Led Zeppelin – Presence (1976)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Achilles Last Stand: 10
  2. For Your Life: 6
  3. Royal Orleans: 4,5
  4. Nobody’s Fault But Mine: 8
  5. Candy Store Rock: 4
  6. Hots On For Nowhere: 4
  7. Tea for One: 6

Cuando me refería a que Zeppelin se estaba oxidando desde Physical Graffiti iba muy en serio. Este es el momento que todo fan no desea que llegue, el de la decadencia artística de la banda de sus amores. Presence es un disco bastante irregular en el que se nota que compositivamente el grupo estaba en un mal momento. El disco se caracteriza porque Led Zeppelin deja sus intensiones de explorar nuevos estilos como en Houses of the Holy o Physical Graffiti, y prefiere abordar lo más genérico de hard rock sin la presencia de pianos ni guitarras acústicas.

Como resultado, Zepp parece un conjunto de vejestorios sin ideas y que además perdieron sus mejores cualidades. Si bien ninguno estaban en su plenitud (porque se encontraban sumergidos en sus adicciones y problemas), posiblemente el que más lo sintió fue Robert Plant que grabó el álbum en silla de ruedas y muletas luego del accidente de transito que sufrió por aquel entonces. Tanto lo afectó, que pese a su esfuerzo, su voz suena algo apagada y sin la energía desgarradora que tenía años atrás.

De hecho el accidente de Plant inspiró a la composición del mejor tema de Presence, “Achilles Last Stand”. No solo es el más destacado del disco, también es la gran última canción épica de Led Zeppelin, un canto a la guerra de 10 minutos, apasionante desde lo que hace Jimmy Page en guitarra, que te incita a agarrar una lanza y unirte a Aquiles en su última resistencia… ¿O tal vez la última resistencia de Zeppelin?

Una vez que termina “Achilles”, si no queres angustiarte te recomiendo dejar de escuchar el disco, porque lo que sigue son canciones que marcan el mal momento del grupo. Temas de hard rock bastante inexpresivos, odiosos y nada memorables. “Royal Orleans”, “Candy Store Rock” y “Hots On For Nowhere” son un conjunto de descartes que no son dignos del repertorio de Zeppelin. Por su parte, “For Your Life” es marcado como uno de los temas escuchables, pero desde mi punto de vista es un rocker que no ofrece mucho. La melodía es genérica y las piruetas de Page apenas la salvan.

“Nobody’s Fault But Mine” es otra de las canciones comúnmente rescatadas. Comienza como un tema para el olvido, hasta que su riff empieza a tomar mayor potencia junto con el acompañamiento de la armónica dejando un buen tema, aunque que no esta cerca de ser un clásico de la banda.

Y sobre el final está “Tea for One”, una reescritura mal hecha de “Since I’ve Been Loving You”. Por dios ¿No se dan cuenta que el ritmo es calcado? Con la diferencia de que no están dejando su sangre a la hora de interpretarlo y de que resulta muy poco inspirador. Así y todo, es un heavy blues que safa.

Hay gente que suele defender este álbum. Pero a mi solo me genera desesperación al hacerme la idea de que Zeppelin estaba acabado desde este punto. Solo puedo proteger a “Achilles”, la última obra maestra de su carrera.

Persy

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Historia del Blues

Para cerrar este Festival de Blues les dejamos este video con un breve repaso de su historia.

No se pierdan en el mes de Febrero el Maratón de Discos en Vivo. Esta vez, en su tercera parte repasaremos una nueva serie de discos en vivo con nuevas bandas como protagonistas.

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Pescado Rabioso – Desatormentándonos (1972)

Puntaje del Disco: 9

  1. Blues de Cris: 9
  2. El Jardinero (temprano amaneció): 9
  3. Dulce 3 Nocturno: 8
  4. El Monstruo de la Laguna: 8,5
  5. Serpiente (viaja por la sal) : 9,5
  6. Me Gusta ese Tajo : 7,5
  7. Despiértate Nena: 8,5
  8. Post-crucifixión: 9

Tras la disolución prematura de Almendra, Pescado Rabioso fue el siguiente paso en la carrera musical del flaco Luis Alberto Spinetta. En realidad antes de Pescado Rabioso (Presentado a la prensa en Octubre de 1971) el flaco había editado su primer disco solista pero aun no era momento para embarcarse en su exitosa carrera en solitario.

Al igual que Almendra, Pescado duro muy poco tiempo (apenas un año y medio) pero el desbordante talento y creatividad de Spinetta dejo un legado mas que influyente en la historia del rock nacional con tres discos acreditados a la banda, aunque en realidad Artaud debe considerarse un trabajo solista de Luis Alberto ya que el grupo estaba disuelto y lo grabo con una formación totalmente distinta.

