Oasis – Standing on the Shoulder of Giants (2000)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Fucking in the Bushes: 7
  2. Go Let It Out: 9
  3. Who Feels Love?: 9
  4. Put Yer Money Where Yer Mouth Is: 5
  5. Little James: 7
  6. Gas Panic!: 9
  7. Where Did It All Go Wrong?: 7,5
  8. Sunday Morning Call: 8
  9. I Can See A Liar: 6,5
  10. Roll It Over: 8

Luego de la «embriaguez» de Be Here Now, Oasis se encontraba en un estado de resaca. Según palabras textuales de Noel Gallagher, él se daría cuenta que no tenía material para seguir adelante. Fue entonces que decidió traer con Standing algo que ya existía.

En este trabajo Oasis se aleja de lo que venía realizando. En la búsqueda de un quiebre para retomar un sendero certero en su carrera, fusionó sonidos electrónicos con rock psicodélico propio de los años sesenta. A su vez para suplir los retiros de Guigsy y Bonehead, se incorporarían Andy Bell y Gem Archer en el bajo y la guitarra respectivamente, cuyo papel no sería tan importante como sí lo fue en los trabajos siguientes. Sin embargo, su inclusión significó no solo una nueva formación, sino también nueva etapa del grupo: «Oasis Mark II» (como en su momento también fue Deep Purple Mark II).

Bajo este panorama, el resultado fue Standing On The Shoulder Of Giants un disco irregular, falto de la ambición y actitud que Oasis demostró en sus años iniciales, pero con las intenciones de buscar nuevos caminos experimentales y con buenos momentos para disfrutar.

En este disco, tres cortes que fueron lanzados como sencillos son claramente lo mejor que ofrece Oasis. Entre ellos se encuentra: Go Let It Out, que viene a ser el «típico» hit con gancho comercial del álbum; Who Feels Love?, una delicia psicodélica que emula al tema de Harrison Within or Without You; y por último Gas Panic!, uno de los highlights del disco por su atmosfera amenazadora, que se combina de forma impecable con su letra tenebrosa.

El resto del material tiene cosas que rozan lo mediocre y otras rescatables. Fucking in the Bushes es una decente apertura instrumental, pero sería mucho mejor sin esos innecesarios y bochornosos «Kids running around naked, fucking in the bushes». Little James es la primera canción que aportó Liam (dedicada a su hijo) en la carrera del grupo. La misma no impresiona si se la compara con sus composiciones posteriores. Put Yer Money Where Yer Mouth Is y I Can See A Liar son los rockers del disco, de los más flojos que existen en el catalogo de Oasis. Where Did It All Go Wrong? Y Sunday Morning Call son los decentes temas de Noel. Entre ellos Sunday Morning Call es levemente superior al otro por su melodía y solo de guitarra. Finalmente, la fúnebre Roll It Over es un intento formulaico de Champagne Supernova, con lindo estribillo y melódica, pero inferior a la otra épica.

De está manera Oasis iniciaría un nuevo camino «artístico» en búsqueda de su identidad, deambulando en horizontes de una nueva década.

Persy

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The Darkness – Permission To Land (2003)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Black Shuck: 8
  2. Get Your Hands Off My Woman: 8
  3. Growing on Me: 7
  4. I Believe in a Thing Called Love: 9
  5. Love Is Only a Feeling: 7
  6. Givin’ Up: 7
  7. Stuck in a Rut: 8
  8. Friday Night: 8
  9. Love on the Rocks With No Ice: 7
  10. Holding My Own: 9

Surgida en 1991 en Londres The Darkness es una banda de rock/heavy glam conformada por los hermanos Justin (cantante y guitarrista) y Dan Hawking, guitarrista, Richie Edwards (en reemplazo de Frankie Poullain) en bajo y Ed Graham en bataría. Influenciados por Queen, Kiss, Judas Priest, AC/DC, entre otras, en 2003 lanzaron su disco debut: Permission To Land. Haciendo referencia al título, parece anecdótico que este material haya salido al mercado a duras penas ya que la banda debió costearse la grabación del mismo. Más que pedir permiso, The Darkness se abrió paso en los rankings británicos y alcanzaba la cima un año más tarde.

