AC/DC – Flick of the Switch (1983)

ACDC - Flick of the Switch (1983)

 Puntaje del Disco: 6

  1. Rising Power: 6,5
  2. This House Is on Fire: 5,5
  3. Flick of the Switch: 7
  4. Nervous Shakedown: 7,5
  5. Landslide5
  6. Guns for Hire: 6
  7. Deep in the Hole: 6
  8. Bedlam in Belgium: 5
  9. Badlands: 7,5
  10. Brain Shake: 5

Para Flick of the Switch (1983) la banda de Hard Rock, AC/DC, esgrimió que estaban ante su vuelta al sonido pesado y crudo de sus primeros años pero al ver el resultado nos queda claro que estuvieron lejos de conseguirlo.

Allá por la década del ochenta las cosas no andaban del todo bien la agrupación australiana, su histórico bajista Phil Rudd, sería echado en el medio de las grabaciones de este su noveno esfuerzo de estudio, y las baterías fueron completadas por Simon Wright, futuro batero de Dio, quien se ganaría el lugar en una audición de ambos lados del atlántico donde desfilaron 700 bateristas para luego ser seleccionado y permanecería con AC/DC hasta la vuelta de Rudd en 1994.

La idea de recapturar la fiereza y simpleza de sus primeros años fue del productor Mutt Lange que por momentos lo consiguió, exhibiendo más energía que en su predecesor, For Those About to Rock We Salute You, el problema esta en las composiciones en si. Podemos rescatar algunos momentos efectivos como “Nervous Shakedown” y “Badlands”, pero estamos a nivel general ante un disco totalmente olvidable, sin ideas y con temas de rock monótonos como sería costumbre por aquellos años para el conjunto de los hermanos Young.

A partir de aquí comienza la decadencia de AC/DC. La magia de antaño parece ir perdiéndose con los años y solo los fanáticos obnubilados de lo que fue en mi opinión una de las mas grandes bandas de rock and roll de la historia (en su momento de esplendor con Bon Scott) continúan entusiasmándose con sus nuevos lanzamientos que perduran hasta estos días.

F.V.

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The Walking Dead: Quinta Temporada

The Walking Dead Season 5

Puntaje de la Temporada: star-rating 3m

  • Año: 2015
  • Género: Drama, Terror
  • Show Runner:  Scott M. Gimple
  • Reparto: Andrew Lincoln, Norman Reedus, Steven Yeun, Lauren Cohan, Chandler Riggs, Danai Gurira, Melissa McBride, Michael Cudlitz, Emily Kinney, Chad Coleman, Sonequa Martin-Green, Lawrence Gilliard, Jr., Josh McDermitt, Christian Serratos, Alanna Masterson, Seth Gilliam

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Death – Human (1991)

Death - Human (1991)

Puntaje del Disco: 9

  1. Flattening of Emotions: 9
  2. Suicide Machine: 8
  3. Together As One: 8,5
  4. Secret Face: 8
  5. Lack of Comprehension: 10
  6. See Through Dreams: 8,5
  7. Cosmic Sea: 8,5
  8. Vacant Planets: 9

Antes de empezar la crítica, demosle la bienvenida a un nuevo género y el más extremo de todo el Persi Music, el Death Metal. Si, nada mejor que empezar con Death, no una sino quizás la mejor banda del género.

Death se formó en 1983 en Orlando, Florida bajo el nombre de Mantras, cambiado por algo más original. La banda está comandada por Chuck Schuldiner de apenas 16 años en guitarra principal, vocalista y mentor principal de la banda (tocó un período el bajo durante 1987 y 1988 pero lo dejó). Se los consideran los creadores del propio género ya dicho, aunque ya habían bandas como Possessed o Sepultura en sus inicios que hicieron algo más pesado que el Thrash Metal. Death lo definió con su debut Scream Bloody Gore en 1987.

Sin embargo, muchas formaciones han transcurrido en esta banda durante toda su carrera. La original duró muy poco y es incontable la cantidad de otros guitarristas, bajistas y bateristas que han salido y entrado de Death. El único que quedó activo todo el tiempo fue el propio Chuck.