Con Pescado el flaco buscaba un sonido más distorsionado y fuerte. Según Spinetta, “Pescado era un trío inspirado en Pappo’s Blues, pero diferente. Tenía una gran distorsión, pero además había un cantante y letras muy líricas. La música pasaba por partes dulces y luego arremetían con furia las guitarras. Si en Almendra componía con la guitarra acústica, acá lo hacía con la eléctrica. Me rebelaba creando riffs. Creo que fue una etapa medio punk, tan punk como los Who en My generation, los Beatles en Helter skelter o los Stones”.

La primera formación fue con el bajista Osvaldo “Bocón” Frascino y el baterista Black Amaya, dos ex-integrantes de Pappo’s Blues. Para la grabación de su primer material discográfico Desatormentándonos (1972) se incorporaría el tecladista Carlos Cutaia. Desatormentándonos es un disco fuerte pero con mucho lirismo, con ciertos elementos de rock progresivo en “El Jardinero (temprano amaneció)” y “Serpiente (viaja por la sal)”, y canciones totalmente roqueras como “Blues de Cris”.

Para la versión en CD años mas tarde se agregarían tres bonus tracks que no se incluyeron en el disco original y fueron editados como singles anteriormente a la salida de Desatormentándonos: “Me Gusta Ese Tajo”,”Despiértate Nena” y “Post-crucifixión”, le aportan un toque extra al disco para conocer la variedad de ritmos que la banda era capaz de manejar a la perfección.

F.V.

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Muddy Waters – Hard Again (1977)

Puntaje del Disco: 10

  1. Mannish Boy: 10
  2. Bus Driver: 9
  3. I Want to Be Loved: 9,5
  4. Jealous Hearted Man: 9,5
  5. I Can’t Be Satisfied: 9
  6. The Blues Had a Baby and They Named It Rock And Roll: 8,5
  7. Deep Down in Florida: 8.5
  8. Crosseyed Cat: 10
  9. Little Girl: 9

Muddy Waters es sin lugar a dudas una leyenda, definió la escena de Blues de la ciudad de Chicago desde finales de la década del cuarenta hasta su muerte en Abril de 1983, y desde su partida la ciudad del viento nunca se recuperara.

Después de unos cuantos álbumes mediocres en la década del setenta y finales del sesenta y unos cuantos problemas personales que tubo que soportar (Su esposa Geneva murió de cáncer en 1973) la carrera de Muddy parecía acabada. Pero no todo estaba dicho, la clave de su gran retorno con gloria fue aliarse con Johnny Winter, que oficiaría además de productor, junto a el editarían quizás su trabajo mas aclamado Hard Again (1977), una demostración de fuerza y talento para un hombre con nada mas y nada menos que 65 años de edad y una vigencia admirable. Pero claro para semejante regreso Muddy contrato a lo mejor del Blues para que el disco suene como se merecía, músicos de la talla de James Cotton (harmónica), Willie “Big Eyes” Smith (batería) y “Pinetop” Perkins (piano), acompañarían de maravillas a la alucinante voz de Muddy y la guitarra de Winter.

El espectacular comienzo con “Mannish Boy” y “Bus Driver” definen lo superlativo que iba a sonar el resto del disco y que no se esta ante un disco cualquiera. Se percibe un Waters relajado realmente disfrutando el momento de grabación algo que influye de maravillas en la onda de Hard Again que solo se grabo en dos días. Otro punto destacable es el impecable trabajo en la producción de Winter procurando siempre señalar el sonido de Waters. Hay temas en los que se superponen los instrumentos de dos y tres músicos dando una ligera sensación de caos; algo que en el Blues queda muy bien.

Otros pasajes del disco como “I Want to Be Loved”, “Jealous Hearted Man”, “Crosseyed Cat” y el cierre con “Little Girl” no hacen mas que ratificar que Hard Again es algo fuera de lo común y es perentorio ser escuchado por cualquier fanático del género. La sociedad musical entre Waters y Winter no acabaría aquí, los últimos cuatro trabajos hasta la muerte del maestro Muddy Waters (I’m Ready, King Bee, y Muddy “Mississippi” Waters – Live, for Blue Sky) contaron con su producción.

F.V.

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B.B. King – Live at the Regal (1965)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Every Day I Have the Blues: 9
  2. Sweet Little Angel: 9
  3. It’s My Own Fault: 8,5
  4. How Blue Can You Get?: 9,5
  5. Please Love Me: 9
  6. You Upset Me Baby: 8,5
  7. Worry, Worry: 10
  8. Woke Up This Morning: 8
  9. You Done Lost Your Good Thing Now: 9
  10. Help the Poor: 8,5

Si algo resulta difícil, es elegir un disco dentro de la basta carrera y los innumerables discos que editó B.B. King en su trayectoria. Entre ellos Live at the Regal es uno de los que más reputación tiene. Sin embargo, este aclamado álbum en vivo no es de los favoritos del Rey del Blues. Tal vez pensaba que su presentación en el Regal Theater de Chicago no había sido una de sus mejores performances.

