Rick Wakeman en Argentina – Teatro Gran Rex (27/11/2011)

Sabíamos que era Rick Wakeman con la Orquesta Sinfónica Nacional, y sabíamos que se anticipaba una velada amena y severa, pero no nos faltó un poco de sorpresa cuando apareció el mismísimo rubión vestido de sobrio traje en un piano de cola negro rodeado por una treintena de ilustres músicos. Y claro, uno esperaba a Rick Wakeman disfrazado de Merlín y vestido con una bata dorada tocando 5 teclados al mismo tiempo. Un poco por eso, entre pieza y pieza, se levantaba un ensordecedor “Olé olé olé Wakeman Wakeman” o “Vamos Ricardo carajo”, que desentonaba bastante con la atmósfera de elevación musical. En general, la “voz colectiva” de la tribuna del Gran Rex era de entre 20 y 30 años, a pesar de lo cual más de la mitad de los concurrentes ya tanteaba el medio siglo. Y es que Wakeman supo cautivar a generaciones pasadas y presentes siendo tecladista de Yes y, posteriormente, uno de los principales exponentes del Rock Sinfónico. Y un tecladista de la San Lora, si se me permite agregar.

Pero Wakeman no vino a la Argentina a rockear. Presentó todas piezas sinfónicas con arreglos hechos para la Orquesta Sinfónica Nacional. Arreglos, debemos admitirlo, correctos, pero que en definitiva no lograron mejorar las versiones originales. Tal vez la única y honrosa excepción sea su arreglo para Eleanor Rigby, que junto a Help fueron los únicos covers de la noche, ambos de The Beatles.

Wakeman desplegó clásicos tanto de The Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the Round Table como de, por supuesto, Journey to the Center of the Earth, junto con alguno más deslucido de White Rock. Se hizo notar la falta de los sintetizadores, pero Rick compensó con sobras esta ausencia con un virtuosismo de piano inusitado: sí señora, lo que se escucha en el disco, Wakeman lo hace en vivo a la doble velocidad, con el doble de notas y por el doble de tiempo. Impactante.

La Orquesta estaba bien empleada, sin duda, pero dejó bastante que desear el sonido (había frizeo constante y considerable interferencia), que en un Power Trio no molesta pero en piezas densamente orquestadas (música para escuchar “con los ojos cerrados”) resultó ligeramente perturbador.

Wakeman se fue, y pedido de la muchachada (y la ya-no-tan-muchachada-pero-que-agita-igual) volvió no una, no dos, sino tres -sí señora leyó bien- tres veces. Tal es así que la última vez tuvieron que repetir tema (el sublime fragmento de In the hall of the Mountain King de Grieg que se incluye en Journey to the Center of the Earth) porque ya se les había acabado el repertorio.

En definitiva, fue un evento memorable, sobre todo por el despliegue musical y la potencia sinfónica de Ricardito. No tanto por la épica legendaria de los 70′ y 80′, que estuvo más bien ausente, sino por el sencillo virtuosismo musical. El público lo supo reconocer: Wakeman se fue con una ovación de pie generalizada. Cuatro veces.

Barba

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Ranking de los Peores 50 Discos del Persi Music

Este es el ranking más putrefacto y nefasto del Persi Music. El anticristo del rock personificado en 50 discos que lo único que lograron fue hacerte enfadar, generarte nauseas, dañarte los oídos y odiar a las bandas/artistas que fueron los artífices de semejantes mocos discográficos.

Este es el actualizado Ranking de los Peores 50 Discos que se publicaron hasta ahora en el Persi Music. Una selección que cuenta con un puñado de asquerosos álbumes con puntaje de 1 y 2, algunos cuantos vomitivos discos con calificación de 3 y 4, una catarata impresionante de desafortunados “cincos”, e incluso un disco sin puntaje por ser simplemente “incalificable”.

¿Y vos qué porquerías estuviste escuchando últimamente? Si no te fue suficiente disfruta de lo siguiente…

Top 50 de los Peores Discos del Persi Music:

  1. Linkin Park – Hybrid Theory (2000): 1,5
  2. Lou Reed – Metal Machine Music (1975): 1,5
  3. The Clash – Cut the Crap (1985): 2,5
  4. Tokio Hotel – Scream (2007): 3
  5. Guns N’ Roses – The Spaghetti Incident? (1993): 3
  6. Bruce Willis – The Return of Bruno (1987): 3,5
  7. Pink Floyd – A Momentary Lapse of Reason (1987): 3,5
  8. The Velvet Underground – Squeeze (1973): 3,5
  9. Bob Dylan – Dylan (1973): 3,5
  10. Happy Mondays – Yes Please! (1992): 3,5
  11. Kid Rock – Grits Sandwiches for Breakfast (1990): 4
  12. The Kinks – Phobia (1993): 4
  13. Creedence Clearwater Revival – Mardi Gras (1972): 4
  14. Led Zeppelin – In Through the Out Door (1979): 4
  15. Animal Collective – Danse Manatee (2001): 4
  16. Limp Bizkit – Chocolate Starfish and The Hot Dog Flavored Water (2000): 4,5
  17. Iggy Pop – Avenue  B (1999): 4,5
  18. Survivor – Eye of the Tiger (1982): 4,5
  19. Brandon Flowers – Flamingo (2010): 4,5
  20. Deep Purple  – Who Do We Think We Ar (1973): 4,5
  21. 30 Seconds to Mars  – A Beautiful Lie (2005): 5
  22. Papa Roach – Infest (2000): 5
  23. Kiss – Unmasked (1980): 5
  24. Bon Jovi  – The Circle (2005): 5
  25. Whitesnake – 1987 (1987): 5
  26. Deep Purple – Stormbringer (1975): 5
  27. Bob Dylan – Self Portrait (1970): 5
  28. AC/DC – Fly on the Wall (1985): 5
  29. Queen – Hot Space (1982): 5
  30. Aerosmith – Rock in a Hard Place (1982): 5
  31. Prince – Come (1994): 5
  32. Manic Street Preachers – Generation Terrorists (1992): 5
  33. The Smashing Pumpkins – Zeitgeist (2007): 5
  34. Yes – Tormato (1978): 5
  35. The Hollies – Stay With The Hollies (1964): 5
  36. Europe – Out of this World (1988): 5,5
  37. Chris Cornell – Scream (2009): 5,5
  38. Chumbawamba – Tubthumper (1998): 5,5
  39. Poison – Look What the Cat Dragged In (1986): 5,5
  40. Black Sabbath – Tyr (1990): 5,5
  41. T. Rex – Zinc Alloy and the Hidden Riders of Tomorrow (1974): 5,5
  42. Lou Reed – Rock and Roll Heart (1976): 5,5
  43. The Rolling Stones – Dirty Work (1986): 5,5
  44. Captain Beefheart & The Magic Band – Strictly Personal (1968): 5,5
  45. Richard Ashcroft – Human Conditions (2002): 5,5
  46. Oblivians – Soul Fool (1995): 5,5
  47. Manic Street Preachers – Gold against the Soul (1993): 5,5
  48. Led Zeppelin – Presence (1976): 5,5
  49. Aerosmith – Night in the Ruts (1979): 5,5
  50. Frank Zappa – Lumpy Gravy (1968): ?
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Kiss – Unmasked (1980)