En Human, tenemos que presentar a Paul Masvidal como el otro guitarrista del álbum (que se fue de Death en 1992 y quien ya había trabajado en Spiritual Healing del 1990), luego a Steve DiGiorgio en el bajo y Sean Reinert en la batería.

Human es el cuarto disco de estudio de este grupete o alter ego de Chuck Schuldiner. Anteriormente, los otros 3 discos habían sido muy buenos, especialmente Leprosy del 88′, pero Chuck decidió dar un paso más grande, en la producción y arreglo de los temas con Human, logrando el álbum que los habrá llevaría al éxito como banda de Metal.Por cierto, esta banda no es para cualquiera, pero si hay que empezar a entrenar el oído para este género, Death es la primera que tienes que escuchar.

El álbum abre muy bien con «Flattening of Emotions» con una introducción brutal de Sean Reinert en la batería para luego atacar aún más acompañado de los riffs agresivos de Chuck y de Paul Masvidal, para dar paso a un solo terrible. Y ni hablemos del bajo de DiGiorgio que es súper denso y pesado. Seguimos con pistas similares como «Suicide Machine», «Together As One» y «Secret Face» aunque estas bajan un poco el calibre no dejan de sonar muy bien con cambios de ritmo constantes y un montón de efectos. El disco asciende y asciende a un escalón muy grande con «Lack of Comprehension», quizás la canción más exitosa de Death con un perturbador vídeo y letras muy profundas y emotivas. La misma arranca con un acorde acústico de Chuck y una batería lenta para después dar paso a riffs agresivos y solos espectaculares.

Después tenemos a «See Through Dreams» que sigue la línea de las canciones anteriores. Luego está la instrumental «Cosmic Sea», y terminando de una forma agresiva y excelente con «Vacant Planets».

No nos tenemos que olvidar de las letras y composiciones. Anteriormente Chuck solía componer letras que trataban acerca de violencia extrema y de muertes, pero ahora en este CD decidió cambiar su temática a cosas que tienen que ver más con la filosofía del ser humano, la naturaleza y así siguió la línea hasta su último LP.

Human supuso la evolución de Death como lo que ya venían demostrando que podían hacer en el Death Metal. Individual Thought Patterns es similar a Human, pero los últimos LP, Symbolic y The Sound of Perseverance se consideran los puntos más fuertes y altos de la trayectoria de la banda.

Lamentablemente, Death desapareció en 2001, Chuck Schuldiner falleció ese año a los 34 de edad, tras una larga lucha contra un glioma de tronco encefálico (cáncer). Posiblemente una de las muertes más consternantes y tristes en la historia del Metal, tan solo porque no solo la familia colaboró por la salud de Chuck sino que los propios fans hicieron casi todo el esfuerzo para mantenerlo vivo. Pero no, la primera cirugía resultó muy bien para Chuck, sin embargo en mayo del 2001, su glioma volvió y esta vez necesitaba urgentemente otra cirugía pero los médicos no pudieron por problemas financieros. En noviembre de ese mismo año contrajo neumonía con efectos secundarios y falleció en diciembre. Las creencias de Chuck fueron muy positivas considerándose «amante de la vida, los animales y la cerveza». Es una pena no tenerlo vivo, pero su legado sigue latente y está reconocido como un talentoso guitarrista y «El Padre del Death Metal».

Toto

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House of Cards: Tercera Temporada

House of Cards Tercera Temporada

Puntaje de la Temporada: star-rating 4

  • Año: 2015
  • Género: Drama
  • Show Runner: Beau Willimon
  • Reparto: Kevin Spacey, Robin Wright, Michael Kelly, Nathan Darrow, Mahershala Ali, Reg E. Cathey, Molly Parker, Jimmi Simpson, Elizabeth Marvel, Derek Cecil, Lars Mikkelsen, Paul Sparks

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Peter Bjorn and John – Peter Bjorn and John (2002)

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Puntaje del Disco: 8

  1. I Don’t Know What I Want Us To Do: 8
  2. Failing And Passing: 7
  3. People They Know: 7.5
  4. A Mutual Misunderstanding: 7.5
  5. From Now On8
  6. Matchmaker: 8
  7. Collect, Select, Reflect: 7.5
  8. 100 M Of Hurdles: 8
  9. Education Circle: 7.5
  10. Please, Go Home: 8

Provenientes de Estocolmo, Suecia, Peter Bjorn and John nació en 1999 con Peter Morén en la voz, guitarra y armónica, Björn Yttling en coros, bajo y teclados y John Eriksson en batería y percusión. Influenciados por los sonidos clásicos de los años sesenta, el pop y el new wave, el trío comenzó a realizar pequeñas presentaciones en vivo y editó el EP Forbidden Chords.