Seamos realistas si escuchamos este álbum y lo comparamos con lo que hoy en día se puede encontrar, termina perdiendo su atractivo. Hay que contextualizarlo un poco como lo que es: un disco en vivo de 1965, previo a la etapa más prolifera del Rock, influyente en los cimientos del blues rock y en la aparición de nuevos artistas de Blues como Eric Clapton (quien escuchaba el disco como un libro elemental antes de sus presentaciones). Por todo esto Live at the Regal tiene mucha importancia histórica más haya de lo que pueda opinar el propio B.B. King.

Centrándonos en su exhibición, fue bastante entretenida. King demostraba ser un gran showman, interactuando con su público, que por cierto era muy eufórico. Y desde lo musical se pueden apreciar destellos de su talento como guitarrista de Blues combinándolo por momentos con Jazz, haciendo excelentes interpretaciones de temas propios y de clásicos que inmortaliza con su estilo como “Every Day I Have the Blues” y “How Blue Can You Get?”.

Entre ellos, “Worry, Worry” marca el pico más alto de su show, donde el Rey te atrapa con su improvisación en un increíble solo de guitarra. Son seis minutos absolutamente magistrales. Recomiendo adquirir este álbum solo por esta genialidad.

Persy

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Agenda del Rock Nacional #2


En nuestra segunda Agenda del Rock Nacional la mayoria de los acontecimientos que siguen dando que hablar se encuentran en la costa atlántica. Entre los que se destaca el festival Mardelpop con los mejores grupos under del género.

Se esperan para el mes que viene festivales clásicos como el Cosquin Rock que reunen lo mejor del rock argentino año tras año y que hara delirar a miles de fanáticos que se trasladan hasta la provincia mediterranea desde todo el país.

VIERNES 28
  • Las Pastillas del Abuelo – La Rural de Malagueño (La Perla, Córdoba) 00:00 Hs.
  • Catupecu Machu – Fiesta Nacional del Golfo Azul (Las Grutas, Río Negro) 21:00 Hs.
  • Kevin Johansen – Plaza Primera Junta (Villa Gesell) 22:00 Hs.
  • Dread Mar – GAP (Mar del Plata) 21:00 Hs.
  • Hijos del Oeste – Casbah (Mar del Plata) 21:00 Hs.
  • Viticus – Groove (Ciudad de Buenos Aires) 23:00 Hs.
  • Matías Momandi –  NoAvestruz (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Fiesta Ska: The Relentless, The Skedicts Foundation y Proyecto Ska – Salon Pueyrredon (Ciudad de Buenos Aires) 21:00 Hs.
  • Diego Mizrahi – Anfiteatro de Miramar (Miramar) 21:00 Hs.
  • Los Pakidermos y Venus de Milo – Zwan (Mar del Plata) 00:00 Hs.
SABADO 29
  • No Te Va a Gustar – Parador Arenabeach (Mar del Plata) 15:30 Hs.
  • Festival Mardelpop: Carca, Altocamet, Banda de Turistas, Rosal, Manta Raya, Coco, No Lo Soporto, Acampante & Los Socios del Camping y Serapia – Centro Cultural Victoria Ocampo (Mar del Plata) 18:00 Hs.
  • Vicentico – Sheraton Mar del Plata Hotel (Mar del Plata) 22:00 Hs.
  • Las Pastillas del Abuelo – Anfiteatro Municipal (Mina Clavero, Córdoba) 21:00 Hs.
  • Ratones Paranoicos – Anfiteatro La Isla (Carhué, Prov. Buenos Aires)
  • Kevin Johansen – Anfiteatro Municipal Humberto de Nito (Rosario) 21:00 Hs.
  • Estelares – Arnet Point (Mar del Plata) 17:00 Hs.
  • OConnor – GAP (Mar del Plata) 20:00 Hs.
  • Diego Mizrahi – El Ventanal (Villa Gessel) 23:00 Hs.
  • Kapanga – Low Disco (Sunchales, Santa Fe) 23:00 Hs.
  • Almafuerte – El Teatro Flores (Ciudad de Buenos Aires)
  • Javier Malosetti – Boris Club de Jazz (Ciudad de Buenos Aires)
  • Exilio – El Ayuntamiento (La Plata) 23:00 Hs.
  • Boom Boom Kid – Summum Bar Cultural (Lanus)
  • Trueno Blanco, Gelatina Club y Le Premier Enfant – El Especial (Ciudad de Buenos Aires) 22:00 Hs.