Puntaje del Disco: 5

  1. Is That You?: 5
  2. Shandi: 5
  3. Talk to Me: 7
  4. Naked City: 5
  5. What Makes the World Go Round: 4
  6. Tomorrow: 4
  7. Two Sides of the Coin: 4
  8. She’s So European: 6
  9. Easy as it Seems: 5
  10. Torpedo Girl: 5
  11. You’re All That I Want: 6

Las extensas trayectorias de las bandas puede ser un arma de doble filo ya que mientras su perdurabilidad en el tiempo es lo que engrandece la figura del grupo, por otro lado puede producir también que la creatividad se vea deteriorada. Salvo raras excepciones todas las grandes bandas del rock han experimentado momentos de baja inspiración que causaron el desencanto de los fanáticos y en otros, verdaderos crímenes.

Kiss sucumbió a los embates del tiempo y fue con apenas seis años desde su formación, el grupo de los carapintadas comenzó a desviar levemente el camino. No el camino del éxito, porque si de algo se caracterizó Kiss fue del fuerte nivel de ventas de sus discos, pero sí se produjo una notoria caída compositiva.

En 1980 y luego de Love Gun de 1977, la banda el muy buen material Alive II y Dynasty que a pesar de incluir el clásico “I Was Made For Lovin’ You”, no llegó al nivel de los discos anteriores. Unmasked, el octavo álbum de estudio del grupo fue el primer síntoma claro de que algo estaba pasando con los norteamericanos y fue a su vez el último que la formación original grabó debido a que Peter Criss dejaría la banda al poco tiempo para ser reemplazado por Eric Carr.

En este disco Kiss parece haber querido probar con nuevos sonidos o tal vez sin darse cuenta, de a poco entraban de lleno en las influencias que los años ochenta tendrían luego. Muchos temas pop que poco tienen que ver con el estilo rockero que la banda había mostrado y melodías más comerciales que originales son los principales aspectos que se desprenden de este material. “Is That You?” que a pesar de arrancar medianamente bien, pronto desencanta y nos prepara para lo que viene. “Shari” es una de las mayores expresiones de este viraje pop que tuvo la banda mientras que el tridente “What Makes the World Go Round”, “Tomorrow” y “Two Sides of the Coin” es bastante olvidable.

Piro

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Led Zeppelin – In Through the Out Door (1979)

Puntaje del Disco: 4

  1. In The Evening: 5,5
  2. South Bound Saurez: 3,5
  3. Fool in the Rain: 2
  4. Hot Dog: 4,5
  5. Carouselambra: 4,5
  6. All My Love: 8
  7. I’m Gonna Crawl: 7,5

Dios sabe cuanto amo a Zeppelin, pero este disco es una grandísima porquería. Sintetiza el agotamiento artístico y musical de una de las bandas más grandes de los setenta. Si en Presence el grupo sonaba obsoleto, acá directamente suena acabado. Es carne muerta para tirar a los perros. Una sensación muy dolorosa para cualquier fan de Zepp…

Y se que voy a recibir piedrazas por lo que digo. La critica suele ser bastante indulgente con este álbum y muchos apuntan a Coda como su álbum más bajo dentro de su discografía, pero In Through the Out Door es un manchón aterrador que no puede ser pasado por alto…

Empecemos a detallar las razones de tamaño hundimiento. Al parecer Page y Plant tenían bastante poco para ofrecer, por lo cual Jone Paul Jones fue el que aportó la mayor parte del material… que la verdad dejó mucho que desear. Más los problemas internos de la banda: la muerte del hijo de Plant (que se lo nota con una voz cansada), los problemas con la heroina de Page y el alcoholismo de Bonham (que influyó en las grabaciones del disco). Más el auge de generos del momento como el punk y el New wave, que los motivo a improvisar en otros estilos (como ya lo había hecho en Houses of the Holy y Physical Graffiti) sin lograr absolutamente nada interesante. Como resultado, Zeppelin te hace sufrir un tema más horrible que otro. Qué tortura!!