“Failing and Passing» y «I Don’t Know What I Want Us to Do» fueron los primeros dos sencillos de lo que sería el álbum homónimo, editado en 2002. También conocido como el álbum rojo, este muy buen material debut deja excelentes sensaciones, alcanzando un sonido perfectamente logrado, que encuentra una gran armonía entre los diferentes géneros de los cules el grupo se inspira.

“Matchmaker”, “Collect, Select, Reflect” y en el final “Please, Go Home” componen el núcleo fundamental que le brinda una calidad admirable a este disco de Peter Bjorn and John.

Piro

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Leo García – Mar (2001)

Leo García - Mar (2001)

 Puntaje del Disco: 8

  1. Isla: 7
  2. Morrisey: 8
  3. Amor al Arte: 7
  4. Eco: 7,5
  5. El Amor es Ciego: 7,5
  6. Humo: 8
  7. Cerca: 7
  8. Por Qué: 7,5
  9. Muerto: 8
  10. Nadie Salva: 8
  11. Mar: 8,5
  12. Poesía Rock: 8,5
  13. Renacer: 7,5
  14. Alguien: 8

La carrera de Leo García esta emparentada por completo con la de su gran amigo y descubridor, Gustavo Cerati. Su primer banda, Avant Press, allá por mediados de los noventa fue invitada por Soda Stereo para telonearlos en el Festival Alternativo de Vélez en 1996, y hasta fueron invitados en los recordados shows de despedida en River Plate.

Cuando Soda se disolvió, Leo pasó a formar parte de la banda solista de Cerati como guitarrista y, a su vez su propia carrera solista fue apoyada grabando algunas canciones y como productor por Gustavo.

El punto cúlmine en la carrera de Leo García fue Mar (2001), gracias a su mega hit “Morrissey”, una especie de “One Hit Wonder” porque nunca pudo igualar tal suceso. En aquellos frenéticos dias Leo estaba en todos lados como invitado tocando su recordado clásico y guarda como recuerdo y reflexión con el correr del tiempo y el olvido lo siguiente: “No siento eso de no ser ya el ídolo pop, a veces tengo alguna recaída, pero trato de que los pensamientos negativos no me invadan, yo vivo una vida que no tiene edad».

Pero Mar no es todo “Morrisey”, cuenta con otros temas pop electrónicos y algunas baladas valiosas, podemos citar “Humo”, “Muerto”, “Nadie Salva”, “Mar”, “Poesía Rock” y “Alguien” como un claro ejemplo de que estamos ante un muy buen material

“Es un disco muy importante porque reúne todo lo que vengo queriendo hacer desde que tengo noción, anteriormente hice otros discos pero responden más a situaciones personales de dispersión musical y artística”, comentaba García sobre este buen trabajo que vale la pena escuchar sin pre conceptos que a veces se tiene frente a ciertos artistas.

F.V.

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The Byrds – Ballad of Easy Rider (1969)

The Byrds - Ballad of Easy Rider (1969)

Puntaje del Disco: 8

  1. Ballad of Easy Rider: 8,5
  2. Fido: 8
  3. Oil In My Lamp: 7,5
  4. Tulsa County Blue: 7,5
  5. Jack Tarr The Sailor: 8
  6. Jesus Is Just Alright: 8,5
  7. It’s All Over Now Baby Blue: 8
  8. There Must Be Someone: 8
  9. Gunga Din: 8
  10. Deportee (Plane Wreck At Los Gatos): 7
  11. Armstron, Aldrin & Collins:

Ballad of Easy Rider es el segundo disco de los Byrds (luego del éxodo) que grabó la alineación conformada por Roger McGuinn, Clarence White, John York y Gene Parsons.