DOMINGO 30

  • Virus – Paseo Las Toscas (Mar del Plata) 22:00 Hs.
  • Nonpalidece – Abbey Road Concert Bar (Mar del Plata) 23:00 Hs.
  • Hijos del Oeste – Parador Las Almas (Villa Gessel) 17:00 Hs.
  • Los Pakidermos y Venus de Milo – Playa Grande (Mar del Plata) 15:00 Hs.
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Albert King – Born Under a Bad Sign (1967)

Puntaje del Disco: 10

  1. Born Under a Bad Sign: 10
  2. Crosscut Saw: 9.5
  3. Kansan City: 8.5
  4. Oh, Pretty Woman: 10
  5. Down Don’t Bother Me: 9
  6. The Hunter: 9.5
  7. I Almost Lost My Mind: 8.5
  8. Personal Manager: 9.5
  9. Laundromat Blues: 10
  10. As The Years Go Passing By: 9
  11. The Very Thought of You: 8.5

 

Si el Rock N’ Roll tenía a su Rey en Elvis, el Blues se erigiría no tanto como una monarquía, sino en un triunvirato de Reyes que se convirtieron en los grandes impulsores del Blues como música masiva. El legendario B.B., Freddie King y Albert King compartían el honor de proclamarse como los principales monarcas del género.

Albert Nelson, tal su verdadero nombre, fue uno de los músicos que mayor influencia generó en el Blues con su guitarra eléctrica. Lucy, como llamaba a su compañera de sesiones, tenía la particularidad de haber mantenido sus cuerdas en la posición original a pesar de que Albert la utilizaba con la mano izquierda. Esta diferencia con el resto fue quizás una de las claves para que King lograra unos sonidos únicos derritiendo las notas para crear un impacto tan fuerte en las generaciones futuras, que grandes como Otis Rush, Robert Clay, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan se hayan visto electrizados por los mismos.

De dura niñez y habiendo trabajado en las plantaciones algodoneras en Arkansas, Albert dio sus primeros pasos en la música en un grupo de góspel para tocar luego con una banda llamada The Groove Boys. En 1953 grabó un disco sin pena ni gloria, pero en 1959 consiguió el primer hit con “I’am a Lonely Man”, al que le seguiría “Don’t Throw Your Love On Me So Strong”. En 1966 firmó con la compañía Stax Records con la que lanzó “Born Under a Bad Sign”, considerado como uno de los discos más populares e influyentes de la década del sesenta.

Tamaña conceptualización no queda chica para este extraordinario álbum, incluido en el Hall de la Fama de los Discos Clásicos del Blues. Desde el primer hasta el último tema, el disco no tiene desperdicio. Cada nota de King en la guitarra es una pincelada del más majestuoso Blues. El track que da nombre a este material es sencillamente espectacular y una de las piedras fundamentales del género. El piano en la escala del blues es el acompañamiento ideal de la guitarra eléctrica de King. Cream, Clapton, Hendrix son sólo algunos de los muchos artistas que versionaron este gran éxito.

“Crosscut Saw” es un cover de un tema proveniente del Delta Blues de principios de los años cuarenta. King se encargó de darle un ritmo más caribeño y aunque mantuvo las letras originales, modificó un verso para hacer un solo de guitarra. Son indudables la notoriedad que toman temas como “Oh, Pretty Woman” (con un estilo más frontal y rebelde), “The Hunter” y “Personal Manager”, con Lucy en su uno de sus puntos más altos.

El disco cierra con “As The Years Go Passing By” y “The Very Thought of You”, dos temas de antaño varias veces interpretados; aunque nunca con la calidad del gran Albert King.

Piro

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Riff – Ruedas de Metal (1981)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Ruedas de Metal: 9
  2. Sordidez: 8,5
  3. El Marques Bajo La Luz: 9
  4. Mucho Por Hacer: 8,5
  5. No Detenga Su Motor: 8
  6. Rayo Luminoso: 8
  7. Necesitamos Mas Acción: 8,5
  8. Alas del Mal: 9
  9. Boff No Puedo Soportarlo Más: 8,5

En 1980 se desarrolló un recital que se conoció como “Adios Pappo’s Blues, Bienvenido Riff”. Como el nombre lo sugería, el evento anunciaría la llegada de la nueva banda de Pappo, Riff, y el fin de la leyenda de Pappo’s Blues.

