Elvis Presley – Loving You (1957)

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Puntaje del Disco: 7.5

  1. Mean Woman Blues: 8
  2. (Let Me Be Your) Teddy Bear: 8
  3. Loving You: 8
  4. Got A Lot O’ Livin’ To Do: 7
  5. Lonesome Cowboy: 7
  6. Hot Dog: 7
  7. Party: 7.5
  8. Blueberry Hill: 7
  9. True Love: 7.5
  10. Don’t Leave Me Now: 7
  11. Have I Told You Lately That I Love You?: 7.5
  12. I Need You So: 7

A menos de un año del lanzamiento de su disco debut, en 1957 Elvis Presley editó Loving You, su tercer material de estudio. Por entonces, ya considerada como El Rey, Elvis lucía su figura en conciertos y también en la pantalla grande. Incluso varios de los temas que componen este álbum formarían parte del film Jailhouse Rock.

El disco arranca con “Mean Woman Blues”, de estilo similar a “Blue Suede Shoes” y continúa con “(Let Me Be Your) Teddy Bear” que alcanzó la cima de los rankings. Luego el tema que da nombre al trabajo, pone en escena todo el romanticismo de Elvis y “Got A Lot O´Livin’ To Do” retoma su lado rockero.

El resto del álbum alterna entre temas movidos y otros más tranquilos, como “True Love” y “Don’t Leave Me Now”, una combinación ideal para enamorar pero no para la melancolía.

Su simple nombre implica calidad y este material no fue la excepción, aunque sin el impacto de los discos anteriores, Loving You es un gran disco para apreciar los primeros años de Elvis.

Piro

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Prietto viaja al Cosmos con Mariano – Prietto viaja al Cosmos con Mariano (2007)

Prietto viaja al Cosmos con Mariano - Prietto viaja al Cosmos con Mariano (2007)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Av. Corrientes: 7
  2. Chispas:
  3. Cruzando el Parque: 8
  4. La Carretera de los Incendios: 8,5
  5. El Ojo de El: 8
  6. Tobogán: 7,5
  7. Final: 7
  8. Verano Fatal: 8

Si buscamos en su (auto) biografía podemos ver que se describen como dos personas que tocan los que les pinta. Por un lado Mariano en batería y voz y por el otro Prietto en guitarra y voz.

Este fue uno de los primero trabajos del dúo de Buenos Aires, un EP simpático, medio fumado, con melodías que están bastante bien y una interpretación vocal que se parece a la del mismisimo Pity (así que no esperen mucho desde la vocalización).

De todas formas, estas canciones nos dan un breve panorama del singular estilo de estos dos personajes, que componen temas volados pero agradables tal es el caso de “Cruzando el Parque”, “La Carretera de los Incendios” (que incluye un fragmento homenaje a “As Tears Go By” de los Stones) y la sombría “El Ojo de Él”, combinando letras tanto en español como en inglés.

Es un buen EP que pueden escuchar desde AQUÍ. Y si esto te pareció poco, años más tarde lanzarían un álbum doble, que fue de lo más destacado del 2011 a nivel nacional.

Persy

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Avances: X-Men: Days of Future Past

Primer avance de lo nuevo de X-Men, que reunirá el elenco de todas las películas que se lanzaron hasta ahora de la franquicia incluyendo Origins, mechando situaciones del pasado con el futuro.

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TV on the Radio – Return to Cookie Mountain (2006)

TV on the Radio - Return to Cookie Mountain (2006)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. I Was a Lover: 8,5
  2. Hours: 8,5
  3. Province: 8,5
  4. Playhouses: 9
  5. Wolf Like Me: 8,5
  6. A Method: 8,5
  7. Let the Devil In: 8
  8. Dirtywhirl: 8,5
  9. Blues from Down Here: 6,5
  10. Tonight: 7
  11. Wash the Day: 8,5

Return to Cookie Mountain es el segundo trabajo discográfico de la banda de neoyorquina TV on the Radio. En este segundo paso el grupo comenzaría a consolidar su rock experimental, componiendo canciones que si bien son diversas, muchas tienen la particularidad de que conforman atmósferas algo cargadas o sucias, apelando al noise rock sin molestar al oyente.

También se destaca esa combinación tan particular en su interpretación vocal de Tunde Adebimpe con el resto de sus compañeros. Incluso contaron con la colaboración de David Bowie en el disco, quien puso su voz de fondo en “Providence”. Aunque sinceramente cuesta darse cuenta de su presencia.

