Pogo

El dia venia pegando golpe bajo tras golpe bajo, pero decidimos ir igual a Niceto a la noche para ver a la Bestia. Después de seguirlos religiosamente durante el año pasado, sin faltar a ni una de las fechas, decidimos tomarnos un descanso breve para juntar la manija y que las cosas están aceitadas.

Llegamos entonces a la esquina muralizada de Niceto. Era un poco tarde y mis amigos ya me estaban esperando. Todo el mundo tiraba para abajo al mismo tiempo. No sabiamos que habia que hacer para que las cosas salgan bien, ni tampoco teníamos el entusiasmo para pensarlo y buscar una solución. Adoptamos momentáneamente la melancolía de la noche (de sabado), auto consolandonos con que Bestia Bebé iba a levantar un poco el asunto.

Fumamos unas secas, pero tosi tanto que hasta este momento me está quemando la garganta. Lo bajamos con una birra que había llevado en la mochila desde mi casa, cuando salí a las 1230 para ver a mi novia. Tuvimos un dia largo.

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The Thief of Always

Puntaje del Comic: 

  • Año: 2005
  • Género: Fantasia
  • Autor: Clive Barker
  • Guión: Kris Okrispo
  • Dibujante: Gabriel Hernandez

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Dios Los Cría – El Sonido de lo Inevitable (2014)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Sin Razón en Particular: 5,5
  2. El Sonido de lo Inevitable: 6,5
  3. Tanto Amor: 8
  4. SuperAburrido: 7
  5. Atormentados: 8,5
  6. Claramente No: 7,5
  7. Pluscuamperfecto: 7
  8. Demasiado Salvaje: 8
  9. QBI: 8
  10. Sin Escalas: 8,5
  11. Relax: 8
  12. Todo: 8
  13. Arty: 9

Lanzado en 2014, El Sonido de lo Inevitable es el quinto y último álbum de estudio de la banda marplatense Dios los Cría, y tiene la particularidad de no estar disponible en formato físico; en su momento se podía descargar gratuitamente, hoy ni eso siquiera.

En cuanto al contenido, se destaca el menor uso de sintetizadores con respecto a su anterior álbum Justo Cuando nos Estábamos Quedando Sordos (2006), haciendo más fuerte la presencia de la guitarra, sobre todo con largos solos al final de varias canciones como “Claramente No” o “Sin Razón en Particular”.

El disco comienza con los dos temas más flojos pero luego mejora el nivel con “Atormentados”, “Sin Escalas” y “Relax” como puntos más altos. Mención aparte merece “Arty”, el bonus track que cierra el álbum, como de costumbre con una balada.

En resumen, es un disco bastante regular y un regreso esperado para sus fans que tuvieron que esperar 8 años para este lanzamiento. En 2016 su líder y fundador Pato Duhalde decidió que la banda se tome un “largo descanso” al sentir que el mejor momento ya había pasado.

Néstor

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Daft Punk – Human After All (2005)

Puntaje del Disco: 8

  1. Human After All: 8
  2. The Prime Time of Your Life: 9
  3. Robot Rock: 9
  4. Steam Machine: 8
  5. Make Love: 8
  6. The Brainwasher: 8.5
  7. On/Off:
  8. Television Rules The Nation: 8
  9. Technologic: 9
  10. Emotion: 8

Corría el año del dos mil cuatro, la música del nuevo milenio sonaba fuerte, y las bandas de los noventa estaban algunas muertas, otras en impasses creativos, y las de finales de la década, como Daft Punk tenían el deber de plantarse y demostrar que eran un gran prospecto a futuro de la música electrónica. Había que probar que Discovery no había sido una casualidad, que sus dos excelentes discos previos fungen como estandarte (Homework y Discovery) de algo más.

Human After All fue realizado en tan sólo seis semanas, lo que nos exhibe un proceso creativo muy breve, una idea de un álbum minimalista que se filtró antes de tiempo. En aquella época ya estaban latentes los debates de las filtraciones, las descargas, y la obtención ilegal y gratuita de este arte que tanto amamos.

La homónima “Human After All” abre el disco de un modo bastante tranquilo, bailable, y bien musicalizado, la mezcla de batería, guitarra, loops, y esas voces robóticas que los caracterizan funciona bien. No es la canción más explosiva de su carrera; pese a parecer un descarte de Discovery, o no alcanzar la excelencia de otros temas, funciona bien.