La historia cuenta que Riff se formaría luego de que el Carpo retornara de su travesía en Europa. Fue durante su viaje que tomó la influencia del New Wave of British Heavy Metal, es decir de bandas como Motörhead y Judas Priest, para armar su nuevo proyecto que se acercaba a un sonido más metalero y se alejaba del Blues.

Su álbum debut no tardaría en llegar, en 1981 editarían Ruedas de Metal. Su portada con una estética similar a cualquiera de Motörhead pero con una moto en lugar de una imagen cadavérica/diabólica ya nos da las pautas de lo que vamos a encontrar. Pappo, como el motoquero que siempre fue, junto a su banda nos ofrece un sonido bien duro y potente, sin embargo nunca alcanza la intensidad y velocidad del Thrash que sí tenía la banda de Lemmy Kilmister. No, Riff es más bien una banda como AC/DC, ubicada sin problemas entre el Hard Rock y el Heavy Metal. De hecho comparten ciertas similitudes, mientras que AC/DC se apoya en los riff ultra poderosos de Angus Young, Riff se apalanca en las cualidades de Pappo. Y cuando alguno se atreve a criticar a AC/DC argumentando que “sus canciones son todas iguales”, a Riff también se le puede reprochar la misma característica.

Desde este aspecto, centrándonos más en Ruedas de Metal lo primero que quiero remarcar es que su hard rock es terriblemente reiterativo. ¿Cuantas bandas de los setenta hicieron un disco como este? Montones. Sin embargo, también quiero decir que su hard rock genérico es irresistiblemente entretenido, aplastante e impecable. Ninguna canción de Ruedas de Metal tiene desperdicio, todas tienen un nivel que van de muy bueno a excelente. Resaltándose algunas por alguna cualidad en particular, como el riff arrollador de la homónima “Ruedas de Metal”, el tremendo solo de guitarra de “El Marques Bajo La Luz” y la potencia impactante de “Alas del Mal”. El resto de sus temas son también remarcables, pero diluyen sus virtudes en sus semejanzas.

El Carpo lo volvió a hacer. No solo hizo que su gente no extrañara a Pappo’s Blues, sino que continuó desarrollándose en el nuevo estilo de Riff que lo siguió consolidando como una figura icónica del Rock Argentino.

Persy

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The Jon Spencer Blues Explosion – Now I Got Worry (1996)

Puntaje del Disco: 8

  1. Skunk: 8
  2. Identify: 6,5
  3. Wail: 8
  4. Fuck Shit Up: 7
  5. 2Kindsa Love: 8
  6. Love All of Me: 8
  7. Chicken Dog: 8,5
  8. Rocketship: 9
  9. Dynamite Lover: 8
  10. Hot Shot: 8
  11. Can’t Stop: 7
  12. Firefly Child: 8,5
  13. Eyeballin: 7,5
  14. B.L. Got Soul: 8,5
  15. Get Over Here: 8
  16. Sticky: 7

Probablemente un purista del blues de vieja guardia se horrorizaría al escuchar que Jon Spencer Blues Explosion es calificado como un grupo de blues. Lo cierto es que algo entendible seria esa apreciación ya que el estilo tan particular de los neoyorquinos es una combinación explosiva de rock alternativo, Indie rock y blues clásico como resultado y sintetizar un poco el estilo del grupo la prensa especializada los ha catalogado como punk blues, una especie de blues anarquizado y experimental bastante interesante. Los Jon Spencer Blues Explosion han sido capaces de crear un nuevo sonido capaz de romper las normas del rock alternativo demostrando una clara devoción por la música con raíces de R&B básico.

Formados en 1991 tras la desaparición de la malograda banda de Jon Spencer, Pussy Galore, a raíz de esto Jon se realinearía con Russell Simins (ex-batería de Honeymoon Killers) y Judah Bauer (guitarra) para formar la Blues Explosion. La formula del grupo se basaba en dos guitarras, una batería y ningún bajo. Sus primeros trabajos dieron que hablar pero seria en 1996 con la edición de Now I Got Worry cuando el grupo mas se acordó del blues. El disco rinde homenaje a dos figuras del blues: Por una parte, Rufus Thomas, cuyo “Bear Cat” fue la primera grabación de éxito en Sun Records e inspiraron los bailes locos y adolescentes de los Rolling Stones participaría en “Chicken Dog”. Por la otra, R. L. Burnside, un verdadero blues man de Mississippi que había girado con la banda en varias ocasiones y que había vivido en sus propias carnes muchas de las miserias del blues al que le dedicaron “R.L. Got Soul”.

Para la JSBX no podría haber límites su excitante y visceral estilo no solo se percibía en sus famosas presentaciones en vivo también se percibían en sus discos de estudio a lo largo de las dieciséis canciones del disco esta sensación se puede percibir fácilmente mostrando sus puntos mas altos en “Rocketship”, “Firefly Child” y las ya mencionadas “Chicken Dog” y “R.L. Got Soul”. A veces tanto griterío y descontrol hace que algunas canciones se pierdan y realmente puedan llegar a estar de mas.

