Babasonicos – A Propósito (2011)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Flora y Fauno: 8
  2. Fiesta Popular: 9
  3. Tormento: 8,5
  4. Deshoras: 8
  5. Ideas: 8,5
  6. En Privado: 9,5
  7. Muñeco de Haiti: 8,5
  8. El Pupilo: 7,5
  9. Barranca Abajo: 7,5
  10. Chisme de Zorro: 8

Incluso antes de salir el esperado regreso de los Babasonicos, luego de tres años de silencio, se postulaba como uno de los mejores discos del año en cualquier lista.

A Propósito es un disco que expone todas las caras del grupo, una sinopsis de sus veinte años de carrera, pero siempre haciendo base en el universo sonoro de sus últimos tres discos especialmente con el corte de difusión “Deshoras” y en las baladas “El Pupilo”, “Ideas” y “En Privado”. También hay espacio para momentos potentes como en “Fiesta Popular” y de electrónica bailable en “Muñeco de Haiti” y “Tormento”.

Sobre A Propósito Adrián Dargelos reflexionaba lo siguiente en una entrevista a mediados del año: “Yo trato que todos los discos sean diferentes a los anteriores, en algunos me resulta y otros no. Aunque casi todos los trabajos lo hago en relación al anterior, me sale más fácil reaccionar de esta manera. En Mucho (2008) las canciones eran cortas, duraban dos minutos y estaban suscritas a la estructura básica soportable de una canción. En A Propósito las canciones se desarrollan, crecen y derivan donde todo cambia sentido, en Mucho la picardía y el sarcasmo protagonizaban la escena. Ahora no hay mucho de eso, los personajes optan por el cretinismo y el cinismo, son héroes que pasan desapercibidos. Héroes comunes y corrientes, gente que no los ve, como no tienen con quien discutir hablan con animales. En el disco anterior se estaba muriendo Gabo (Gabriel Mannelli, ex bajista de Babasónicos que murió en enero del 2008), que no sólo era un músico, es amigo mío en un complot de todo… porque Babasonicos más que un combo de música, es un grupo de locos que complotan contra la realidad. Por eso no me permití hacer que un disco me deprimiera, ahora todo eso cambió con nuestro nuevo trabajo”.

La banda que hizo del glamour un culto vuelve a dar en el clavo en su trabajo numero diez. Entre la arrogancia e irreverencia del rock  y la sensualidad de un pop perfeccionado, Dárgelos transmite sexo con canciones llenas de libido, fracasos y fiestas.

F.V.

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PJ Harvey – Let England Shake (2011)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Let England Shake: 8,5
  2. The Last Living Rose: 9,5
  3. The Glorious Land: 8,5
  4. The Words That Maketh Murder: 10
  5. All and Everyone: 8
  6. On Battleship Hill: 9
  7. England: 9
  8. In the Dark Places: 7,5
  9. Bitter Branches: 8,5
  10. Hanging in the Wire: 9,5
  11. Written on the Forehead: 8
  12. The Colour of the Earth: 9

Let England Shake comenzó a llamar la atención desde su lanzamiento tanto por su música como por su temática particular donde esboza una crítica a la cultura y política británica. Pero no es necesario que te guste la historia inglesa para caer bajo el encanto de Polly Jean Harvey.

El álbum marca el retorno de esta excéntrica y talentosa artista al sonido crudo y contundente que caracterizo su música años anteriores y venia abandonando lentamente en sus últimas incursiones. Todos los instrumentos se conjugan de una manera perfecta y su voz oscura y poderosa dice presente como siempre en cada segundo del álbum. Lo que hace distinto y quizá más osado aún a Let England Shake es que con mayor vuelo Polly Jean no se limita a las baladas sino que continúa esa saga replanteando la vuelta del sonido de banda. La eterna indie se olvida de los unipersonales y con seguridad invita otros más a su más personal, e íntimo empeño creativo. Claro que solo están admitidos los amigos de confianza como John Parish y Mick Harvey.

Let England Shake configura un relato de canciones duras con temblor sensual y aliento de guerra donde crea atmósferas anacrónicas con una lírica única. Entre el mid-tempo folk y electricidad furibunda, supera algunas de sus mejores marcas. Buena parte del mejor material que ha compuesto PJ se encuentra en este disco, que sin duda es la verdadera entrada a esa nueva etapa que no tiene clemencia con los noventosos que la vieron surgir de las entrañas de la escena alternativa. No pueden dejarse pasar por alto temazos estremecedores como “The Last Living Rose”, “The Words That Maketh Murder”, “On Battleship Hill”, “England”, “The Colour of the Earth” y “Hanging in the Wire” que en su conjunto configuran el mejor disco del 2011 y el de mayor vuelo artístico sin dudas.

