Molotov – ¿Dónde Jugarán las Niñas? (1997)

Puntaje del Disco: 8

  1. Que no te haga bobo Jacobo: 7
  2. Molotov coktail party: 7,5
  3. Voto latino: 8,5
  4. Chinga tu madre: 8
  5. Gimme the Power: 9
  6. Mátate teté: 6
  7. Más vale cholo: 6,5
  8. Use it or lose it: 7,5
  9. Puto: 8
  10. ¿Por qué no te haces para allá?… al más allá: 7
  11. Cerdo: 7,5
  12. Quítate que ma’sturbas (Perra arrabalera): 8

Como una bomba a punto de explotar, Molotov surgió del under mexicano a mediados de la década de los noventa como una de las pioneras en Latinoamérica en expresar su posición antisistema combinando diversos estilos musicales. Utilizando el doble sentido, el humor “lacra” y varios insultos, la agrupación liderada por Tito Fuentes se encontró con un numeroso público que, cansados de las mentiras de sus gobiernos, llevaron a Molotov hacia un suceso inusitado.

En 1996 y tras tocar en diversas cuevas en la Ciudad de México, Molotov encendió la primera mecha cuando fue telonera de Héroes del Silencio y fue luego de acompañar en un recital a Illya Kuryaki and the Valderramas que un cazatalentos vio que la bomba iba a estallar y les ofreció grabar un disco.

En Julio de 1997 salió a la venta “¿Dónde Jugarán las Niñas?”, parodiando al disco de Maná “¿Dónde Jugarán las Niños?”. La portada del disco mostraba a una adolescente bajándose de un auto con la ropa interior baja en alusión a una prostituta o a una colegiala. A pesar de que muchas tiendas se negaban a vender el álbum, los integrantes de la banda se las ingeniaron para que su música llegara a cuanto fanático encontrasen.

Mezclando el castellano con el inglés y arremetiendo con insultos, lenguaje vulgar y combinando el rock con el hip-hop, Molotov presenta claras influencias en Rage Against the Machine, The Red Hot Chili Peppers y Bestie Boys. Las mismas quedan evidenciadas en casi todo el disco en el que los gritos acaparan gran parte, como en “Más Vale Cholo”.

“Voto Latino”, “Chinga tu Madre” y “Gimme the Power” conforman el tridente más exitoso y expresivo de la reivindicación que Molotov le otorga al poder Latino. “Puto” es otro de los temas que, sea por la controversia que generó o por su composición, se transformó en un clásico de la banda.

“¿Dónde Jugarán las Niñas?” le dio a Molotov un espacio de expresión que muchos jóvenes mexicanos deseaban escuchar. Surgía una banda que sin escrúpulos denunciaban lo que a su entender no anda bien en América Latina.

Piro

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Joy Division – Substance (1988)

Puntaje del Disco: 9

  1. Warsaw: 9
  2. Leaders of Men: 8,5
  3. Digital: 7,5
  4. Autosuggestion: 7
  5. Transmission: 9,5
  6. She’s Lost Control: 9
  7. Incubation: 8
  8. Dead Souls: 8
  9. Atmosphere: 10
  10. Love Will Tear Us Apart: 10
  11. No Love Lost: 8,5
  12. Failures: 9
  13. Glass: 8
  14. From Safety to Where: 7,5
  15. Novelty: 7
  16. Komakino: 7,5
  17. These Days: 8

Luego de la muerte de Ian Curtis muchos discos postmortem de Joy Division se editaron pero ninguno tan completo y abarcativo como Substance, editado en 1988 y ya con un New Orden totalmente consolidado, con singles y lados B que no se pueden encontrar en ninguno de sus dos trabajos editados en forma oficial Unknown Pleasures y Closer.

El álbum deja en claro que no todas sus mejores canciones se encontraron en sus dos discos oficiales. Con un estilo punk, distinto a lo que luego conoceríamos de Joy Division, los temas de su primer EP An Ideal for Living (1978) “Failures”, «Warsaw», «Leaders of Men» y «No Love Lost» dejan bastante en claro que en sus comienzos sonaban distintos pero también muy bien. Substance también incluye una buena versión alternativa de “She’s Lost Control” y los cuatro singles que lanzo la banda mas haya de su discografía oficial incluyendo su hit mas reconocible “Love Will Tear Us Apart” y otras grandes obras como “Trasnsmission”, “Komakino” y “Atmosphere”.

