R.E.M. – Automatic for the People (1992)

REM-Automatic-for-the-people

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Drive: 9
  2. Try Not to Breathe: 9
  3. The Sidewinder Sleeps Tonite: 9
  4. Everybody Hurts: 10
  5. New Orleans Instrumental No1: 7,5
  6. Sweetness Fallows: 8
  7. Monty Got a Raw Deal: 8
  8. Ignoreland: 7,5
  9. Star Me Kitten: 8
  10. Man On The Moon: 10
  11. Nightswimming: 9,5
  12. Find The River: 8,5

Es el principio de los 90, el grunge era el fenómeno de masas que imperaba en escena mundial, grupos como Nirvana  y Pearl Jam gozaban de un éxito arrollador, con temáticas de sus canciones basadas en el nihilismo y el dolor  de una generación de jóvenes que se  sentían totalmente  desarraigada de su realidad y entorno, no  solo en los Estados Unidos sino en gran parte del mundo. En este contexto, R.E.M. uno de los grupos  de  Rock Alternativo más regulares de los 80, eran objeto de admiración por los lideres de este nuevo movimiento imperante, especialmente de Nirvana. Que veían en ellos un ejemplo de integridad más allá de tener éxito comercial  o no. Es por eso  que con el lanzamiento del single “Losing my Religion” del  álbum Out Of Time de 1991, la banda liderada por Michael Stipe saltó a la fama, cosechando múltiples premios por dicha canción y  video promocional, convirtiendo  a R.E.M. en uno de los grupos más conocidos y requeridos por la industria y los fans. Lo que al igual que sus compañeros  de Seattle los estaba  atosigando por las exigencias de ser ricos y famosos. Con la situación ya dada, tienes dos opciones: seguir lo que te demandan tus jefes; o hacer lo que realmente sientes. En este caso fue la segunda.

El disco comienza con toda una declaración de intenciones, como es “Drive” a base de un sonido lento y sombrío al ritmo del arpegio repetitivo e hipnótico de la guitarra acústica  de Peter Buck, la canción  deambulo por la confusión (por su letra) y oscuridad. Gran comienzo. Luego vendrán dos canciones con sonidos un poco más optimistas, uno es  “Try Not To Breath” que recuerda más a los R.E.M. del disco anterior, solo en el sonido porque la letra trata sobre un tipo que está a punto de suicidarse con frases como: “Voy a tratar de no respirar. Esta decisión es mía. Viví una vida entera. Y estos son los ojos que quiero que recuerdes”. El optimismo fue una errónea impresión de la canción. La siguiente es la pegajosa “The Sidewinter Sleeps Tonite” que vendría a ser el único sol en este día nublado. “Everybody Hurts” puede ser probablemente una de las mejores creaciones de R.E.M de su carrera, desde su simple pero a la vez perfecta letra, que nos habla de superar los momentos difíciles de la vida y del daño que recibimos y realizamos a otros. Cualquier persona se puede identificar con esto, y con un estribillo tan bueno que piensas que ya lo has oído antes. Excepcional.

El álbum mantiene el tono sombrío a lo largo de toda la placa, exceptuando únicamente la canción “Ignoreland” que es la única que siento que no encaja en el concepto general del disco. Para el final queda un trió  de temas que se convirtieron en clásicos de la banda, como “Man On The Moon”, inspirada en el comediante Andy Kaufman, con una hermosa melodía que recuerda a Elvis Presley, con arropan tés y lindas guitarras que hacen el tema uno de los mejores de la placa. Luego viene “Nightswimming”  un canción basada en un simple melodía de piano con bellos arreglos de cuerdas, que relata un viaje a la infancia y raíces del grupo.  Para finalizar otra bella y nostálgica  canción llamada “Find The River”.

Automatic For The People  es la cúspide en la carrera de R.E.M. Es la mayor colección de clásicos de la banda, mostrando una banda madura que no necesitaban adaptarse a la moda actual, sino que recorrían su propio camino. Algunos pueden tildar que es monótono, que solo toca el tema de la tristeza. Eso no es verdad. También habla de desolación, dolor, depresión, sufrimiento  y cosas peores.