El disco, compuesto sobre una base rockera, también se apoya en baladas metaleras de los ochenta y con cada canción muestran ciertas características tomadas de sus bandas favoritas. Es así como el álbum comienza con Black Shuck, una estridente canción que hace rememorar la guitarra de Angus Young. En Get Your Hands Off My Woman los increíbles tonos de Justin Hawking se asemejan a los del inigualable Freddy Mercury. Así mismo I Believe in a Thing Called Love toma ciertos rasgos de Queen como los coros que también se repiten en otros temas. Por otro lado Friday Night y Holding On My Own, dos muy buenas baladas, completan este gran trabajo que de alguna forma recrea lo mejor de las bandas de los ochenta.

Piro

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Actualización de «Festivales»

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La sección de «Festivales» ya fue actualizada con el último maraton que se desarrollo de Solistas Mujeres durante el mes de Marzo.

No se pierdan en abril el especial de «Indie Rock del 200o». Los Arctic Monkeys, The Libertines, The Kooks, Kaiser Chiefs y demás grupos de este genero que surgieron en los últimos años estarán presentandose en el Persi Music.

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AC/DC – Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976)

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Puntaje del disco: 9,5

  1. Dirty Deeds Done Dirt Cheap: 9,5
  2. Love at First Feel: 8,5
  3. Big Balls: 9,5
  4. Rocker: 8
  5. Problem Child: 9
  6. There’s Gonna Be Some Rockin’: 8
  7. Ain’t No Fun (Waiting Round To Be A Millionaire): 8,5
  8. Ride On: 9
  9. Squealer: 9,5

Dirty Deeds Done Dirt Cheap es el segundo disco editado fuera de Australia por AC/DC un año después de High Voltage. Salió en 1976 en Europa y en Estados Unidos 5 años mas tarde. A diferencia de su versión australiana serian reemplazados los temas «R.I.P. (Rock in Peace)» y «Jailbreak» por “Rocker” y “Love at First Feel”.

El disco ofrece un resumen perfecto de la primitiva ferocidad en bruto de los primeros años de AC/DC, mostrando a Bon Scott en su esplendor con temas que revelaban a hacer cosas malas e indebidas y algunos graciosos junto con los memorables riffs de Angus Young.

Los temas más recomendables son el clásico que da nombre al álbum “Dirty Deeds Done Dirt Cheap”, el sarcástico “Big Balls”, otro tema histórico en su carrera como “Problem Child”, el blues “Ride On” y el magnifico “Squealer”.

Este trabajo siempre ha sido indicado como uno de los mas olvidados del grupo ya que a la hora de indicar sus mejores discos siempre se viene a la mente Let There Be Rock, Highway to Hell, Back in Black, pero eso no quiere decir que sea uno de los peores es un muy buen disco y esta a la altura de los anteriormente mencionados y es un gran LP para todos los amantes del buen rock.

F.V.

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Jefferson Airplane – Surrealistic Pillow (1967)

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Puntaje del Disco: 10

  1. She Has Funny Cars: 9
  2. Somebody To Love: 10
  3. My Best Friend: 8,5
  4. Today: 9,5
  5. Comin’ Back To Me: 9
  6. 3/5 of a Mile in 10 Seconds: 8
  7. D.C.B.A. – 25: 8
  8. How Do You Feel: 8
  9. Embryonic Journey: 8,5
  10. White Rabbit: 10
  11. Plastic Fantastic Lover: 8,5

Jefferson Airplane es un infravalorado pero muy buen grupo de los sesenta proveniente de San Francisco. Una banda con una clara influencia Byrdiana en su música “folky”. Un grupo que puede tomarse como referente de los años psicodélicos junto a los Doors, Jimi Hendrix y otras excepcionales personalidades de la época.

En 1967, año de pleno auge psicodélico, lanzaron Surrealistic Pillow, el segundo disco de la banda y probablemente el mejor de su carrera. Este LP se caracteriza porque incorporaron en sus filas a Grace Slick, una mujer con una voz tan lujuriosa como su belleza, comparable con la de Janis Joplin.