En definitiva es un gran lanzamiento para los fanáticos del grupo y también para los que no conocen en profundidad su música, ya que pueden conocer el sonido de Joy Division aun en forma mas extendida que en sus discos de estudio, pasando por todas sus etapas musicales, viendo los distintos matices en la excelente voz de Curtis que fue cambiando desde sus primeras canciones hasta su muerte y las grandes puntadas de bajo del gran Peter Hook.

F.V.

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Brainiac – Hissing Prigs in Static Couture (1996)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Indian Poker, Pt. 3: –
  2. Pussyfootin’: 8
  3. Vincent Come on Down: 8,5
  4. This Little Piggy: 9
  5. Strung: 8
  6. Hot Seat Can’t Sit Down: 9
  7. The Vulgar Trade:
  8. Beekeepers Maxim: 8,5
  9. Kiss Me U Jacked up Jerk: 7,5
  10. 70 KG Man: 7,5
  11. Indian Poker, Pt. 2:
  12. Nothing Ever Changes: 8,5
  13. I Am a Cracked Machine: 8,5

En pleno auge del rock alternativo, en el año 1992 nacería en Ohio un grupo que tuvo una breve existencia pero que supo destacarse en este género siendo muy original en su corto legado. Esta banda era Brainiac (mismo nombre que un villano de Superman), también conocida como 3RA1N1AC.

Lo que distinguía a Brainiac es que desarrollaba un rock alternativo muy experimental. A estos tipos les encantaba combinar su música con sonidos computarizados (a lo Radiohead) y voces robotizadas, sin perder el sentido de lo que es una melodía pero siendo impredecibles al mismo tiempo. Desarrollando este estilo, Brainiac alcanzaría su pico de creatividad en su tercer trabajo discográfico Hissing Prigs in Static Couture. El mismo es considerado como su mejor disco, distinguido desde mi punto de vista por ser muy sólido y porque cada vez que lo escuchemos se redescubren nuevas virtudes para elogiar.

Veamos lo que ofrece. Los primeros cortes del álbum siembran una dinamita paranoica muy divertida, destacándose especialmente “This Little Piggy” y “Hot Seat Can’t Sit Down”. En el medio también tenemos interesantes canciones como “Strung” y “Beekeepers Maxim” que son más atmosféricas y oscuras. Y los temas que cierran el disco tampoco bajan el nivel. Por ejemplo, “Nothing Ever Changes” tiene una combinación de voces imperdible. Y de gran final está “I Am a Cracked Machine”, un rocker robotizado muy bueno.

Lamentablemente Hissing Prigs in Static Couture sería el ultimo trabajo del grupo. Su líder Tim Taylor fallecería en 1997 en un accidente automovilístico. Y la banda se terminaría desintegrando en su mejor momento.

Persy

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Queen – Queen II (1974)

Puntaje del Disco: 8

  1. Procession:
  2. Father to Son: 8
  3. White Queen (As It Began): 7
  4. Some Day One Day: 7
  5. The Loser in the End: 6.5
  6. Ogre Battle: 8
  7. The Fairy Feller’s Master-Stroke: 7.5
  8. Nevermore: 7
  9. The March of the Black Queen: 7.5
  10. Funny How Love Is: 6.5
  11. Seven Seas of Rhye: 8.5

Tras irrumpir, a principios de la década del setenta con el disco homónimo, como una prometedora banda cargada de talento y grandes destellos, Queen entró en Agosto de 1973 a los estudios Trident de Londres con el objetivo de mejorar lo hecho el álbum debut. En marzo del año siguiente el grupo liderado por Freddie Mercury lanzó “Queen II”. Con la firme idea de que las segundas partes no son siempre malas, esta producción superó ampliamente a su predecesora. Si bien “Queen II” presenta ciertas reminiscencias a “Queen I”, especialmente en cuanto a ese ataque frontal de rock y por contar con dos hits por lado (“Keep Yourself Alive” en el primero y “Seven Seas of Rhye”), en un análisis más profundo se puede apreciar una notable mejoría.