Diego

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Paul McCartney – McCartney (1970)

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Puntaje del Disco: 8

  1. The Lovely Linda:
  2. That Would Be Something: 8
  3. Valentine Day: 7
  4. Every Night: 8,5
  5. Hot As Sun/Glasses: 8
  6. Junk: 9
  7. Man We Was Lonely: 7,5
  8. Oo You: 8
  9. Momma Miss America: 8
  10. Teddy Boy: 8,5
  11. Singalong Junk: 8,5
  12. Maybe I’m Amazed: 9,5
  13. Kreen-Akrore: 7

Después de anunciar la separación de The Beatles, Paul McCartney publicó una semana despues su primer álbum solista, titulado simplemente “McCartney”.

Es un álbum hecho enteramente por Paul, desde la producción, voces y ejecución de cada instrumento presente en la grabación, acompañado por Linda en algunas canciones.

No es demasiado variado en cuanto a su sonido, pero la canción que resalta por sonar diferente a las otras es “Maybe I’m Amazed” una balada con el sello de McCartney, siendo este su primer hit, no fue lanzado como single en su tiempo pero es una de las canciones mas conocidas de su discografía.

Cuando digo que no es tan variado en cuanto a su sonido me refiero a que la mayoría de las canciones son acústicas, bastante simples y de corta duración, y la canción acustica que se destaca es “Junk” que había escrito previamente en 1968, en época del “Album Blanco”, pero no fue incluida en el mismo. Terminó en este disco, y es una versión bastante buena, con un sonido intimista y bastante agradable.

Otras canciones buenas son “Teddy Boy” y “Every Night”, la primera grabada durante las sesiones de “Let It Be”, pero finalmente descartada y regrabada para este disco y la otra es un agradable numero acustico, que resulta bastante pegadizo. También contamos con la versión instrumental de “Junk” titulada “Singalong Junk”, que dura más que la versión original y tiene algunos instrumentos más, podría parecer innecesario tener el mismo tema dos veces en el mismo álbum, pero es una versión bastante buena.

Contamos también con la corta “The Lovely Linda” y la instrumental “Kreen-Akrore”, canciones que, a decir verdad, no habrían afectado la calidad del álbum si no hubieran sido incluidas, bastante innecesarias sin ir más lejos.

Para terminar, resulta un trabajo agradable a los oídos este debut de Paul McCartney en solitario, pero habría cosas mucho más importantes al año siguiente, que resultó muy importante con el lanzamiento de su primer gran disco, Ram y la formación de Wings.

Tommy

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Juana Molina – Son (2006)

Juana Molina - Son (2006)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Río Seco: 8,5
  2. Yo No: 8
  3. La Verdad: 8
  4. Un Beso Llega: 8
  5. No Seas Antipática: 7,5
  6. Micael: 9
  7. Son: 8,5
  8. Las Culpas: 7,5
  9. Malherido: 8
  10. Desordenado: 8
  11. Elena: 8,5
  12. Hay Que Ver Si Voy: 8,5

Ya siendo una estrella dentro de la escena global alternativa, que elogió de sobremanera sus anteriores trabajos, la argentina Juana Molina edita su cuarto disco solista en 2006: Son. En la portada se puede ver una foto de ella convertida en una muñeca con un efecto de mitad fotografía y texturas acompañada en fondo con dos nenas a caballo sobre telas y texturas. Figuran dos niñas en la portada ya que el álbum fue integramente dedicado a su hermana Inés Molinda.

En Son seguimos encontrando una Juana introspectiva y experimental pero con un sonido más maduro y un retorno al formato de canción melódica folk y pop. Sonando por momentos convencional y directa, aunque también nos encontramos con pasajes atmosféricos y electrónicos. Es un disco donde encontramos varias caras de lo que Molina nos puede ofrecer.

Sobre como intentan etiquetar y describir su música Juana declaraba lo siguiente en una entrevista en su país natal: “Es gratificante el reconocimiento, pero no entiendo mucho lo que quieren decir con blop, blitch… Al principio buscaba en el diccionario, después elegí entender la idea general de la crítica y a veces ni las leo. Sí es verdad que las francesas son mejores críticas, quizás porque ellos tienen una educación en literatura mucho más amplia y por eso describen mejor y no necesitan comparar. Porque la comparación aleja y al que lo acerca lo puede decepcionar. No se puede comparar la música con la de otras personas, a menos que estés en un estilo definido: folclore con guitarras y bombo.” Y agregaba: “Cuando recién empecé era muy notable que no sabían dónde ponerme. En las disquerías estaba en rock, en avant-garde, en electrónica, en folk, en montones de rubros porque todos reconocían algo de varias otras cosas.”

