¿Stairway to Heaven, la mejor de la historia?

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Un nuevo mes ha pasado en el Persi Music, y además de festejar nuestro primer cumpleaños queremos compartir con ustedes los resultados de la encuesta sobre el clásico favorito de la gente.

“Stairway to Heaven”, el tema épico de Led Zeppelin, fue consagrado por nuestros lectores como el preferido entre todos con el 16% de los votos. En un segundo puesto quedó “Bohemian Rhapsody” de Queen con el 11,5%, ganandole a “Wish You Were Here” que se ubicó en el tercer lugar con el 11%.

Subimos una nueva encuesta vinculada a un hecho que estuvo sucediendo en los últimos años: la reunión de bandas. ¿Qué grupo separado actualmente te gustaría que vuelva a reunirse? Podes votar desde grupos legendarios como Pink Floyd hasta quiebres recientes como el de Oasis.

Además, a no perderse en Noviembre un nuevo Festival del Persi Music, el maratón de “Discos Malos de Grandes Bandas”. Discos tan malos que te hacen llorar solo porque existen, una especie de antitesis de nuestro “Sos un 10”.

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Highlights: Mejores Solos de Guitarra

Guitarra Fuego Solo

Top Ten de los Mejores Solos de Guitarra:

  1. Led Zeppelin (Jimmy Page) – Stairway to Heaven
  2. Lynyrd Skynyrd (Alen Collins) – Freebird
  3. Jimi Hendrix – Little Wing
  4. Guns N’ Roses (Slash) – Sweet Child O’Mine
  5. Led Zeppelin (Jimmy Page) – Heartbreaker
  6. Derek & The Dominos (Eric Clapton/Duane Allman) – Layla
  7. Jimi Hendrix – Voodoo Child (Slight Return)
  8. Stevie Ray Vaughan – Texas Flood
  9. Steve Vai – For the Love of God
  10. Television (Tom Verlaine) – Marquee Moon
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U2 – Achtung Baby (1991)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Zoo Station: 8
  2. Even Better Than the Real Thing: 8,5
  3. One: 10
  4. Until the End of the World: 9
  5. Who’s Gonna Ride Your Wild Horses: 8,5
  6. So Cruel: 8
  7. The Fly: 9,5
  8. Mysterious Ways: 9
  9. Tryin’ to Throw Your Arms Around the World: 7,5
  10. Ultra Violet (Light My Way): 8
  11. Acrobat: 7,5
  12. Love Is Blindness: 8

Los noventa, una nueva década para U2. Los interminables ochenta los habían dejado como uno de los grupos más importantes de aquella década gracias a The Joshua Tree. Sin embargo, habría que esperar cuatro años para escuchar su próximo álbum (omitiendo a Rattle and Hum, soundtrack de su propio documental). En el medio, el movimiento “Madchester” y el éxito de los Guns N’ Roses habría relegado a U2 a un segundo plano. Además el nacimiento del Grunge, encabezado por Nirvana, comenzaría a transformarse en la sensación del momento. Con todo este sumario de fondo, U2 lanzaría en 1991 (solo 2 meses después de Nevermind), uno de sus trabajos discográficos más importantes: Achtung Baby.

Achtung Baby es un disco que a mi modo de ver marca un antes y un después en su carrera. Con este trabajo U2 se aleja de la delineada frialdad antibélica de The Joshua Tree, enfocanose en un sonido mucho más electrónico, por momentos neo psicodélico (como si estuvieramos hablando de los Stone Roses), que lo encaminaría al U2 comercial que conocemos en estos días.