El LP estuvo dividido en el lado Blanco y el Negro, representados por fotos de los integrantes del grupo con atuendos relativos a cada color. No sólo los trajes mostraban esta dicotomía, sino que había una marcada diferencia en lo musical. Mientras que el primer lado, que conluye con “The Loser in the End”, contiene canciones con temas emocionales, la segunda presenta temáticas más oscuras.

Luego del breve instrumental “Procession”, “Father to Son” abre Brian May rockeando con una poderosa guitarra, que también combina con el piano, dando una típica muestra de las variaciones de tonos a los que Queen nos tiene acostumbrados.  En “White Queen (As It Began)”, al igual que en “Some Day One Day” May utiliza la acústica y deja en claro de quién fueron las composiciones de la primera parte del disco. Sólo “The Loser in the End” no estuvo a su cargo, sino Roger Taylor.

En la segunda parte del disco Mercury hace su aparición para cambiar todo radicalmente. De temas relativamente más tranquilos, el álbum da un vuelco a las profundidades del rock para descollar con muy buenos temas. “Ogre Battle” es una gran producción en donde con sonidos de ambiente se recrea la lucha de este monstruo y sus alaridos, interpretados por la brillante voz de Freddie. Conectadas por el piano “Nevermore” continúa en forma de balada a “The Fairy Feller’s Master-Stroke”. Para el final Queen se guardó el plato fuerte del disco. Esas inconfundibles teclas del piano con los riffs de May convirtieron a “Seven Seas of Rhye” en el primer hit de la banda y uno de los clásicos en las presentaciones en vivo.

Gracias a los complejos arreglos y a la mixtura de las canciones, “Queen II” recibió buenas críticas por parte de la prensa especializada e impulsó a la banda a seguir mejorando. La Reina había ascendido un escalón más en su triunfal coronación que llegaría años más tarde con excelentes discos.

Piro

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Bloc Party – A Weekend in the City (2007)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Song for Clay (Disappear Here): 8,5
  2. Hunting for Witches: 8
  3. Waiting for the 7.18: 8
  4. The Prayer: 9
  5. Uniform: 7,5
  6. On: 7
  7. Where Is Home?: 6,5
  8. Kreuzberg: 7
  9. I Still Remember: 8
  10. Sunday: 7
  11. SRXT: 7,5

El vocalista y líder compositivo de Bloc Party Kele Okereke  creo al sucesor del aclamado debut Silent Alarm como su mirada critica de la vida y costumbres en las grandes ciudades en el siglo XXI, pasando por temáticas como las drogas, sexualidad, soledad, racismo, homofobia y terrorismo. El titulo A Weekend in the City y la portada, la vista área de la autopista Oeste de Londres tomada por la fotógrafa alemana Rut Blees Luxemburg surgieron de estos tópicos urbanos a los que hacen referencia las letras.

Musicalmente el objetivo de Bloc Party era despegarse un poco del Indie rock convencional de Silent Alarm y la generalidad de los grupos de la época para introducirse en sonidos electrónicos, distorsiones y una instrumentación más sólida. La banda buscaba acercarse mas a un sonido alternativo al estilo Radiohead o TV on the Radio dejando un poco de lado las guitarras y expandiendo su paleta musical.

Cuando te dispones a escuchar A Weekend in the City, editado finalmente a principios del 2007, al comienzo te da la sensación que lograron su cometido, pero con el correr de los temas la calidad va cayendo y esta ilusión se va deshilachando. Las mejores canciones como “Song for Clay (Disappear Here)”, “Waiting for the 7.18”, “I Still Remember» y “The Prayer” casi en su mayoría se encuentran en la primera parte del disco el resto casi por completo se queda en una búsqueda distinta y valiosa pero nada mas.