Desde esta premisa, Return to Cookie Mountain es un álbum muy sólido. Tanto es así que fui muy original con los puntajes de las canciones: la mayoría 8,5. ¿Por qué? Son realmente muy buenos temas, pero ninguno llega a ser un clásico o realmente memorable.

De todas formas desde mi punto de vista destaco la primera parte del álbum con esa seguidilla conformada por “I Was a Lover”, la oscura “Hours”, la disonante y rockera “Playhouses” y el funk más sombrío “Wolf Like Me”.

La segunda parte tampoco está mal con “A Method”, “Dirtywhirl” y “Wash the Day”. Es un muy buen álbum en general, superior a su predecesor Desperate Youth aunque no logre alcanzar el pico compositivo que lograrían en Dear Science.

Persy

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Beach House – Beach House (2006)

Beach House - Beach House (2006)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Saltwater: 7,5
  2. Tokyo Witch: 7
  3. Apple Orchard: 8                  
  4. Master of None: 7,5
  5. Auburn and Ivory: 7,5          
  6. Childhood:
  7. Lovelier Girl: 7,5
  8. House on the Hill: 6,5
  9. Heart and Lungs: 7

Los inicios de Beach House datan al año 2004, tras darse a conocer en la escena Indie, recibieron el apoyo de la compañía de música independiente Carpak Records así como de Pitchfork, conocida publicación de internet dedicada a buscar nueva música. Así dos años después de estar trabajando juntos, llegaría el debut del dúo de Baltimore. Su estilo simple y delicado, sus cautivantes atmosferas de Dream Pop y la arrulladora voz de la vocalista Victoria Legrand llamaron la atención de inmediato y Beach House se convirtió en una de las revelaciones del 2006.

En su homónimo disco debut, nos encontramos con el ambiente de un sueño relajante, muy resonante a pasar de su minimalismo. Los temas son muy homogéneos (una característica que se ha convertido en una marca del grupo), de modo que no hay bajones abruptos o cimas demasiado altas, es música suavizada. Esto puede ser bueno para quien aprecia trabajos equilibrados, pero malo en el sentido de que podría no trascender o hasta aburrir a más de uno.

Debido a lo plano que es el disco, resulta un poco difícil catalogar las canciones, siendo este un trabajo que se puede considerar mas como un “todo” que como canciones distintas (recalco, el disco es como un sueño), aun así me inclino a recomendar el primer sencillo de la banda “Apple Orchard” por su hermosa y triste atmosfera centrada en los slides de Scally, así como “Childhood”, canción muy emocional y con la mejor interpretación vocal del disco.

Con el paso de los años Beach House ha ido en alza, mejorando su sonido para alcanzar mayor dinamismo y con Victoria siempre buscando utilizar su voz para lograr mayor impacto en sus oyentes. Tal esfuerzo ha valido la pena llegando a colocar a Beach House como una de las agrupaciones más relevantes y competitivas de los últimos años.

Gera Ramos

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Kick Ass 2

Kick Ass 2

Puntaje de la Película: star-rating 3m

  • Año: 2013
  • Género: Comedia, Acción
  • Director: Jeff Wadlow
  • Reparto: Aaron Taylor-Johnson, Chloë Grace Moretz, Christopher Mintz-Plasse, Jim Carrey, John Leguizamo, Morris Chestnut

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The Teardrop Explodes – Everybody Wants To Shag… The Teardrop Explodes (1990)

The Teardrop Explodes - Everybody Wants To Shag... The Teardrop Explodes (1990)

Puntaje del Disco: 7

  1. Ouch Monkeys: 7,5
  2. Serious Danger: 7
  3. Metranil Vavin: 7
  4. Count To Ten And Run For Cover: 6
  5. In-Psychlopaedia: 7
  6. Soft Enough For You: 7
  7.  You Disappear From View: 8
  8. The Challenger: 6
  9. Not My Only Friend: 7
  10. Sex (Pussyface): 7
  11. Terrorist: 7
  12. Strange House In The Snow: 8,5

Según palabras de su propio líder, Julian Cope, The Teardrop Explodes no estaban destinados a durar y así fue como las rencillas internas terminaron en la partida de Cope para comenzar una promisoria carrera solista luego de apenas su segundo trabajo.

