Difuminados – Difuminados (2018)

Puntaje del Disco: 8

  1. Esos días: 8,5
  2. Blanco vivo: 9
  3. Accidente: 8
  4. Perfume: 8
  5. Irlandés: 8
  6. Milésima: 7,5
  7. Valle Fértil: 8
  8. Migraciones: 7,5

Oriundos de Córdoba, una de las mejores propuestas que nos llegó para integrar nuestro Ranking de los Mejores Discos del 2018 es el disco debut de Difuminados, lanzado en mayo de este año.

La banda formada por Bruno Adarvez (Voz, coros y guitarras), Juan Manual (Voz, coros y bajo) y Santiago Melillán (Batería y percusiones), en su primer disco nos traen una joyita Indie con melodías Pop realmente muy buenas, y con un sonido guitarrero que por momentos puede recordar a Sonic Youth.

Lo mejor de su homónimo debut está al principio del trabajo con “Esos días” y “Blanco vivo”, los puntos más fuertes del álbum en donde mejor capturan y representan su sonido. Las atmósferas que logra el trío en estos temas son sencillamente encantadoras. Pero lo cierto es que el disco tiene un nivel bastante sólido de principio a fin y en su conjunto forman una experiencia muy agradable.

Difuminados es otra bocanada de aire fresco dentro del mundo del Indie Rock Argentino que nos sigue sorprendiendo. Por eso se los recomendamos escuchar desde AQUÍ.

Persy

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Los Mejores 10 Discos de Rock en Español del 2018

Como todos los años en Persi Music publicamos por un lado un  Ranking de los Mejores Discos de Rock Internacional y por otro lado un Ranking de los Mejores Discos de Rock en Español.

Durante los próximos días estaremos publicando  los 10  discos que a nuestro juicio pero los mejores lanzamientos de Rock en Español del 2018, haciendo foco principalmente en bandas de Rock Argentino,, pero sumando además algún lanzamiento de otros países de habla hispana.

La novedad este año es que el Ranking de Rock en Español contendrá 3 discos de bandas que nos escribieron para postularse (de entre los cerca de 50 postulantes que recibimos).

Así comenzamos con el primero de nuestros Rankings a lo mejor del año. Esperamos que lo disfruten.

Staff de Persi Music

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Entrevista a Atropello Carregal

Gonzalo “Pollo” Fernandez, cantante y guitarrista de Atropello Carregal, banda que este sábado 8 de diciembre  estará  presentando en Beatflow  (Av. Córdoba 5509, CABA) su último EP “Que Paso Algo” y dos videoclips, nos brindó esta entrevista en la que nos cuentan sobre su evolución y su presente.

La banda suena muy bien. ¿Qué sienten que los diferencia de otras bandas de la actualidad?

No sé exactamente qué nos diferencia, hemos andado mucho tiempo buscando una identidad musical que creo que hoy hemos encontrado. Durante mucho tiempo nos emparentaban con otras bandas automáticamente, bandas que claramente nos habían influenciado, pero a las cuales no queríamos parecernos y no sabíamos cómo hacer. La comparación siempre está porque es una forma de “medir” algo nuevo, pero hace rato que la gente que nos escucha por primera vez nos relaciona con bandas que no tienen mucho que ver una con otra, creo que eso nos da la pauta de que estamos haciendo algo cuanto menos difícil de catalogar. Eso lo tomo como un logro, algo que refleja que estamos teniendo nuestra propia identidad. Por otro lado somos una banda que intenta no salirse del formato “canción”. Tratamos de no irnos por las ramas cuando hacemos un tema, evitamos lo más que podemos caer en lugares comunes en las letras o en frases hechas, si bien nuestra raíz es rockera nos damos el gusto de tocar cumbias o cosas medio folclóricas, algunas otras cosas tiradas para el lado afro (desde lo rítmico). Quizás sea toda esta búsqueda la que da como resultado algo distinto a otras bandas de la actualidad. De todos modos me gustaría resaltar que la escena actual es super rica y variada, y está repleto de músicos y músicas impresionantes.

¿Qué sienten que distingue a su EP “Que Paso Algo” de sus trabajos anteriores?

Creo que ahora entendemos mejor desde el principio de la cadena de composición a dónde queremos ir con cada canción. Hay cada vez menos cosas libradas al azar, lo cual le da frescura a la ejecución porque estás convencido de lo que estás haciendo. También eso se nota en los vivos. Y creo que a nivel audio sobre todo en el último EP hay un salto de calidad, podemos ahora sacar sonidos más copados, “modernos” si se quiere. Pudimos romper con los sonidos “clásicos” de guitarras y bajos sobre todo. Ya lo habíamos logrado en nuestro último disco largo, pero con mucha colaboración de Lucas Gomez en ese momento (quien grabó y mezcló tanto “La moral…”-2014- y “Que pase algo” Ep 2017), que nos marcó un poco el camino que luego seguimos “solos”.