La nueva dirección musical de Bloc Party enamoro a los críticos, considerándolos mas maduros y un paso adelante en su carrera, y al publico británico convirtiéndose en un suceso en todo el Reino Unido, pero no logro traspasar muchas mas fronteras (solamente pudo alcanzar los charts en Australia en el resto del mundo).

F.V.

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Manu Chao – Clandestino (1998)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Clandestino: 7,5
  2. Desaparecido: 8
  3. Bongo Bong: 9
  4. Je Ne T’Aime Plus:8,5
  5. Mentira …: 7,5
  6. Lágrimas de Oro: 7
  7. Mama Call:8,5
  8. Luna y Sol: 6,5
  9. Por el Suelo: 8
  10. Welcome to Tijuana: 7
  11. Día Luna… Día Pena: 8,5
  12. Malegría: 8,5
  13. La Vie a 2: 9
  14. Minha Galera: 8
  15. La Despedida: 8
  16. El Viento: 8

Un caso curioso en el mundo de la música es el del francés Manu Chao ajeno totalmente a los grandes circuitos mediáticos y los grandes sellos discográficos es capaz de llenar estadios en toda Latinoamérica y de ser uno de los artistas mas reconocidos en todo el continente.

Nacido en París en 1961, José-Manuel Thomas Arthur Chao es uno de los músicos progresistas más reconocido en el mundo franco e hispanoparlante, este prolífico y políglota cantautor emprende su música de manera crítica y comprometida con las causas de su tiempo (discriminación, desigualdad, guerras, etc.) a partir de textos cargados de preocupaciones sociales y una amplísima combinación de ritmos provenientes de Europa, América Latina y África.

Comenzó su carrera musical en Paris de forma totalmente amateur en grupos como Hot Pants y Los Carayos pero el principio realmente nos sitúa en 1987 cuando junto a un grupo de amigos y su hermano Antoine funda Mano Negra ganándose considerable éxito especialmente en Europa hasta su separación en 1995 y su posterior carrera solista.

El primer álbum solista de Manu, Clandestino (1998), nos transporta a un encantador viaje por un potpurrí de sonidos característicos de America Latina que van desde la salsa, rock, pop francés, rock experimental y tecno, Casi todas las canciones tienen de fondo un extraño sampler que suena como estaciones de radio pirata con relatos de partidos de futbol en portugués y excentricidades de esa índole.

Aportando a la variedad de estilos el disco cuenta con once temas cantados por Chao en español, dos en francés, dos en ingles y una en portugués. A partir del éxito de Clandestino logro hacerse de una identidad y un sonido característico que formaría parte de su música de aquí en adelante. Hay tantas buenas ideas en su primer trabajo que es recomendable no quedarse con su primera escucha y volverlo a escuchar.

A pesar de todo lo que logro y de su fama y exposición Manu es un tipo introvertido como lo explica el mismo: “De adolescente era más observador, a mí nunca me gustó ser el centro de atención, siempre estaba en el rincón más oscuro observando y pensando: por favor que nadie me saque a bailar. Ahora llego a los lugares y todo el mundo me mira, me he acostumbrado pero no es natural para mí. Antes de los conciertos me cuesta, esté donde esté, nunca se me ha quitado, estoy nervioso, inquieto. Daría todo el oro del mundo para cambiar todo, y el plan para esta noche fuera irse al río a pescar, pero luego empieza el show y al segundo de subirme al escenario me siento feliz y después del show ultra feliz”.

Otro aspecto a destacar de Manu es su activa participación militante y antisistema tocando en shows en homenaje al Che Guevara en la habana, Cuba y siempre dejando en claro sus convicciones en cada reportaje: «Ahora hay mucha gente más consciente de que si el mundo capitalista sigue como va, es el fin del planeta, entonces más personas intentan mudar su día a día y vivir de una manera más acorde con las leyes de la naturaleza y la esperanza está por ahí.Es muy difícil prever lo que va a pasar porque estamos en un período de cambio súper fuerte; pero a largo plazo el sueño, y la lucha de cada día, es que aparezca el sol”.

F.V.