Al borde de cumplirse veinte años desde su aparición, Harvey prefiere seguir reinventándose en lugar de buscar una formula comerciales mas sencilla. Con Let England Shake y superados los cuarenta años de edad PJ Harvey demuestra que el fuego de su música sigue intacto.

F.V.

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Les Mentettes – Songs for an Imaginary Film (2011)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Broken Dream: 9
  2. Ghost Girl: 9
  3. Don’t Make Me Over: 8,5
  4. Bird Song: 8
  5. Weird Days: 8,5
  6. Suzanne: 8,5
  7. Ballad of Desperate Love: 8,5
  8. It’s Over: 8
  9. Tide: 8
  10. Dust In Space: 8,5

Un grupo que ha crecido mucho en estos años es Les Mentettes, y logró consolidar su buen momento con este, su tercer disco de estudio: Songs for an Imaginary Film. El álbum puede ser definido como su propio título lo sugiere: “Songs For An Imaginary Film”, canciones que uno puedo imaginarse integrando el soundtrack de una película.

El gran avance del disco respecto a sus predecesores es que el grupo esta más maduro en lo que hace. Adrian Rivoira nos sigue ofreciendo temas en inglés preocupándose más en el nivel de lo que compone que en la búsqueda de diversificar basándose en sus influencias (como en su álbum debut). Así y todo, las canciones de Songs For An Imaginary Film se diferencian lo suficiente entre sí siendo siempre muy buenas y sólidas.

Todas las canciones tienen algo para estacar en esta película imaginaria. “Broken Dream” es un tema excelente, bien psicodélico, que se remite a los Beatles del Sgt. Pepper, más precisamente a Harrison y toda su artimaña hindú. “Ghost Girl” es divertida, tiene una melodía pegadiza, sus “Uiuh Uiuh” funcionan. “Don’t Make Me Over” parece un tema perdido de Arcade Fire.

También hay que resaltar a Eugenia Brusa que toma la posta como vocalista desatando una penumbra más oscura pero que tiene su encanto en temas como “Bird Song” y “Tide”. Y cuando se combina con Rivoira también logra buenos resultados como en la bella balada acústica “Weird Days”.

Ya en la segunda parte del disco, tenemos a “Suzanne”, una joyita pop simpática,  el tema de western “Ballad of Desperate Love”, o incluso “Dust In Space” que cierra el disco como si fuese un tema de Bowie de Ziggy Stardust.

Un disco buenísimo de principio a fin, a punto tal que a uno le gustaría ver todas estas canciones en una película. Y si es solo por el soundtrack la vería.

Persy

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Battles – Gloss Drop (2011)

Puntaje del Disco: 9

  1. Africastle: 8,5
  2. Ice Cream: 10
  3. Futura: 9
  4. Inchworm: 9
  5. Wall Street: 8,5
  6. My Machines: 9
  7. Dominican Fade: 8
  8. Sweetie & Shag: 9
  9. Toddler: 8
  10. Rolls Bayce: 7,5
  11. White Electric: 8,5
  12. Sundome: 9

Pese a la partida del guitarrista Tyondai Braxton en el 2010 que podía preocupar a más de uno respecto a lo que le depararía a Battles, el resto de la banda no solo supo suplir su ausencia sino que se desquitó con uno de los mejores discos y uno de los más desapercibidos del 2011: Gloss Drop.

En este, el segundo disco de Battles, las canciones no son solo cortes instrumentales interesantes desde lo técnico, sino que le agreguen un condimento de divertimento que Mirrored no tenía. Mucho tiene que ver la colaboración de vocalistas invitados que demuestran que las canciones de Battles son aun mejores cuando hay una interpretación vocal que las acompañe. Sino fijense en “Ice Cream” con el chileno Matías Aguayo cantando, es uno de los mejores fucking hits del año!! Es una locura total sobre un “helado derritiéndose”. También tenemos a “My Machines” con Gary Numan como protagonista en vocales, aunque lo cierto es que por lo que más te atrapa es por la performance aplastante del batero John Stainer. El tipo se ceba y la rompe (bah, la gasta en todo el álbum). Además me gusta “Sweetie & Shag” en el que aparece la niña “ponja” Kazu Makino (de la banda Blonde Redhead), un tema que mezcla electrónica con mucho descontrol. Casualmente otro oriental, Yamantaka Eye de Boredoms, es el encargado de colaborar en el último corte del álbum, “Sundome”, en el que imprime una espeluznante interpretación vocal que hace bizarrísimo al tema. Y eso que es el más largo de Gloss Drop, pero te mantiene siempre prendido.