“The Prime Time of Your Life” tiene un sonido distorsionado con el que inicia es simplemente destacado. Los coros que enuncian el título de la canción parecieran salidos de una ópera rock futurista; el ritmo súbitamente comienza a acelerarse, dando pie a una odisea de efectos distorsionados que nos guían hacia un viaje electrónico de alto voltaje. Definitivamente un punto alto en este disco.

“Robot Rock”, con su mezcla de batería y el riff de guitarra en esta ocasión, es tan simple, como deliciosa. El efecto proporcionado al sonido demuestra el sello característico de esta banda, y su refinada evolución. Sin duda alguna un gran sencillo, y otro punto alto en este disco.

“Steam Machine” un sonido peculiar, como si el rock industrial fuese sublimado a una electrónica estilizada. Mientras que en “Make Love” estamos en un momento de descanso del disco, uno provocativo y emotivo. Su batería, teclado y guitarra funcionan bien, pero quizás pecan de simpleza.

Por su parte, en “The Brainwasher” estamos en presencia de una guitarra cruda, de una voz alterada que pareciera extraída directamente del lado más malvado de este dúo. Es una canción bien armada donde predomina la intención de ser cruda y dura. El momento más agresivo y confrontante de este disco.

“Television rules the nation” es otra canción bien ensamblada: una batería simple, una guitarra clara, simple y distinta que enmarca todo el ambiente. Funciona, pero de nuevo pecan de simpleza.

“Technologic” consta de un efecto para la voz sorprendente. Tiene algo tenebroso, y tanto el ritmo como los efectos bien ejecutados conforman una excelente canción. Sin duda alguna nos transporta a pensar en las pesadillas de la era tecnológica.

El álbum cierra con “Emotion” una canción de corte tranquilo y emotivo: en este caso estamos ante uno bien ejecutado, la simpleza no es un pecado aquí; parece un B Side de Discovery que si bien no llega a un nivel tan generoso, nos ayuda a rememorar buenos momentos, y por qué no, a disfrutar de este disco hasta el final.

En Homework vimos a un Daft Punk dando sus primeras señales de vida, mostrando instantáneamente su capacidad en canciones que se volvieron imprescindibles como “Around the World”, o “Da Funk”. En Discovery llegaron a un nivel de sofisticación y elegancia sorprendente, deslumbrando a propios y extraños (hay momentos donde prácticamente es una adaptación de la música clásica, a música electrónica). En esta tercera entrega nos recuerdan que solo son humanos, y como tal, no siempre se puede alcanzar lo más alto. Pese a ello, estamos ante una obra donde vemos cómo ha evolucionado su sonido desde el principio, que si bien en esta ocasión pecó de simpleza, no pierde calidad. Las buenas ideas y ejecuciones siguen presentes, y podemos presumirlas como sello de la casa.

En la escena de la música electrónica, Daft Punk no tiene la violencia de The Prodigy (pero demuestra que puede ser casi tan fuerte), no tiene el estilo tradicional de mezclar de los Chemical Brothers (pero sí una instrumentación y un sello propios), son tan bailables como Groove Armada, o Basemente Jaxx, y mejor instrumentados que Fatboy Slim. En términos generales y sin temor a equivocarme, se han hecho un nombre propio en el género.

El Gato Gordo

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Minga

 

Puntaje de la Serie: 

  • Año: 2017
  • Género: Comedia
  • Directora: Maitena Minella
  • Reparto: Camila Romagnolo, Rafael Federman, Gerónimo Reig

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Brujería – Pocho Aztlan (2016)

Puntaje del Disco: 0

  1. Pocho Aztlan: 0
  2. No aceptan imitaciones: 2
  3. Profecía del Anticristo: 0
  4. Ángel de la frontera: -1
  5. Plata o plomo: 0
  6. Satongo: 0
  7. Isla de la fantasía: -1
  8. Bruja: -10 (Ya no tiene sentido seguir escuchando este disco)
  9. México campeón: ??
  10. Culpan la mujer: ??
  11. Códigos: ??
  12. Debilador: ??
  13. California über Aztlan:

Brujería nació en 1990 como una rev[b]elación mexicana ante los grandes monstruos capitalistas de EEUU: una banda de greñudos locos, marihuanos y chingones.