Surrealistic Pillow es un excelente disco, un bastión del flower power que se codea sin problemas con otros trabajos exitosos como Are You Experienced?, The Piper At The Gates of Dawn, Their Satanic Majesties Request, entre otros.

En este disco plagado de temas melódicos y geniales, hay dos que sobresalen como grandes clásicos del rock: Somebody To Love y White Rabbit. Ambos llegan de la mano de Grace con interpretaciones vocales apabullantes. Pero como decía, las otras canciones, en las que también se combinaban buenas performances de Marty Balin y Jorma Kaukonen en las voces, también son realmente buenas como el primer corte She Has Funny Cars y las “delicadas” Today y Comin’ Back To Me.

Es un álbum con todos los colores, uno de los mejores cultos al hipismo del período.

Persy

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Stevie Ray Vaughan – Texas Flood (1983)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Love Struck Baby: 8,5
  2. Pride and Joy: 9,5
  3. Texas Flood: 9,5
  4. Tell Me: 9
  5. Testify: 9,5
  6. Rude Mood: 8,5
  7. Mary Had a Little Lamb: 9
  8. Dirty Pool: 9
  9. I’m Cryin’: 9
  10. Lenny: 9

Su asombroso estilo para tocar la guitarra llevo a Stevie Ray Vaughan a comandar un revival del blues que estaba lejos de ser popular en los 80’. Influenciado de manera notoria por genios de la guitarra como Jimi Hendrix, BB. King, entre otros, desarrollo un estilo furioso, crudo y explosivo; que más adelante, fue imitado por innumerables guitarristas quienes lo citan como principal influencia.

Nacido en Texas, Estados Unidos el 3 de Octubre de 1954, a los 7 años tuvo su primera experiencia con una guitarra. En el verano de 1970 forma su primera banda y en los siguientes años participo en distintos grupos sin tanto éxito. Hasta que en 1977 formaría su banda definitiva Double Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble) junto a Tommy Shannon (bajo) y Chris Layton (batería).

La fama no le llego de golpe a Stevie en 1982 contribuyo en en disco Let’s Dance de David Bowie y en 1983 es descubierto por John Hammond quien le ofreció un contrato para el sello Epic Records donde grabarían ese mismo año su primer trabajo Texas Flood con el que sería elegido por la revista Guitar Player «Mejor Nuevo Talento», «Mejor Álbum de Guitarra» y «Mejor Guitarrista de Electric Blues».

Texas Flood fue el álbum de blues más popular en mucho tiempo con temas fundamentales como el hit “Pride and Joy”, blues clásicos como “Dirty Pool” y “Lenny” y otros temas donde se destaca la calidad de Vaughan con la guitarra “Mary Had a Little Lamb”, “Tell Me”, “Testify” y el tema que le da el nombre al disco “Texas Flood”.

A partir de su trabajo inicial la carrera de este gran guitarrista seguiría en ascenso en los años 80 hasta que llegaría a su fin con un trágico accidente el 27 de Agosto de 1990 cuando un helicóptero que llevaba a Stevie a Chicago después de una presentación se estrellaba después de su despegue.

F.V.

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Postales Dramáticas: Radiohead en Argentina – Club Ciudad de Bs As 24/03/2009

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Y un día Radiohead llegó finalmente a la Argentina. Después de años de espera, más de 35 mil fanáticos pudimos disfrutar en el Club Ciudad de Buenos Aires al quinteto de Oxford en su gira para promocionar su último trabajo In Rainbows, en el que por el momento es el único Show que brindaron en el país.

En el concierto se presentó un Set List que varió respecto a los otros shows que ya habían dado en México y Brasil, en el que se incluyo casi por completo todas las canciones de In Rainbows (salvo “Faust Arp”) combinándolo con grandes clásicos de la banda de diferentes períodos.

Radiohead salió al escenario cerca de las 21:30 y el recital comenzó con todo con “15 Step”, el primer corte de su último disco. Ya desde este primer tema Thom Yorke demostró la asombrosa calidad que tiene a la hora de cantar. Su voz en vivo suena de la misma manera que en estudio, cualidad que se hizo notar en temas lentos como “Nude y “All I Need”. Luego vinieron los primeros clásicos de discos anteriores “Airbag” y “There There”, que generando los primeros revuelos en el público. Sin embargo, el primer gran momento de la noche fue “Karma Police”, una de las baladas más celebradas y cantadas por la gente, junto a la “multidimensional” y explosiva “Paronoid Android” (cerca del final del recital).