¿Es esta la misma banda que compuso “Since I’ve Been Loving You”, “Heartbreaker”, “Stairway to Heaven”? ¿Ni siquiera tenemos un “No Quarter” o un “Achilles Last Stand” para disfrutar”? ¿Es esto Led Zeppelin?

No, esto es pura basura. Empezando por “In The Evening”, que tiene un riff marcado pero es intrascendente e incluso olvidable. Aún peor es “South Bound Saurez”, uno de los casos más mediocres y genéricos de Zeppelin a la hora de experimentar y rockear. Y como detesto ese tema llamado “Fool in the Rain”, una cosa asquerosa medio bailable y candombera, con silbatos y demás porquerías de fondo. Un verdadero desastre que nada, pero NADA tiene que ver con Led Zeppelin y su historia. Por su parte, “Hot Dog” es un country divertido pero TAN ridículo que cae en la mediocridad del disco. Y “Carouselambra” son más de 10 minutos fallidos de tratar de hacer un tema épico con sintetizadores y diversos pasajes pero que no te mueven un pelo e incluso te escandaliza. Ven lo que les digo cuando un tema es peor que el otro.

Sobre el final aparece lo más rescatable de In Through the Out Door. “All My Love”, aunque me cueste decirlo, es la mejor canción del disco. Una balada super quemada por culpa de Radios como Aspen (que no se conocen otro tema de la banda), que esta bastante bien, aunque emociona menos que otras como “Tangerine” o “Going to California”. También se salva a “I’m Gonna Crawl”, que muestra alguna de las estridencias y misceláneas que más se extrañan del grupo, aunque tampoco es una maravilla.

Si bien Coda sería el último disco que se podría escuchar de ellos, este detestable trabajo sería el último de la banda tras una gran cantidad de grandes discos. Y así como terminarían los setenta, lamentablemente tras el fallecimiento de Bonzo en 1980, Led Zeppelin pondría punto final a su existencia.

Persy

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Happy Mondays – Yes Please! (1992)

Puntaje del Disco: 3,5

  1. Stinkin’ Thinkin’: 3,5
  2. Monkey in the Family: 5
  3. Sunshine & Love: 6
  4. Dustman: 4
  5. Angel: 5
  6. Cut ‘em loose Bruce: 2
  7. Theme from Netto: 4
  8. Love Child: 5
  9. Total Ringo: 3
  10. Cowboy Dave: 3

Cuando los Happy Mondays editaron Yes Please! (1992), su cuarto larga duración, el grupo de Manchester se encontraba preso de sus propias adicciones y estilo de vida totalmente descarrilado que presagiaba una disolución inminente.

Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches producido por Paul Oakenfold los había ubicado en un lugar de privilegio en los albores de la década del noventa avizorándoles un futuro prometedor y repleto de gloria, que finalmente nunca llego. Aparte de lo díscolo que resultaba Shaun Ryder y los excesos en los que el grupo incurría constantemente uno de los inconvenientes más importantes fue la ausencia de Oakenfold en la producción. En su reemplazo Chris Frantz y Tina Weymouth, que drástica y erráticamente decidieron cambiar el sonido que tantos elogios habían cosechado con  Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches. En Yes Please! Nos encontramos con un sonido pop que atrasaba, en contraste a lo avanzado de su antecesor, con sintetizadores ochentosos combinados con influencias caribeñas. Si así como lo escuchan. A esto hay que sumarle que el grunge comandado por Nirvana y Pearl Jam era la “nueva gran cosa” y la nueva propuesta (si así se la puede calificar) de los Mondays quedo muy fuera de contexto.

En este material el grupo pierde casi todo su sello distintivo los sonidos dance que tanto revolucionaron en los ochenta y esa fusión del rock y el house de su anterior material ya eran parte de la pasado. El desinterés de Ryder por mejorar la calidad del álbum fue casi tan alto como el nivel de sus adicciones y como era de esperarse el grupo se separo poco tiempo de ser lanzado. El disco fue tan mediocre que su compañía discográfica la legendaria “Factory” termino en bancarrota.

Yes Please! se convirtió en la peor despedida posible para un grupo que supo ganarse un reconocimiento merecido y revolucionar en cierta medida el rock a finales de los ochenta, por lo menos en Gran Bretaña y Europa, definitivamente no era una buena forma de decir adiós. Por suerte quince años mas tarde el grupo se reunió para grabar Uncle Dysfunktional un disco final mas digno y acorde a la historia y calidad de canciones que los Happy Mondays nos pueden ofrecer.

F.V.

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El Cuarteto de Nos – Bipolar (2009)

Puntaje del Disco: 9

  1. Bipolar: 9
  2. Miguel Gritar: 9
  3. El Hijo de Hernández: 8,5
  4. Malherido:7
  5. Nada me da Satisfacción7,5
  6. Mi Lista Negra: 9,5
  7. Doble Identidad:7
  8. Mirenme:9
  9. Primavera: 7,5
  10. Razones:8,5
  11. Me Amo (versión Bipolar): 9
  12. Breve Descripción de mi Persona: 9,5

Con referencia a la pesada mochila que significaba para los uruguayos de El Cuarteto de Nos su siguiente placa luego de la elogiadísima Raro, su cantante Roberto Musso respondió de forma inteligente como nos tienen acostumbrados: “Algunos nos hablaban del termino presión, que no sé si es tan así. Prefiero esta presión que la de no sacar nunca un disco exitoso, sería una mochila mucho más pesada. Sí hay una responsabilidad extra, sabíamos que por primera vez un disco nuestro ya de pique iba a ser editado fuera de Uruguay. Es una buena oportunidad para confirmarle a la gente que nos conoció por Raro que esto sigue, y no somos una banda de un solo disco”. Y la verdad es que cumplieron con creces con lo que prometieron.

