The Beatles – Let it Be (1970)

Puntaje del Disco: 9

  1. Two of Us: 9
  2. Dig a Pony: 8
  3. Across the Universe: 9,5
  4. I Me Mine: 8,5
  5. Dig It:
  6. Let It Be: 10
  7. Maggie Mae:
  8. I’ve Got a Feeling: 9
  9. One After 909: 8
  10. The Long and Winding Road: 8,5
  11. For You Blue: 8
  12. Get Back: 9

Let It Be represento el final de la discografía de los Fab Four a pesar de haberse grabado antes que Abbey Road no fue publicado hasta el 8 de Mayo de 1970, momento en el cual el grupo estaba oficialmente disuelto, Paul McCartney lo había anunciado un mes antes; si bien la ruptura ya era un hecho desde que John Lennon les comunicara el 20 de septiembre de 1969 que abandonaba la nave.

Mucho antes de comenzar la grabación de Abbey Road, McCartney comenzó a gestar un proyecto que inicialmente se llamó «Get Back» y que buscaba la vuelta de la banda a sus orígenes. Material del que se extrajo casi todo lo que luego se conoció como Let It Be con el adicional de la post producción de Phil Spector que añadió su famosa “muralla de sonido” al material para descontento de McCartney y genero muchas criticas en general especialmente por el tratamiento en canciones como “The Long and Winding Road”, «Across the Universe» y «I Me Mine».

A pesar de los esfuerzos de McCartney durante las sesiones de “Get Back”, empezaron a resurgir las diferencias existentes anteriormente y recrudecerse aun más. La presencia de Yoko Ono, en el estudio de grabación, la muerte del manager del grupo desde sus inicios, Brian Epstein, dejó a los Beatles sin representación ni liderazgo, y el individualismo cada vez más acusado de todos los miembros de la banda hicieron de la grabación de «Get Back» una experiencia desagradable, Lennon y McCartney habían perdido el interés por componer juntos y el ambiente estaba tan conflictivo que Harrison abandonó la banda durante diez días. A pesar de todo lo negativo, Let It Be es uno de los mejores discos del cuarteto simplemente porque contiene algunas de sus mejores canciones, no tan brillante como The White Album o Abbey Road, pero sin dudas no mereció la cantidad de criticas que recibió el material en su época ya que de no ser un disco de los Beatles seria uno de los mejores en la discografía de cualquier otra banda. “Two of Us” es una hermosa canción folk que reúne a Lennon y McCartney en las voces, números roqueros como “Get Back” y “I’ve Got a Feeling” son parte importante del material, que además contiene dos de las mejores baladas del grupo en su carrera una de Paul (“Let It Be”) y otra de John (“Across the Universe”).

En el 2003 se edito una versión “de-Spectorizada” del Let It Be original, conocida como Let It Be… Naked que mostraba las versiones crudas de los temas sin la mano del productor, obviamente esto fue idea de Paul que siempre había demostrado su desagrado con lo que Spector había hecho con el último álbum del grupo.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

David Bowie – Pin Ups (1973)

Puntaje del Disco: 6

  1. Rosalyn: 6,5
  2. Here Comes The Night: 7
  3. I Wish You Would: 6,5
  4. See Emily Play: 8
  5. Everything’s Alright: 6
  6. I Can’t Explain: 6,5
  7. Friday On My Mind: 5
  8. Sorrow: 6
  9. Don’t Bring Me Down: 6
  10. Shapes Of Things: 5
  11. Anyway Anyhow Anywhere: 7,5
  12. Where Have All The Good Times Gone?: 6,5

Pin Ups es un compilado de covers que versionó David Bowie de diferentes bandas de los sesenta. Una jugada un poco incomprensible viniendo del duque blanco. En este compilado hay de todo: un par de clásicos de los Who, “I Can’t Explain” y “Anyway Anyhow Anywhere”, un tema de Pink Floyd (“See Emily Play”), dos más de los Yardbirds (“I Wish You Would” y “Shapes Of Things”) y uno de los Kinks (“Where Have All The Good Times Gone?”) entre lo más importante.

Cuando uno escucha estas interpretaciones de Bowie, comprende porque los fans lo desprecian. Esta colección de covers esta muy cerca de ser una porquería bizarra con retoques Glam. La mayoría de las canciones suenan a descartes de medio pelo y en general las versiones originales son abismalmente superiores a las que están aquí presentes.