El cantar en español no fue una barrera para que Juana pudiera ser reconocida en tantos lugares del mundo y curiosamente su música fue más valorada en paises europeos que en latinoamérica. Sobre esto diría: “No puedo cantar en inglés. Perdería autenticidad en el acto mismo de hacerlo. Tengo una canción en inglés, pero es un chiste porque la letra está llena de errores gramaticales. Vivía en Estados Unidos cuando la hice, entonces tiene un sentido. Podía cantarla allá pero me imagino cantando en inglés y de golpe tengo que tocar en Buenos Aires, ¿de qué me disfrazo? ¡No puedo! quizás tengo que sacarme ese prejuicio.”

F.V.

 

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Mother Love Bone – Apple (1990)

Mother Love Bone - Apple (1990)

Puntaje del Disco: 9

  1. This Is Shangrila: 8
  2. Stardog Champion: 9,5
  3. Holy Roller: 9
  4. Bone China: 8
  5. Come Bite the Apple: 8,5
  6. Stargazer: 9
  7. Heartshine: 8
  8. Captain Hi-Top: 8
  9. Man of Golden Words: 8,5
  10. Capricorn Sister: 9
  11. Gentle Groove: 8,5
  12. Mr. Danny Boy: 7,5
  13. Crown of Thorns: 9

Antes de Pearl Jam existió Mother Love Bone. Los futuros miembros fundacionales de Pearl Jam el guitarrista Stone Gossard y el bajista Jeff Ament fundaron a finales de los ochenta un grupo que prometía mucho pero tragicamente duraría poco por la temprana muerte de su carismático y extravagante cantante Andrew Wood.

En un punto medio entre el glam de los ochenta y la explosión alternativa de los noventa Mother Love Bone tenía de todo para triunfar. Cosas de glam, grunge, hard rock y heavy metal se pueden escuchar en su primer y único LP, Apple (1990), un sólido debut con intensos y melódicos temas pesados como “Stardog Champion”, “Capricorn Sister” y “Holy Roller”, que junto a las baladas “Man of Golden Words” y “Crown of Thorns” forman parte de los momentos más inspirados de la novata banda de Seattle.

Parrafo aparte merece Andy Wood. Un frontman completamente distinto al prototipo de las bandas grunge. Su apariencia y voz se asemajaban más a otro tipo de líderes de banda como Freddie Mercury y Marc Bolan. Andy estaba predestinado a ser una estrella del rock, lo fue por poco tiempo pero sus adicciones a la heroína pudieron más. El 16 de Marzo de 1990 fue encontrado inconciente en su cama y a pesar de los esfuerzos de recomponerlo fue declarado muerto tres días después. Curiosamente no pudo ver las repercusiones del disco debut de su banda que se editaría unos meses después.

Mother Love Bone tenía gran potencial y tristemente nunca sabremos lo que hubiera ocurrido con ellos. El resto es historia Gossard y Ament formaron parte de una de las bandas más importantes de los noventa y una de las más importantes de la actualidad como Pearl Jam.

F.V.

 

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Saint Seiya: Legend of Sanctuary

Saint Seiya Legend of Sanctuary

Puntaje de la Película: star-rating m

  • Año: 2014
  • Género: Animada, Aventura, Fantasía
  • Director: Kei’ichi Sato

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The Allman Brothers Band – Win, Lose or Draw (1975)

The Allman Brothers Band - Win, Lose or Draw (1975)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Can’t Lose What You Never Had: 6
  2. Just Another Love Song: 6
  3. Nevertheless: 5
  4. Win, Lose or Draw: 6,5
  5. Louisiana Lou and Three Card Monty John: 5
  6. High Falls: 5,5
  7. Sweet Mama: 5,5

Tras el lanzamiento de Brothers and Sisters que tuvo bastante éxito, la banda se iría de gira y luego Gregg Allman lanzaría su disco como solista al igual que el guitarrista Dickey Betts. Esto generaría ciertas especulaciones sobre el futuro del grupo, hasta que finalmente aparecería el quinto disco de estudio de los Allman Brothers, Win, Lose or Draw, un trabajo tan angustiosamente genérico y vacío que traería numerosas críticas negativas.

El contenido de Win, Lose or Draw es pobre. Los Allman no ofrecen nada rescatable ni relevante para que pueda quedar en el recuerdo del oyente. Es el típico álbum de una banda que hace blues rock (y en este caso también rock sureño) corriente sin mucha inspiración. Aún así no esperen escuchar temas que suenen mal. La ejecución instrumental es decente, pero el nivel compositivo es escueto en comparación que lo que venían produciendo.