Matando Güeros (1993), su álbum debut, apareció bajo el entonces excepcional sello Roadrunner Records, lo cual en su momento era un símbolo de pura chingonería: aun con el claro mensaje de odio hacia el país gabacho, lograron ser producidos por una disquera gringa. Además, con su abierta y cínica declaración de asesinatos y rituales satánicos, incluso Monte Conner se sentía intimidado y vulnerable ante los integrantes de la banda: El Brujo, El Asesino, El Fantasma, El Greñudo, El Hongo, El Güero Sin Fe y El Pinche Peach, al punto de abrirles las puertas de RR de par en par, pues lo contrario (él lo sabía bien) significaría su inminente decapitación.

Raza Odiada (1995) llevó el nacionalismo al extremo. Dejó de ser una amenaza y se convirtió en una declaración de choque y revolución. Al escuchar el segundo álbum de la banda, uno en verdad se alistaba para atacar a los culeros del norte; sólo habría que escuchar las órdenes del Patrón para aplicarles la ley del plomo a esos pinches gringos hijos de la chingada. Eso sin mencionar que también invitaban al narcotráfico, el satanismo, las putas y la marihuana.

Brujerizmo (2000) llevó su ideología a su máxima expresión y su música a una brutalidad tal que ni el diablo mismo se resistía a mover sus cuernos al ritmo de las guitarrotas del Asesino, las súper batakas del Greñudo y el gran bajísimo del Fantasma. ¡Este disco está cabrón! Se necesitan muchos huevos para aguantar una descarga tan chingona de metal mexicano. Tras escuchar las trece rolas de este discazo, uno ya se sentía bautizado por Satanás.

Dieciséis años más tarde, con puro pinchi gringo pendejo en su alineación, Juan Brujo queda huérfano y capado. Su contrato expiró, Satanás ya no lo cuida.

Kobda Rocha

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Korn – Take a Look in the Mirror (2003)

Puntaje del Disco: 6

  1. Right Now: 8
  2. Break Some Off: 6
  3. Counting On Me: 6
  4. Here It Comes Again: 7
  5. Deep Inside: 5
  6. Did My Time: 8
  7. Everything I’ve Known: 7
  8. Play Me: 8
  9. Alive: 8
  10. Let’s Do This Now: 5
  11. I’m Done: 4
  12. Y’All Want A Single: 8
  13. When Will This End: 4

“Es el peor disco que hemos hecho”, dijo sin vueltas Brian “Head” Welch, guitarrista de KoRn, unos años después de la salida de Take a Look in the Mirror, su sexto álbum de estudio. Una opinión debatible, pero se entiende si tenemos en cuenta que Head se fue de la banda después de la publicación de este trabajo y no participó en los aún peores See You on the Otherside o Untitled.

En cualquier caso, las prisas, falta de inspiración y el hastío interno del grupo se notan y mucho en este disco “de manual”, compuesto y grabado a las apuradas durante la gira del Ozzfest. El álbum anterior, Untouchables, había demorado dos años y costado 4 millones de dólares, sin lograr las ventas esperadas y dejando a la banda endeudada. Así, Take a Look in the Mirror suena a un trabajo hecho por obligación para pagar las cuentas.

El disco nos presenta riffs de lo menos inspirados (nótese la similitud entre el puente de “Did my time” y la intro de “Everything that I’ve known”, que para colmo están secuenciados uno después del otro), letras que siguen los moldes típicos de Jonathan Davis (“todo está mal, todos me odian, estoy deprimido y furioso”) y una interpretación vocal desganada. Si en los primeros discos de Korn Davis hacía creíbles sus letras, era porque sus guturales gruñidos e inquietantes susurros no dejaban margen para la duda. Acá, es simplemente un hombre de 32 años, multimillonario, con esposa e hijos, intentando hacer creer que sigue sufriendo porque le hacían bullying en la secundaria.