Además de interpretar canciones de In Rainbows como “Weird Fishes/Arpeggi” y “Jigsaw Falling into Place” (unas de las mejores del álbum) junto otros hits de Ok Computer como No Surprises, en el medio del show se sucedieron temas del experimental Kid A como “National Anthem”, “Idiotique” y la siempre bizarra “Everything In Its Right Place”, junto a otros clásicos de Hail To The Thief y Amnesiac como “2+2=5” y “Pyramid Song” respectivamente. De The Bends hubo poco, como si fuera una época a olvidar. Solo “Street Spirit” y “Planet Telex”, esta última fue una grata sorpresa. Pero si de sorpresas hablamos, Radiohead también se dio el gusto de tocar un lado B de In Rainbows, “Go Slowly”, y para conmemorar la trágica época de los desaparecidos (con discursito de Ed O’ Brien incluido) interpretaron “How To Disappear Completely”.

Para cerrar el evento, después de 2 horas de espectáculo, llegó la mediática “Creep”. Le guste al fanático o no, demostró ser un tema inmortal, uno de los más recibidos y coreados por el público.

De esta manera, Radiohead dio un excelente espectáculo. Un recital sofisticado, “flashero” (con tubos de luces que colgaban en el escenario que por momentos parecían que te sumergían en la Matrix), experimental, único, para moverte siguiendo el ritmo “freak” de Yorke, en otras palabras, como solo Radiohead podía hacerlo. Demostrando así que a pesar de no ser tan populares como otros grupos (léase U2 y Coldplay), son la mejor banda de la actualidad.

Persy

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The Yardbirds – Having a Rave Up (1965)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Mr. You’re A Better Man Than I: 9
  2. Evil Hearted You: 8,5
  3. I’m A Man: 8
  4. Still I’m Sad: 8,5
  5. Heart Full Of Soul: 8
  6. Train Kept A Rollin’: 8,5
  7. Smokestack Lightning: 7
  8. Respectable: 7
  9. I’m A Man: 7
  10. Here ‘Tis: 6,5

Los Yardbirds (no confundirse con los Byrds) formaron parte de la famosa Invasión Británica de mediados de los 60. Algunos pueden tomarlo como un grupo de segunda línea si tenemos en cuenta la importancia de las otras bandas (The Beatles, The Rolling Stones, The Who, The Kinks) y sobretodo porque pocos conocen a los Yardbirds en este país. Pero hay un hecho que destacó históricamente a esta banda inglesa por sobre el resto. Parece una leyenda, una fantasía de Disney, que Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page hayan estado en la misma banda. Creanlo o no los Yardbirds pudieron disfrutar de estos 3 legendarios guitarristas, no al mismo tiempo (no es muy común que haya 3 guitarras en la misma banda), pero los tres se iniciaron en este grupejo.

Dentro de la discografía de los Yardbirds, Having A Rave Up fue tomado por muchos críticos como parte del mejor material que se dio a conocer en los sesenta. Este disco improvisado se divide en 2 lados: el lado A está compuesto por 6 canciones de estudio, que contaba con Jeff Beck como guitarrista; y el lado B, formado por 4 canciones en vivo que sobraron del álbum en vivo Five Live Yardbirds y que tenían a Clapton como guitarrista.

Having A Rave Up carece de grandes temas, de hecho este es un defecto que caracterizó a la banda históricamente a la hora de despegar. Por otro lado, lo mejor en este disco a mi juicio se encuentra en las canciones de estudio, siendo Mr. You’re A Better Man Than I, Evil Hearted You, Still I’m Sad y Train Kept A Rollin’ algunas de las más destacadas. Suenen bien pero no son realmente memorables. El segundo lado de Having A Rave Up es intrascendente y podría catalogarse solo como material histórico de la banda, que por aquel entonces tenían hambre de gloria, estando Clapton en sus filas, quien luego se alejaría del grupo para adentrarse en su “Blues” y no para orientarse al camino “Pop” que buscaba la banda.