La carrera de Julian comenzó de la mejor manera con World Shut Your Mouth (1984) con buenas ventas en Gran Bretaña y nada hacia presumir que tendríamos nuevas noticias de la banda, hasta que sorpresivamente en Abril de 1990 su sello Mercury Records lanzó al mercado Everybody Wants to Shag… The Teardrop Explodes compuesto por material que había sido descartado de anteriores discos y de singles que habían llegado a grabar para lo que iba a ser su tercer material antes de conocerse su disolución.

Durante las sesiones de grabación de lo que iba a ser su tercer álbum las diferencias entre Cope y David Balfe eran cada vez mayores. Balfe tomo control total de estas grabaciones y por ende se podría decir que Everybody Wants to Shag… The Teardrop Explodes es prácticamente un álbum diseñado con el y con no tanto predominio de Cope. Entre los mejores momentos me quedo con “Ouch Monkeys”, “You Disappear From View” y “Strange House In The Snow”, en un disco mucho más débil que sus discos oficiales pero que tampoco esta tan mal.

Cuando Cope escucho el resultado final del disco reconoció que no era tan malo: “No era la basura que parecía en septiembre de 1982”. Pero en ningún momento ante los rumores de vuelta de la banda pensó en reformarla y disfruta de una extensa y brillante carrera solista que continúa aún hoy sin demasiada repercusión como en los ochenta y noventa.

F.V.

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Cafe Tacvba – El Objeto Antes Llamado Disco (2012)

Cafe Tacvba - El Objeto Antes Llamado Disco (2012)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Pájaros: 7
  2. Andamios: 8
  3. De Este Lado del Camino: 8
  4. Espuma: 6
  5. Olita del Altamar: 7,5
  6. Aprovéchate: 7,5
  7. Zopilotes: 8,5
  8. Yo Busco: 7,5
  9. Tan Mal: 7,5
  10. Volcán: 7

Cafe Tacvba se convirtió en los últimos años en la banda más importante de Latinoamérica confirmándolo disco tras disco, por ello cada lanzamiento por venir es tomado con atención de norte a sur del nuevo continente. Hecho que ocurrió con El Objeto Antes Llamado Disco (2012) su más reciente lanzamiento luego de cinco años de ausencia.

Producido por el argentino Gustavo Santaolalla (quien a esta altura ya podría ser considerado su quinto miembro) el álbum fue grabado en cuatro sesiones en distintas sedes: Santiago de Chile, Buenos Aires, Los Ángeles y Ciudad de México.

Sobre esta última decisión su guitarrista Joselo Rangel explicó los motivos en una entrevista reciente: “Surgió todo de manera muy natural, así como el nombre del álbum salió casi en broma. De la misma manera, el asunto de grabarlo con público salió de manera natural. No nos juntamos en ningún estudio ni nada. Nos juntamos en mi casa – donde vivo con mi familia – y tengo un lugar donde empezamos a trabajar en las canciones. Cuando ya teníamos varias canciones – estábamos decidiendo a qué estudio irnos para grabar -, Rubén llegó con la idea de hacerlo mejor en vivo, hacer algo más abierto. Él no quería que nos fuéramos a encerrar a un estudio, pues si bien ir a un estudio puede ser emocionante los primeros días, al final termina siendo otro lugar de encierro. Y decidimos las ciudades junto a Gustavo Santaolalla por un asunto de dónde podía él trabajar y dónde queríamos nosotros hacerlo. Y fue así que decidimos Buenos Aires, Santiago de Chile, Ciudad de México y terminamos en Los Angeles, sí en un estudio de grabación. Ahí, la gente fue al estudio y pudo presenciar esto. Creemos que la gente que estuvo ahí presente impregnó con su energía la grabación.”

El Objeto Antes Llamado Disco combina momentos experimentales y de exploración con canciones que mantienen el espíritu de Tacvba a lo largo de los años como “Olita del Altamar”, “Yo Busco” y “Tan Mal”. Aunque el momento culmine del disco lo encontramos en “Zopilotes”, donde en un fondo con guitarras distorsionadas el vocalista Rubén Albarrán hace de las suyas con una voz implacable y profunda que hace soñar al oyente con imágenes desgarradoras de la naturaleza animal como los zopilotes (buitres) que vuelan en círculo para alimentarse de la carne muerta.