Pasaron 10 años del primer trabajo de la banda. ¿En qué sienten que evolucionó más la banda?

En lo musical hemos aprendido cómo es el trabajo de estudio, nos preocupamos mucho por ejecutar bien los instrumentos. Cuando no sos un virtuoso creo que es importante que te ocupes de tocar lo mejor posible a fuerza de ensayo y repetición. La tecnología nos acompañó en esta evolución, y nos permitió trabajar mejor las canciones y los arreglos, armar las lineas de voces, guitarras y bajos con mejor criterio. Con una compu y una placa podes emular muy fielmente todo lo que vas a hacer luego dentro de un estudio de grabación “profesional”, y obviamente hay cosas que se pueden dejar grabadas en forma definitiva también. Después hay muchas cuestiones extramusicales en las que hemos mejorado, como la comunicación, el laburo de producción en cada fecha, todo lo que acompaña a lo musical lo llevamos de manera mucho más orgánica que al comienzo.

¿Para cuándo se viene un nuevo disco de larga duración de Atropello Carregal?

El año que viene va haber nuevas canciones, esperamos para los primeros meses. De todos modos no será disco, vamos a seguir por el camino de los singles y EPs porque nos resultó una mejor manera de encarar el material nuevo. Nos da tiempo para laburar a fondo los temas y de generar material audio visual para acompañarlo sobre todo en YouTube, pero también para la redes en general es mejor que las canciones lleven video.

¿Qué nos pueden adelantar de su presentación en Beatflow?

Va a ser la despedida de este show que se fue armando a lo largo de este año, un show compacto de un tema tras de otro, pero esta vez con algunos invitados vamos a tener a Charly Velrio de Los Mutantes del Paraná y le vamos a pedir prestado el violero a De La Gran Piñata! Va a ser una lindo cierre de año.

Más info sobre Atropello Carregal:

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Rosalía – Los Ángeles (2017)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Si Tú Supieras Compañero: 9
  2. De Plata: 8
  3. Nos Quedamos Sólitos: 8,5
  4. Catalina: 8,5
  5. Día 14 de Abril: 8
  6. Que Se Muere, Que Se Muere: 8
  7. Por Mi Puerta No Lo Pasen: 8,5
  8. Te Venero: 9
  9. Por Castigarme Tan Fuerte: 8,5
  10. La Hija de Juan Simón: 8,5
  11. El Redentor: 8
  12. I See a Darkness: 9

Cuando pensamos en música española, pensamos bien en música tradicional como el flamenco, en un conjunto rock ochentero, en solistas pop, en Mecano, en cosas noventeras como Los Planetas, El Niño Gusano, o bien en rap como La Mala Rodríguez.

En el año 2017, Rosalía Vila, mejor conocida en el ambiente artístico como Rosalía, dio sus pininos profesionalmente con su álbum debut, Los Ángeles. Si bien su carrera comenzó desde niña, haciéndose poco a poco un nombre dentro de la escena del flamenco, ya fuese en festivales españoles o internacionales, fue hasta 2016 que firmó con la disquera Universal y se mudó a Los Ángeles a trabajar en su disco debut, producido por Raül Refree, quien ha trabajado con Lee Ranaldo de Sonic Youth.

Al pensar que ha colaborado con pseudo artistas como C. Tangana o J Balvin, uno creería que es una artista de plástico cuya obra no vale la pena siquiera revisar, pero sus discos son testimonio de todo lo contrario. Rosalía es la nueva voz representante del flamenco, pero un flamenco no hecho a la manera tradicional, más bien un flamenco apto para cualquiera, con una sensibilidad pop más internacional y una interpretación actual del mismo, similar a la interpretación del R´n´B de Amy Winehouse comparándola ante los exponentes del género.

“Si tú supieras compañero” es una manera tremenda de abrir el disco: inicia con una guitarra simple, pero conmovedora, y Rosalía va poco a poco guiándonos con su voz dulce y dotada hasta ser acompañada por unas cuerdas que desatan un final trágico y sublime.

En “De Plata” encontramos un manejo de la guitarra un tanto fuerte y una voz igual de potente; bien podría ser una canción de metal si fuese guitarra eléctrica.

Luego está “Nos quedamos solitos”, una canción de flamenco un tanto tradicional con un lindo manejo de la guitarra y vocalizaciones angelicales, simplemente tan representativa como hermosa.