Bipolar salio a las ventas en Septiembre de 2009, editado por Warner Argentina. Antes de su lanzamiento oficial en Abril de ese mismo año se filtro en el popular sitio de Internet de intercambio de archivos Taringa gran parte de Bipolar, mientras el cuarteto aun estaba trabajando el, lo que género un disgusto entendible para el grupo.

En Bipolar el cuarteto continua la senda de Raro la particular forma de cantar de Musso, catalogados para algunos como raprock, como las inteligentes letras, con rimas forzadas, que son un sello distintivos de este grupo uruguayo continúan siendo de lo mejorcito y mas original que se puede encontrar en el rock latino por lejos. A esto hay que sumarle una interesante base con arreglos y sonido cuidado moviéndose por distintos ámbitos inclusive como el folclore, la milonga y hasta de cumbia en el tema “Bipolar” (increíblemente le agregaron un toque de cumbia a una canción y no la arruinaron, la hicieron mas divertida) pero nunca abandonando su espíritu roquero, como debe ser. Con referencia a sus líricas en la misma entrevista antes citada Musso explica lo que significan para el: “El sello identificatorio del Cuarteto siempre fue la ironía, y descubrir personajes oscuros, perdedores, a los que les pasan muchas cosas. Ha ido mutando capaz la forma de escribirlo con los años, y también hay mucha más primera persona. Está bueno escribir de esta forma y que sin embargo la gente se acuerde de los temas por ser la canción de Damián, de Hernández, de Miguel. Entonces la gente se acuerda del personaje, ahí tal vez está el secreto de no aburrir al escucha, de que la gente se de cuenta de que no es siempre el mismo “yo” en todas las canciones. La idea del disco fue explorar distintas ópticas del yo, está el bipolar, el que cuenta las cosas de otro, el egocéntrico”.

Dentro del tracklist nos encontramos con una versión de un tema antiguo del cuarteto “Me Amo”, incluida en Cortamambo del año 2000, que encuadra perfectamente en la temática del disco. Inmediatamente nos encontramos con “Miguel Gritar” continuando con la misma línea, seguida por el hit “El Hijo de Hernández” que te hace rememorar a la canción de Damian en Raro. Dentro de este mismo estilo y manteniendo ese nivel encontramos “Mi Lista Negra”, “Mírenme” y “Breve Descripción de mi Persona”, todas canciones características del grupo uruguayo ideales para que las escuchen alguien que quiere empezar a descubrirlos. Para cambiar un poco el clima dentro de Bipolar el bajista Santiago Tavella es el encargado de interpretar “Malherido” y “Primavera” matizando el sonido con el cambio de voz y estilo mas cancionero y relajado.

Como conclusión este nuevo trabajo del cuarteto con la pesada mochila a la que hacia referencia su cantante y todo lo que ello implica no defrauda en ningún momento inclusive supera a Raro en muchos aspectos como en variedad musical y elocuencia a la hora de componer todo esto apoyado en una formula similar a la de su antecesor.

F.V.

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The Smashing Pumpkins – Zeitgeist (2007)

Puntaje del Disco: 5

  1. Doomsay Clock: 8,5
  2. 7 Shades of Black: 7
  3. Bleeding the Orchid: 7
  4. That’s the Way (My Love Is): 7,5
  5. Tarantula: 5,5
  6. Starz: 4,5
  7. United States: 5
  8. Neverlost: 4
  9. Bring the Light: 4
  10. (Come on) Let’s go!: 5
  11. For God and Country: 3
  12. Pomp and Cicumstances: 3

En el año 2006, luego de una separación, los Smashing Pumpkins se volvieron a reunir y… ¿volvieron?

Un año después de anunciar su regreso, editaron el disco que nos compete para alegría de todos aquellos a quienes nos gusta su música. Pero… ¿por qué esto?

El disco es muy flojo, creo que no hacía falta aclararlo, ni siquiera con Corgan acercándose a temáticas sociales (la marea roja en Nueva York…) lo hace zafar. Decepción es la palabra. Decepción es el sentimiento luego de escuchar “Doomsay clock” -por ejemplo- de lo poco no desechable del disco. Es que el primer tema, te impulsa a esa prolífica sensación de que el “status quo” se mantiene firme, que nada cambió: que volvieron los Smashing Pumpkins. De ahí en más todo se viene a pique, un descenso brusco hacía lo inaguantable e inescuchable.

Jimmy Chamberlin tal vez haya tocado como nunca en su vida la batería, pero ni así se evita lo saturado y la enorme bola de sonido que salen de los parlantes al escuchar este disco. Muchas veces, metiendo una gran cantidad de arreglos que la canción no necesita, un exceso total que no se comprende, embarrando aún más las ya embarradas melodías. ¿Estos son los que grabaron un disco como “Gish”?

Promediando el disco la monotonía exaspera. Desde la inentendible “United States”, un tema de 10 minutos de una sesión de metal (?) donde la guitarra de Corgan juega con delays y overdubs, el bajo de Corgan sigue saturadísimo como todo el disco y… sí: Corgan toca bajo, guitarra y además teclados en el álbum. ¿Estos son los que grabaron un disco como “Siamesse dream”?