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Highlight: Dire Straits

Top Ten de Dire Straits:

  1. Sultans of Swing
  2. Money For Nothing
  3. Walk of Life
  4. Romeo and Juliet
  5. So Far Away
  6. Tunnel of Love
  7. Heavy Fuel
  8. Calling Elvis
  9. Brothers in Arms
  10. Lady Writer

Piro

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Eminem – The Slim Shady LP (1999)

Puntaje del Disco: 8

  1. Public Service Announcement:
  2. My Name Is: 8,5
  3. Guilty Conscience: 9
  4. Brain Damage: 7,5
  5. Paul:
  6. If I Had: 8
  7. 97′ Bonnie & Clyde: 9
  8. Bitch:
  9. Role Model: 8
  10. Lounge:
  11. My Fault: 6
  12. Ken Kaniff:
  13. Cum On Everybody: 8
  14. Rock Bottom: 8,5
  15. Just Don’t Give a Fuck: 8,5
  16. Soap:
  17. As the World Turns: 7,5
  18. I’m Shady: 8
  19. Bad Meets Evil: 7,5
  20. Still Don’t Give a Fuck: 9

Marshal Matters más conocido como Eminem fue el primer rapero blanco en ganarse el respeto de la crítica y en consagrarse en el mundo de la música desde los Beastie Boys. Inclusive genero más impacto y popularidad a nivel mundial que el trío neoyorquino. Eminem es uno de los grandes MCs de su generación, con una rapidez, fluidez e imprevisibilidad pocas veces vista y gracias a su mentor el reconocido rapero y productor americano Dr. Dre consiguió una base sólida musical para combinar su talento innato.

Su debut under Infinite (1996) paso sin pena ni gloria por las bateas de las tiendas discográficas pero para principios de 1999 todo el mundo sabia quien era “Slim Shady”

The Slim Shady LP salio a la luz en Febrero de 1999 generando impacto de inmediato en el mercado americano ocupando el puesto numero dos del ranking de Billboard. El hit que genero el salto a la fama del rapero blanco es la conocidísima, para la gente de mi generación especialmente, «My Name Is» logrando no pasar desapercibido para nadie, podían odiarlo o amarlo pero todos hablaban de el.

Las letras de Marshal generaron controversia de inmediato, sátiras, verdades incomodas desdibujaban la línea entre la realidad y la parodia y nunca estaba claro cuando hablaba en serio y cuando en broma, “Bonnie & Clyde” con la frase “Just the two us” en referencia a el y su pequeña hija habla de cómo se imaginaba matando a su esposa y deshacerse del cuerpo. Obviamente ha habido temas más violentos en la historia del rap pero lo más inquietante para alguna parte de la sociedad norteamericana en esa época que se le opuso de inmediato es con el horror, el detalle y el humor negro con que lo explicaba. Otra canción que genero controversias fue su segundo single “Guilty Conscience” que finaliza con Eminem aconsejándole a un hombre a matar a su esposa después de encontrarlo teniendo relaciones sexuales con otro hombre. Marshal se defendió de sus detractores argumentando que sus letras no debían ser tomadas tan en serio.

El valor agregado de la música de Eminem es el vocabulario amplio, la imaginación y el humor que le imprime a cada verso, ha habido pocos raperos tan bien dotados verbalmente como el diferenciándose claramente de sus contemporáneos. Luego de The Slim Shady LP todo el mundo lo conoció y su esperado siguiente trabajo no defraudaría y continuaría incrementando su éxito y al personaje en si mismo en que se convirtió.

F.V.

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Caifanes – Caifanes (1988)

Puntaje del Disco: 7

  1. Mátenme Porque Me Muero: 8,5
  2. Te Estoy Mirando: 7,5
  3. La Negra Tomasa: 6
  4. Cuéntame Tu Vida: 8
  5. Será Por Eso: 7
  6. Viento: 9
  7. Nunca Me Voy A Transformar En Ti: 5,5
  8. Perdí Mi Ojo De Venado: 7,5
  9. Amanece: 6
  10. La Bestia Humana: 6
  11. Nada: 6

Desde el underground mexicano un grupo de los ochenta poco a poco se iría consolidando ganando más y más adeptos. Este grupo era Caifanes quienes en 1988 lanzarían su disco debut y que en aquellos años eran un cuarteto dark (onda The Cure) conformados por Saúl Hernández (voz y guitarra), Diego Herrera (teclados), Sabo Romo (bajo) y Alfonso André (batería).