Es un álbum que escuché con cero expectativas luego de lo que fue Dr. Byrds and Mr. Hyde. Pero muy sorpresivamente esta nueva formación de los Byrds con McGuinn como líder parece haberse asentado para bien. Ballad of Easy Rider es menos olvidable que su predecesor compositivamente hablando. Y otro cambio está en que McGuinn abandona prácticamente sus intereses por lo psicodélico/espacial para darle más lugar al folk rock y al country más clásico con el que nació el grupo.

Dicho esto, no es un álbum muy largo, ni tiene puntos altos que a uno lo emocionen, pero es ciertamente más sólido de lo que uno puede esperarse. Lo más destacado aparece con la homónima “Ballad of Easy Rider”, que fue coescrita con Dylan y que como el nombre lo sugiere es la balada folk por excelencia que cuenta con la mejor melodía del disco. En el mismo nivel está “Jesus Is Just Alright” que es lo más rockero que ofrecen en el disco y que combinado con Gospel suena bien.

Y así se reparte todo el disco, con decentes canciones folkys como “There Must Be Someone” y “Gunga Din”, otros números de rock más movidos como “Fido”. Por supuesto, tampoco falta el cover de Dylan, que en este caso es “It’s All Over Now Baby Blue”, llevado a una versión más lenta pero atractiva. Y hasta hay cierta experimentación en “Jack Tarr The Sailor”, que me agrada por su estilo medio Western, aunque no me gusta su interpretación vocal.

Ballad of Easy Rider, pese a los percances y cambios que sufrió la banda a lo largo de los años, es un disco bastante redondo con el que despidieron los sesenta los Byrds. Y si consiguen la reedición de 1997, el tracklist se extiende hasta 18 canciones.

Persy

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Electric Light Orchestra – Eldorado (1974)

Electric Light Orchestra - Eldorado (1974)

Puntaje del Disco: 9

  1. Eldorado Overture: –
  2. Can’t Get It Out Of My Head: 9,5
  3. Boy Blue: 9
  4. Laredo Tornado: 8,5                        
  5. Poor Boy (The Greenwood): 8,5
  6. Mister Kingdom: 8
  7. Nobody’s Child: 7,5
  8. Illusions in G Major: 8,5
  9. Eldorado/Eldorado finale9,5

A diferencia de los tiempos actuales, en la década de los 70s era común que las bandas sacaran disco año tras año. Electric Light Orchestra no fue la excepción y en su cuarto año de existencia lanzaron su cuarta producción.  Para este trabajo Jeff Lynne decidió a dar un paso adelante en la evolución de su sonido y para ello contrató por primera vez una orquesta completa, logrando un sonido mas orgánico que en sus discos anteriores. Pero no solo eso, sino que sintiéndose ambicioso, se propuso hacer un disco conceptual…así es como nació Eldorado; el disco más sinfónico entre la discografía de ELO.

Eldorado trabaja bajo el concepto de la historia un soñador empedernido (“Daydreamer” como los llaman en inglés) y su mundo ideal de ensueño, conocido como “Eldorado” (En referencia a la tierra de oro de las leyendas mesoamericanas). La premisa del disco es sumergir al interlocutor en la experiencia de ese mundo imaginario por medio de las canciones.

Tras la introducción narrada de “Eldorado Overture”, nos encontraremos con  una serie de canciones de muy buen nivel; “Can’t Get It Out Of My Head” es claramente una de las creaciones más representativas de la banda, una soñadora y emocional balada que en mi opinión es la mejor entre las (tantas buenas) baladas que tiene ELO en su repertorio. Contrastando llega la aventurista “Boy Blue”, el single del disco,  basada en un pegadizo teclado que se encarga de darle su encanto, en cambio la mas potente “Laredo Tornado” se centra en un buen riff de la guitarra eléctrica y un adrenalínico estribillo de Lynne.  Para cerrar con broche de oro la primera mitad del disco está “Poor Boy (The Greenwood)” ,dinámica e inspirada.

La segunda parte del disco es más modesta; “Mister Kingdom” es una canción melancólica con  estribillo de potente vocal. “Nobody’s Child” es un breve regreso a la influencia de la música clásica que se mostró tan latente en el primer par de los discos de la banda.  Luego Lynne siguiendo su costumbre de poner el menos una canción “radio-amigable” en el disco, lanza “Illusions in G Major”, una bailable pieza de rock n’ roll. Lo bueno es que al final tenemos una gran sorpresa en forma de la épica “”Eldorado/Eldorado finale” la más resonante y significativa canción del disco, para añadirla a los mejores piezas hechas por la banda; un gran final para un gran álbum.

