Joy Division – Joy Division The Complete BBC Recordings (2000)

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Puntaje del Disco: 8,5

  1. Exercise One: 7
  2. Insight: 8,5
  3. She’s Lost Control: 8,5
  4. Transmission: 8,5
  5. Love Will Tear Us Apart: 9
  6. Twenty Four Hours: 9
  7. Colony: 7,5
  8. Sound of Music: 8,5
  9. Transmission8,5
  10. She’s Lost Control: 9
  11. Ian Curtis & Stephen Morris interviewed by Richard Skinner:

Por su brevísima discografía oficial, siempre es una buena excusa para repasar algún lanzamiento extra de Joy Divison como es el caso de su material grabado en vivo más valioso: Joy Division The Complete BBC Recordings.

Editado en el año 2000 registra las pocas presentaciones que pudo concretar la banda en la prestigiosa cadena británica durante el año 1979 (dos “Peel Sessions” en Enero y Noviembre, otra grabación en el programa “Something Else” en Septiembre y como cierre una entrevista de Ian Curtis y Stephen Morris con Richard Skinner).

Amén de la presencia de temas siempre imperdibles en su repertorio como “Love Will Tear Us Apart”, “Twenty Four Hours”, “Transmission” y “She’s Lost Control” le suma valor al material la inclusión de dos canciones que no forman parte de ninguno de sus discos de estudio como “Exercise One” y “Sound of Music”.

Quizás lo negativo de este lanzamiento, además de que falten variedad de canciones «She’s Lost Control» y «Transmission» tienen dos versiones distintas grabadas en distintos días, es su corta duración y que te deja con ganas de más de lo que podía dar esta tremenda banda, como también ocurre con la existencia de Joy Division en sí misma que tuvo su punto final con el suicidio de Curtis en Mayo de 1980, para luego los restantes integrantes dieran lugar a New Order.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 5)

Redobles bélicos

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La guerra se interpreta de distintas maneras en el ámbito musical, desde los himnos nacionales que incitan al ataque hasta las marchas fúnebres que glorifican a los caídos. Cómo dejar de mencionar el cántico «¡Mejicanos al grito de guerra!», frase con la que comienza el himno nacional de este país en conflicto perpetuo, o la pariada «El valiente argentino a las armas corre ardiendo con brío y valor.» del himno nacional argentino, o así mismo la bayamesa cubana «¡Al combate corred, Bayameses!», o bien cualquier himno, sobre todo latino, sobre todo oprimido.

Los sonidos de guerra se distinguen cuando verdaderamente están en guerra; es decir, no sólo el himno que guía hacia el combate ni la balada funeraria que recuerda la guerra finita, sino el sonido activo dentro de la guerra activa, la música que suena a balazos, ballonetazos, fusilamiento y bombardeo. Técnica y prácticamente: una marcha belicosa. Así presentamos algunos buenos ejemplos de ello.