Flaco favor le hace al disco estar producido por el propio Davis, quien se limita a seguir la fórmula KoRn a pie juntillas, comprimiendo los instrumentos de su otrora furiosa banda en un Pro-Tools estéril. Todo suena forzado, intentando recuperar elementos de un pasado glorioso ya extinto. ¿A Untouchables le faltaron las tradicionales gaitas de discos anteriores? Listo, ponemos una breve intro de gaitas en “Let’s do this now”. ¿En “Life is peachy” y “Follow The Leader” tuvimos colaboraciones con raperos? Listo, ponemos a Nas a rapear encima de una base en la más pura vena Korn. ¿Nos piden que volvamos al sonido del primer disco? Listo, reciclamos “Alive”, una canción de 1993 que no llegó a incluirse en el álbum debut. ¿La moda es renegar de las discográficas y la industria musical en general? Listo, hacemos un single pegadizo con un video en el que destrozamos una disquería. Y así podríamos seguir… Cada movimiento en Take a Look in the Mirror trasluce una demagogia berreta y una falta de ideas inquietante.

Apenas sobreviven un puñado de canciones decentes (“Right Now”, “Did my time”, “Alive”, “Let’s do this now”) aunque ninguna memorable. Lo más interesante del disco, sin dudas, es su cuidado booklet, repleto de memorabilia y fotos de los comienzos del grupo. Imposible dejar de interpretarlo como una señal. Apenas una década después de su revolucionaria irrupción en la escena, Korn veía su estrella de gloria apagarse y no podían evitar sentirse nostálgicos. Triste pero cierto.

Camilo Alves

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Back To The Future Part II

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Puntaje de la Películastar-rating-5

  • Año: 1989
  • Género: Aventura, Ciencia Ficción
  • Director: Robert Zemeckis
  • Reparto: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover, Thomas F. Wilson

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Peter Gabriel – So (1986)


Puntaje del Disco: 9

  1. Red Rain8,5
  2. Sledgehammer9,5
  3. Don’t Give Up: 8
  4. That Voice Again: 9
  5. In Your Eyes: 9
  6. Mercy Street: 8,5
  7. Big Time: 8,5
  8. We Do What We’re Told (Milgram’s 37): 7,5
  9. This Is the Picture (Excellent Birds): 8

Desde su desprendimiento de Genesis, Peter Gabriel supo diseñar una carrera solista convincente e innovadora, siendo uno de los pioneros en la fusión del rock con todo tipo de música étnicas de culturas diversas.

Tras haberse rehusado a darle nombre a sus primeros cuatro álbumes, los cuales se llamaron todos Peter Gabriel (acompañados del número por su orden de salida I, II, III, IV) usando distintas portadas donde su cara se encontraba tapada o parcialmente oscurecida de alguna forma, se vio obligado a colocarle nombre a sus siguientes incursiones y decidió utilizar una serie de palabras de dos letras, el primero de ellos sería So de 1986.

Grabado en su lujosa casa de campo en 1985, Ashcombe House, en el sur de las islas británicas, contaría con “Sledgehammer” como principal carta de presentación, tanto el tema alegre y pegadizo como su avanzado video para la época seducieron al público de inmediato. Sin embargo Gabriel, que se encontraba en uno de sus momentos de gracia, tendría otras cartas potenciales para captar la atención de todos en este variado trabajo como “Red Rain”, “That Voice Again”, “Big Time”  y “Mercy Street“.

So es considerado uno de los trabajos más fuertes de toda la década del ochenta y de los más importantes en la trayectoria del artista británico. Accesible y enfocada a la vez, masivo pero con ambiciones artísticas y letras inteligentes al mismo tiempo, un disco que dejaría un estatus de icónico y hoy en día, tres décadas después, continúa siendo recordado y referencia.

F.V.

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Forrest Gump

 

Puntaje de la Película: 

  • Año: 1994
  • Género: Drama, Comedia
  • Director: Robert Zemeckis
  • Reparto: Tom Hanks, Robin Wright, Gary Sinise, Sally Field, Mykelti Williamson

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¡¡Felices 10 años Persi Music!!

10 Años de Persi Music. Dibujo de Matías Guerra.

Un día como hoy, hace exactamente 10 años nacería este proyecto llamado Persi Music. Por aquel entonces era un mero experimento entre amigos, en el cual íbamos a empezar reseñando discos de bandas de Rock Internacional. Y teníamos un mundo entero por delante de bandas y artistas para abordar.