En conclusión, tenemos un álbum que funciona excelentemente tanto en su papel de disco conceptual, como al digerirlo canción por canción…es accesible, enfocado, cohesivo y sobre todo tiene un hermoso toque sinfónico. A pesar de no ser el disco de la banda que obtuvo más éxito comercial, Eldorado es considerado la obra maestra de la banda,  la cúspide de la etapa experimental de Electric Light Orchestra. Personalmente recomiendo bastante este disco.

Gera Ramos

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Thurston Moore – The Best Day (2014)

Thurston Moore – The Best Day (2014)

 Puntaje del Disco: 8,5

  1. Speak to the Wild: 9
  2. Forevermore9
  3. Tape: 8
  4. The Best Day: 8,5
  5. Detonation: 8
  6. Vocabularies: 7
  7. Grace Lake: 8
  8. Germs Burn: 8,5

Cuando nadie sabe a ciencia cierta que será del futuro de Sonic Youth, Thurston Moore comenzó a tomarse en serio su carrera solista. Su vida cambio notablemente desde su anterior trabajo solista en 2011, Demolished Thoughts, entre otras cosas se mudó a Londres con su nueva novia Eva Prinz, por la que dejo a su ex esposa Kim Gordon (bajista de Sonic Youth).

«Me senté en el sillón, abrí la ventana, desempaqué la guitarra y me puse a componer sin tener idea de lo que iba a salir. Sólo dejé que la inspiración hiciera lo suyo», así de sencillo describía Moore como comenzó su trabajo para este nuevo proyecto. Luego del período compositivo se sumaron James Sedwards (guitarrista de Nought), Steve Shelley (histórico baterista de Sonic Youth) y Deb Googe (My Bloody Valentine) en el bajo. «Cuando ella se subió al barco, me di cuenta que tenía una banda asesina entre manos», asegura. Con Deb se conocen desde 1985, cuando My Bloody Valentine abrió para Sonic Youth en un show en Glasgow.

Sobre la influencia en este nuevo trabajo de haberse mudado a Londres Thurston decía lo siguiente: “El lugar y el ambiente donde uno vive mientras compone siempre te influyen. Me encanta Londres. Tiene una historia musical muy pesada. De hecho, vivo cerca de donde creció Johnny Rotten. Los Sex Pistols y P.I.L. fueron una influencia muy fuerte sobre mí.”

A sus 56 años Moore se dedicó a hacer lo que mejor hace y por lo que fue reconocido y tratado de imitar sin éxito por generaciones de músicos: Su singular capacidad de crear texturas de guitarras únicas con melodías rock/pop alternativas, lo hizo innumerables veces antes con su banda pero aún así continúa siendo gratificante escucharlo y The Best Day no es la excepción. El resultado es esperable uno de los mejores lanzamientos del 2014.

F.V.

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R.E.M. – Reveal (2001)

REM - Reveal

Puntaje del Disco: 7,5

  1. The Lifting: 8
  2. I’ve Been High: 7,5
  3. All the Way to Reno – You’re Gonna Be a Star: 8
  4. She Just Wants to Be: 7,5
  5. Disappear: 6,5
  6. Saturn Return: 7,5
  7. Beat a Drum: 8
  8. Imitation of Life: 9
  9. Summer Turns to High: 7
  10. Chorus and the Ring: 7
  11. I’ll Take the Rain: 8,5
  12. Beachball: 7

Publicado en 2001, el duodécimo álbum de R.E.M. también fue el segundo de la banda sin su baterista Bill Berry.

En cuanto al sonido, es una continuidad de su trabajo anterior, aunque un poco menos electrónico, lo que trajo mayoría de críticas positivas.

Llegado en un momento en que la popularidad de la banda comenzaba a decaer, el éxito del disco fue menor que el de los anteriores. Esto se vio también en los singles, que prácticamente no ingresaron en los charts de Estados Unidos.