“Catalina” es un momento bien compuesto del álbum, presenta una guitarra impecable, una letra que reclama atención y cambios de ritmo interesantes.

Mientras que en “I See a Darkness” el disco cierra con este gran cover de Will Oldham. En él podemos apreciar la desnudez de un emotivo canto y una guitarra en su esplendor.

En resumidas cuentas, estamos ante un gran debut: un disco con momentos angelicales y otros más pesados, donde transita de lo tradicional a lo moderno y desde lo dulce hasta lo tenso. Sin duda una obra que presagia un buen futuro de seguir ese camino. Si algo le falta o le podemos exigir a Rosalía para la próxima entrega, es que nos dé letras propias, a diferencia de la gran cantidad de letras del dominio público de esta obra.

El Gato Gordo

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Villanciclos

El día de los hechos no me despertó el canto del gallo como siempre, sino un replicar estruendoso de campanas festivas. Parecía como si

Cuasimodo hubiese atribulado campanas sobre campanas y sobre campanas una ráfaga de sonidos esquizofrénicos, aunque alegres y motivadores, como si las tocasen los ángeles. Me levanté, abrí las cortinas para ver qué sucedía en la calle y, al asomarme por la ventana, vi a un niño en una cuna. Yo me eché a reír de verlo así, pues era un niño, no un bebé. Le pregunté qué día era y me contestó en un idioma muy extraño; no sé qué dijo pero sonaba como si estuviese poseído por el diablo.

Para todo el mundo parecía ser un día importante, y también lo era para mí: justo ese día tenía una cita con la mujer más maravillosa del pueblo —y no digo del mundo porque no conozco a todas las mujeres del mundo, así que decirlo sería una mentira, y yo prefiero hablarle con la verdad. Me vestí con lo mejor que tengo y cargué mi burro sabanero con unos regalos que había comprado para ella. Me monté en él y emprendí camino. El muy holgazán iba demasiado lento, quejándose quizá por tanta carga, pero como yo lo quiero mucho siempre lo animo con optimismo: ¡Arre, borriquito! ¡Arre, burro, arre! Anda más a prisa que llegamos tarde.

Eran las dos de la tarde y yo apenas me encontraba a medio camino. ¡Pinche burro sabanero, tú tienes la culpa!, le grité al tiempo que le lancé tres patadas en las costillas. Un anciano que miraba de lejos la escena se acercó y dijo algo en el mismo idioma demoniaco del niño en la cuna.

—Gloria in excelsis deo, gloria in excelsis deo… —repetía, señalando a mi burro.

—Pus es que no quiere avanzar el animal —le dije para ver si así me ayudaba o se iba.

—Venite adoremvs dominvm? —preguntó… o dijo… no sé, la verdad yo no le entendía nada.

Resulta que, después de medio comunicarnos por cinco o diez minutos, intercambiamos bestias. Yo le di mi burro y él me dio un reno deforme con las patas chuecas, la cola mocha y la nariz roja como la grana. No me puedo quejar, mi burro ya era viejo y perezoso. Sí, lo quería mucho, pero uno no puede vivir llorando y lamentándose por siempre. Además, este cuadrúpedo sí era veloz ropo pom pom, corría como el viento ropo pom pom, ahora sí iba a llegar a tiempo ropo pom pom.

Pues no. Resulta que el destino tenía más sorpresas para mí ese día. A mitad del puente que cruza el río, un señor en ropas muy elegantes gritaba como loco: ¡Adeste! ¡Fideles! ¡Læti trivmphantes!. No puede ser, otra vez el idioma del mal. Sentí como si toda la gente se estuviera convirtiendo en zombie; primero el niño, luego el anciano, y ahora este señor elegante. Lo peor de todo es que tapaba el paso y el siguiente puente estaba a tres kilómetros, no podía perder tanto tiempo. Me bajé del reno para tratar de razonar con el hombre, pero el reno se escapó. ¡Maldita sea! Seguramente por eso el anciano me lo dio tan fácil. Y ahora tendría que seguir a pie.

Me dispuse a cruzar, pero el señor elegante me tomó por el brazo fuertemente mientras exclamaba extasiado esas palabras diabólicas que yo no entendía. Yo me trataba de zafar, pero él me sacudía cada vez con más fuerza. Con el forcejeo, terminó por lanzarme al río.
Los peces en el río bebían y bebían y volvían a beber. Yo refunfuñaba y maldecía al tipo elegante. Por un momento pensé que sería mejor darme por vencido, pero luego recordé a mi amada peinando sus cabellos de oro entre cortina y cortina con su peine de plata y me decidí a continuar. Lo valía. Ella valía las penas y los obstáculos. Romeo hubiese despreciado a Julieta en un santiamén de haber conocido a mi chica; Einstein jamás hubiese inventado la bomba atómica si hubiera invertido todo su talento en llegar a tiempo a una cita con ella; es más, ni Gandhi hubiera hecho huelga de hambre ni Sauron hubiese querido destruir la Tierra Media… No iba a detenerme ahora. No ahora que ya lo había perdido todo excepto la ilusión de estar con ella.