Persy

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Green Day – Dookie (1994)

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Puntaje del Disco: 9

  1. Burnout: 8
  2. Having A Blast: 7
  3. Chump: 7
  4. Longview: 8
  5. Welcome To Paradise: 9
  6. Pulling Teeth: 8
  7. Basket Case: 10
  8. She: 8
  9. Sassafras Roots: 7
  10. When I Come Around: 9
  11. Coming Clean: 8
  12. Emenius Sleepus: 7
  13. In The End: 7
  14. F.O.D.: 8
  15. All By Myself: 7

Formada a fines de los años ochenta en Berkeley, California, Billy Joe Armstrong y Mike Dirnt formaron su primera banda Sweet Children. Luego se les uniría Al Sobrante en la batería y el conjunto pasaría a tomar el nombre actual.

Influenciado principalmente por los Sex Pistols y The Ramones, Green Day reflotaría la música punk rock que había perdido terreno con el surgimiento en la década de los 90 del grunge.

Tras dos discos de estudios respetables, en 1994 salió al mercado Dookie. Aclamado por la crítica y reconocido con diversas distinciones, este álbum es considerado el mejor del grupo y uno de los más característicos de los últimos años del siglo XX.

El arte de tapa del disco muestra un mundo gobernado por seres caninos y personajes y escenas tan desopilantes y sin sentido, como las figuras de la Mona Lisa, Elvis Presley y una foto de Angus Young.

Basket Case es uno de los sencillos que más difusión tuvo (sobre todo en MTV) y sirvió de impulso comercial para que los acordes del punk rock llegaran a miles de jóvenes post generación X.

Otros sencillos destacables son When I Come Around, She y Welcome To Paradise.

Dookie es un disco esencial para embarcarse en la exitosa carrera de Green Day.

Piro

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The Beatles – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967)

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Puntaje del Disco: 9,5

  1. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band: 9
  2. With a Little Help from My Friends: 9,5
  3. Lucy in the Sky with Diamonds: 9,5
  4. Getting Better: 9
  5. Fixing a Hole: 8,5
  6. She’s Leaving Home: 7
  7. Being for the Benefit of Mr. Kite!: 8
  8. Within You Without You: 9,5
  9. When I’m Sixty-Four: 8,5
  10. Lovely Rita: 8,5
  11. Good Morning Good Morning: 8
  12. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise): 7,5
  13. A Day in the Life: 10

Luego del quiebre tanto de calidad como en importancia que significo Revolver en 1966, los Beatles estaban preparados para dar el siguiente paso y en junio del siguiente año editarían el histórico Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band disco que conceptualmente cambiaría la historia de la música en ese momento, si bien tienen mejores discos este sería distinto en muchos aspectos innovador en el sentido artístico y técnico.

La idea central del álbum consistió en que los Beatles tomasen el papel de La banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta, dejando atrás limitaciones y transformando al rock en objeto de culto. En 13 canciones llevan al límite el concepto del rock, agregando orquestaciones, instrumentos hindúes, grabaciones tocadas al revés y sonidos de animales. Rock psicodélico, baladas, jazz y hasta música oriental se mezclan en Sgt. Pepper.

El disco se destaca por una gran cantidad de muy buenas composiciones de Paul como el tema que da nombre al trabajo “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club”, “Getting Better”, “Fixing a Hole”, Lovely Rita”, una muy buena canción de Harrison como “Within You Without You”. Pero dos temas donde Lennon aporto considerablemente como “Lucy in the Sky with Diamonds” que fue compuesta mayoritariamente por John y principalmente “A Day in the Life” a mi entender son los puntos más altos e importantes del disco.

Sgt. Pepper no solo se destacó por su música, sino por el concepto y la portada diseñada por el artista pop Peter Blake: una fotografía de los cuatro Beatles vestidos como sargentos delante de un collage de rostros célebres, entre los que se cuentan Marilyn Monroe, Marlon Brando, Bob Dylan, Karl Marx entre otros.