  1. Comenzemos con A Perfect Circle y Counting bodies like sheep to the rythm of the war drums contenida en el disco “eMotive”. Tiene el paso cuadrado y constante de la maquinaria militar: uno, dos, uno, dos, uno, dos… Claro que esta pieza es un autocover, remix, nueva versión de la genial Pet del disco anterior, “Thirteenth Step”, la cual si bien tiene más emoción y guitarrazos, en la nueva se retrata el paso exacto y aburrido de los soldados marchando en guardia para satisfacer la voracidad de la autoridad política.
  2. Lord Belial en su disco “Unholy Crusade”, que de por sí ya el álbum presenta la temática guerrera, tiene la instrumental específica, Summon the legions, que integra brillantemente los sonidos del crujir de las lorigas. Claro que todo el disco está encaminado en dicha temática, por ejemplo ‘La guerra de odio’, pero es aquella la que resume perfectamente el trabajo y la intención de esta banda.
  3. En la misma línea medieval y caballeresca, se encuentra Tierra Santa con su disco “Tierras de leyenda”, el cual incluye una apertura titulada La tormenta. Aquí se refleja no el grito de guerra sino el coro de la victoria, la caballería gloriosa volviendo a su reino, lo héroes entrando por las puertas festivas de su pueblo, de su gente, de su dominio imperial.
  4. Vader con su canción This is the war que nos muestra claramente que ésta es la guerra. Comienza con unos metralletazos sincronizados con la tarola y sigue con un riff guitarresco de destrucción y caos. El estruendo de los cañones y la voz del demonio envolviendo las almas de los soldados. Escuchar esta pieza es escuchar la guerra viva.
  5. En esa misma rama de los metralletazos dibujados por las tarolas de la batería, Krisiun con su mágnanima Combustion Inferno lleva al clímax este efecto. Nadie mejor que el brasileño Max Colesne para disparar metralla a tamborazos. Aunque cabe decir que esta técnica ya lo había hecho Rompeprop (entre otros) en su Vaginal Luftwaffe y originalmente Green Jelly en Three Little Pigs cuando se aparece Rambo de entre la maleza selvática y descarga todo el cartucho sin ton ni son.
  6. Entrando con las marchas per sé, comenzamos con Agressor y su corazón guerrero, Warrior Heart, que al final incrusta unos pasos soldadescos, breves pero certeros.
  7. Rammstein en el disco “Mutter” devuelve una brillante Links 2 3 4, que sin lugar a dudas es una marcha buenísima y cuadradita, firme como los batallones. Más guerrillera que guerrera, por las hormiguitas contra los escarabajos poderosos, aunque guerra a fin de cuentas.
  8. «Atención, pendejos: ayer eran greñudos locos, hoy son soldados razos. Despiértense, güeyes. Escuchen las palabras del brujo. ¡Únete! Esto es Brujería.» He aquí el rabioso reclutamiento en esta Marcha de odio incluida en el álbum “Brujerizmo” con las espléndidas líneas perfectamente metronometradas del Asesino en las guitarras y el potente Greñudo en la tambora.
  9. En las “Sinfonías del terror ciego”, Machetazo presenta La marcha de los muertos sin ojos, que aunque no es de guerra, marcha al fin. Y con tresillos marcaditos y acompasaditos bonitos logran verdaderamente hacer que los muertos sin ojos marchen del camposanto al lodazal profundo del mundo citadino, vivito y coleando.
  10. Finalmente, Abyssus se cuestiona la guerra de sus días y lanza Uncertain future. Escúchese el sonido de la guerra de hoy.

Kobda Rocha

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(Votos: 1 Promedio: 1)

Steven Wilson – The Future Bites (2021)

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Puntaje del Disco: 7,5

  1. Unself:
  2. Self: 8,5
  3. King Ghost: 8
  4. 12 Things I Forgot: 8
  5. Eminent Sleaze: 7,5
  6. Man of the People: 7,5
  7. Personal Shopper: 7
  8. Follower: 8
  9. Count of Unease: 7

La música de una referencia del rock progresivo actual como Steven Wilson, fue abandonando progresivamente las guitarras para dar un paso a sonidos electrónicos y pop tal cual sería el caso de su sexto trabajo en solitario, The Future Bites lanzado en 2021.

El disco del londinense es mucho menos excitante que lo que se podría esperar, casi sin nexos a sus obras anteriores con excepción de “12 Things I Forgot”, que recuerda de a ratos a Porcupine Tree con instrumentación a base de guitarra. En líneas generales sus temas pierden complejidad, sin embargo, logran formas inesperadas con buenos resultados en algunos casos como el trip hop en “King Ghost”, las vibrantes “Self” y “Follower”, la oscura y electrónica “Personal Shopper”.

Claro está que no estamos ni por asomo ante las composiciones más logradas en la carrera de Steven Wilson, siempre se espera algo más de él o que haga un álbum que te vuele la cabeza, pero resulta positivo el hecho de poder replantear y transformar su sonido y no quedarse atado a una sola formula exitosa.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 3.5)

Sonriente majestad

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Oscuro estero de inmundicia, pantano y limen del dolor,

promueve infame la injusticia, disfruta negro el deshonor.

Señor de injertos perentorios, veraz destino de impiedad,

alfil sin cánticos mortuorios que surge en premios de oquedad.

 

El amo ingente del pecado, maestro innato de la inquina,

regente altivo del estado, conduce al hombre hacia su ruina.

Gerente máximo del fango, supremo dios de la maldad,

distiende errático su rango, sublima el gen de humanidad.

 

El rey que el pueblo se merece, perfecta cumbre del gobierno,

abraza el orbe y lo enaltece, convierte el mundo en vil infierno.