Sacando a estas cuatro, nos queda Battles como grupo en el resto de Gloss Drop. Lo cual significa mayormente canciones instrumentales de Math Rock. Que a decir verdad me gustan más que las de Mirrored. Ya sea la modernosa y paranoica “Futura”, la pegadiza “Inchworm” o la oscura “Africastle”.

El álbum es variado, tiene un sonido más alto y una vibra diferente a la de su predecesor, por lo cuál los más matemáticos pueden llegar a sorprenderse e incluso desconcertarse. Porque Gloss Drop no es solo para “ñoños calculines”, es entretenimiento puro.

Persy

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Catupecu Machu – El Mezcal y la Cobra (2011)

Puntaje del Disco: 8

  1. El mezcal y la cobra: 7.5
  2. Metrópolis nueva: 8.5
  3. Aparecen cuando bailamos: 8
  4. Baile guerrero – Golpe certero: 7.5
  5. Danza de los secretos: 8
  6. Cristalizado: 8
  7. Musas: 7
  8. Vi llover: 7.5
  9. El toro terciopelo: 8
  10. Klimt… pintemos: 7
  11. Intermezzo: – 
  12. Shakulute peruano: 7.5

La nueva década encontró a Catupecu Machu con algunos cambios en su formación histórica. Agustín Rocino, ex bajista de Cuentos Borgeanos, reemplazó a Javier Herlein y el mánager que siempre acompañó a la banda también dejó su lugar, que fue ocupado por Pablo Mayer, amigo de Fernando Ruiz Díaz. Con estas modificaciones, el grupo orientó sus esfuerzos en producir lo que sería su octavo disco de estudio, El Mezcal y la Cobra, que se convirtió no sólo en uno de los más apreciables en la carrera de Catupecu, sino también en uno de los destacados del año.

El tema que da título claramente define lo que este material se basa. “El reptil que cambia la piel” podría asemejarse a los cambios de estilo y sonidos que el grupo ha explorado durante su trayectoria, pero que siempre ha mantenido una identidad. “Danzas de los Secretos”, la quinta canción se remonta en cierto modo a discos anteriores como Laberintos entre artistas y dialectos de 2007 y Cuadros dentro de Cuadros. En “Metrópolis Nueva” la letra hace una referencia al mundo del cine y con mucho ritmo impone uno de los hits del disco

Los teclados y los arreglos de guitarra le otorgan al disco una impronta característica al rock sinfónico. Por supuesto que las letras cumplen un rol fundamental y muestran la notoria evolución del grupo. “Musas” baja un poco los decibeles, que pronto se elevan en “El toro terciopelo”, una estricta explosión de rock.

Catupecu Machu ha consagrado en 2011 un muy buen disco, que lo siguió posicionando como una importante banda del Rock Nacional y que promete, seguirá por varios años más.

Piro

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The Horrors – Skying (2011)

Puntaje del Disco: 9

  1. Changing the Rain: 8,5
  2. You Said: 7,5
  3. I Can See Through You: 9
  4. Endless Blue: 9,5
  5. Dive In: 8,5
  6. Still Life: 10
  7. Wild Eyed: 8
  8. Moving Further Away: 9
  9. Monica Gems: 9
  10. Oceans Burning: 8

Cuando surgieron con Strange House, rondando el 2007 pocos imaginaban que The Horrors, formado por cinco muchachos británicos que llamaban más la atención por su aspecto esquelético, jeans ajustados y peinados ridículos que por su música se convertirían en uno de los grupos de mayor crecimiento y más prometedores en los últimos años.

Si bien su segunda placa Primary Colours había marcado un salto de calidad importante, sería gracias Skying que el grupo comenzaría a ser tomado en serio por la crítica y el mundo de la música en general. Alejados definitivamente del horror punk de sus comienzos en Skying se enfocan mas a un Indie rock con aires ochentosos con sintetizadores, teclados y momentos que rememoran a lo mejor Echo & the Bunnymen, My Bloody Valentine, New Order o Simple Minds.