Now I Got Worry quizás no es su trabajo más brillante pero hace foco en dos rasgos significativos de la banda su predilección por el blues clásico (siempre dentro de su estilo tan particular) y su excentricidad a la hora de interpretar sus canciones. JSBX forman parte de un círculo selecto, junto a Beck y algún otro artista, que es capaz de fusionar los sonidos más arraigados con lo más moderno del Indie rock.

F.V.

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Las Pastillas del Abuelo – Por Colectora (2005)

Puntaje del Disco: 8

  1. José: 8
  2. Solo Dios (Almafuerte): 7
  3. Peldaño : 8
  4. Saber cuándo parar (candombe 1): 8
  5. Cubano : 7.5
  6. Skalipso : 8
  7. Cerveza : 7.5
  8. Oscarcito: 7
  9. Perdido (Chakarera): 8
  10. Lo más fino: 7.5
  11. La casada7
  12. Resulta imposible (candombe 2): 7.5

Reggae, candombe, chacarera, Jazz y diversos estilos más son los que se desprenden de escuchar a Las Pastillas del Abuelo, una banda que a principios del nuevo milenio, surgió desde el under porteño. En Mayo de 2002 “La Colorada”, un pequeño teatro ubicado en el barrio de Caballito, fue el escenario del bautismo de Las Pastillas, y desde ese momento las oportunidades se fueron multiplicando hasta llegar en 2005 a tocar en el prestigioso Festival Pepsi Music.

“El Sensei” fue el tema que les abrió camino entre el público masivo, especialmente gracias a la difusión que tuvo a través de Internet. Tal fue el éxito que alcanzó la historia de Hernán que llegó a escucharse en versiones remixadas en diferentes boliches bailables. La popularidad de la canción le permitió a la banda grabar su primer disco, “Por Colectora”, a cargo de la Productora “007 Records”.

Lo interesante del disco es esa muy buena combinación de géneros, siempre enlazados por el rock n’ roll. Habiendo sus miembros estudiado música y arte en escuelas de Buenos Aires y desempeñarse como profesionales, los aportes de diversos estilos están garantizados. No sólo se destacan estas variantes musicales, sino también las letras, que partiendo desde las simples y cotidianas vivencias, llegan fácilmente al oyente.

Varios temas sobresalen ya que cada uno explora en cierto modo esos distintos estilos (candombe en “Saber Cuándo Parar” y “Resulta Imposible”), el ska en “José” con muchas trompetas y “Perdido”.

El éxito sucedáneo a este disco le permitió a Las Pastillas expandir su música a través de diversos rincones de la Argentina, pero sobre todo para seguir contribuyendo a las muy buenas bandas que aparecieron en el último tiempo.

Piro

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John Mayall & the Bluesbreakers – Bluesbreakers With Eric Clapton (1966)

Puntaje del Disco: 9

  1. All Your Love: 9
  2. Hideaway: 9,5
  3. Little Girl: 8,5
  4. Another Man: 7,5
  5. Double Crossin’ Time: 9,5
  6. What’d I Say: 8
  7. Key To Love: 8
  8. Parchman Farm: 7
  9. Have You Heard: 8,5
  10. Ramblin’ On My Mind: 8
  11. Steppin’ Out: 9
  12. It Ain’t Right: 8,5

Luego de que Eric Clapton dejará a los Yardbirds se uniría a los Bluesbreakers como invitado, una banda con claros estandartes de blues ya formados, el estilo en el que Clapton buscaba seguir desarrollándose. La llegada de este guitarrista fenomenal, que se consumó en el trabajo Bluesbreakers With Eric Clapton, fue el elemento que necesitaba John Mayall y su banda para adquirir mayor jerarquía respecto a la que verdaderamente tenían.

Seamos honestos, con todo respeto, los Bluesbreakers son un grupo de segunda línea, o mejor dicho tercer línea dentro de la notoriedad de legendarias bandas que se puede encontrar en los sesenta. La figura de Clapton no solo fomentó al grupo a distinguirse, sino a que los Bluesbreakers hagan su álbum de estudio históricamente más reconocido. Por algo el disco lleva el nombre de Eric como si tuviera un cartel luminoso.

Bluesbreakers With Eric Clapton (también conocido como The Beano Album porque Clapton aparecía en la portada leyendo una copia de dicho comic) fue catalogado como uno de los mejores discos de Blues Británico que se editaron. Epa, debe ser algo sumamente supremo y original. Bueno, ningún álbum de Blues llega a ser enteramente original. Pero lo que sí puedo decir es que The Beano Album es un disco que se destaca sobre el resto por lo entretenido que resulta su Blues.