Mojado, sin reno, sin regalos, y sin tiempo, eché a correr. Eran las seis y yo no había comido nada. Llevaba los zapatos rotos de tanto correr presuroso. Eran las siete cuando reconocí su casa a lo lejos. Llegué a las siete y cuarto. Ella estaba lavando, los pajarillos cantaban y el romero florecía. No podía creerlo, lo había logrado. Cinco horas tarde, pero había arribado al fin.

Me disculpé por la tardanza y le platiqué mi odisea; le conté lo del anciano que me cambió el burro por un reno, lo de la mojada que me di, lo del reno que se me escapó con todos sus regalos, lo de mis piés adoloridos y lo de la gente con su idioma extraño. Me abrazó, me besó, y… bueno, pues tuvimos una noche de paz, una noche de amor. Pusimos reguetón a todo volumen y a darle con la pan pan pan, con la de de de, con la pan, con la de, con la pandereta y las castañuelas.
Por eso no creo nada de lo que me dices, porque ésa sólo fue una de tantas. Por lo que sé ni ella es virgen ni yo santo ni tú el padre de esa criatura. ¿Entendiste? Así que a mí no me vengas con tus palabras retorcidas de:

Ave Maria gratia plena, benedicta tv in mvlieribvs et benedictvs frvctvs ventris tvi

Ave Maria, mater dei, ora pro nobis pecatoribvs nvnc et in hora mortis nostrae

Y si me vas a decir algo, hazlo en buen español cristiano y no en ese idioma del infierno, por favor.

Kobda Rocha

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Entrevista a Fede Fontenla

Fede Fontenla, músico que acaba de lanzar su primer disco solista “La Estanca Luz” y está próximo a presentarse el 13 de diciembre en Liverpool Bar (Arévalo 1376, Palermo, CABA), nos brindó esta entrevista en la que nos cuenta su historia y su presente.

Contanos tu historia ¿Cómo empezaste tu carrera en la música?

Arranca como la de casi todos, amigos de la secundaria que querían armar una banda. La diferencia es que yo no sabia tocar ningún instrumento, y ahí faltaba un bajista. Entonces compre un bajo roto, me costo 30 pesos, lo arreglamos con mi hermano y ahí empece a tocar. Supuse que era mas fácil porque solo tenia que tocar una nota por vez jaja.

Con el tiempo fui interesandome mas por guitarra, y de poco le fui dando mas tiempo a eso.

Incluso en la banda nadie cantaba, y yo empece a cantar. Fue un mutuo descubrimiento, mientras mas tiempo le dedicaba a eso, mas me interesa la composición, las armonías, la creación de una canción, de sentir una valcula de escapa la música que te salva a veces de los ruidos absurdos que se te cruzan por la cabeza.

Al tiempo ya estaba con profesor de guitarra, después de piano, después escuela de música, integre varias bandas, creaba canciones, cantaba. Y entendí que ahí estaba yo, y que ese era mi lugar en el mundo, un tipo que con canciones quería generar algo en el otro.

Tu primer disco toca diferentes géneros ¿Cuales consideras tus principales influencias?

Las influencias uno no las elige, es casi como la familia, no se lleva en la sangre pero se nos va tatuando en la piel sin darnos cuenta. Esto lo digo porque tuve la suerte de escuchar una gran cantidad de artistas de géneros muy variados. Desde Piazzolla hasta Atahualpa Yupanki, pasando por los Beatles, la bossa nova, Ella Fitzerald, el blues de John Mayer. Y la lista podría volverse casi infinta. Pero la verdad que en mis años de adolescencia, hubo una conexión muy especial primero con Charly Garcia, mas tarde con el Flaco Spinetta. Que definitivamente me marcaron mucho. También Fito Paez fue un músico que incluso vivi muy de cerca porque cuando mas me acerque a la música, era el que estaba explotando por todos lados.

Esa música esta impreganada en mis canciones indudablemente, y yo creo que uno de ahí no se puede escapar, al menos si quiere ser genuino tiene que perder prejuicios. Si me dicen tu voz es parecida a la de Pedro Aznar, a la de Cerati, a la del Flaco, y bueno, la gente necesita tener su referencia, y no esta mal. Para mi es un halago que al escucharme piensen en esos tremendos artistas.