El homónimo álbum debut de los Caifos (también conocido como Volumen I) fue importante en el fortalecimiento de la banda, pero al mismo tiempo deja una sensación ambivalente. Por un lado, cuando escuchas a los Caifanes puede resultarte interesante por traer muy buenas influencias de The Cure, R.E.M. y Joy Division, especialmente en la inspirante atmosfera oscura que los caracteriza. Y además hay que remarcar sus buenas intensiones de combinarlo con otros estilos más bien latinos. Pero por otro lado, a veces te dan ganas de golpearlos. Muchas de sus canciones en este disco parecen solo buenas ideas que no saben como ser llevadas a cabo por inmadurez. No terminan de convencer. Y terminan perdiendo en la comparación con grupos similares como Soda o Héroes del Silencio.

De todas formas, hay canciones en las que parecen un grupo ya consolidado, como en “Viento” y “Mátenme Porque Me Muero”, los grandes clásicos del disco, gracias al característico sonido de sus guitarras ochentosas y fantásticas melodías. En cambio en el resto del material, sus canciones sin ser malas pierden un poco su rumbo, se embarran en su mezcolanza de los ochenta, pero mantienen el espíritu gótico del disco. Un ejemplo claro es la balada “Nada” que pese a mantenerte en una nebulosa sombría nunca levanta vuelo.

Por otra parte, cuando los Caifanes tratan de abordar ritmos latinos suenan originales pero no por eso extraordinarios, como pasa en “La Negra Tomasa” (agregada en la reedición del disco), que es una mezcla de una cumbia de Guillermo Rodríguez Fiffe (que es lo que lo hace horrible al tema) con el rock gótico de los ochenta (que es lo que lo hace atractivo).

Por todo esto, Volumen I es un álbum interesante. Pero los que se sucederían en la carrera de los Caifanes serían mejores.

Persy

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The Fall – Live At The Witch Trials (1979)

Puntaje del Disco: 8

  1. Frightened: 8,5
  2. Crap Rap 2/Like to Blow: 7,5
  3. Rebellious Jukebox: 8
  4. No Xmas for John Quays: 6
  5. Mother-Sister!: 8
  6. Industrial Estate: 7,5
  7. Underground Medecin: 8
  8. Two Steps Back: 8,5
  9. Live at the Witch Trials:
  10. Futures and Pasts: 8,5
  11. Music Scene: 7

Si The Velvet Underground fue precursor del proto punk en los sesenta, The Fall simbolizaría el post punk en los ochenta. Con su sonido disfuncional la banda liderada por Mark Smith se transformaría en un pilar que inspiraría a numerosos grupos underground de los ochenta, y sería fundamental en la constitución del rock alternativo.

Escuchar a The Fall implica tener la difícil tarea de tratar de disfrutar música no popular, no comercial y no hitera. Sus canciones son totalmente impredecibles, con estructuras descabelladas y no lineales. Es puro avant garde y experimentación tomado de la versión más pirada de la Velvet Underground o Syd Barrett.

Su álbum debut Live At The Witch Trials cuenta con mucho de eso. Es un disco integrado por canciones muy bizarras, con melodías incomprensibles concebidas por la extraña forma de hacer música de Mark Smith, combinando su particular interpretación vocal, con riffs de guitarra y teclado que se entremezclan generando atmósferas y ritmos caóticos para el oyente. Esto es interesante porque The Fall se hace fuerte y original en su irracionalidad y abstracción. Pero simultáneamente ninguna canción de Live At The Witch Trials es memorable. No hay clásicos para destacar si bien puedo decir que sobresalen canciones punkies como “Futures and Pasts” y “Two Steps Back”.

De todas formas, después de varias oídas y comprendiendo la naturaleza de The Fall como leyenda de culto, Live At The Witch Trials termina siendo un muy buen primer disco.