El disco abre con “Zoo Station”, un corte electrónico experimental que define lo que es todo el trabajo. Lo suceden canciones como “Even Better Than the Real Thing” y “Until the End of the World” que se transforman en clásicos gracias a la estupenda labor de The Edge. Pero si de clásicos hablamos a mi modo de ver hay dos que resaltan claramente: “One” y “The Fly”. “One” es su balada definitiva. Oasis tendra a “Wonderwall” y Radiohead a “Creep”, pero desde esta perspectiva U2 enamoró al público con “One”. En cambio, “The Fly” es único por su espectacular riff, lejos la cosa más rockera de U2 en Achtung Baby. Luego aparecen otras canciones con estructuras convencionales y entre ellas aparecen temas como “Mysterious Ways”, un highlight por su excelente estribillo. También hay lindas baladas de menor jerarquía como “Who’s Gonna Ride Your Wild Horses”, “So Cruel” o “Ultra Violet”. Y para finalizar se encuentran sus canciones más oscuras: “Acrobat”, distinguida por su constante guitarra distorsionada; y “Love Is Blindness”, la canción más sombría que vas a escuchar de U2 en mucho tiempo.

Como verán, U2 se habra tomado su tiempo para volver, pero su retorno con Achtung Baby los volvió a posicionar como la banda grande que fueron también en los noventa y que son hoy en día.

Persy

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Sonic Youth – Sister (1987)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Schizophrenia: 9
  2. Catholic Block: 8,5
  3. Beauty Lies in the Eye: 8
  4. Stereo Sanctity: 7,5
  5. Pipeline/Kill Time: 7,5
  6. Tuff Gnarl: 9
  7. Pacific Coast Highway: 9
  8. Hot Wire My Heart: 9,5
  9. Cotton Crown: 8,5
  10. White Cross: 8,5
  11. Master-Dlk: 9

Si Evol (1986) fue el despegue tanto artístico como comercial para la carrera de Sonic Youth, Sister un año después demostraría la rápida evolución musical del grupo dándoles un sonido característico, despegado de estructuras convencionales de canciones. Los guitarristas Thurston Moore y Lee Ranaldo son los Keith Richards y Mick Taylor del Indie (que luego explotaría en los noventa) con sus guitarras distorsionadas y melodías disonantes desarrollando un trabajo único para su época.

En Sister como nunca antes las canciones de Sonic Youth suenan como realmente canciones y las distorsiones ahora le dan textura y profundidad a su música con algún otro sentido que solo la experimentación.

El disco deja bellas piezas musicales como “Schizophrenia”, “Beauty Lies in the Eye” y muy buenos temas lleno de melodías ruidosas como “Tuff Gnarl”, “Hot Wire My Heart”, “Pacific Coast Highway“ y “Master-Dlk”.

Sonic Youth se encargaría de superarse con su siguiente trabajo Daydream Nation pero Sister es un preámbulo más que interesante para descubrir a un grupo singular, distinto a los demás y de gran influencia para el rock alternativo de las décadas siguientes.

F.V.

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Björk – Post (1995)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Army Of Me: 9,5
  2. Hyper-ballad: 9
  3. The Modern Things: 8,5
  4. It’s Oh So Quiet: 9,5
  5. Enjoy: 9
  6. You’ve Been Flirting Again: 8,5
  7. Isobel: 9
  8. Possibly Maybe: 7,5
  9. I Miss You: 8
  10. Cover Me: 8
  11. Headphones: 8

Debut sería un éxito para Björk en el inicio de su carrera solista, el cual justificaría dos años después con su segundo álbum, Post. Según Björk el disco fue llamado de esa manera porque en el fondo siempre componía las canciones como si fueran una carta a Islandia.

En esta oportunidad Björk nos ofrece un álbum de experimentación con sonidos electrónicos, en algunos casos pesados y en otros más hipnóticos, en detrimento del dance pop que se podía escuchar en algunos pasajes de Debut.

El resultado es un álbum maduro y muy sólido con diferentes gamas para disfrutar. La diversidad de matices que logra en Post está contemplada en fantásticas canciones como “Army Of Me” y “Enjoy”, fieles representantes de los sonidos electrónicos más duros del disco. Aunque también hay cortes con melodías más cálidas como “Hyper-ballad”. Otros puntos altos son su excepcional y divertida versión de “It’s Oh So Quiet”, y la combinación de “You’ve Been Flirting Again” (orquestada como si formara parte de algún soundtrack de Disney) junto a “Isobel” (excelente por su melodía y sus interesantes arreglos). Para finalizar se encuentran “Cover Me” y “Headphones”, los temas más lentos y sedantes de todo Post, capaces de dejar en blanco tu mente.