No hay mucho para destacar. El cover de Muddy Waters “Can’t Lose What You Never Had” es decente por los solos de Betts. Dickey también intenta remarla en “High Falls”, sin embargo, termina siendo uno de los Jams instrumentales más intrascendentes que escuché de ellos. Por último está la balada “Win, Lose or Draw” que titula al disco, que no suena nada mal, aunque lejos está de alcanzar lo mejor del repertorio de este grupo. Y lo que queda de este trabajo es un reflejo del pálido material que ofrecieron en esta oportunidad.

Persy

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Los Caballeros del Zodiaco: La Batalla de las Doce Casas

Caballeros del zodiaco 12 casas

Puntaje de la Temporada: star-rating 5

  • Título Original: Saint Seiya
  • Saga: Santuario – Parte 3
  • Género: Animación, Aventura, Fantasía
  • Creador: Masami Kurumada

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Marillion – Clutching at Straws (1987)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Hotel Hobbies: 8
  2. Warm Wet Circles: 9
  3. That Time of the Night (The Short Straw): 9
  4. Going Under: 8
  5. Just for the Record: 8.5
  6. White Russian: 8
  7. Incommunicado: 9
  8. Torch Song: 8
  9. Slàinte Mhath: 8.5
  10. Sugar Mice: 8
  11. The Last Straw: 8
  12. Happy Ending: 8

Clutching at Straws, el cuarto disco de Marillion continuó con los lineamientos de su material anterior, Misplaced Childhood, que tanto éxito y reconocimiento le había dado al grupo.

En esta oportunidad el tema del disco ronda en la vida de Torch, un joven con una vida bastante desordenada que no logra hacer pie ni en lo laboral ni en el plano familiar, ahogando sus penas en el alcohol.

“Warm Wet Circles” y “That Time of the Night (The Short Straw) arranca de la mejor forma con este magnífico disco que mantiene una solidez de entrada hasta el fin. Con buenos arreglos, letras profundas y delicados toques de la mejor versión del grupo, hacen de éste uno de los materiales más recomendables de Marillion.

Piro

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Los Caballeros del Zodiaco: Caballeros de Plata

Caballeros del zodiaco plata

Puntaje de la Temporada: star-rating 4

  • Título Original: Saint Seiya
  • Saga: Santuario – Parte 2
  • Género: Animación, Aventura, Fantasía
  • Creador: Masami Kurumada

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Los Caballeros del Zodiaco: Torneo Galáctico – Caballeros Negros

Caballeros del zodiaco torneo galactico

Puntaje de la Temporada: star-rating 3m

  • Título Original: Saint Seiya
  • Saga: Santuario – Parte 1
  • Género: Animación, Aventura, Fantasía
  • Creador: Masami Kurumada

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Muse – Absolution (2003)

Muse - Absolution (2003)

Puntaje del Disco: 10

  1. Intro:
  2. Apocalypse Please: 9
  3. Time is Running Out: 9,5
  4. Sing for Absolution: 8,5
  5. Stockholm Syndrome: 10
  6. Falling Away With You: 7,5
  7. Interlude:
  8. Hysteria: 10
  9. Blackout: 8
  10. Butterflies & Hurricanes: 8,5
  11. The Small Print: 9,5
  12. Endessly: 8
  13. Thoughts of a Dying Atheist: 8
  14. Ruled by Secrecy: 9

Muchos consideran que ponerle un 10 a este disco parece un poco absurdo. Lo lamento chicos, pero he tratado de ser negativo con este disco y la banda, y aun no he podido. Hace 1 semana que la vengo escuchando y ha influido musicalmente muchísimo mi autoestima. Absolution de Muse, es de los mejores discos del siglo.

Absolution vendría a ser el tercer trabajo de Muse, lanzado en 2003, 2 años después de la salida del espectacular Origin of Symmetry, con el cual los llevaron al éxito. Este disco, pese a haber recibido no tan buenas criticas especializadas, fue enormemente aclamado por el publico, además de ser considerado hasta el mejor disco de la banda.

Si hubo algo que me encanto el día que conocí esta banda, es que vendrían a ser como los hermanos de Radiohead, pero estos en su versión mas metalera, espacial, épica y directa.