Dicho esto debo decir que ninguna de las canciones es mala, siendo “Imitation of Life” la mejor sin dudas (el último gran éxito de la banda tal vez) y “I´ll Take the Rain” otra muy buena. “Beat A Drum», «Summer Turns To High» y «Beachball» son homenajes musicales a The Beach Boys, de los cuales Mike Mills y Peter Buck son fanáticos. Mientras que “The Lifting”, otro gran tema, dice ser una precuela de “Daysleeper”, tema incluido en Up.

En conclusión, es un buen disco, con algunas grandes canciones, sin ser una gran maravilla, pero sí una buena continuidad en la historia de esta gran banda.

Néstor

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Grand Theft Auto III

Grand Theft Auto 3

Puntaje del Juego: star-rating 4m

  • Año: 2001
  • Género: Acción
  • Estilo: Sandbox
  • Plataforma: Playstation 2, XBox,  Microsoft Windows, Mac OS X
  • Saga: Grand Theft Auto

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The Orb – U.F.Orb (1992)

The Orb - U.F.Orb (1992)

Puntaje del Disco: 10

  1. O.O.B.E.: 9
  2. U.F.Orb: 7,5
  3. Blue Room: 10
  4. Towers of Dub: 10
  5. Close Encounters: 9,5
  6. Majestic: 9
  7. Sticky End:

En el mundo de la música siempre hay discazos que no pueden ser reconocidos por más que los ames. U.F.Orb es uno de esos y es, además en mi opinión, el mejor disco de la electrónica jamás hecho solamente por detrás de Untrue de Burial.

The Orb es una banda inglesa nacida de las ramas de The KLF otro grupo de electrónica que tenía como género de música innovador llamado Chill Out, pero luego esta banda se disolvió en 1991. En ese mismo año, dos de los miembros de The KLF formarían The Orb y sacarían un album en ese mismo año. Vaya, que rápido, es The Orb Adventures Beyond The Ultraworld, un disco doble de los más indispensables del género para ese entonces.

U.F.Orb se lanzó un año después, en 1992. El mismo sigue la rama de la música de su antecesor pero solo tiene un CD. Con 6 temas y un outro es un aporte excepcional para una banda electrónica. No hay nada mejor que estar en un día de lluvia escuchando este magnífico álbum, una obra maestra.

La producción es magnífica, con canciones llenas de sampleados de películas o declaraciones. El ambiente es… lúcido, espectacular, atrapante, relajante y un montón de cosas más. U.F.Orb supera con creces a su predecesor en variedad sin ser demasiadamente experimental en comparación.

Desde la primera canción, “O.o.b.e”, el álbum te atrapa inmensamente con ese simple sonido espacial que te mete en un ambiente nostálgico y emotivo. Es la canción más experimental del disco y está llena de ambiente claustrofóbico ademas de carecer de sonidos repetitivos.

La pista homónima, “U.F.Orb”, tiene una intro de 2 minutos para luego arrancar con un ambiente bailable y de dance. Es la más floja del disco.

“Blue Room” es la más larga del álbum, dura 17 minutos (40 minutos en el single como uno de los temas más largos de la Electrónica). Tiene una profunda intro experimental de 9 minutos para luego arrancar con dub «acuático» y terminar con el mismo ambiente de la intro. Creería que es la más ambiental del grupo británico.

“Towers Of Dub” es la mejor canción del disco en mi caso, una pista que comienza con intro de una conversación, luego un ladrido de un perro, para dar paso a los 1:30 minutos al dub principal durante el resto de la canción mientras pasamos un sin fin de samples y otras melodías. 15 minutos de experimentación nunca mejor lograda. Qué más puedo decir.

“Close Encounters” es el track mas bailable del disco, cambia de ritmo de a ratitos al poseer un sin fin de melodías y otros sonidos electrónicos. Esta pista es la evolución de la electrónica, nunca mejor producida.

Finalmente llega “Majestic”, que viene ser como la secuela de “Close Encounters”. Es lo mismo solamente que tiene muchísima mas experimentación y es más ambiental.

“Sticky End” es el outro del álbum y no hay nada que explayar porque solamente se escucha como oscuridad.

No me quedan más palabras para describir este disco. Es una de las obras maestras perdidas de los noventa. A algunos seguidores de música experimental de la página y si les gusta la electrónica también, no duden en descargarse este álbum. Muy recomendable.

Toto

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