Los sintetizadores luminosos predominan gran parte del disco como en la sorprendente “Still Life” a la cabeza (mejor single del 2011 a mi entender), otros temas como “I Can See Through You” y “Moving Further Away” no se quedan atrás. Y los momentos más guitarreros como “Endless Blue” y “Monica Gems” demuestran que el grupo puede roquear si se lo propone.

Skying representa algo que hace tan solo cuatro años en su comienzo vertiginoso pocos hubiesen imaginado. Si tenemos en cuenta la originalidad y la capacidad de cambio en un grupo debemos reconocer a The Horrors que comienzan a consolidar una carrera sólida para sorpresa y gratificación de los que los seguimos desde sus comienzos.

F.V.

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Baltasar Comotto – Blindado (2011)

Puntaje del Disco: 8

  1. Mundo Cabeza: 7,5
  2. Rompe el Cristal: 8,5
  3. Años: 6,5
  4. Buenos Aires: 8
  5. Lugano: 8
  6. A Lo Mejor: 8
  7. Siete: 8
  8. Las Penas: 8,5
  9. Mate: 8
  10. Quién Sos?: 8,5
  11. Hipnotic: 9
  12. Sacude tu Mente: 7

Baltasar Comotto, más conocido como el guitarrista estable de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado (la banda del Indio Solari), edito en Septiembre de este año su segundo trabajo en solitario, Blindado. El primero Rojo pasó bastante desapercibido, pero en esta oportunidad nos encontramos de inicio a fin con un disco violento, brutal y muy potente con temas demoledores como “Rompe el Cristal”, “Siete”, “Mate” y “Quién Sos?”, así que olvídense los fanáticos ricoteros que esperaban un disco parecido a lo que el Indio nos ofrece como solista.

Además de demostrar lo buen violero que es Baltasar cuenta con la presencia de invitados de lujo en el disco en “A Lo Mejor” lo acompaña el Indio Solari, en “Las Penas” Ricardo Mollo y en “Hipnotic” el flaco Luis Alberto Spinetta. Sobre los artistas que mas lo influenciaron Baltasar confesó en una entrevista reciente: “Gracias a Dios no tengo uno en especial, admiro a muchos músicos , como Jimmy Hendrix no solamente como violero (que fue galáctico por cierto) sino como compositor más allá de sus temas conocidos. También Miles Davis y su constante evolución artística , Bowie , Elliot Smith , Cobain y su sinceridad de estar asqueado de todo y muchos más nacionales e internacionales”.

Blindado es una interesante colección de doce temas que no ponen como principal atención en el virtuosismo de Baltasar como guitarrista sino en las composiciones y el resultado obtenido es un disco delicado y poderoso de puro rock, en una carrera solista que esperemos no quede en tan solo un puñado de discos y continúe en los próximos años.

F.V.

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Foo Fighters – Wasting Light (2011)

Puntaje del Disco: 9

  1. Bridge Burning: 8,5
  2. Rope: 9
  3. Dear Rosemary: 8
  4. White Limo: 9
  5. Arlandria: 8
  6. These Days: 9
  7. Back & Forth: 8
  8. A Matter of Time: 7,5
  9. Miss the Misery: 8
  10. I Should Have Known: 9,5
  11. Walk: 9

Finalmente cumplidos diez años del paso de Dave Grohl por Queens of the Stone Age algo de influencia de Josh Homme se vislumbra en su nuevo y esperado sexto disco de estudio Wasting Light.

Los Foo Fighters cuentan con la vuelta del guitarrista Pat Smear, que no participaba del grupo desde The Colour and Shape, se muestran más pesados y maduros que nunca. Ya desde el inicio con “Bridge Burning” y “Rope” uno se va dando cuenta de lo que va a atravesar en poco menos de cincuenta minutos de rock en todos sus sentidos. Además de las antes mencionadas se destacan la cruda “White Limo”, “These Days” y un final a todo trapo con “I Should Have Known” y “Walk”.