Estas cualidades de Post denotan que es un trabajo con menos “fiesta” que Debut, pero que simultáneamente demuestra ser un disco más soberbio y audaz que su predecesor.

Persy

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Alice in Chains – Dirt (1992)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Them Bones: 8
  2. Dam That River: 8,5
  3. Rain When I Die: 9
  4. Down in a Hole: 8,5
  5. Sickman: 9
  6. Rooster: 9,5
  7. Junkhead: 8
  8. Dirt: 7,5
  9. God Smack: 8
  10. Iron Gland:
  11. Hate to Feel: 7,5
  12. Angry Chair: 9,5
  13. Would?: 8,5

Alice in Chains es calificada como la banda mas pesada y sombría, orientada al heavy metal de la escena grunge que brillo a principios de los noventa. Se formaron en 1987 en Seattle ciudad nativa también de Nirvana, Soundgarden y Pearl Jam, cuando el baterista y cantante Layne Staley y el guitarrista Jerry Cantrell se conocieron en una fiesta y junto al baterista Sean Kinney y el bajista Mike Starr comenzarían a tocar juntos en clubes de dicha ciudad.

Fueron contratados por Columbia y en 1990 saldría a la venta su disco debut Facelift consiguiendo bastante popularidad en parte, a la difusión de su vídeo “Man in the Box” en MTV y también a la gira promocional que compartieron con artistas consagrados como Iggy Pop y Van Halen.

En medio de la vorágine grunge en Octubre del 92 aparecería su segundo trabajo y tal vez su mejor hasta el momento Dirt disco que hizo de su sonido una marca registrada que muchos se ocuparon de imitar. El disco refleja profundamente los efectos de la heroína especialmente sobre el cantante Staley reflejado en sus duras letras y unido a la guitarra de Cantrell da como resultado un trabajo agresivo y desgarrador. Canciones geniales como “Angry Chair”, “Would?”, “Rooster” y “Down in a Hole” pasarían a la posteridad de la musica grunge y alternativa de la década del noventa.

A pesar del éxito y el reconocimiento obtenido el bajista Mike Starr se alejó de la banda y fue reemplazado por Mike Inez, y comenzaron a correr rumores acerca del futuro del grupo debido al consumo de drogas, en especial por parte de Staley.

F.V.

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Bad Company – Bad Company (1974)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Can’t Get Enough: 8,5
  2. Rock Steady: 7
  3. Ready for Love: 8
  4. Don’t Let Me Down: 6
  5. Bad Company: 9
  6. The Way I Choose: 5
  7. Movin’ On: 8
  8. Seagull: 7

Encuadrada en lo que se conoció a partir de los ’60 como una superbanda (aquellas formadas por integrantes que ya gozaban de fama y popularidad y se unían para crear un nuevo grupo), Bad Company se formó en 1973 por los ex Free Paul Rodgers y Simon Kirke, Mick Ralphs proveniente de Mot the Hoople y Boz Burrell de King Crimson.  La formación se completaba con el manager Peter Grant, quien había guiado a Led Zeppelin al estrellato.

El nombre de la banda toma su origen en la gran afición de Rodgers por el film homónimo de 1972, un western americano dirigido por Robert Benton. El fanatismo sería tal que el disco debut lleva el mismo nombre, así como también el track número cinco. Esta particularidad fue utilizada además por Black Sabath, Iron Maiden, Wilco, entre otras.

Irrumpiendo en pleno fervor por el rock progresivo que ofrecían Pink Floyd o Genesis, “Bad Company” constituye la expresión del rock & roll en su estado natural. Los temas se sustentan principalmente en los dotes vocales de Rodgers y las contantes de guitarra, como es el caso de “Can’t Get Enough” o el bateo rápido en “Movin’ On”.