Aunque quizás carezca de canciones que se recordaran con el correr de los años es valorable como en tiempos donde la mayoría se conforma con lo que tiene y busca seguir sacando algún tipo de beneficio con siempre la misma formula un grupo consagrado como Café Tacvba apuesta a jugar, arriesgarse, explorar. Mas allá de que te gusten o no es algo para destacar y reconocerles.

F.V.

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Falleció Lou Reed: El adiós a otro genio del Rock

Lou Reed

No entiendo nada. Me enteré a través de Facebook (una de las maneras más horribles) que uno de los máximos ídolos que uno pueda tener del ambiente del Rock falleció.

En estos momentos las razones todavía no se conocen, pero el ex líder de The Velvet Underground había tenido una complicación en el trasplante de hígado que tuvo en abril de este año, y se especula que estaría relacionado en la causa de su defunción.

La noticia es realmente muy triste y shockeante. A uno lo agarra desprevenido. Pese a sus 71 años, seguía demostrando que tenía todavía combustible para continuar con su carrera como músico.

Es una perdida dolorosa. Lou Reed fue ni más ni menos una de las personalidades más influyentes de todos los tiempos con la Velvet. Un tipo adelantado y revolucionario, que experimentaba a un nivel que lo diferenció de otros artistas y grupos de renombre contemporáneos de los sesenta. Pensemos qué sería y si existiría el rock alternativo sin su sagrada influencia.

Este es nuestro adiós desde el Persi Music. Seguiremos repasando y nunca olvidaremos toda tu obra. Descanse en paz maestro…

Persy

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Boogie Nights

Boogie Nights

Puntaje de la Película: star-rating 5

  • Año: 1997
  • Género: Drama
  • Director: Paul Thomas Anderson
  • Reparto: Mark Wahlberg, Burt Reynolds, Julianne Moore, William H. Macy, Don Cheadle, John C. Reilly, Philip Seymour Hoffman, Heather Graham

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Caravan – Caravan (1968)

Caravan - Caravan (1968)

Puntaje del Disco: 8

  1. Place of My Own: 8,5
  2. Ride: 8
  3. Policeman: 7,5
  4. Love Song with Flute: 7,5
  5. Cecil Runs: 8
  6. Magic Man: 7,5
  7. Grandma’s Lawn: 8,5
  8. Where but for Caravan Would I?: 9

Hablar de Caravan es hablar de una de las bandas más originales e innovadores del rock británico y es hablar de la historia de un género, el que crearon junto con sus coetáneos Soft Machine, la Escena de Canterbury, que recoge a todos aquellos grupos (no necesariamente de tal ciudad) a los que el rock psicodélico o progresivo se les quedó musicalmente algo pequeño y empezaron a experimentar con sonidos más jazzísticos, logrando concebir, en algunos casos, una inteligente y atractiva mezcla entre tres formas de ver la música, y, en un muchas ocasiones, algunos de los más soporíferos discos que ha compuesto nadie. El caso de Caravan, sin duda alguna, habría que etiquetarlo dentro de ese primer grupo.

Caravan se formó a finales de los años sesenta por los antiguos miembros de la, hoy por hoy desconocida banda, Wilde Flowers. La formaron el vocalista y guitarrista Pye Hasting, el bajista y también cantante Richard Sinclair, el batería Richard Coughlan y el teclista David Sinclair, de quien hay que decir que años más tarde se haría enorme en otros discos de la banda hasta convertirse en uno de los más grandes teclistas de la historia del rock. El grupo resultó, y en el 1968, apenas un año desde su formación ya habían firmado con Advision Studios para lanzar su disco debut, al que titularían como a la misma banda, Caravan.

Siendo finales de los años sesenta, el disco aún no presentaba las características propias que definirían a Caravan en un futuro, (excesos, solos que no acaban nunca, decenas de riffs disparatados metidos a presión en el lapso de un minuto…), como tampoco lo hacían las demás bandas que junto con los hoy tratados creaban el inicio del género; pero lo que está claro es que lo que suena en este álbum no había sonado antes de ninguna manera (tal vez lo más parecido sea el Pink Floyd más primitivo, aún sin haber demasiados parentescos) y es por ello que el álbum llamo la atención y se convirtió en una obra de obligada escucha, no tanto por la calidad (innegable) de sus canciones, como por todo lo novedoso que aportaba.