Basta con escuchar a “I Can’t Explain”. Aquí tenemos una versión mucho más lenta. Parece una canción totalmente distinta, que pierde el carácter de clásico que originalmente tenía. Con “Shape of Things” pasa algo similar. Mientras que la versión de Jeff Beck rockea, acá suena a bosta bastardeada. Y podemos seguir, en “Friday On My Mind” por ejemplo, la interpretación vocal en general deja mucho que desear. Bah, en ningún momento de Pin Ups canta bien Bowie.

Lo que por lo general salva a estos covers, es que el tipo al menos eligió canciones más o menos decentes. Pero no deja de ser un tributo a héroes sesentosos que es preferible pasar por alto dentro de la carrera de Bowie.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Jamiroquai – The Return of the Space Cowboy (1994)

Puntaje del Disco: 8.5

  1. Space Cowboy: 9
  2. Stillness In Time: 7
  3. Half The Man: 7.5
  4. Light Years: 8
  5. Manifest Destiny: 7.5
  6. Kids: 8.5
  7. Mr. Moon: 8
  8. Scam: 8
  9. Journey To Arnhemland: 8
  10. Morning Glory: 7
  11. Just Another Story: 8

La rareza del nombre de la banda y el particular sombrero de Jay Key dejaron de ser hacia 1993 un misterio o una simple imagen. “Emergency on Planet Earth” había colocado al grupo británico en los charts a ambos lados del Atlántico y permitió que el estilo de acid jazz que proponía, sonara con mayor frecuencia en las radios.

En 1994 Jay Key y su banda volvieron al ruedo totalmente recargados. Dispuestos a mejorar su primer disco, “The Return of the Space Cowboy” no temió al efecto “segundo álbum” ya que logró superar a “Emergency”. En esencia similar al debut, en este nuevo material puede apreciarse una mejor selección de temas y una mayor ambición musical.

“Space Cowboy” fue el corte promocional del disco y uno de los grandes hits a lo largo del planeta. La versión incluida en el álbum no contó con la participación de Stuart Zander, sino que en su lugar un tal “Mr X.” se hizo cargo del bajo. “Light Years”, el otro clásico del disco, resume en las simples líneas “I like Jazz” los orígenes musicales que rigen en Jamiroquai. “Mr. Moon” es otro de los destacados del regreso del cobwoy espacial.

Grabado durante la gira promoción de “Emergency”, “Kids” presenta un ritmo continuo y alto que representa la inmadurez de los niños y la letra hace referencia justamente a sus derechos y su estado en el mundo. Considerada por los fans como una de las más poderosas canciones de protesta del grupo, “Scam” se enfoca en los fraudes de quienes los cometen y quienes son envueltos en ellos. Por otro lado, se incluye también el muy buen instrumental “Journey To Arnhemland” en el que se combinan los diversos instrumentos que el grupo utiliza en este estilo de acid jazz.

Una clara evolución se puede entrever en “The Return of the Space Cowboy”, con temas que continúan con el estilo del debut pero que también muestran un mayor compromiso con las letras.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

Interpol – Turn On The Bright Lights (2002)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. : 9
  2. Obstacle 1: 9
  3. NYC: 8
  4. PDA: 8
  5. Say Hello To The Angels: 8,5
  6. Hands Away: 8
  7. Obstacle 2: 9
  8. Stella Was A Diver And She Was Always Down: 8
  9. Roland: 8
  10. The New: 8,5
  11. Leif Erikson: 8

“Enciendan las luces brillantes”, un título irónico y bien puesto para este oscuro disco. Turn On The Bright Lights es el disco debut de Interpol, una banda de Indie rock que rememora el post punk revival.

Turn On The Bright Lights apareció ante el mundo en plena efervescencia del Indie del 2000. Con grupos como The Strokes ya había comenzado el puntapié inicial. Sin embargo Interpol, llevaría su música a un nivel más sombrío, tomando influencia de grupos como The Chameleons y especialmente Joy Division.

En Turn On The Bright Lights nos encontramos con un álbum bastante parejo constantemente acompañado por esa atmosfera apagada que lo hace único. Sin embargo, el disco también es muy uniforme, como a su vez lo fue Is This It de The Strokes. Motivo por el cuál es común encontrar detractores que argumentan que es monótono porque las canciones suenan parecidas. Pero Turn On The Bright Lights no es tan redundante. Con las sucesivas oídas, el indie oscuro de Interpol te termina bombardeando la cabeza hasta resultarte adictivo, descubriendo canciones muy interesantes como “Obstacle 1” y “2”, y el corte sin título.