Ufff…, que inaguantable se hace esto a esta altura. Los últimos temas son penosos. ¿Cómo encontrar respuesta a todas las preguntas? Yo creo que hay una: El ego de Corgan. Esta reunión es la solución a su desapercibida carrera post-Pumpkins. Una nueva oportunidad para demostrar que él es un miembro del olimpo rockero y volver a las primeras planas con el ente que lo dio a conocer, y justamente, ¿qué mejor manera que hacerlo con la joya que le queda? Ahora bien, de los miembros originales sólo Chamberlin, quien tocaba con Corgan previamente a la reunión, aparece como miembro. D’arcy ni siquiera fue llamada, como así tampoco Melissa auf der Maur, quien la reemplazo cuando aquella renunció al grupo en 1999. James Iha decidió no participar. Corgan no llamó a nadie, aprovechó la situación para demostrar su omnipotencia y llevarse al mundo por delante. Pero le salió mal. ¿Estos son los que grabaron un disco como “Mellon Collie and the Infinite Sadness”?

No, definitivamente no.

Bari

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Deep Purple – Stormbringer (1974)

Puntaje del Disco: 5

  1. Stormbringer: 7
  2. Love Don’t Mean a Thing: 5
  3. Holy Man: 5
  4. Hold On: 4
  5. Lady Double Dealer: 7
  6. You Can’t Do It Right (With the One You Love): 5
  7. High Ball Shooter: 6
  8. The Gypsy: 5
  9. Soldier of Fortune: 4

La calidad discográfica de Deep Purple ha tenido, a lo largo de su extensa trayectoria, tantos altibajos como integrantes pasaron por sus filas. Desde su fundación, la banda ha logrado importantes méritos como su disco homónimo de 1969 o su punto más alto con “Machine Head” de 1972. Sin embargo, el primer bajón se produjo con Who do We Think We Are? (que afortunadamente el grupo reencausó su camino con el fenomenal Burn) y luego con el Stormbringer de 1974.

Con un motivo más para ser incluido en los distintos Festivales del Persi Music, Deep Purple literalmente derrapó con este material. En principio, el arte de tapa llama un poco la atención, con un unicornio halado que poco tiene que ver con el espíritu de la banda, sobre todo si consideramos que la foto fue tomada de un verdadero tornado ocurrido en a fines de la década del veinte en un Minnesota.

En lo estrictamente musical, el tema que abre y da nombre al disco es la más rescatable, sin ser tampoco una maravilla. El problema arranca con “Love Don’t Mean a Thing”, que a pesar de que Blackmore y compañía se hagan los duros, el tema termina de ser un blues y se aproxima mucho al pop. “Holy Man” es una balada que me trajo a la mente a Free, pero lejos está de llegar a lo que el grupo de Paul Rodgers hacía por esos años. En “Lady Double Dealer” Purple parece haber recuperado la memoria y destellando buenos momentos, retoma temporalmente la senda que lo hizo exitoso. “You Can’t Do It Right (With the One You Love)” deja de lado ese breve lapso de claridad musical, para continuar con lo que parece haber sido la meta de Deep Purple en este disco: hacer enojar al rock; especialmente con el intento de balada en “Soldier of Fortune”.

Piro

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Agenda del Rock Nacional #39

El comprometido músico francés, Manu Chao, cierra este Sábado 26 de Noviembre su serie de shows por el interior y tres conciertos en Buenos Aires que lo trajeron de vuelta a nuestro país en el marco de la gira “La Ventura”, en el barrio porteño de La Paternal, mas precisamente en el Estadio Cubierto Malvinas Argentinas (Gutenberg 350, Ciudad Autónoma de Buenos Aires).

Este nuevo show del ex Mano Negra que ser agregado debido al éxito de sus primeras presentaciones en Buenos Aires, uno de los lugares del mundo donde Manu es mas querido y visita mas a menudo.

VIERNES 25

  • Babasónicos – Sala Opera (La Plata, Prov. de Buenos Aires) 20:00 Hs.
  • Las Pelotas – Groove (Ciudad de Buenos Aires) 20:00 Hs.
  • Rata Blanca – Estadio Obras (Ciudad de Buenos Aires) 20:00 Hs.
  • Carajo – Museum (Tandil, Prov. de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Kapanga – Disco Low (Sunchales, Santa Fe) 21:00 Hs.
  • Pier – El Teatro Colegiales (Ciudad de Buenos Aires) 20:00 Hs.
  • Mimi Maura – Shapo Disco (La Plata, Prov. de Buenos Aires) 23:00 Hs.
  • Nonpalidece – Anfiteatro Parque del Sur (Ciudad de Santa Fe) 21:00 Hs.
  • Javier Martínez – Bar La Perla (Ciudad de Buenos Aires) 21:30 Hs.
  • Baglietto-Vitale – Teatro Astral (Ciudad de Buenos Aires) 21:30 Hs.
  • Ibrahim Ferrer Jr. – Velma Café (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Tomás Aristimuño – La Oreja Negra (Ciudad de Buenos Aires) 23:30 Hs.
  • Bomba Estéreo – Niceto Club (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Zumbadores – Club M (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Kameleba – Club Tucumán (Quilmes, Prov. de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Pampa Yakuza – La Trastienda Club (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Andando Descalzo – Chill Out (Ituzaingo, Prov. de Buenos Aires) 22:00 Hs.
  • Deborah de Corral – Studio Samsung (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Septi3mbre – Club Imperial (Rosario, Santa Fe) 21:00 Hs.