Saludos, pompas, monumentos, respeto y libre admiración…

¡Oh, gran señor de los tormentos, patrono gris de corrupción!

 

Es la demencia su legado, es el desorden su placer;

es por las leyes venerado, tiene la marca del poder.

El día que acabe su regencia y vuelva el tierno bienestar,

con armonía y diligencia, vendrá otro peor a gobernar.

Kobda Rocha

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 1)

Los Reyes del Falsete – Guacalart (2018)

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Puntaje del Disco:  6,5

  1. La Verdat: 6
  2. La Llamada: 8
  3. El Principio: 7
  4. Un Poco: 7
  5. El Río: 7
  6. Más Calor: 4,5
  7. La Boca: 6

Me encanta los Reyes del Falsete como banda y me gusta que los grupos experimenten. Pero a veces los experimentos de los mejores no resultan ser necesariamente buenos. Ese es el caso de Guacalart, el cuarto disco de Los Reyes del Falsete, cuyo nombre nunca fue mejor puesto, por las sensaciones encontradas que genera, por una sencilla razón: los Reyes se sumergen en la electrónica, sonando como una versión de Kraftwerk del conurbano.

Guacalart es un giro completo donde los sintetizadores son los grandes protagonistas. Más allá de eso, las melodías indies siguen presentes, aunque francamente no son las mejores que escuchamos de ellos. No son malas, pero sí genéricas y un tanto olvidables.

Así que el disco tiene dos grandes problemas, la falta de identidad cuando apelan a la electrónica. a punto tal que en ningún momento no parecen los Reyes del Falsete. Y por otro lado, la falta de buenas melodías.

Es como si los Reyes hubiesen apostado por combinar Krautrock con Indie Pop, dejando de lado lo que mejor hacen que es el Indie Rock de guitarras más viscerales y precisas. ¿Dónde están las guitarras distorsionadas? ¿Su reminiscencia a Sonic Youth?. «El Río» es la que más se acerca a ese estilo, aunque no de manera brillante.

Entre esa mezcolanza, que incluye experimentación con el Rap en «La Boca», el tema que más resalta es «La Llamada», que debe tener la mejor melodía del álbum, contando con la colaboración de  Rocio Fernandez y Maria del Rocio Bernardiner en voces. En ese aspecto, hay que resaltar que las interpretaciones vocales suenen extrañamente más pulidas de lo que habitualmente nos tienen acostumbrados los Reyes.

En definitiva, Guacalart es un álbum de buenas intenciones a la hora de buscar nuevos horizontes, aunque de un resultado que termina siendo chato de una banda desconocida, que no deja de ser una de las más destacadas del Indie argentino.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

Velvet Revolver – Libertad (2007)

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Puntaje del Disco: 7

  1. Let It Roll: 7,5
  2. She Mine: 8
  3. Get Out the Door: 7
  4. She Builds Quick Machines: 8,5
  5. The Last Fight: 7,5
  6. Pills, Demons & Etc.: 8
  7. American Man: 7
  8. Mary Mary: 8
  9. Just Sixteen: 7
  10. Can’t Get It Out of My Head: 5,5
  11. For a Brother: 7,5
  12. Spay: 7
  13. Gravedancer: 6

Dentro de la corta vida útil del supergrupo Velvet Revolver, conformada por ex integrantes de Guns N’ Roses y Stone Temple Pilots, su segundo y último trabajo a la fecha Libertad (2007) ofrecería más de lo mismo con respecto a su antecesor, pero con un éxito más modesto por dejar de ser la novedad que significaría su debut.

Gracias al trabajo del productor del experimentado Brendan O’Brien, derrochan energía, actitud y melodías pegadiza en la mayor parte del álbum, en especial en su parte inicial con pistas adictivas como la sólida “She Mine”, el hit “She Builds Quick Machines” y el ritmo de “Pills, Demons & Etc.” y “Mary Mary”. Aunque por desgracia el resto del trabajo carece del mismo gancho y no está en la misma sintonía, con una leve inclinación hacia composiciones menos pesadas y algunas baladas poco efectivas.