El disco vuelve a juntar a Grohl con el productor Butch Vig, que trabajó en el clásico de Nirvana, Nevermind. Y al bajista de Nirvana, Krist Novoselic, que participa en el tema mas logrado del álbum “I Should Have Known”, una canción que no menciona a Cobain explícitamente, pero se hace eco de él con su ausencia devastadora: “No escuché la advertencia, maldito sea mi corazón sordo”, canta Grohl, a medida que la oscuridad inicial -una guitarra solitaria, y la callada culpa de su voz, con una espesa reverberación- lentamente conduce a una explosión liberadora de rabia.

Sobre el proceso de grabación de Wasting Light, Grohl se manifestó: “Tenemos once canciones y en todo el disco no existe ni una sola balada”, “El proceso fue tan simple. Lo hicimos realmente en mi garaje. El hecho de que lo hayamos hecho todo sin utilizar computadoras, lo hizo muy simple. Simplemente suena gigantesco”.

Wasting Light se convirtió casi inmediatamente de su aparición en uno de los discos del año y uno de los mejores en la discografía de los Foo Fighters que nos dejan una colección de canciones imperdibles a puro rock and roll.

F.V.

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Massacre – Ringo (2011)

Puntaje del Disco: 8

  1. La Web del Siglo: 8,5
  2. Tanto Amor: 9
  3. Tengo Captura: 8,5
  4. Celebrity: 8
  5. Luna Elástica: 8
  6. La Virgen del Knock Out: 8
  7. El Deseo: 8,5
  8. Muerte al Faraón: 8
  9. No Pruebo Nada: 7,5
  10. El Robot vs La Momia Azteca: 7,5
  11. Lo Mío no es tan Grave: 7,5

Como ha crecido Massacre a lo largo de estos años. Y como pasa con muchos seguidores algunos pueden resultar detractores de su cambio, prefiriendo sus primeros años como pioneros del skate rock. Sin embargo, Massacre sigue siendo una de las bandas rescatables de estos años.

Esta vez Massacre presenta un nuevo trabajo luego de cuatro largos años de ansiedad para los fanáticos después de lo que fue el éxito de El Mamut, que según su cantante el gordo Walas fue el que les valió su “entrada en el Rock Nacional”.

Ringo no esta dedicado a Ringo Starr sino al boxeador Oscar “Ringo” Bonavena. Para el proyecto se planteó trabajar junto a Alejandro Vázquez (Carajo y Intoxicados) y el ingeniero Tom Baker (Stone Temple Pilots y Beastie Boys, entre otros), quienes ayudaron a relucir el sonido guitarrero de Massacre, que en todo el álbum tiene energía y ofrece buenas melodías. Aunque lo cierto es que también resulta bastante convencional, es fácil de escuchar, pero no hay grandes cualidades que te puedan llegar a sorprender. No vas a encontrar otra cosa que ya hayas escuchado antes de otras bandas de rock alternativo.

Pero ese no es el punto. El esfuerzo por hacer un álbum en donde todas las canciones son en su mayoría muy buenas y sin flojeras escandalosas es lo remarcable. Es un álbum “apto para todo público” tal como Walas describió en su momento a El Mamut. Y los puntos más altos los marcan aquellos que son más recordables, ya sea la excelente power ballad “Tanto Amor” (lanzado como single de difusión), la dinámica “La Web del Siglo”, la linda balada “El Deseo” o incluso “Tengo captura” por como empieza como un tema psicodélico hasta que comienza a rockear con sus guitarras. El resto de los temas también merecen una oída por eso es uno de los discos destacables del 2011.

Persy

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The Kills – Blood Pressures (2011)

Puntaje del Disco: 9

  1. Future Starts Slow: 9
  2. Satellite: 9
  3. Heart is a Beating Drum: 8,5
  4. Nail In My Coffin: 8,5
  5. Wild Charms:
  6. DNA: 9
  7. Baby Says: 8,5
  8. The Last Goodbye: 8,5
  9. Damned If She Do: 7,5
  10. You Don’t Own The Road: 8
  11. Pots & Pans: 9

Tres años habría que esperar para volver a escuchar un nuevo disco de The Kills, luego de Midnight Boom. En el medio de ese plazo, Alison Mosshart estuvo laburando junto a Jack White en The Dead Weather, grabando dos álbums: Horebound y Sea of Cowards. Así que The Kills quedó postergado, hasta que el dúo se dio cuenta que era tiempo de volver, sobretodo por el éxito y el excelente nivel de Midnight Boom que generaba expectativas en los seguidores de la banda.