Pese a presentar un nivel parejo hay que destacar tres canciones: la primera de ellas es “Place of my Own”, el clásico inmediato del álbum y una de las canciones insignia del grupo, puro pop psicodélico de primera categoría, aunque, desde mi punto de vista, algo sobrevalorado, teniendo en cuenta la gran repercusión que tuvo aun teniendo Caravan temas seguramente más meritorios. También hay que destacar la genial “Grandma’s Lawn”, un oscuro tema que, por su rareza y por su frescura, así como por el muy bien ejecutado trabajo por parte del teclado, se te hace corto. Y por último la perla del disco, el auténtico reflejo de la magnífica discografía que se avecinaba para estos jóvenes universitarios británicos, “Where but for Caravan Would I?”, un auténtico balazo en forma de canción, más de nueve brillantes minutos que dejarían claro que estábamos frente a una banda a tener en cuenta. Destacable nuevamente David Sinclair al teclado, ¡que teclista más infravalorado!

Con esta joya Caravan cerraría su valiente disco debut de una manera brillante, pero, por suerte para todos nosotros, lo mejor de la banda aún estaba por llegar.

Mauricio G.

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Electric Light Orchestra – ELO 2 (1973)

Electric Light Orchestra - ELO 2 (1973)

Puntaje del Disco: 7

  1. In Old England Town (Boogie No. 2): 6,5
  2. Momma…: 6, 5
  3. Roll Over Beethoven: 7,5
  4. From the Sun to the World (Boogie No. 1): 8
  5. Kuiama: 7

Las diferencias musicales entre Jeff Lynne y Roy Wood habían sido evidentes desde el debut de Electric Light Orchestra, esto propició que Wood dejara la banda en 1972, llevándose de paso a algunos músicos importantes que habian participado en la producción de No Answer.  Este fue el momento donde la joven agrupación llegó a una encrucijada, ahora Jeff tendría que asumir las responsabilidades creativas e ideológicas de la banda

La gran sacudida repercutió en la banda, entrando en un periodo de transición, tal como sucede a muchas bandas que pierden a un líder (Ej. Pink Floyd), de aquí que el segundo disco de ELO fuera un “disco de transición”. Sintiéndose todo un experimentalista Lynne acudió en ayuda al género del rock progresivo (música que esos años  iba en alza) y la fusionó con su propio estilo que venía creando (y que prometía mucho), naciendo así ELO 2, un disco que tiene tan poca personalidad como su titulo.

Quizás ahora surjan preguntas  ¿Cómo es que hubo un retroceso si canciones de Jeff Lynn como “10538 Overture” y “Mr Radio” prometían mucho en el disco debut?  ¿Qué tiene de mala una combinación de rock progresivo, con pop de los Beatles, con instrumentación orquestal?

El asunto aquí es que el concepto en la que se basó el disco fue bueno, la idea era buena, el error estuvo en la ejecución de tal idea. El problema mayor en ELO 2, es la sobreproducción.

Para empezar las canciones pecan de duración, superando todas los seis minutos, pero no son seis minutos con rumbo, ni siquiera son de las conocidas canciones que consisten en múltiples partes distinguibles las unas de las otras (caso común en el rock progresivo). En ELO 2 las piezas son caóticas, desordenadas, un collage de sonidos sin rumbo alguno que no impacta. Tomemos por ejemplo a “Roll Over Beethoven” el cover de Chuck Berry, una canción originalmente corta y dinámica, pues en este disco le pega a los siete minutos, Lynne le agrega un fragmento de la novena sinfonía de Beethoven y unas improvisaciones exageradas de teclados y guitarras, alargando la canción demasiado, sobre produciendo.

De entre todas las canciones, en mi opinión la rescatable es “From the Sun to the World (Boogie No. 1)” ya que suena potente, desesperada y los pasajes no son tan tediosos como en las otras piezas, a esta canción le habría caído bien un recorte para que subieran sus puntos.  De las otras tres piezas restantes, no hay mucho de qué hablar.

La idea en si era excelente, por suerte Jeff lograría refinarse para su siguiente trabajo, logrando un equilibrio entre la innovación, la experimentación y el gancho pop y tan solo diez meses después de la presentación de ELO 2, la banda lanzaría su tercer trabajo con el que ELO entraría en su etapa dorada.

Gera Ramos

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