¿Cómo fue el proceso de grabación de “La Estanca Luz”? ¿Qué es lo que más destacas del disco?

El proceso fue bastante sencillo. Nos juntamos en febrero con mi productor musical, hermano de la vida, Emiliano Di Nardo. Él acababa de terminar de hacer un disco de temas del rock argentino con arreglos muy complejos, pero había quedado sencillamente hermoso. Cuando lo escuché me estimuló a que me diera una mano a poder avanzar con mi tan burocrática duda de plasmar mis canciones o no en la nube virtual. Hasta que nos pusimos de acuerdo en minutos. Queríamos hacer un disco como los de antes, chico, de no mas de 10 canciones, que llevara un esencia que es en definitiva su concepto, pero a la vez con un lema muy clara: que gane la canción. Quise alejarme de todo narcisismo. Yo tenia maqueteada todas las canciones desde hacia mucho tiempo, pero le pedí reformular todo, y rescatar lo mejor de cada cosa. Necesitaba alejarme de ese material que tantos años me venia acompañando. Y así fue, elegimos las canciones, las maqueteamos como referencia para los músicos, y empezamos con la grabación músico a músico. Ibamos viendo detenidamente que la canción fuera creciendo con el aporte de cada instrumento. Y eso nos daba mucha felicidad. Somos 15 músicos que trabajamos en el disco, de muy distinto genero, con sonidos totalmente contrapuestos. Desde el sonido eléctrico y sintetizado (con programaciones arranca el disco) hasta sonidos orgánico, como un cuarteto de cuerdas (así termina el disco).

Si tuviera que destacar algo seria que definitivamente son canciones que sobrevivieron al paso del tiempo, porque son canciones sinceras, que aun hoy me emocionan.

¿Qué opinas de la escena musical actual? ¿Con qué otros artistas te gustaría compartir escenario?

Nunca fue fácil en argentina sobrevivir con el arte. Es una tarea heroica. Por eso veo mucho amor en los artistas emergentes y los que han logrado traspasar las barreras que me apasiona. Hay mucho talento, siempre lo hubo, con mayor o menor suerte. Hoy todo cambio, esto todo al alcance de las manos, pero a la vez hay mucha oferta. Eso marea un poco a la gente, mucha información, poca posibilidades de difundirse de manera independiente, y poco tiempo para profundizar en las canciones. Todo pasa muy deprisa. Sin embargo, este es un ejercicio que depende de cada uno de nosotros. Yo permanentemente intento encontrar artistas que me trasmitan algo, que me emocionen, o que me sorprendan.

Artistas son muchos, de los emergentes, me encanta Daniela Spalla, que ahora esta viviendo en México, Lucas & the Woods, Hipnótica. No sé, muchos y muy variados.

¿Qué nos podes adelantar de tu presentación en Liverpool Bar?

La idea, es hacer versiones acústicas de los temas del disco, una versión bien intimista, que desnuda mi relación con la canción, porque así nacen, con una guitarra con un piano. Así que voy a buscar eso, el corazón de la canción.

Seguí a Fede Fontenla en sus redes:

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MAM – Lo Ves (2005)

Puntaje del Disco: 7

  1. Dale Lugar: 7,5
  2. Lo Ves: 8
  3. Lo Haré: 7,5
  4. Malo Alan: 6,5
  5. Cómo Aprender8,5
  6. Nunca He De Morir: 7
  7. Vivo: 6
  8. Resto: 7
  9. Perder Para Sumar8
  10. Natural7
  11. Tanguito Pa’mi País: 6,5

Luego De unos cuantos cambios de formación MAM lanzaría Lo Ves, su segundo disco a fines del 2005, en esta oportunidad producido por el dúo compuesto por Daniel “Piti” Fernández (Los Piojos) y Martín Bosa (Attaque 77).

Lo Ves mantiene las virtudes de su antecesor, sonido pesado con toques nacionales, sin embargo la carencia es la falta de grandes canciones. Tiene sus momentos como “Cómo Aprender”, “Perder Para Sumar” y “Lo Ves”, aunque quizás la principal novedad sea su incursión casi de lleno en el tango con el tema de cierre “Tanguito Pa’mi País”. Estilo que con el paso del tiempo, terminó volcándose definitivamente.

Tal fue la fascinación de Mollo por el tango que termino dejando su propia banda y se

animó a interpretarlo hasta hacerlo definitivamente de forma profesional, inclusive trascendiendo las fronteras. En la actualidad pasa la mitad del año en Europa donde algunos lo conocen como “el Ozzy Osbourne del tango”.