SABADO 26

  • Manu Chao – Estadio Cubierto Malvinas Argentinas (Ciudad de Buenos Aires) 19:00 Hs.
  • Charly García – Teatro Gran Rex (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Vicentico – Anfiteatro Municipal Humberto de Nito (Rosario, Santa Fe) 21:00 Hs.
  • Ataque 77 e I.R.A. – The Roxy Arcos (Ciudad de Buenos Aires) 23:30 Hs.
  • Kapanga – Willie Dixon Blues Club (Rosario, Santa Fe) 21:00 Hs.
  • Cadena Perpetua – XLR Club (San Miguel, Prov. de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Resistencia Suburbana y Kameleba – Auditorio Oeste (Morón, Prov. de Buenos Aires) 19:00 Hs.
  • El Bordo – The Roxy Córdoba (Ciudad de Córdoba) 21:00 Hs.
  • Luis Salinas – Teatro Municipal de Merlo Enrique Santos Dicepolo (Merlo, Prov. de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Daniel Melero – Teatro de la Cova (San Isidro, Prov. de Buenos Aires) 22:00 Hs.
  • Ojos Locos – El Teatro Colegiales (Ciudad de Buenos Aires) 19:00 Hs.
  • Bulldog, No Relax, Mal Momento y Expulsados – Auditorio Sur (Temperley, Prov. de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Don Vilanova – La Trastienda Club (Ciudad de Buenos Aires) 23:30 Hs.
  • Bomba Estéreo – Niceto Club (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • El Mató a un Policía Motorizado, Rosario Bléfari, Pérez y Sofía Viola – Centro Cultural Islas Malvinas (La Plata, Prov. de Buenos Aires) 17:00 Hs.
  • La Mississippi – Bar Ruta 26 (Pilar, Prov. de Buenos Aires) 23:30 Hs.
  • Maturana – The Roxy Live Bar (Ciudad de Buenos Aires) 19:00 Hs.
  • La Burla y Cliptomacos – Ultra (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.

DOMINGO 27

  • Virus – Teatro Opera (Ciudad de Buenos Aires) 21:30 Hs.
  • El Bordo – Tribus Bar (Ciudad de Santa Fe) 21:00 Hs.
  • Científicos al Palo y Tercer Ojo – Niceto Club (Ciudad de Buenos Aires) 20:00 Hs.
  • Kameleba – Kavul Rock (La Matanza, Prov. de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Bulldog, No Relax, 2 Minutos y Flema – Auditorio Oeste (Morón, Prov. de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • La Mississippi – Club Tucuman (Quilmes, Prov. de Buenos Aires) 23:00 Hs.
  • La Tupaca – The Roxy Live Bar (Ciudad de Buenos Aires) 20:00 Hs.
  • Cirse – La Trastienda Club (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Bomba Estéreo – The Roxy Córdoba (Ciudad de Córdoba) 24:00 Hs.
  • Onda Vaga, Satélite Kingston, Flor de Mambo y más – Centro Cultural Konex (Ciudad de Buenos Aires) 17:00 Hs.
  • Cadan, Casa Naranja y Guerra de Almohadas – Salón Pueyrredon (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
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Charly Garcia – Clics Modernos (1983)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Nos Siguen Pegando Abajo (Pecado Mortal): 9,5
  2. No Soy Un Extraño: 8,5
  3. Dos Cero Uno (Transas): 8
  4. Nuevos Trapos: 8,5
  5. Bancate Ese Defecto: 8
  6. No Me Dejan Salir: 9
  7. Los Dinosaurios: 10
  8. Plateado Sobre Plateado (Huellas En El Mar): 8,5
  9. Ojos De Video Tape: 9

Los ochenta históricamente fueron reconocidos por dilapidar la carrera de numerosos artistas en el plano internacional. El efecto “ochentoso” también fue parte de la Argentina, pero muchos supieron sacarle provecho a ese sonido que llevo a la decadencia a varias leyendas del rock. Charly Garcia fue uno de ellos. Para su segundo disco como solista, Clics Modernos, supo sobrevivir a lo que la corriente lo llevaba, incluso alcanzando para muchos su pico artístico con este trabajo.

El rock de los sesenta y los setenta formaban parte del pasado para Charly. Lejos quedaría la inocencia y pureza de Sui Generis. Incluso con el pelo corto se lo veía en esta época (ya no era un hippie). Ahora Charly encararía su música orientado hacia el New Wave y lo bailable. Es así como decidió grabar Clics Modernos en Estados Unidos junto al productor Joe Blaney, quien trabajó con The Clash en Sandinista!, sesionando con varios músicos Yankees a excepción de su amigo Pedro Aznar en bajo.

Como resultado Clix tiene un marcado sonido ochentoso, con arreglos bailables, sintetizadores y otros recursos de la década, pero que no son usados en forma exagerada (como sí lo hacían otras bandas), sino más bien con cierta ironía. Y el bajo de Aznar es un componente clave dándole constantemente un sonido funk al disco. Si a eso le sumamos un Charly Garcia que por aquel entonces estaba inspirado como compositor, Clics Modernos se transformaría en uno de los álbumes más valorados de su carrera.

Sin embargo, al principio no tendría gran éxito, tomaría mucho más valor en le futuro. Y hay que decirlo: me resulta un poco sobrevalorado y comercial, pero no deja de ser una genialidad del señor del bigote bicolor. Uno no puede quejarse de la cantidad y calidad de clásicos famosísimos de Clics Modernos. Están aquellos hits más dinámicos y pegadizos como “Nos Siguen Pegando Abajo” y “No Me Dejan Salir”. Otros con melodías más pausadas como “No Soy Un Extraño” y “Plateado Sobre Plateado”. Y las reconocidas baladas como “Los Dinosaurios”, temazo a piano de clara referencia a los desaparecidos durante la dictadura militar. También es enternecedora la otra excelente balada del disco “Ojos De Video Tape”.

No hay puntos flojos para marcar. De hecho con el tiempo la mayoría de estas canciones empezarían a sonar en forma constante en las radio del país. Y Clics Modernos se adjudicaría la segunda posición dentro de los mejores discos del rock argentino según la revista Rolling Stone.