Por otra parte con toques más bluseros están “Ready for Love” y “Bad Company” en los que bien podrían servir para musicalizar el destierro de un héroe. Lo mismo ocurre en “Don’t let me Down”, cuyo título no merece mayor análisis.

Si bien el álbum tiene ciertos momentos que no resaltan, como “The Way I Choose”, éste ha influido para la aparición de otras bandas de los ‘70 y ’80 como Tom Petty & The Heartbrakers o Boston.

Piro

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Bob Dylan – John Wesley Harding (1967)

bob dylan - John Wesley Harding

Puntaje del Disco: 9

  1. John Wesley Harding: 8,5
  2. As I Went Out One Morning: 8
  3. I Dreamed I Saw St Augustine: 9
  4. All Along The Watchtower: 10
  5. The Ballad Of Frankie Lee And Judas Priest: 9
  6. Drifter’s Escape: 7,5
  7. Dear Landlord: 9
  8. I Am A Lonesome Hobo: 7
  9. I Pity The Poor Immigrant: 7,5
  10. The Wicked Messenger: 6,5
  11. Down Along The Cove: 7
  12. I’ll Be Your Baby Tonight: 8

Luego de un parate de 19 meses por el accidente en moto que había sufrido, Dylan volvería al ruedo editando a finales de 1967 John Wesley Harding. En su retorno, el gran Bob estrena una nueva voz, más cansina, y un estilo diferente al de Highway 61 Revistered y Blonde On Blonde, mucho más enfocado en el Country. Estas características de John Wesley Harding marcan un quiebre en la carrera de Dylan y el inicio de una nueva etapa.

John Wesley Harding es un disco distinto a todo el rock psicodélico que se desarrollaba por aquellos años. De hecho Dylan no consideraba al Sgt. Pepper de los Beatles como una obra maestra. Por eso el country de este disco marca una contrapartida y esta constituido por una instrumentación bastante simple y directa. Desde este aspecto, hay que mencionar los solos de armónica de Dylan, los cuales pueden fastidiarte si no estas acostumbrado a escucharlos, así como pueden interesarte en el acompañamiento de los temas.

John Wesley Harding tendría su éxito, pero personalmente pienso que no alcanza a los mejores trabajos de Dylan. Tal vez por su uniformidad y por ser bastante apacible. Es así como se pueden apreciar canciones tranquilas, con letras atractivas, destacándose clásicos como, “All Along The Watchtower” (inmortalizado luego por Jimi Hendrix), “Dear Landlord” y “The Ballad Of Frankie Lee And Judas Priest”. Este último es interesante por como Dylan recita la letra (recomiendo escucharlo leyéndola). Su moraleja nos enseña a “no estar donde no pertenecemos”.

Persy

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Highlights: Nirvana

Nirvana

Top Ten de Nirvana:

  1. Aneurysm
  2. Smell Like Teen Spirit
  3. In Bloom
  4. About a Girl
  5. Drain You
  6. Heart Shaped Box
  7. All Apologies
  8. Come As You Are
  9. Lithium
  10. You Know You’re Right

F.V.

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The Band – Music from Big Pink (1968)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Tears Of Rage: 8,5
  2. To Kingdom Come: 8
  3. In A Station: 8
  4. Caledonia Mission: 8
  5. The Weight: 9
  6. We Can Talk: 8
  7. Long Black Veil: 8
  8. Chest Fever: 9
  9. Lonesome Suzie: 7,5
  10. This Wheel’s On Fire: 8
  11. I Shall Be Released: 8,5

The Band fue un grupo canadiense de la década de los sesenta y setenta que logró valerse de prestigio dentro de la historia del rock. Este grupo antiguamente se llamaba “The Hawks”, ya que se formó como banda soporte del cantante Ronnie Hawkins. Sin embargo, su suerte cambiaría radicalmente cuando Bob Dylan los invitaría a unírsele. Juntos compartieron varios conciertos entre 1965 y 1966.