“Comencé a los cinco años bailando folklore y a los seis agarré la guitarra y empecé a cantar y hasta el día de hoy no paré. No me canso de agradecerle a la vida haber encontrado, en esta etapa de mi vida.” Agregaría Omar sobre su presente y nueva faceta musical.

F.V.

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Black Sabbath – Seventh Star (1986)

Puntaje del Disco: 5

  1. In for the Kill: 6
  2. No Stranger to Love: 3
  3. Turn to Stone: 5,5
  4. Sphinx (The Guardian):
  5. Seventh Star: 5,5
  6. Danger Zone: 4
  7. Heart Like a Wheel: 4,5
  8. Angry Heart: 5
  9. In Memory…: 5,5

Seventh Star más que un álbum de Black Sabbath es un disco solista encubierto de Tony Iommi. Por aquel entonces el grupo estaba prácticamente disuelto, solo quedaba Iommi como único miembro original. Por lo que todo indicaba que Tony iba a lanzar un álbum en solitario, pero evidentemente terminó usando el nombre de Black Sabbath por una cuestión netamente comercial. Eso explica el por qué de la portada con Iommi más solo que Kung Foo.

El problema de Seventh Star es que pese a ponerle el nombre de Sabbath, es un álbum que nada tiene que ver con el estilo oscuro y siniestro de Black Sabbath. Al contrario parece un conjunto mediocre y genérico de Metal, que además estaba infectado por el Glam Metal que sonaba en aquellos años. Y la banda que lo acompaña lo empuja hacia ese género. El caso más ejemplar es el de su vocalista Glenn Hughes, que sin lugar a dudas es más que decente como interprete, tomando similitudes con David Coverdale (de hecho fueron compañeros en Deep Purple).

Como resultado Seventh Star es es una pelota de canciones completamente inmemorables (no hay ni una melodía recordable), donde sus temas lentos son los más atroces. Tal como sucede en “No Stranger to Love”, una de las peores baladas Glam jamas escritas, que harían sentir vergüenza al mismísimo Bon Jovi.

Por otro lado, tenemos el costado más dinámico de Sabbath en cortes como “In for the Kill” y “Turn to Stone”, que tienen un estilo más frenético y rockero pero que simultáneamente no son nada especiales.

La homónima “Seventh Star” es una de las pocas en que levemente recuerdan al viejo Black Sabbath, con una onda más oscura, sin embargo, no deja de ser una banda apagada que termina aburriendo. De hecho, aburren en la mayor parte del álbum, especialmente en “Heart Like a Wheel” y “Danger Zone”, que tienen riffs más marcados pero que nunca terminan de llevar a buen puerto.

No hay mucho más que agregar. Es un disco que tal vez solo defiendan los fanáticos más fervorosos del metal . Pero lo cierto es que lejos está de parecerse a un verdadero disco del grupo.

Persy

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Entrevista a Doctor Brown

En la antesala de su show electroacústico en el Teatro Sony (José A. Cabrera 6027, CABA) el próximo 9/12, Doctor Brown nos brinda esta entrevista en la cual nos cuentan sobre su disco en vivo lanzado hace poco tiempo y sobre su presente.

Siempre nos interesa saber cómo eligen el nombre de su banda. ¿Cuentennos la historia de por qué eligieron a “Doctor Brown” como nombre?

Elegimos “Doctor Brown” como nombre de la banda porque nos resultó copado recordar al “Doc” Emmett Brown, un personaje conocido y querido por un montón de gente. Al momento de pensar cómo íbamos a llamar a la banda (allá por 2006) una de nuestras películas preferidas era “Volver al futuro”, y todavía la seguimos valorando como una gran película, que es un placer mirar y disfrutar de nuevo.

La banda ya cumple más de 10 años de trayectoria. ¿Qué fue en lo que más crecieron como grupo?

En este tiempo que tenemos de trayectoria, una de las cosas en las que más crecimos es en la responsabilidad con que nos tomamos lo relacionado con la banda. Justamente, fuimos tratando de aportarle más tiempo y más laburo, sobre todo porque es lo que nos gusta, y el aporte de cada uno termina confluyendo en el paso a paso de todo el grupo. Cuando uno nota los resultados que eso da, es la mejor sensación que hay.

Con sólo dos discos en su haber, sacan ahora un álbum en vivo cuando muchos grupos tardan un poco más. ¿Qué sienten que logra capturar “Sintiéndome Vivo”?

“Sintiéndome vivo” logra capturar dos cosas: por un lado, lo que somos cuando nos subimos al escenario, y por otro lado, todo lo que el público pone de sí mismo para hacer realidad el recital. El vivo es nuestro momento de más motivación, porque ese laburo que venimos haciendo en cada ensayo, desde hace tiempo, se juega justamente ahí. Tratamos de dar la mejor versión de cada uno, y quisimos que quede registrado tanto en audio como en video.