Persy

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The Clash – Cut the Crap (1985)

Puntaje del Disco: 2,5

  1. Dictator: 3
  2. Dirty Punk: 4
  3. We Are The Clash: 4,5
  4. Are You Red…Y: 1,5
  5. Cool Under Heat: 1,5
  6. Movers And Shakers: 1,5
  7. This Is England: 6
  8. Three Card Trick: 6
  9. Play To Win: 2
  10. Fingerpoppin’: 4
  11. North And South: 4,5
  12. Life Is Wild: 3

Desde Sandinista! The Clash había dado señales de que estaba ochentizando su sonido, tomando más que nada algunos elementos del reggae, el funk, el gospel que lo hacían muchas veces interesante y otras veces simplemente olvidable. Y que prolongó en Combat Rock. Lo que nunca pensaba es que iba a vender su alma al diablo haciendo semejante mierda como Cut the Crap

Sí, disculpen mis palabras, pero no hay mejor término que defina mejor a Cut the Crap que la palabra “MIERDA”. El disco es tan asqueroso y nauseabundo que no tiene ningún valor musical. Son canciones que de punk no tienen nada, con melodías bobas, y una masa de arreglos tecno, electrónicos, sintetizadores y voces recargadas y deformadas que quedan como el culo y se remiten a las formulas más inmundas creadas en los ochenta. En ese sentido la producción apesta, es abominable, repugnante, odiosa (y cualquier otro adjetivo calificativo de esta índole que se te ocurra).

¿Cómo fue que The Clash llegó a crear esta pesadilla? Bueno… Partamos de la base de que Mick Jones fue expulsado luego de Combat Rock, contratando guitarristas desconocidos en su reemplazo. Quedando Joe Strummer como principal compositor, que evidentemente no estaba inspirado. Pero el verdadero problema fue la intromisión de su manager Bernie Rhodes en la producción del disco. Sí, ese muchacho fue el mayor responsable de la pésima calidad del disco al introducir su insufrible y lapidaria “caja de sonidos”. Y como tal se ganó el derecho de autor al igual que Strummer de las canciones… Un ladri, se tendría que haber ganado el premio al asesino de The Clash, porque terminó de destruir la poca vida que le quedaba a la banda…

Si buscamos rescatar alguna canción del álbum, la única canción comúnmente salvada es “This Is England”, que resulta la única escuchable pero ni siquiera me parece un gran tema. “Three Card Trick” tampoco es malo, es simplemente inofensivo.

El resto es tan terrible como lo venía describiendo antes. Y si buscamos los puntos más bajos y miserables, Cut the Crap te ofrece una seguidilla catastrófica conformada por “Are You Red…Y”, “Cool Under Heat” y “Movers And Shakers”, que son un insulto a los fans de la banda. Con estribillos bochincheros y grandilocuentes, o mejor dicho: patéticos. Ni hablaremos de “Play To Win”, un relleno tan horrible que no se puede entender en lo absoluto.

Como era de esperarse, tiempo más tarde The Clash se terminaría disolviendo y Joe Strummer con el resto de la banda decidieron no reconocer como propio al disco. “Cortaron con la basura” (Cut the Crap) y cada uno siguió con la suya.

Persy

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Prince – Come (1994)

Puntaje del Disco: 5

  1. Come: 6,5
  2. Space: 5
  3. Pheromone: 6,5
  4. Loose!: 6
  5. Papa: 4,5
  6. Race: 5
  7. Dark: 5
  8. Solo: 4,5
  9. Letitgo: 7,5
  10. Orgasm:

Dado a conocer después de que Prince anunciara su decisión de no usar nunca mas dicho nombre para hacerse conocer (por eso la leyenda 1958-1993) y en medio de una disputa casi irreconciliable con su compañía discográfica Warner Bros, Come (1994) se transformo en uno de los peores y menos recordados trabajos de “el artista”.

El omnipotente Prince había llegado a un nivel que podía darse el lujo de hacer un disco tan malo con viejo material descartado de sesiones anteriores solo por un conflicto con su discográfica. Algunas canciones son buenas “Come”, “Pheromone” y “Letitgo”, pero no aportan nada nuevo a lo que escuchamos desde hace mas de una década en el y terminan aburriendo y el resto simplemente no merecen ni una línea para describirlas, siempre teniendo en cuenta la capacidad del artista al que estamos haciendo referencia y el talento indiscutido con el que cuenta. Sin ningún hit el disco fue un fracaso en ventas como era de esperarse.

Luego de este fallido álbum la “muerte” de Prince lo reencarnaría con el alias de “el símbolo” con el que firmaría sus siguientes materiales, muchísimo mas recomendables como The Black Album y The Gold Experience, aun bajo la tutela de Warner del que finalmente podría liberarse en 1996 cuando firmo contrato con EMI y edito Emancipation, titulo que ponía en claro sus sentimientos.

F.V.

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Los Pericos – King Kong (1988)

Puntaje del Disco: 7

  1. Fronteras en América: 8
  2. Uan love:
  3. Levin Rufin Junior:
  4. Ocho ríos7.5
  5. Che nena: 7
  6. Reggae irie: 6
  7. Juntando sangre: 6.5
  8. La pachanga7
  9. Mangos: 7
  10. La bossa: 7

Los Pericos se habían encontrado con el éxito de manera inesperada e inmediata. Su disco debut, El Ritual de la Banana de 1987 catapultó a esta banda, que hacía menos de dos años que se había formado, al estrellato del reggae en la Argentina. Las pegadizas y movidas melodías del estilo jamaiquino produjeron una rápida masificación del grupo en las radios. Como bien lo describió El Bahiano, el grupo transitó el camino inverso a la mayoría de las bandas ya que comenzaron siendo una moda para hacerse de abajo.