Persy

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The Polyphonic Spree – Together We’re Heavy (2004)


Puntaje del Disco: 8

  1. A Long Day Continues/We Sound Amazed: 8
  2. Hold Me Now: 9,5
  3. Diamonds/Mild Devotion to Majesty: 8
  4. Two Thousand Places: 8
  5. Ensure Your Reservation:
  6. One Man Show: 8
  7. Suitcase Calling: 7,5
  8. Everything Starts at the Seam: 7
  9. When the Fool Becomes a King: 8,5
  10. Together We’re Heavy: 7,5

Toda la euforia y grandilocuencia con la que se conoció a The Polyphonic Spree en The Beginning Stages Of…. se pondría de manifiesto en su segundo trabajo Together We’re Heavy (2004). Con una propuesta aun más ambiciosa el rock coral sinfónico de la banda liderada por Tim DeLaughter suena pulido y más elaborado.

En la portada de Together We’re Heavy el grupo aparece vestido por túnicas de distintos colores en lugar de las ya características blancas que solían usar. El nuevo listado de temas comienza como una continuación de The Beginning Stages Of… cuyo ultimo track fue “Long Day” en este caso arranca con “A Long Day Continues/We Sound Amazed”. Resulta que los Sprees dividieron sus canciones de una curiosa forma, en secciones, en su primer álbum fueron de la sección 1 a la 10 y en este desde la 11 a la 20.

La clave en la música del grupo es que a pesar de las numerosas capas de sonido, el oyente no se siente abrumado ni aburrido – más despierta interés y son capaces de dejarte una sonrisa en la cara. Especialmente se destacan “Hold Me Now”, el hit del disco, si se lo puede denominar de esta forma y la grandilocuente “When the Fool Becomes a King” escuchar esto es garantía de buen humor.

Si te gusto su debut y te toco tu fibra sensible su música optimista y alegre pero te pareció un poco aburrido, su continuación me resulta más recomendable y adecuada para comenzar a descubrir el estilo particular (valga la redundancia) de este particular grupo.

F.V.

 

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La Portuaria – Devorador de Corazones (1993)

Puntaje del Disco: 7

  1. Devorador de corazones: 7.5
  2. Selva: 8.5
  3. Nada es igual8
  4. Miedo: 5.5
  5. La grieta6.5
  6. En la punta de un cabo: 7
  7. Alguna vez: 6
  8. Portuaria mix: 6
  9. Me quedo contigo6.5
  10. Paso a paso: 6.5
  11. Nena de la lluvia: 7
  12. El pan de cada día: 6.5
  13. Zamba de mi esperanza: 6
  14. Jam session:

La Portuaria fue una de las bandas surgidas a fines de los años ochenta, que junto a Todos Tus Muertos, Babasónicos, El Otro Yo y Super Ratones, formaron la nueva camada del rock nacional. Diego Frenkel en guitarra y voz, Christian Basso en bajo y Sebastián Schachtel en teclados dan forma a esta agrupación que tuvo su primera gran presentación en el Festival Mi Buenos Aires Rock en 1990, cosechando la aceptación del público que se congregó en la avenida 9 de Julio.

Luego de la “Rosas Rojas” de 1989 y “Escenas de la vida amorosa”, en 1993 llegaría el gran suceso para La Portuaria con el lanzamiento del disco “Devoradora de Corazones”. Aunque con el primer corte “El bar del calle Rodney” había sido un éxito, “Selva” sería el mayor hit de la banda hasta entonces. Dentro de la movida conocida como World Beat, la banda de Frenkel desarrollaba una fusión entre lo latino con el jazz, dando una interesante mezcla.

Además de “Selva” también se desprenden otros buenos temas como la pegadiza “Nada es Igual” o “Devoradora de Corazones”.  Sin tanta repercusión “Nena de la Lluvia” es otra interesante composición. El disco aborda diferentes estilos, desde el jazz con “Jam sesión”, el ska con “Portuaria Mix” o el pop “En la punta de un cabo”.

Esa combinación de estilos caracterizó a esta buena banda que se mantendría en la escena del rock argentino durante gran parte de la década de los noventa.

Piro

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