Por eso, Absolution triunfa en todos los sentidos, es un disco en donde el rock sinfónico y progresivo se casan, las orquestas son invitados especiales, y de vez en cuando, porque no poner un poco de rock pesado?. El LP es plasmante desde la intensa “Apocalypse Please” y la clásica “Time Is Running Out”, pasando por la pesada, épica, desesperante y atrapante “Stockholm Syndrome” (de las mejores canciones de la banda)  también por la importantísima “Hysteria” (que convirtió a Christopher Wolstenholme como el mejor bajista del siglo, hasta incluso de la propia historia del rock), la agresiva y melódica “The Small Print” hasta la lenta, misteriosa y sinfónica “Ruled By Secrecy”.

Con este disco, Muse abrieron paso la experimentación, al igual como hicieron con su siguiente álbum, Black Holes and Revelations, demostraron toda su rabia agresiva y la combinaron perfectamente con elementos sinfónicos y melódicos. Este disco y Origin of Symmetry, terminaron convirtiendo el trío de Bellamy, Wolstenholme y Howard en uno de los mejores de la nueva generación del rock.

Toto

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The Stooges – The Weirdness (2007)

The Stooges - The Weirdness (2007)

Puntaje del Disco: 6

  1. Trollin’: 7
  2. You Can’t Have Friends: 7,5
  3. ATM: 6
  4. My Idea of Fun: 6,5
  5. The Weirdness: 6,5
  6. Free & Freaky: 6
  7. Greedy Awful People: 6
  8. She Took My Money: 6
  9. The End of Christianity: 5
  10. Mexican Guy: 7,5
  11. Passing Cloud: 6
  12. I’m Fried: 6

¿Por qué Iggy? ¿Por qué se te ocurrió revivir a una banda que influenció tanto a distintas generaciones y había editado tres discos soberbios e inigualables? Cada uno con su particularidad pero en los tres en su conjunto podemos encontrar cosas que escuchamos en cualquier tipo de música moderna de hoy por hoy en una disquería. No les faltaba nada como banda de rock para ofrecernos en su carrera, sin embargo treinta y cuatro años después de la edición de Raw Power, The Stooges volvería con The Weridness (2007).

Junto a Iggy Pop formarían esta versión de The Stooges otros miembros fundadores como Ron Asheton (guitarra) y Scott Asheton (batería) junto a nuevos integrantes como Mike Watt (bajo) y Steve Mackay (saxofón), aunque este último ya había participado de Fun House (1970).

Un par de cosas estaban claras con este regreso. The Stooges no iban a sonar con la energía y la crudeza que en sus comienzos, simplemente porque pasaron los años y no son los mismos que eran de jóvenes y aunque la banda haya sido grandiosa y legendaria, el no haber tocado juntos por décadas nada indica que al juntarse salga todo perfecto como más de treinta años atrás. Dicho y hecho, The Weridness no tiene nada de especial, solamente lo que significa la reunión y algunos temas más logrados que otros pero ninguna composición inspirada, inclusive con letras patéticas y menos elaboradas que las que nos ofrecía el Iggy de veintipico, como por ejemplo este extracto de “Trollin’”: “My dick is turning into a tree”, no queda mucho más por agregar.

En general la idea de un nuevo disco para una banda de culto de la talla de The Stooges ya es criticable de por si, pero más aún lo es al ver el resultado final vacio totalmente de inspiración, fuera de eje algo totalmente innecesario. A pesar de que en algunos pasajes suene bien y los solos de Ron te despierten alguna sonrisa se encuentra años luz de lo que fueron Iggy Pop & The Stooges en los años setenta.

F.V.

 

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Kevin Johansen – City Zen (2005)

Kevin Johansen - City Zen (2005)

Puntaje del Disco: 8

  1. City Zen:
  2. All I Wanna Do Is You8
  3. Desde que te Perdí: 8,5
  4. Atahualpa, You Funky!: 7,5
  5. El Palomo: 8
  6. I Don’t Know: 8,5
  7. Oops: 8
  8. No Voy A Ser Yo: 8,5
  9. La Falla de San Andrés: 7
  10. The Gem In I: 7,5
  11. Volutas de Humo:
  12. Buenos Aires Anti-Social Club : 6,5
  13. El Incomprendido: 7,5
  14. Push Your Luck: 7
  15. Milonga Subtropical: 8
  16. Tom Zen: 7,5
  17. Twist Del Rezo: 7
  18. Tema del Zurdo:
  19. Everything Is (Falling Into Place): 8

