gusto decayeron como House of Cards y Orange is the New Black (metida en la categoría Drama cuando el año pasado era una aparente Comedia). De esta forma el producto del que habla todo el mundo hoy en día, Game of Thrones, se quedó con el el «trono» que ocupaba antes Breaking Bad de mejor serie del momento.

Persy

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Faith No More y su obstinada ausencia de fe

Faith No More Argentina 2015

«¿Cuántas veces vinimos acá, wey? ¿Cuatro? ¡Más bien cuarenta!». En un perfecto español chicano, Mike Patton inauguró el regreso de Faith No More a la Argentina con un show electrizante el 20 de septiembre en el Luna Park.

En un escenario vestido de blanco y ornamentado con vistosas plantas y flores, el grupo -también de blanco- compuesto por «Juancito» Hudson, «ese puto del bajo» Gould, «viejo pervertido» Bordin, Bottum y «Piñón Fijo» Patton, según la presentación de este último, dio un espectáculo intenso y fiel al lugar que supieron ganarse en la historia del metal, el rock, el funk… y de las baladas.

Abrieron sin vaselina con una novedad: “Motherfucker”, al que le siguió el poguero “Be Aggressive” que despertó a los vivaces fanáticos. Nota aparte merecen los fieles seguidores de la banda, muchos de los cuales peinan canas añosas y largas barbas. Solos, o acompañados de sus hijos a quienes pretenden con justicia iniciar en el fraternal mundo del metal, saltaron y vitorearon a la altura de los más jóvenes que ya nacieron con FnM y que deliraron con su energía saturada.

Presentando varios temas de Sol Invictus, su nuevo disco, como “Black Friday”, “Matador”, “Separation Anxiety” y el mencionado “Motherfucker”, no se privaron de tocar los clásicos como “Epic”, “Ashes to Ashes” y el cover de los Commodores, “Easy”. Patton hizo gala de sus más de seis octavas de rango vocal que sonó a la perfección, acompañada en ocasiones de una pedalera en el escenario. El resto del sonido estuvo ligeramente saturado, lo que impidió que se disfrutaran algunos de los característicos matices musicales de la banda, pero que compensaron con actitud rockera a pesar de ser, admitámoslo, señores de media edad pelados y panzones. El mismo Patton se burló de esto: “¿Qué me dicen? ¿Lechón? ¿Hijo de qué?”.

La banda hizo dos bises, el primero con “Cone of Shame”, “Digging the Grave” y “Just a Man”. Durante este último, «rickrollearon» a los presentes con un fragmento del infame “Never Gonna Give You Up” de Rick Astley, con el que hubiera sido ciertamente indignante abandonar de forma definitiva el escenario. Por eso, volvieron a aparecer con un segundo bis con el clásico “We Care a Lot”, del primer disco, cerrando ahora sí una noche impecable y estridente que confirmó, sin tapujos, que «No más fé» (sic) tiene fe en el metal.

Barba

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Jorge Drexler – 12 Segundos de Oscuridad (2006)

Jorge Drexler - 12 Segundos de Oscuridad (2006)

Puntaje del Disco: 7

  1. 12 Segundos de Oscuridad: 8
  2. La Vida es Más Compleja de lo Que Parece: 7,5
  3. Transoceánica: 6,5
  4. Disneylandia: 8,5
  5. El Otro Engranaje: 8
  6. High and Dry: 8,5
  7. La Infidelidad en la Era Informática: 7
  8. Hermana Duda: 7
  9. Inoportuna: 7
  10. Quienquiera Que Seas: 8
  11. Soledad: 7
  12. Sanar: 7
  13. El Fuego y El Combustible: 6,5
  14. Desvelo: 6

Grabado en Madrid y con la producción de Juan Campodónico, Jorge Drexler editaría en 2006 prácticamente en todo el mundo, 12 Segundos de Oscuridad, tal vez el más melancólico y personal de su carrera.

Afirmaba Drexler: “Es el más emocional de mis discos. ese año viví y sufrí constantes movimientos externos e íntimos”. En el describe como vivió de forma autorreferencial la fama, una ruptura sentimental y nueva novia famosa.

Sin embargo los dos temas fuertes del álbum fueron dos versiones con resultados certeros “Disneylandia” de los brasileños Titás y “High and Dry” de los británicos Radiohead. Entre sus propios temas los mejorcitos son el de apertura que le da el nombre a la placa, “El Otro Engranaje”, “Quienquiera Que Seas” y “Soledad” en dueto con la cantante brasilera Maria Rita.

En esta ocasión este gran artista uruguayo no nos entrega demasiada originalidad ni temas de calidad como nos venía acostumbrando y como siguió haciendo en sus posteriores entregas.

F.V.

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