En definitiva, la corta carrera de los Velvet Revolver insinuó más de lo que concretaron teniendo en cuenta el calibre de músicos como Slash y Scott Weiland (por solo nombrar los principales) se esperaba algo más que giras interminables y un suceso comercial incipiente. Tras una última presentación en 2008 ingresarían en un receso que termino siendo el final anunciado, dando lugar a que Slash impulsara su carrera solista, que Duff McKagan retomando su proyecto punk rock Loaded, y Scott Weiland regresara con Stone Temple Pilots.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 2 Promedio: 3)

Black Sabbath – The Eternal Idol (1987)

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Puntaje del Disco: 5,5

  1. The Shining: 7
  2. Ancient Warrior: 5
  3. Hard Life to Love: 5,5
  4. Glory Ride: 5,5
  5. Born to Lose: 7
  6. Nightmare: 5
  7. Scarlet Pimpernel:
  8. Lost Forever: 7
  9. Eternal Idol: 8

En el año 1987, el Rock Alternativo afloraba como el género a tener en cuenta en los años venideros. Pero en los ochenta, el Hair Metal era uno de los grandes géneros de moda, el cual terminó afectando a algunos monstruos de los setenta, ya sea para aggiornarse o vender su alma al diablo. Black Sabbath es uno de esos grupos, que en 1987 editaría The Eternal Idol, el primer disco con Tony Martin como vocalista. Pese a que Martin era un tipo desconocido por aquel entonces es un muy buen cantante, con una voz limpia, y muy de las bandas de Glam Metal de los ochenta.

En ese aspecto, eso es lo que vamos a encontrar en The Eternal Idol, un Sabbah claramente influenciado por lo que sonaba aquel entonces. Sin embargo, Black Sabbath no es una banda mediocre como digamos… Poison. El sonido sigue sonando en algún punto algo oscuro, con riffs pesados del viejo Sabbath, aunque todo está bañado por una tonelada de Hair Metal a la cual ni Tony Iommi puede escapar. Sus solos están infectados por el Shredding de la época, aunque no a los niveles exagerados de tipos como Malmsteen.

Sacando toda la producción y parafernalia de los ochenta del análisis, The Eternal Idol tiene un enorme problema: sus temas son completamente inmemorables. Iommi, Martin y compañía pueden hacer un gran despliegue desde lo estrictamente técnico, pero no hay una sola melodía, un solo riff, absolutamente nada que quede grabado en tu inconsciente cuando lo escuches.

Bueno, tal vez sí, la homónima “The Eternal Idol”, es un corte con una atmósfera siniestra muy buena, despegandose fácilmente del resto. El otro que se separa es «Scarlet Pimpernal», por el simple hecho de ser un instrumental acústico de Iommi de influencias clásicas. Un adorable relleno que a él le encanta meter siempre. El resto del álbum, tiene algunos momentos pasables de metal como “The Shining”, pero en líneas generales es un disco olvidable de Black Sabbath.

Persy

Tu puntuación
(Votos: 1 Promedio: 3)

Woods – With Light and With Love (2014)

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Puntaje del Disco: 8

  1. Shepherd: 8
  2. Shining: 7,5
  3. With Light and with Love: 8,5
  4. Moving to the Left: 8
  5. New Light: 7
  6. Leaves Like Glass: 8
  7. Twin Steps: 7,5
  8. Full Moon: 8
  9. Only the Lonely: 7,5
  10. Feather Man: 8,5

With Light and with Love es otro de los altamente recomendables materiales de la banda de folk rock psicodélico Woods y el octavo en su discografía en ocho años, al estilo de la vieja usanza estos hiperactivos jóvenes no pararon de sacar nuevos lanzamientos desde sus inicios en 2007.

El inquieto quinteto de Brooklyn, ya consolidados en la escena indie de aquellos años, se despachan con una colección de temas variados con una marcada influencia de finales de los sesenta como base, pero matizada con elementos modernos y nuevas tecnologías que le dan el toque distintivo.

En With Light and with Love podemos encontrar pasajes para destacar como el inicial “Shepherd”, la adictiva e improvisada “With Light and with Love” de nueve minutos de duración, la calidez de “Moving to the Left” y “Leaves Like Glass” y el cierre relajado con “Feather Man”.

With Light and with Love es uno de sus lanzamientos más sólidos de Woods a esa fecha, mejorando tanto en producción, como en sencillez y versatilidad de sus temas, dejando terreno fértil para el crecimiento y expansión musical que demostrarían en los siguientes años.

F.V.

Tu puntuación
(Votos: 0 Promedio: 0)

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