¿Para cuando un nuevo disco de estudio de Doctor Brown?

El 2019 va a ser un año en que avancemos con algunas canciones que ya compusimos (y que hace falta pulir) y en canciones nuevas. Una vez que tengamos pulidos esos temas, listos para grabarlos en estudio, va a llegar el momento de elegir el mejor formato para darles, sobre todo teniendo en cuenta que ahora el streaming y las plataformas digitales son la manera masiva en que se escucha música y en que las bandas independientes se dan a conocer.

¿Qué nos pueden adelantar de su presentación en “Teatro Sony”?
¿Por qué decidieron hacer un show electroacústico?

Nos motiva mucho la idea de presentar nuestros temas de una manera distinta a lo que veníamos haciendo, y por eso creemos que un show electro-acústico es la mejor opción para conseguir eso. Esperamos que la parte propiamente musical se pueda apreciar de una manera más nítida. Sobre el recital podemos adelantar que vamos a agregar instrumentos invitados para que se luzcan más las versiones electro acústicas, y que en la lista de temas habrá algunos que hace mucho no hacemos, más algunos covers del rock nacional.

Más info sobre Doctor Brown:

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Transmetal – El Amor Supremo (2003)

1. El Amor Supremo
2. Un Océano de Tentaciones
3. Vendí mi Alma…
4. Encarnación del fuego
5. Vehemente
6. Servidor Infinito
7. Invocación y Conjuración
8. El Placer más Alto
9. Adoración y Entrega
10. Un Pacto Escrito con Sangre

Un hombre, hundido en la tristeza, escupiendo pesar y desgracia, poseedor de una larga desesperanza y un gran corazón doliente, cada noche mira el cielo a mitad del conticinio. Allá, en las alturas, ante el eterno brillar de las estrellas, imagina que su alma encontrará la quietud anhelada que ninguna otra cosa terrestre le puede ofrecer. Tras largos años de nostalgia, termina por mirar en sus propias tinieblas y, justo allí, en la penumbra de su pecho, encuentra el Amor Supremo. Una estrella ha bajado hasta él.

Ella es la raíz del fuego que ha de incendiar su espíritu, es el metrónomo-palpitar de su corazón, es un océano de tentaciones. Ella, para él, es una estrella prohibida, inalcanzable. Tendrá que conformarse con mirarla anhelante, como espiándola, porque ella tiene ya un destino con Adán. Eva, su estrella, es mujer para su hijo (su barro y su lodo). Él, Dios, los ha creado con ese propósito; enamorarse de ella fue un error bastante humano, a decir de un dios.

Celoso, tras notar la carne de Adán sobre la piel de Eva, Dios vende su alma a Lucifer. Quien alguna vez fue su enemigo, desterrado por su propia justicia, ahora es su única salvación. Lucifer es el único ser capaz de permitirle poseer a Eva. En tanto pueda ser el único que logre acariciar con su lengua la pasión triangular de Eva, él sucumbe ante las cláusulas más oscuras de Lucifer.

Dios, emergido desde el infierno, naturalmente convertido en fuego por las llamas seculares de su entrañable ángel de la luz, encarna en mágica expresión corporeizada. Eva no resiste la tentación de poseer aquel fruto prohibido, no resiste la tentación de poseer a Dios mismo. Lo acaricia, lo aprisiona y lame sus exuberantes formas, dialoga con sus manos, grita de dolor y euforia al recorrer tan hermosa geografía. A lo lejos, sobre la espalda de Dios, ella ve asomar la mirada irónica de Adán.

En vehemente imploración, Adán busca hambriento una migaja de gracia, de gloria, de paz. Adán ha quedado huérfano y soltero al mismo tiempo; su padre no lo escucha y su mujer no lo ama. Mira su reflejo y se descubre decrépito. Ha sido derrotado.

Infeliz, Adán recurre a la autohumillación. El dolor y la pasión lo afligen, el viento azota los escombros de su existencia, moribundo solloza sin cesar. De rodillas, miserable, se ofrece voluntariamente como un sirviente infinito, más allá del fin del tiempo. Grita ambos nombres, no importa quién lo escuche, Dios o Eva, él sólo busca una pizca de compasión y piedad.

Dios, aún extasiado, impotente ante la fiera furia de Eva, cae dormido. Lucifer, despierto, voyerista, al mirar la devoción de Dios hacia Eva, no logra evitar caer en la tentación. Bajo el hechizo de sus ojos, fuerte y subyugante, abrazado al fuego inmemorial, invoca el nombre del Amor Supremo.