Así llegó Blood Pressures, cuarto álbum de estudio de The Kills, que si bien no llega al estatus astral de su predecesor es un disco notable. Esta vez, el dúo desarrolla un sonido que resulta más oscuro, sobrio e incluso lento de lo que venían realizando, alejándose del Lo-Fi (es menos crudo que Keep On Your Mean Side), resultando menos festivo que Midnight Boom, pero sí más maduro. La voz de Alison es tan enérgica y agresiva como siempre lo fue, pero además la percusión es más contundente y Jamie Hince en guitarra se distingue constantemente con riffs marcados que no defraudan.

Así aparecen los mejores temas del disco. “Future Starts Slow” es un arranque explosivo (me lo imagino muy bueno para comenzar conciertos), con una percusión retumbante, y con una de las mejores combinaciones de Alison y Jamie en vocales. “Satellite” también es excelente, especialmente por su intro de guitarra. El combo “DNA” y “Baby Says” son otros de los puntos destacados, de los que mejor representan el sonido del álbum. También hay lugar para baladas, ya sea “The Last Goodbye” de Alison o la breve “Wild Charms” con Jamie animándose como vocalista líder. Y para final del álbum una de mis favoritas “Pots & Pans”, nuevamente con tambores resonantes y un gran cierre con Alison repitiendo “These are the days we’ll never forget/ When the dawn, dawns on you”.

Excelente disco, uno de los mejores retornos del 2011, de uno de los dúo que más química tienen en la actualidad y que lo siguen demostrando con actitud en cada nuevo trabajo.

Persy

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The Black Keys – El Camino (2011)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Lonely Boy: 9
  2. Dead and Gone: 8,5
  3. Gold on the Ceiling: 9
  4. Little Back Submarine: 8,5
  5. Money Maker: 7,5
  6. Run Right Back: 9,5
  7. Sister: 8
  8. Hell of a Season: 7
  9. Stop Stop: 7
  10. Nove Baby: 8,5
  11. Mind Eraser: 8

El séptimo disco de los Black Keys no se hizo esperar demasiado, tan sólo un año después de su disco suceso (Brothers, 2010) el dúo editó el álbum que a aquí nos trae: El Camino. Armado en tan sólo 40 días, y sin ninguna idea de producción más que la de “lo que salga en el momento”, los Keys nos dan uno de los mejores discos del año.

El disco está cargado de riffs sucios, propiedad de Dan Auerbach, y de melodías por demás pegadizas, ya sea a fuerza de coros que las realzan en hitos bailables (imperdible el video de “Lonely Boy”) o con la ayuda de sintetizadores que adhieren lo suyo: una cuota de ebullición rocanrolera con tintes glamorosos irresistibles para los oídos.

Sobre una estética lo-fi y con vistas retroactivas, el álbum fluye en la dinámica de los riffs y la potente batería de Patrick Carney, que suena realmente impecable todo el disco. Todo palo y a la bolsa, casi sin descansos (sólo lo existe en el comienzo de la ledzeppeliana “Little Black Submarine”) y con una precisa capacidad de síntesis, ya que sólo “Little Black Submarine” -justamente- es la única en superar los 4 minutos de duración.

Un gran disco, de una banda que es de lo mejor de la escena rockera mundial y que sigue aportando discos sin bajar su calidad.

Bari

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Los Mejores Discos de Rock Nacional del 2011

Para cerrar el año en el Persi Musica, a partir de mañana postearemos el Top 5 con los mejores discos de Rock Nacional que se lanzaron en el 2011 desde nuestra consideración. ¿Y para vos, cuál fue el mejor disco del año dentro del rock argentino?

Y para arrancar este último Festival de Discos del año, les dejamos el siguiente listado con algunos de los álbums más destacados que aparecieron en el 2011:

  • 107 Faunos – El Tesoro Que Nadie Quiere
  • Acorazado Potemkin – Mugre
  • Babasónicos – A Propósito
  • Baltasar Comotto – Bliandado
  • Bibicletas – Cubiertas
  • Camion – Ciudades Invisibles
  • Catepecu Machu – El Mezcal y la Cobra
  • Circulo Polar Anárquico – Horda de Canivales
  • El Hipnotizador Romántico – El Hipnotizador Romántico
  • Guasones – Parque de Depresiones
  • Ivan Noble – La Parte de los Ángeles
  • Javi Punga – El Amor es Todo
  • Juanse – Baldíos Lunares
  • La Franela – Hacer un Puente
  • La Vela Puerca – Piel y Hueso
  • León Gieco – El Desembarco
  • Les Mentettes – Songs for an Imaginary Film
  • Los Cafres – El Paso Gigante
  • Los Hermanos McKenzie – Siames
  • Massacre – Ringo
  • Millones de Casas con Fantasmas – Los Desmayos
  • Miranda – Magistral
  • Moris-Antonio Birabent – Familia canción
  • Mujertcitas Terror – Excavaciones
  • Nikita Nipone – El Extranjero
  • Pez – Volviendo a las Cavernas
  • Pier – Desde las Sombras
  • Prieto Viaja al Cosmos con Mariano – Le Prièt vaha chosmos e ba con Maourian!!!
  • Poseidótica – Crónicas del futuro
  • Richard Coleman – Siberia Country Club
  • Shaman y los Hombres en Llamas – Shaman y los Hombres en Llamas
  • Sponsors – A Todo Trapo
  • Tervisel – For One Pagan Brotherhood
  • Thes Siniestros – Los Últimos Días
  • Valle de Muñecas – La autopista corre del océano hasta el amanecer
  • Viejas Locas – Contra la Pared
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Noel Gallagher’s High Flying Birds – Noel Gallagher’s High Flying Birds (2011)

Puntaje del Disco: 8.5

  1. Everybody’s on the Run: 8.5
  2. Dream On: 8
  3. If I Had a Gun…: 9
  4. The Death of You and Me: 9
  5. (I Wanna Live In a Dream In My) Record Machine: 8.5
  6. AKA…What a Life: 8.5
  7. Soldier Boys and Jesus Freaks: 8
  8. AKA…Broken Arrow: 8
  9. (Stranded On) The Wrong Beach: 8
  10. Stop The Clocks: 9

Noel Gallagher’s High Flying Birds es el nombre de la banda que el ex líder de Oasis decidió darle a su nuevo proyecto. Luego de la anunciada disolución del popular grupo británico a mediados de 2009, los hermanos más escandalosos del Reino Unido no disimularon su fastidio recíproco y pronto Oasis dejó de existir. Aunque lejos de hacer el duelo por el final de la banda que lo vio nacer, Liam se llevó a los otros miembros y continuaron con Beady Eye, lanzando el gran disco Different Gear, Still Spending. La respuesta de Noel no se hizo esperar demasiado y en octubre de este año, lanzó este disco tan esperado por numerosos seguidores de Oasis.

Fiel a su estilo confrontante y sin escrúpulos, Liam dijo sobre el disco de su hermano: “pensé que podía volver con algo nuevo pero, a fin de cuentas, es Noel Gallagher sentado en una banqueta cantando canciones acústicas”. Si bien no se trata de temas acústicos netamente, lo cierto es que las palabras de Liam tienen un grado de realidad. El proyecto como solista de Noel tiene buenas intenciones, con temas que verdaderamente sobresalen, aunque es muy notoria la fuerte dosis que carga de su ex banda. O dicho de otra manera, el disco revela cuánta jerarquía compositiva poseía Noel al momento de escribir las letras en Oasis.

Con una orquesta y buenos arreglos, “Everybody’s on the Run” da comienzo al vuelo de los Pájaros del mayor de los Gallagher. “Dream On”, el segundo tema, continúa con una notoria similitud en el estilo que la anterior y el primer cambio se vislumbra con la homicida “If I Had a Gun” y después con “The Death of You and Me”, el primer corte lanzamiento del disco, cuyos acordes rememoran inmediatamente a “The Importance of Being Idle” de Don’t Believe The Truth.

La segunda mitad del disco arranca con la balada “(I Wanna Live In a Dream In My) Record Machine” que claramente podría asemejarse a cualquiera de las composiciones que Noel hizo en Oasis. En cambio, “AKA…What a Life” (las siglas significan “Also Known As”) levanta con un ritmo más movido y nos muestra en el video a un Noel viviendo las delicias de la vida en una carretera con dos hermosas mujeres. También en tono sarcástico “Soldiers Boys and Jesus Freaks” se burla de la sociedad con una ambientación musical que parece de principios del siglo pasado.

“(Stranded On) The Wrong Beach” y “Stop The Clocks” (un tema de Oasis que había sido incluido en el disco de Grandes Exitos que la banda sacó antes de separarse) dan cierre a este sólido y atractivo disco. Noel no quiso ser menos que Liam y Beady Eye y con su nueva banda demostró que la inspiración sigue intacta y que tendremos más de la batalla mediática de los hermanos Gallagher.