Si bien Turn On The Bright Lights puede pasar como un trabajo desapercibido por el gran furor del indie de esta época, no deja de ser un disco que merece una oída y supo diferenciarse a su forma entre el resto.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Elastica – Elastica (1995)

Puntaje del Disco: 9

  1. Line Up: 9
  2. Annie: 7,5
  3. Connection: 9,5
  4. Car Song: 8
  5. Smile: 8,5
  6. Hold Me Now: 8
  7. S.O.F.T.: 9,5
  8. Indian Song: 7
  9. Blue: 8,5
  10. All-Nighter: 7
  11. Waking Up: 8,5
  12. 2:1: 8
  13. Stutter: 9
  14. Never Here: 8
  15. Vaseline: 7,5

Elastica se formo oficialmente en el año 1992 cuando Justine Frischmann rompía su noviazgo con el líder y cantante de Suede, Brett Anderson, grupo del cual Justine formo parte como guitarrista. Para su nuevo proyecto Justine unió fuerzas con el baterista Justin Welch, con el que se embarcaron en la difícil tarea de formar una nueva banda poniendo anuncios en revistas musicales británicas de la época como Melody Maker para completar el grupo, en el cual se requería fanáticos del post punk y new wave de fines de los setenta, como Wire, The Clash, etc. Finalmente se les uniría la bajista Annie Holland y la guitarrista y vocalista Donna Matthews.

Para finales de 1993 el grupo logro editar algunos singles que fueron bien recibidos por la prensa como los “Stutter” y “Line Up”. Pero la fama del grupo se agiganto aun mas cuando se conoció el romance entre Justine y la superestrella británica del momento Damon Albarn, cantante de Blur. Finalmente su primer material Elastica no se hizo esperar y salio a la luz en Marzo 1995  juntando los singles que se habían editado anteriormente con nuevos temas, con la interesante particularidad de ser canciones cortas y, roqueras y melódicas a la vez.

“S.O.F.T.”,  “Connection”, “Line Up” y “Stutter” son clásicos instantáneos que hacen de su debut discográfico un material imperdible y convirtieron a Elastica en uno de los punteros del rock ingles de la primera mitad de los noventa. En cuanto a las letras Justine toca temas sexuales como en “Stutter” acerca de la impotencia de un ex novio, “Car Song” habla de lo sexy que suena tener sexo en el auto,  “Line Up” sobre groupies y “Vaseline” no necesita demasiada explicación.

En el Reino Unido Elastica alcanzaría el epicentro de su éxito llegando al numero uno en los charts musicales (en Estados Unidos solamente alcanzaría el puesto 66), cosa que es demás destacable en una época de apogeo de la música británica con Blur y Oasis en su mejor momento.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Radiohead – Hail to the Thief (2003)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. 2+2=5: 9
  2. Sit Down, Stand Up: 5
  3. Sail To The Moon: 8
  4. Backdrifts: 7,5
  5. Go To Sleep: 8,5
  6. Where I End And You Begin: 8
  7. We Suck Young Blood: 7
  8. The Gloaming: 6
  9. There There: 9,5
  10. I Will: 8
  11. A Punchup At A Wedding: 8,5
  12. Myxomatosis: 9
  13. Scatterbrain: 8
  14. A Wolf At The Door: 9

Qué copado! Un disco de Radiohead en donde las canciones tienen dos nombres… La verdad que eso poco importa. Lo interesante de Hail To The Thief es que se presenta como una prolongación de lo que Radiohead venía realizando en Kid A y Amnesiac. Muy bueno, pero acá también aparecen las limitaciones del disco.

Radiohead en esta oportunidad no manifiesta un progreso como si lo venía realizando en sus discos anteriores. Y a pesar de ser un álbum más sólido que Amnesiac, también tiene cortes que a simple vista son relleno. Esto queda reflejado en “Sit Down, Stand Up”, un tema muy pobre para ser Radiohead, en el cual en la primera parte solo repite su nombre y luego te sumerge en una psicosis electrónica enunciando en forma reiterada la frase “The rain drops”. Otro caso es “The Gloaming”, también electrónico, que honestamente está de más y al igual que “The National Anthem” es un corte cuya versión en vivo es arrolladora al lado de la original. “Backdrifts” es dentro de esta categoría el que suena menos redundante.