Con el tiempo el grupo adoptaría un nuevo nombre “The Band” y empezaría a individualizarse de Dylan para componer su primer disco: Music from Big Pink. El nombre del álbum fue inspirado en el departamento que estaba pintado de rosa en Woodstock, en el cual hicieron varias grabaciones.

Music from Big Pink es un disco que ancla principalmente en el country y el folk rock. En él hacen resaltar las armonías vocales como su principal arma, desarrollando un estilo similar al de bandas como Creedence o Grateful Dead que puede resultarte añejo, pero ciertamente sorpresivo y que logró instalarse con éxito en pleno auge psicodélico.

En Music from Big Pink hacen notar su admiración por Dylan. De hecho la apertura y cierre del disco son canciones del gran Bob: “Tears Of Rage” y “I Shall Be Released”. Por otro lado, sus propios temas muestran su talento. Los mismos llegan en su mayoría de la mano de Robbie Robertson (su guitarrista y principal compositor). Entre ellos se destacan números como “The Weight” (el más aclamado del álbum) y “Chest Fever”.

Gracias a Music from Big Pink, a pesar de no ser tan populares frente al público, The Band sería bien recibido por la crítica especializada.

Persy

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Faces – Long Player (1971)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Bad ‘n’ Ruin: 9
  2. Tell Everyone: 8
  3. Sweet Lady Mary: 8,5
  4. Richmond: 8
  5. Maybe I’m Amazed: 8
  6. Had Me a Real Good Time: 7
  7. On the Beach: 8,5
  8. I Feel So Good: 8,5
  9. Jerusalem: 7,5

1971 fue sin dudas el año de Faces, grupo comandado por el gran Rod Stewart, además de editar su afamado y disco consagratorio A Nod Is as Good as a Wink…to a Blind Horse sacarían al mercado otro material importante en su carrera como Long Player.

En Long Player se mantiene el estilo rockero muy bien interpretado destacándose en el bajo Ronnie Lane y Ron Wood a la cabeza de las guitarras, influenciado claramente por los Stones. El disco abre con su tema quizás mas destacado «Bad ‘n’ Ruin» que esta a la altura de clásicos del grupo como “Stay with me” o “You’re So Rude” y algunas buenas baladas como “Richmond” y “Sweet Lady Mary”. Como particularidad se incluyen dos covers uno del hit de Paul McCartney «Maybe I’m Amazed” y otro del prolifero bluesero americano Big Bill Broonzy  «I Feel So Good».

Los Faces aportarían un disco mas en su mejor nivel Ooh La La (1973) para luego abocarse definitivamente cada uno a sus diferentes proyectos paralelos Rod Stewart a su carrera solista de muchos hits radiales y poco rock y Ron Wood a reemplazar a Mick Taylor en nada mas y nada menos que los Rolling Stones.

F.V.

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Richie Sambora – Undiscovered Soul (1998)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Made In America: 8
  2. Hard Time Come Easy: 8
  3. Fallen From Graceland: 7,5
  4. If God Was a Woman: 7
  5. All The Really Matters: 8
  6. You’re Not Alone: 8,5
  7. In It For Love: 7
  8. Chained: 8
  9. Harlem Rain: 9
  10. Who I Am: 8,5
  11. Downside Of Love: 8
  12. Undiscovered Soul: 7

Luego de haber lanzado el séptimo álbum, “These days”, con su banda Bon Jovi, Richie Sambora se dedica a trabajar en su segundo álbum como solista, seguido de “Stranger in This Town”, que luego llevaría el nombre de “Undiscovered Soul”, el cual seria lanzado en el año 1998 bajo la discográfica Mercury.

El material discográfico comienza con “Made in America”, un tema compuesto principalmente con guitarras acústicas como base, marcando el ritmo del tema, haciendo del mismo algo fresco y pegadizo, derivando en un tema melódico en el cual expresa su vida, los cambios que ah sufrido como también las situaciones que lo han marcado, como fue el asesinato de John Lennon: “Nunca me preocupé mucho por la política, hasta que cumplí los 21. Pero abrí los ojos cuando Lennon encontró su final en un arma. Dejo su inspiración antes de que pudiera decir adiós”.