Piro

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The Decemberists – The King is Dead (2011)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Don’t Carry it All: 8,5
  2. Calamity Song: 8
  3. Rise to Me: 7,5
  4. Rox in the Box: 9,5
  5. January Hymn: 7,5
  6. Down by the Water: 9
  7. All Arise!: 7,5
  8. June Hymn: 8,5
  9. This is Why We Fight: 8,5
  10. Dear Avery: 8,5

The Decemberists es una banda formada en Oregon, Estados Unidos, en 2001, liderada por el guitarrista y cantante Colin Meloy.

Definir su estilo musical podría compararse con definir el color de un camaleón, y es que a lo largo de sus diez años de vida han cambiado de estilo disco a disco, pasando de folk a hard rock, e incluso tonteando con el rock progresivo.

Pero este año lo que nos han traído ha sido un álbum más influenciado por bandas folk de los años sesenta como Crosby Stills Nash & Young, y por su gran referente, los también estadounidenses R.E.M., cuyo guitarrista, Peter Buck, participa en tres de los temas: “Calamity Song”, “This is why we fight” y “Down by the Water”, impregnándolos muy notablemente de la esencia de los primeros discos de R.E.M.

A parte de estos tres temas hay que destacar “Rox in the Box”, el mejor del disco y uno de los mejores del año, una canción country que perfectamente podría estar en el Harvest de Neil Young, con unas armonías vocales impecables y un animado fondo de guitarras acústicas acompañadas por un acordeón.

Las demás piezas del disco se quedan algo atrás, pero siguen valiendo la pena, especialmente las dos baladas “June Hymn” y “Dear Avery”, que junto con las antes mencionadas acaban de crear uno de los mejores discos del año, pasando de las ambiciones artísticas e innovaciones tecnológicas en la música, para ofrecer un material de la vieja escuela.

Mauricio G.

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Gunner – Desire (2011)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Intro: –
  2. Holdin’ On: 8,5
  3. Desire: 6
  4. Till I Reach the End: 5,5
  5. Wild Dreams Have Been Gone: 7,5
  6. Secrets of Lonelinees: 7
  7. Lady of the Night: 8,5
  8. Someone to Love: 5
  9. Dirty Love: 5,5
  10. Insane: 4
  11. Rockin’ in the City: 7,5
  12. Over Again: 7

A principios del 2000, nació en el país un grupo que le rinde homenaje a las bandas más conocidas de hair y Glam metal de los ochenta: Gunner Sixx. Empezaron tocando covers de grupos como Motley Crue, Europe, Bon Jovi y Skid Row hasta que empezaron a ganar renombre no solo en Argentina sino también a nivel internacional. Tal es así que su nombre lo tendría que cambiar simplemente por “Gunner” por problemas legales con Nikki Sixx. Y en este año, luego de bastante tiempo, llegaría su álbum debut Desire, el cual editaron en EEUU.

Como es de esperarse, el disco es un tributo a las bandas de los ochenta antes mencionadas. Y sí, Gunner es una banda nacida en una época totalmente equivocada. Ya pasaron alrededor de 30 años respecto del fervor de los ochenta. De hecho su cantante Aaron interpreta los temas en inglés como si fuera una mezcla de Axl Rose y Joey Tempest. Y Gunner se parece mucho a Poison tanto en coros como en los solos de guitarra (que son bastantes reiteratovos y monótonos) e incluso en la estética.

Pese a que no innovan en nada nuevo con lo que hacen, ni son espectaculares y que por demás esta decir que suenan sobreproducidos y grandilocuentes en varios pasajes, Desire tiene un manojo de temas que se pueden destacar. “Holdin’ On” es un muy buen arranque, es el más hard rockero y tiene buenos cambios de ritmo. El otro que se puede remarcar es “Lady of the Night”, que tiene un ritmo diferente al resto de los cortes, siendo más pausado con notas sostenidas. También se salva la balada “Wild Dreams Have Been Gone” y “Rockin’ in the City” que fue uno de los primeros temas que hicieron como conjunto.

Pero la irregularidad de Desire le juega en muy en contra. Es un disco solo recomendable para los que viven de la nostalgia del Glam y Hair Metal.

Luquitas Bonjo/Persy

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