F.V.

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Pink Floyd – Atom Heart Mother (1970)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Atom Heart Mother: 8
  2. If: 7
  3. Summer ’68: 8
  4. Fat Old Sun: 8
  5. Alan’s Psychedelic Breakfast: 6

Luego de trabajar como banda sonora para la película More, en 1970 llegaría Atom Heart Mother, un disco que representa un nuevo paso de Pink Floyd hacia el rock progresivo que los hizo grandes.

Atom Heart Mother es un disco más sinfónico que los anteriores. Esta dividido en dos lados. En primer lugar se encuentra la eterna suite instrumental con coros de fondo que lleva el nombre del disco. Atom Heart Mother es realmente una pieza interminable, dura más de 23 minutos (ocupa la mitad del LP) y esta dividida en 6 secciones: “Father’s Shout”, “Breast Milky”, “Mother Fore”, “Funky Dung”, “Mind Your Throats” Please”, and “Remergence”. Teniendo en cuenta su longitud Atom Heart Mother por momentos es tan llevadera (como en “Father’s Shout”) como densa. Esto la hace interesante pero inferior a otras de su misma calaña como Echoes.

En el segundo lado del disco se encuentran en primer lugar 3 canciones que cumplen una decente función de “acompañamiento” (acompañan, pero no sorprenden). Primero está el aporte de Waters If, la cual puede resultar tan lenta que tiende a dormirte. Luego figura Summer ’68 de Wright, el tema más pop del álbum por su melodía. Finalmente, aparece la agradable y delicada balada Fat Old Sun aportada e interpretada por Gilmour.

Para concluir con el álbum y esta segunda parte, está la otra extensa y singular suite, Alan’s Psychedelic Breakfast. En ella vas a escuchar el “arte” de cómo una persona prepara y consume su desayuno con un asombroso nivel de detalle en sus sonidos.

A pesar de no impresionar, ni alcanzar el rotulo de clásico, la influencia de Atom sería esencial para los exitosos trabajos de Pink Floyd que lo sucedieron.

Persy

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Lou Reed – Berlin (1973)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Berlin: 7
  2. Lady Day: 8,5
  3. The Man Of Good Fortune: 8
  4. Caroline Says I: 8,5
  5. How Do You think It Feels: 8
  6. Oh Jim: 7
  7. Caroline Says II: 7
  8. The Kids: 8
  9. The Bed: 7
  10. Sad Song: 8

Luego realizar Transformer con la ayuda de Bowie, Lou Reed se adentraría en su proyecto para producir el que para muchos críticos fue el disco más ambicioso de su carrera y el más depresivo de la historia: Berlin.

Berlin es un album conceptual que cuenta la trágica historia de amor entre un traficante de drogas americano de nombre Jim y una prostituta drogadicta alemana llamada Caroline, trancurriendo todo en la capital de Alemania.

Respecto a su música, se puede decir que es un disco en el que por momentos predomina el piano imprimiendo un sonido cabaretesco, como el reconocido Hunky Dory de David Bowie, sumandosele además guitarras, organos y diversos instrumentos que dejan una espeluznante atmósfera depresiva. Por otro lado, se nota la ausencia de gancho comercial. Desde ese ángulo se puede hallar la falla del disco. Es un álbum bastante lento, oscuro y macabro. Sus letras son incluso más crudas que las de Transformer, como sucede en The Kids, donde se narra la separación de la madre de sus hijos por sus problemas. Un tema triste con los chicos gritando por su madre de fondo, tan depresivo como The Bed, la cual implica el suicidio. Dentro de este conjunto de canciones las que más sobresalen son Lady Day y Caroline Says I, pero no se acercan a los mejores temas que Lou Reed dió a lo largo de su carrera. Hay muy buenos temas pero ninguno llega a alcanzar el nivel de hits como Perfect Day o Satellite Of Love.

Por estos motivos Berlin no fue del todo exitoso comercialmente. Además, durante 33 años Reed no interpretó este album en vivo. Sin embargo, en el 2006 se dió el gusto y luego se hizo una pelicula basandose en los shows que brindó en St. Ann’s Warehouse Brooklyn.

Persy

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