Pero como comentaba Hail To The Thief es un trabajo oscuro más fuerte que su predecesor, y esto se ve manifestado en que hay una mayor cantidad de clásicos: “2+2=5” es un tema explosivo que no es para nada absurdo como su título lo sugiere; “Myxomatosis” es único por su bizarrisimo riff distorsionado; y “A Wolf At The Door” hace un excelente cierre (junto a “Scatterbrain”) en una de las mejores interpretaciones vocales y melodías del álbum. Sin embargo el mejor de todos es “There There”, un clásico tremendo con sus resonantes tambores que parecen sacados de un ritual indio.

El resto de Hail to the Thief también es muy bueno. “Go To Sleep” es la canción más accesible, muy buena con su uso adictivo de la guitarra acústica. Y si en uno se destaca la guitarra, en “Where I End And You Begin” el bajo suena fantástico generando un clima sombrío como todo el disco. Después nos encontramos con temas en los cuales predomina el piano como la oscura balada atmosférica “Sail To The Moon”, la tétrica “We Suck Young Blood” y la breve “I Will”. Y en el caso de “A Punchup At A Wedding”, una canción a mi modo de ver infravalorada, hay una gran combinación de piano y bajo simultáneamente.

Superior a Amnesiac e inferior a Kid A, Hail To The Thief sería muy bien recibido en la antesala de lo que sería uno de los mejores discos de la última década: In Rainbows.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)

The Kooks – Konk (2008)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. See the Sun: 7,5
  2. Always Where I Need to Be: 9
  3. Mr. Maker: 7,5
  4. Do You Wanna: 8,5
  5. Gap: 8
  6. Love It All: 8
  7. Stormy Weather 7,5
  8. Sway: 8,5
  9. Shine On: 8,5
  10. Down to the Market: 7
  11. One Last Time: 7
  12. Tick of Time: 7,5
  13. All Over Town: 7,5

El segundo trabajo de la ascendente banda británica The Kooks seria bautizado con el nombre de Konk (2008), nombre del estudio de grabación la leyenda viva de la música británica Ray Davies, donde el grupo realizo las sesiones de grabación para su esperado segundo paso en su carrera.

Si algo le faltaba a The Kooks luego de convertirse en figuras de la escena musical de Gran Brataña y tener un disco debut que además de conseguir muy buenas ventas es bastante bueno, era una pelea mediática al estilo Blur vs. Oasis, en este caso todo empezó cuando el guitarrista de los también exitosos Kasabian Serge Pizzorno califico a el rock de los Kooks como “música para chicas” por lo melódicos y acústicos que sonaban, mas haya de las criticas y de parte de la prensa tratando de fogonear el conflicto el mismo Luke Pritchard (Cantante y líder de los Kooks) se encargo de desdramatizar y termino reconociéndolo: “hacemos canciones para chicas”. Es difícil imaginarlos “rockiando duro” como Arctic Monkeys o The Libertines.

Konk en declaraciones previas de Pritchard prometía ser mas agresivo que su disco debut, cosa que terminaría no ocurriendo y mas bien seria una continuación con menos brillo que Inside In Inside Out. Lo bueno de The Kooks es que tienen suficiente potencial para llenar los charts ocupados todo un año con la cantidad de hits y temas pegadizos que nos brindan en esta oportunidad no pararon de sonar en las radios: “Sway”, “Love It All”, “Do You Wanna”, “Shine On” y “Always Where I Need to Be”, algunos mejores que otros, el problema es que muchas veces las letras no tienen mucho que decir como en “One Last Time” donde utiliza el recurso de deletrear el alfabeto. Vale la pena destacar el homenaje al britpop en “Mr. Maker” canción que cambia un poco la onda de Konk que en definitiva esta repleto de hits y baladitas fiel al estilo Kooks.