Kevin Johansen grabó su tercer disco City Zen, tres años después del suceso de su antecesor Sur o No Sur, según sus propias palabras lo bautizó de ese modo ya que se trata de: “A guantar la vorágine de la ciudad donde la música siempre está presente, como el Zen que te ayuda a relajarte dentro de la locura diaria.” E ingenioso como siempre amplia la idea contando una experiencia propia: “No hace mucho me encontraba descansando cuando el sonido de una sierra eléctrica combinado con el silbido de algunos pajarillos me obligaron a balbucear la frase “es una guerra entre le ruido y nada… y me dije: eso es City Zen, título que había estando dando vueltas en mi cabeza por unos cuantos años.”

Este nuevo álbum del cantautor oriundo de Alaska se compone por diecinueve temas, que a decir verdad a pesar de ser un número importante se pasan bastante rápido y en lineas generales se encuentran un paso adelante a sus anteriores obras, se lucen bastante los temas en ingles como “All I Wanna Do Is You” y “I Don’t Know” junto a otros simpáticos pasajes como “Desde que te Perdí”, “Atahualpa, You Funky!”, “El Palomo”.

Otro punto a favor de City Zen es la calidad de los invitados que acompañaron a Kevin en distintos temas como Vicentico en “Oops”, Jorge Drexler en “No Voy A Ser Yo”, León Gieco en “Milonga Subtropical” y el “Negro” Rada en “Twist Del Rezo”.

Kevin Johansen nos ofrece un aire fresco en la música actual. Musicalmente se basa en distintos ritmos que logran una identidad reconocible en su sonido y sus letras divertidas y lúdicas forman parte del combo tan particular que nos ofrece.

F.V.

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Relatos Salvajes

Relatos Salvajes

Puntaje de la Película: star-rating 4

  • Año: 2014
  • Género: Drama, Comedia
  • Director: Damián Szifrón
  • Reparto: Ricardo Darín, Oscar Martínez, Leonardo Sbaraglia, Érica Rivas, Rita Cortese, Julieta Zylberberg, Darío Grandinetti

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The Black Crowes – Three Snakes and One Charm (1996)

The Black Crowes - Three Snakes and One Charm (1996)

 Puntaje del Disco: 7,5

  1. Under a Mountain: 7,5
  2. Good Friday: 8,5
  3. Nebakanezer: 9
  4. One Mirror Too Many: 7
  5. Blackberry: 7,5
  6. Girl from a Pawnshop: 8
  7. (Only) Halfway to Everywhere: 7,5
  8. Bring On, Bring On: 7
  9. How Much for Your Wings?: 7,5
  10. Let Me Share the Ride: 7,5
  11. Better When You’re Not Alone: 8
  12. Evil Eye: 7,5

Three Snakes and One Charm, cuarto álbum de estudio de The Black Crowes, se editó en 1996 y si bien no formará parte de la galería de los grandes trabajos de su carrera hay que decir que sigue siendo una muy buena colección de canciones roqueras que pocas bandas como los “cuervos” nos pueden ofrecer.

Para mediados de la década del noventa ya se puede afirmar que los Black Crowes cuentan con un sonido absolutamente reconocible y en Three Snakes and One Charm siguen esa linea de blues, rock sureño y toques de psicodelia, en este caso estamos ante un material directo hasta monótono y repetitivos en algunos momentos. De todas formas podemos rescatar algunas piezas realmente efectivas como el sabiamente elegido como single “Good Friday”, las guitarras adictivas en “Nebakanezer” y un par de temas más disfrutables como “Better when you’re Alone” y “Girl from a Pawnshop”.

Es probable que cierta merma en la calidad de sus composiciones se debió a que pasaban por ese entonces por un período de crisis muy fuerte dentro de la banda y las relaciones personales entre sus miembros se encontraban realmente deterioradas. Lo cierto es que significó su primer bajón importante de ventas y fue muy poco valorado en su momento, algo que comenzó a revertirse con los años recibiendo el reconocimiento de sus fanáticos como suele pasar en muchos casos pasados los años.

Por talento y su valía como músicos uno espera más de un disco de los Black Crowes pero si en su momento lo hicieron a un lado por sus críticas negativas háganse un tiempo y escuchen aunque sea los mejores momentos de una de las bandas que supo interpretar como pocas al glorioso rock de los setentas.

F.V.

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