Es con Lucifer donde Eva experimenta el placer más alto. Su sangre, sus caderas, su pasión, arden más intensas que las flamas del recinto infernal. Lucifer jamás ha presenciado tal cantidad de pecado y maldad, no sabe cómo proceder, descubre hasta sus últimos trucos, se entrega por completo. Eva, siempre seductora y sensual, discurre decepcionada sobre Lucifer, quien ahora sólo significa un encuentro casual.

Embobados, enamorados, Dios y Lucifer adoran a Eva por sobre todas las cosas, incluso por sobre sí mismos. Entregan sendos reinos por un centímetro de mujer, se abandonan a la locura carnal, pierden ahí el alma. Ya no más deidades, Eva los desprecia cual gusanos.
Inteligente, humano, Adán ya no busca a Dios. Reconoce el fracaso de su padre. Tampoco busca a Lucifer, pues nada tiene que ofrecer para un hombre tan altivo y poderoso como lo es Adán. Aunque anciano, él confía en su original costilla, sabe que tras el reencuentro con la figura jovial de Eva, su propia armonía resurgirá. Entrega su alma, libre y total, a las fervorosas manos de su mujer; él ha encontrado en Eva una deidad digna de eterna dilección. Eva es el verdadero Amor Supremo.

Kobda Rocha

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Iggy Pop – Blah-Blah-Blah (1986)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Real Wild Child (Wild One)8,5
  2. Baby, It Can’t Fall7,5
  3. Shades: 6
  4. Fire Girl: 7
  5. Isolation: 6,5
  6. Cry for Love: 9
  7. Blah-Blah-Blah5
  8. Hideaway6,5
  9. Winners & Losers: 5,5
  10. Little Miss Emperor: 6

James Osterberg, mejor conocido como Iggy Pop, revitalizaría su senda olvidable y tortuosa en la década del ochenta gracias a Blah-Blah-Blah (1986), un disco influenciado por el movimiento new wave que si bien esta lejos de sus mejores años fue y es a la fecha el más exitoso comercialmente.

David Bowie volvería a oficiar de colaborar y benefactor de Iggy (no lo hacía desde la gloriosa trilogía de Berlin en 1977) y volvería a dejar su impronta y sello tanto en el estilo acorde a la época, dominado por teclados y batería programadas, y lo calculadamente comercial que resulto el álbum.

La popularidad de Blah-Blah-Blah se apoyo fuertemente en dos bases las memorables “Cry for Love” y “Real Wild Child (Wild One)” (este último versión de un tema rockabilly de los años cincuenta del australiano Johnny O’Keefe), el resto de la placa en lineas generales es decididamente mediocre.

Afortunadamente a partir de este hito Pop retornaría a su versión más entrañable, al rock puro y duro, publicando discos valiosos que aunque no significarían el éxito comercial de Blah-Blah-Blah le devolverían el prestigio ganado, tanto con The Stooges como en sus primeros pasos solista.

F.V.

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Entrevista a Vito Martino & Los Inolvidables

Vito Martino & Los Inolvidables, banda reconocida en  el programa “Rock del País”, que lanzó recientemente su segundo disco titulado “Real”, nos brindó la siguiente entrevista donde nos cuentan sobre su presente.

Para quienes todavía no los conocen ¿Cómo se presentarían para llamar la atención y los empiecen a escuchar?

Hola! Somos Vito Martino & Los Inolvidables y tenemos las mejores canciones del condado, pasen y escuchen.

¿Qué es lo que más destacan de su reciente disco, “Real”? ¿Qué sienten que lo distingue de su álbum debut?

Las canciones y su variedad, que hace que los shows sean divertidos y muestra también la versatilidad de la banda. También la producción, que estuvo a cargo de la banda. Estamos muy contentos!

¿Cómo fue la experiencia de grabar con Jorge Serrano de Los Auténticos Decadentes?

Que el señor de la Melodía elija tu canción es de las mejores cosas que nos pasó en la carrera y confirma el camino. Jorge está ahí con Andrés, Fito y nuestros grandes, lo vemos en ese marco. Felices de tenerlo en nuestro disco.

¿Qué sintieron al compartir escenario con La Beriso y Estelares? ¿Con qué otros artistas les gustaría tocar?

Ambos tienen grandes canciones, los miramos y aprendemos. Disfrutamos mucho del cruce con colegas, eso fue de lo más interesante del Cosquín Rock, por ejemplo.

¿Cuáles son sus próximos proyectos a futuro?

Estamos trabajando en una gira por México a comienzos de año y luego nos tendrán por Buenos Aires seguramente.

Más info sobre el grupo:

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