Algo que ciertamente afecto el juzgamiento a la hora de recibir críticas tan dispares por parte de la prensa fueron otras declaraciones previas de Pritchard que decía tener ochenta canciones escritas para su nuevo álbum, y que de ochenta canciones hayan quedado estas suena bastante raro. Aun así siempre es difícil repetir el exito y conformar a todos con un segundo disco luego de un debut exitoso y hay que darles crédito para su tercer trabajo.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Page & Plant – Walking Into Clarksdale (1998)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Shining in the Light: 8,5
  2. When the World Was Young: 8,5
  3. Upon a Golden Horse: 8
  4. Blue Train: 7,5
  5. Please Read the Letter: 8
  6. Most High: 8,5
  7. Heart in Your Hand: 6
  8. Walking into Clarksdale: 7,5
  9. Burning Up: 6,5
  10. When I Was a Child: 7
  11. House of Love: 7
  12. Sons of Freedom: 6

La reunión entre Page y Plant dejaría algo más que su unplugged No Quarter. Su retorno fue un éxito, permitió recordar a los fans de Led Zeppelin sus mejores épocas. Por eso, años más tarde la pareja zeppeliniana lanzaría un nuevo disco: Walking Into Clarksdale.

En esta ocasión el dúo nos ofrece un álbum compuesto por temas nuevos. Sin embargo, Walking Into Clarksdale es un tanto endeble. Tal vez lo más perjudicial es comparar este disco con cualquiera de Led Zeppelin. Esto es un poroto, que en vez de remitirse a Zeppelin suena más parecido a… Jeff Buckley. Que dos figuras tan preponderantes como Robert Plant y Jimmy Page hayan perdido su identidad es desorbitante, y es por eso que el fan de Zeppelin termina degustando este disco con sensación defraudante.

Pero hay que reconocer que Walking Into Clarksdale no es un disco malo. Sus oscuros cortes de hardrock cuasi metálicos tienen potencial… que lamentablemente pierden. Son canciones poco claras, con estructuras y melodías que varían sin una orientación certera y terminan desconcertando, más que dejándote una impresión agradable. Si por ejemplo escuchan “Burning Up”, uno se termina preguntando a qué querían llegar.

Aún así los clichés de este trabajo a veces funcionan. Puedo decir que el single acústico “Shining in the Light” es muy agradable, que la balada “When the World Was Young” cumple con sus cambios de ritmo y que “Most High” es un número remarcable dentro de su impredecible accionar.

El resto es correcto pero dilapida su promesa en su confusión artística. A pesar de ello Walking Into Clarksdale es preferible a varios de los “mocos” finales de Zeppelin.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Billy Idol – Rebel Yell (1983)

Puntaje del Disco: 8

  1. Rebel Yell: 8.5
  2. Daytime Drama: 7
  3. Eyes Without a Face: 9
  4. Blue Highway: 7
  5. Flesh for Fantasy: 9
  6. Catch My Fall: 8
  7. Crank Call: 7.5
  8. (Do Not) Stand in the Shadows: 8
  9. The Dead Next Door: 7

Una vez asentado como solista y habiendo logrado un gran éxito con su disco debut, Billy Idol volvería en 1983 a conquistar definitivamente el mercado estadounidense. Haciendo honor al título del álbum y la canción homónima, Idol presenta este segundo material como una fuerte combinación new wave pop y hard rock mezclado con sintetizadores, a modo de simplificar la rebeldía que la música y el aspecto punk del artista mostraban.

Gracias a tres de sus más taquilleros hits, “Rebel Yell” ingresó de lleno en las listas norteamericanas e instauraron la figura de Idol como un emblema de los ochenta. Según contó el propio Billy, el nombre “Rebel Yell” corresponde al de una marca de whiskey que vio que los Rolling Stones estaban tomando. Qué mejor motivación que escribir una canción con el combustible que alimentaba a los monstruos británicos!. De similar estilo el disco recopila temas como “Blue Highway” y “(Do Not) Stand in the Shadows”.

En “Eyes Without a Face”, Idol baja un poco los decibeles y demuestra que también puede componer temas no tan rockeros. Lanzado como el segundo sencillo, el tema se convirtió en un éxito inmediato, ayudado por supuesto, como era frecuente en aquellos años, con la difusión del video por MTV. “Flesh for Fantasy”, con un tono sexual y provocativo fue otro de los grandes éxitos en la carrera de Idol.

El resto del disco mantiene la estructura de rock con sintetizadores que logran un trabajo interesante y que en cierto modo muestra una evolución en composición de Idol. Este segundo disco tuvo la colaboración de Steve Stevens, un aclamado guitarrista y compositor. Más allá de la ayuda de Stevens, Idol logró mejorar la producción de su trabajo anterior y se estableció de lleno como una importante figura del rock de los ochenta.

Piro

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 4)