Cuando me refiero a entretenido me refiero a dos cuestiones: 1) El virtuosismo de Clapton, el joven, el pequeño Eric desparrama talento en todo momento marcando su primacía sobre el resto y acaparando la atención del oyente; 2) Lo accesible y diverso que resulta el disco, y en esto se lleva meritos John Mayall por ser el principal compositor de la banda y porque ninguna de sus canciones aburre.

En la diversidad de The Beano Album podemos encontrar temas en los que predomina la armónica como “Another Man” y “Parchman Farm”, un muy buen solo de bateria en “What’d I Say”, espectaculares canciones instrumentales como “Hideaway” y “Steppin’ Out” que muestran a Clapton en su plenitud (totalmente inspirado), fantásticos covers de hard blues como “All Your Love” de Willie Dixon, y un excelente tema como “Double Crossin’ Time” donde el piano de Mayall se une con la guitarra ultrablusera de Eric para hacer una de sus mejores combinaciones.

Pero la participación de Clapton con los Bluesbreakers sería breve. Al poco tiempo se uniría a otro ex de esta misma banda, Jack Bruce, para empezar a formar los cimientos de Cream.

Persy

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The Paul Butterfield Blues Band – The Paul Butterfield Blues Band (1965)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Born in Chicago: 9
  2. Shake Your Moneymaker: 9
  3. Blues with a Feeling: 8,5
  4. Thank You Mr. Poobah: 10
  5. I Got My Mojo Working: 9
  6. Mellow Down Easy: 9
  7. Screamin’: 9,5
  8. Our Love Is Drifting: 8,5
  9. Mystery Train: 9
  10. Last Night: 9
  11. Look Over Yonders Wall: 9

Nacido en el seno mismo de uno de los puntos neurálgicos del Blues, Paul Butterfield creció rodeado de lo más puro del género. Oriundo de la Ciudad de Chicago, Butterfield fue pionero en su tiempo por llevar los sonidos de la armónica más allá del tradicional estilo afro americano, gracias a su poderosa y original vibra. Su obra le permitió abrirse paso a numerosos artistas blancos que hasta entonces estaban relegados de las delicias del Blues.

Tras conocerse en la Universidad, Butterfield y Elvis Bishop comenzaron a dar juntos los primeros pasos en la música presentándose en los Clubes de la Chicago donde sus talentosos dotes les permitieron expandirse cada vez más. El bajista Jerome Arnold y el baterista Sam Lay (provenientes de la banda de Holowin’ Wolf), se unieron a la causa de Paul y formaron el grupo que llevaría su nombre. Otro Paul, Rotchild de la Productora Elektra Records, les introdujo al guitarrista Michael Bloomfield, con quien el grupo se completaría y darían una serie de sesiones que dejarían a más de uno con la boca abierta. Incluso Bob Dylan reconoció el talento de Paul y compañía al punto de proponerle trabajar juntos.

En 1965 Paul Buttefield Blues Band grabó un disco homónimo, una gran y auténtica expresión del mejor Blues de Chicago. Reemplazadas las guitarras acústicas por eléctricas y con la armónica en un tono más alto y dirigido por los ritmos típicos del Blues, Buttefield logró llevar la música con la creció a nuevos niveles. Tomando mayoritariamente covers (como la muy buena versión de “Born in Chicago” de Nick Gravenites o “Blues With a Feeling” de Walter Jacobs) y sumando temas propios como “Our Love Is Drifting”, el álbum casi no flaquea y mantiene a lo largo de once canciones una soberbia sesión de Blues. Por otra parte aunque las versiones de clásicos del Blues, tales como “Mellow Down Easy” de Willie Dixon son geniales,se destacan dos puntos salientes, ambos instrumentales (“Thank You Mr. Poobah” y “Screamin’”).

“The Paul Butterfield Blues Band” no tuvo tal vez el reconocimiento que se merecía en cuanto a la popularidad que generan los charts; sin embargo, significó una revolución para el Blues y especialmente para los músicos blancos que encontrarían en esta banda un fijo punto de referencia en su objetivo de expandir las maravillas de Blues.

Piro

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Festival de Blues

No todo es Rock en el Persi Music. El blues fue un genero muy influyente que dió nacimiento a las bandas más legendarias de Rock que más nos gustan.

Por eso en este mes (que justamente en la Argentina tiene como condimento el Primer Festival de Blues del país) nuestro primer maratón de discos sera dedicado a este estilo de origén afroamericano que revolucionó las formas de hacer musica. B.B. King, Albert King y Muddy Waters serán algunos de los celebres protagonistas. Sean bienvenidos al Festival de Blues del Persi Music!