Luego sigue con “Hard Times Come Easy”, el corte con el cual presento este trabajo discográfico. El sonido del mismo se basa en un folk rock, mas específicamente al estilo de los Rolling Stones, donde busca hacer alusión a que los malos tiempos llegan mas rápido que los buenos, aunque siempre nos podemos llegar a recomponer de ellos.

“Fallen From Graceland”, se encuentra en el tercer lugar y es la primera balada del cd, considerado por algunos como una canción Westcoast, compuesta por una letra desolada, en la cual muestra una luz de esperanza en la ciudad donde nos encontremos, para salir del problema q nos asecha.

Finalizando con “Fallen From Graceland”, Richie toma otro camino por el mismo, dirigiéndose hacia el lado del rock and roll, llegando a ser más bien un hard rock blues dando lugar a “If Hot Was A Woman”, mostrando las diferencias del mundo si dios fuera una mujer.

Inevitable era que aparezca un tema al estilo famoso y costumbre de Bon Jovi, en este categoría entra una balada “AOR” como “All The Really Mathers”, mostrando que lo único que le importa es ella, haciendo referencia a su mujer, con la cual se había recién casado Heather, quien tuvo mucha influencia indirectamente para Richie en lo que fueron varias de las letras de las canciones, sea “Downside of Love” mostrando los altibajos del amor o “In It For Love”, reflejando q es mas fácil resolver los problemas entre dos. Caso aparte es “You’re ot Alone”, donde se destaca principalmente los tonos de vos de Richie como un rockero de blues clásico, aunque el mismo lleva el tema a un hard rock moderno, en relación a la época en la cual se desarrollo el material discográfico, no tanto como el acostumbrado de Led Zeppelin.

“Chained” y “Undiscovered Soul”, los colocaría en el mismo lugar, si bien uno lleva el nombre el cual seria posteriormente el del cd, lo cual no tuvo nada de importancia en mi criterio. A pesar de esto, los temas muestran diversas diferencias entre ellos, el caso de “Chained” que no muestra un cambio de ritmo importante, como si en la letra reflejando los diversos estados de ánimos de la persona en el momento de amar y en el de estar encadenados sin poder hacerlo. “Undiscovered Soul”, es un tema el cual presenta cierto cambio de ritmo, mostrando un sonido mas americano que quiso reflejar Richie a lo largo del disco, en este caso relatando tres historias, las cuales tienen como eje común la superación, lográndolo principalmente a partir de la paciencia, virtud, identidad y alma.

Para el final decidí dejar a los dos mejores temas a mi criterio, los cuales son totalmente distintos entre si, pero en base a su composición son los mejores del material, diferenciándose en cierta forma de los demás:

El primero en hacer referencia es “Who I Am”, mostrando la importancia de aceptarnos comos somos, sin importar los errores cometidos anteriormente. Musicalmente, es el tema mas heavy, por decirlo de alguna forma, si bien pertenece a un hard rock neto, el cual si bien va teniendo determinados cambios de ritmo en el desarrollo de los 7 minutos, con lo cual se puede considerar como una de las principales obras maestras del cd.

Por ultimo, me queda mencionar al mejor sencillo de este material discográfico, el cual a mi criterio es “Harlem Rain”, comenzado con una variedad de arpegios en guitarra acústica, con la cual continua el resto del tema, envolviéndote con su melodía y en la historia que esta narrando.

Si bien este material, no tuvo el éxito comercial que se hubiera esperado, muestra una vez más que Richie Sambora, no es solo reconocido por ser el guitarrista de Bon Jovi. Lógicamente que no se van a encontrar canciones instrumentales como se pueden ver en algún disco de Satriani o Steve Vai, pero si un buen material discográfico que a pesar de todo no pudo alcanzar el éxito moderado, pero éxito al fin de “Stranger In This Town”.

Luquitas Bonjo

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