Al poco tiempo del debut, Los Pericos lanzaron su segundo material de estudio, conocido como King Kong en alusión al famoso gorila de Hollywood. La producción estuvo a cargo de Herbert Vianna, vocalista del conjunto brasilero Os Paralamas. Nuevamente con el reggea como estandarte, Los Pericos estaban frente a la difícil tarea de, al menos igualar lo hecho con El Ritual de la Banana ya que eran muchas las expectativas puestas sobre el grupo.

“Fronteras en América”, con un tono más caribeño y mezcla de ritmos de los diversos rincones de Latinoamérica es uno de los temas que mayor apego generan y que más sonó entre los medios de difusión. “Uan Lov”, lejos está de ser una alegoría al clásico de Marley y “Levin rufin Junior” no termina de convencer.

Son, en cambio, temas como “Ocho Ríos” y “Che Nena” los que sustentan este disco, que tuvo suceso comercial, pero que no mostró algo nuevo por parte del grupo.

Piro

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Tocando Fondo: Discos Malos de Grandes Bandas – Parte 3

Tercera entrega de uno de los Festivales de Discos más despiadados, dolorosos y lapidarios del Persi Music, con una nueva serie de importantes bandas que llegaron a su nivel artístico más bajo editando álbums que fueron repudiaros por la crítica y la afición en general.

Y para arrancar el maratón, dejamos la encuesta para que elijan y voten desde su punto de vista la banda o artista más decadente de la actualidad. Las opciones son las que se ven en la foto:

  • AC/DC: sigue haciendo lo mismo desde que nació. Y encima repite el mismo setlist calcado en cada una de sus presentaciones.
  • Aerosmith: con el calamitoso estado de Steven Tyler y por estar mucho más cerca de separarse que de sacar un álbum que valga la pena.
  • Axl Rose: sigue robando bajo el nombre de Guns N’ Roses. ¿Cuanto tardó en lanzar Chinese Democracy?
  • Bon Jovi: continua viviendo de sus “grandes éxitos” de los ochenta y edita discos cada vez peores. Existe solo por sus fans.
  • Deep Purple: una leyenda que cambió demasiadas veces de formación solo para sobrevivir y quedó muy lejos de su gloria en los setenta.
  • Kiss: solo tienen su pirotecnia para ofrecer y una infinidad ilimitada de discos malisimos desde los ochenta hasta el día de la fecha.
  • Megadeth: otro engendro de los ochenta que se unde solo cada día que sigue viviendo.
  • Metallica: ya no es lo que era, hace mucho que no es lo que era. Un muerto metalero en potencia.
  • Mick Jagger: el abuelo Stone ya es un dinosaurio cada vez más viejo que mancha su imagen en proyectos que dejan mucho que desear como Superheavy.
  • Phil Collins: uno de los criminales que mayor responsabilidad tuvieron en la decadencia de la década de los ochenta. Y todavía sigue componiendo la misma porquería como si nada…
  • Rod Stewart: la viva imagen de lo que es hacer una discografía impresentable durante décadas enteras. Un viejo que no se rinde pese al nivel impresentable de sus trabajos.
  • U2: considerada como una de las bandas más grandes de la actualidad pero también una de las que más están decayendo últimamente. Qué lejos quedó la época de The Joshua Tree
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Miles Davis – Kind of Blue (1959)

Puntaje del Disco: 10

  1. So What: 10
  2. Freddie Freeloader: 9,5
  3. Blue in Green: 9
  4. All Blues: 9
  5. Flamenco Sketches: 10

Sin lugar a dudas, una de las figuras emblemáticas del jazz. Miles Davis fue un artista que siempre tuvo una constante búsqueda en un género que amplio las posibilidades en la música, su inicial rechazo por parte de la gente blanca americana y la creciente aceptación de un público cada vez más exigente.

Este disco fácilmente y sin discusión alguna podría ser denominado como el más influyente de la música del siglo XX, y aunque creo que exagero, la idea no se aleja mucho de la realidad, pues un álbum que ha sido un referente tanto en el jazz como en futuros géneros como el rock, e incluso un movimiento tan longevo e incomparable como la música clásica no hacen sino demostrar lo grande que fue la música de un movimiento “exclusivo para negros”.

Aún resulta increíble que un álbum tan fresco y lleno de innovación técnicamente hablando sea el resultado final de ideas surgidas a lo largo del proceso de la grabación de esta “master-piece”. Miles Davis tenía visiones claras hacia donde quería llegar con su música, lo único que necesitaba era músicos, grandes músicos para llevar a cabo sus ideas plasmadas en expresiones sonoras.

Miles Davis en la trompeta, Bill Evans en el piano y otro gran referente en el jazz llamado John Coltrane en el saxofón, mas Paul Chambers en el contrabajo y Jimmy Cobb en las percusiones para, en conjunto darle vida a este discazo. Canciones a destacar, pues en este disco las cinco composiciones que lo conforman son excelentes, Desde la inicial “So What” (vaya forma de arrancar el álbum) pasando por la elegante “Freddie Freeloader”,la calma y lenta  “Blue in Green” o la soberbia y emotiva (con un Miles David y un Coltrane ms el piano en perfecta armonía) “Flamenco Sketches”.

El éxito de este Kind of Blue fue inmediato, tanto a nivel de ventas (que es lo de menos) como a nivel musical(es lo de mas)y Miles Davis paso a ser conocido y admirado por jóvenes músicos que años después, harían leyenda, sobretodo en los metidos en el movimiento beat, y de ahí a la cuna hippie y el rock progresivo o art rock.

Lo repito, si hay un álbum que debería estar plasmado en letras de oro y posicionarse como un referente obligatorio para amantes o no del jazz es este.

Mich

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