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Las Pelotas – Corderos En La Noche (1991)

Puntaje del Disco: 9

  1. Corderos en la Noche: 9
  2. La Vaca y el Bife: 8
  3. Movete: 8,5
  4. Bombachitas Rosas: 9,5
  5. Levanta Polleras: 7,5
  6. Brilla (Shine): 9
  7. Sin Hilo: 9
  8. Veinte Minutos: 7,5
  9. Muchos Mitos: 8,5
  10. Nunca Me Des la Espalda: 8,5

La fatídica muerte de Luca Prodan poco antes de la navidad de 1987 genero la división en dos grupos distintos de Sumo. Por un lado Diego Arnedo y Ricardo Mollo fundarían Divididos y por el otro Alejandro Sokol, Germán Daffunchio y Alberto Troglio Las Pelotas, con una actitud mucho mas cerrada que Divididos se mantuvo en un circuito underground y sin tanto éxito inmediato.

A los anteriormente nombrados se les sumaria en sus comienzos Willy Robles en bajo. Durante los primeros años de la década del noventa la banda se presentaba en vivo constantemente con un objetivo fijo, recaudar dinero para su primer disco. Ya con Marcelo Fink en bajo grabaron finalmente su debut Corderos en la Noche (1991). El álbum se edito solo en vinilo y cassete y contó con la participación de Mollo y Arnedo como invitados especiales, a pesar de la buena onda entre todos los miembros la prensa comparaba a Las Pelotas y Divididos todo el tiempo y hasta se llego a hablar de una cierta enemistad que no existió.

Algunos clásicos de Las Pelotas como “Brilla (Shine)”, “Sin Hilo” y “Bombachitas Rosas” formaron parte de este trabajo inicial de un grupo que sonaba muy bien y tenia mucho que dar, destacándose principalmente en sus presentaciones en vivo con toda la personalidad de un frontman de lujo como el bocha Sokol (recientemente fallecido en Enero de 2009), por ese entonces era común verlos tocar en Cemento, City Pop y otros reductos porteños, aunque su primer presentación multitudinaria llego en 1992 en el festival de La Falda, algo que seria costumbre en la historia del grupo hasta la actualidad. Con toda la popularidad ganada Corderos en la Noche se reedito en formato CD y continua siendo hasta hoy uno de sus discos fundamentales.

F.V.

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Metallica – …And Justice for All (1988)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Blackened: 8,5
  2. …And Justice for All: 8
  3. Eye of the Beholder: 8,5
  4. One: 9,5
  5. The Shortest Straw: 7,5
  6. Harvester of Sorrow: 9,5
  7. The Frayed Ends of Sanity: 8,5
  8. To Live Is to Die: 8
  9. Dyers Eve: 7,5

Disco tras disco Metallica fue creciendo en sus composiciones y sofisticándolas sin perder todo el power inicial de Kill ‘Em All. Durante toda la década del ochenta crecieron como banda y personalmente. La muerte de Cliff Burton significo un punto de inflexión emocional, les llevo tiempo recuperarse, pero como suele decirse el show debe continuar y entonces en su lugar ingresaría el bajista Jason Newsted.

…And Justice for All se grabo en invierno de 1988 y ya para mediados de ese año saldría a las ventas la esperada continuación de su disco más exitoso hasta ese entonces Master of Puppets. Una primera escucha del disco te da una sensación de escuchar algo más ambicioso y complejo que sus antecesores, con estructuras de canciones insólitas y todas largas (casi ninguna baja de los seis minutos). Así y todo el disco incluye algunos de los mejores materiales de Metallica como “Blackened”, “Harvester of Sorrow” y “One”, esta última quizás fue la primera canción de la banda que empezó a hacerse escuchar por el público en general y no solo por los fans de Metallica y del heavy metal en particular.

Las letras oscuras de…And Justice for All tocan temas sensibles como la injusticia política y jurídica, la censura, la guerra y la política nuclear. Algunas de las mas notables son “Harvester of sorrow”, habla de un hombre que se vuelve loco y enfoca toda su locura en su familia asesinándolos y “To Live is to Die”, un homenaje a Burton basado en un riff que había grabado antes de su muerte.

Las opiniones sobre…And Justice for All son diversas algunos la señalan como una obra maestra y el pináculo de los años progresivos de Metallica y otros lo ven como complicado y demasiado ambicioso. Ambas suposiciones tienen algo de cierto hay muy buenas canciones pero les resultaba muy complicado reproducir algunas en sus conciertos, lo que llevo al grupo a una revisión de sus pasos a seguir.

F.V.

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