En estos 10 años, llegamos a reseñar más de 750 bandas de Rock Internacional, muchas con discografías ya completas, y nos expandimos haciendo reseñas de Rock Argentino y en Español (ya van más de 300 grupos que repasamos en reseñas, coberturas y entrevistas) y además nos seguimos expandiendo al mundo del Cine, de las Series, de los Libros y Videojuegos. Y casualmente la publicación de hoy es la número 4500 en estos 10 años.

Para celebrarlo en primer lugar, inauguramos un formato del sitio Web, como ya se habrán dado cuenta. Les contamos un resumen de las novedades.

Aclaración: para una mejor experiencia en la navegación les sugerimos ingresar desde una PC, en lugar de celular.

Se unificaron todos los sitios

Antes habíamos abierto distintos sitios. Uno para Rock Internacional (Persi Music), otro para Rock en Español (Persi MusicA) y el último para Series y Películas (Persi Movies). Hoy el contenido se encuentra todo unificado en un solo sitio, ordenado por su puesto por categoría.

Si quieren ver reseñas de Rock Internacional, Nacional, o Cine, simplemente tienen que elegirlo en el menú superior:

Y si quieren entrar a la categoría de sus grupos simplemente lo buscan a la derecha del sitio.

Dos Líneas del Tiempo

Las clásicas líneas del tiempo con los discos que reseñamos hasta el momento ordenados por puntaje siguen estando. Encontraran una por Rock Internacional y otra por Rock Argentino:

Próximamente se inaugurará la Línea del Tiempo de Series y Películas.

Formato de Revista

Ahora contamos con un Slider donde estarán viendo las última publicaciones en la sección central:

Indice de Bandas

El antiguo apéndice de Bandas ordenado por letras alfabéticas ahora se transforma en un indice que encontrarán cuando ingresen a la categoría de cada Bandas:

De a poco se irán sumando los indices de todos los grupos que faltan.

Festival de Críticos

Y para celebrarlo finalmente, decidimos hacer un Festival de Críticos y Escritores de la pagina. Donde durante las próximas semanas se estará publicando una reseña o una nota por día por escritor, en donde estarán colaborando los escritores ya conocidos de la pagina, antiguos conocidos del sitio y donde le daremos la bienvenida a nuevos escritores que se sumaron.

Si te queres sumar al festejo, envíanos tu reseña o nota (puede ser de discos, películas, series, libros, lo que te guste) a la casilla persimusic@gmail.com y lo estaremos sumando. Siempre es bienvenida la colaboración de nuevos escritores.

Les queremos agradecer nuevamente a quienes nos siguen leyendo y acompañando. A quienes comentan, colaboraron y a quienes escribieron a lo largo de estos 10 años en la pagina.

¡¡Muchas gracias a todos y Felices 10 años Persi Music!!

Staff de Persi Music

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Kasabian – 48:13 (2014)

Puntaje del Disco: 7

  1. (shiva):
  2. bumblebeee: 8
  3. stevie: 7,5
  4. (mortis): –
  5. doomsday: 6
  6. treat: 6,5
  7. glass: 5,5
  8. explodes7,5
  9. (levitation)5
  10. clouds: 7
  11. eez-eh: 8
  12. bow7
  13. s.p.s7

El declive de Kasabian comienza aqui. Venían atravesando los primeros años de su carrera convincentemente, renovándose, enriqueciendo sus propuestas y sorprendiendo disco tras disco, hasta que llegó el turno de 48:13 (2014), donde la magia comenzó paulatinamente a perderse.

48:13 el título elegido por los de Leicester, es la duración total del disco, con canciones que se acercan a un Indie directo, bailable y electrónico de sus primeros trabajos que al rock alternativo y experimental que habían incorporado como propio desde West Ryder Pauper Lunatic Asylum y ratificado en Velociraptor! Una decisión reprochable teniendo en cuenta el producto final dejando en claro que esta vez no tenían demasiado que decir.

Si bien no deja de ser un buen disco y de poseer temas disfrutables como “bumblebeee”, “explodes” o “eez-eh”, estos no serían más que una anécdota en cualquiera de sus anteriores álbumes. Para colmo de males su siguiente y más reciente placa For Crying Out Loud no logra levantar cabeza y la pendiente en la carrera de una banda que supo ser confiable como Kasabian, continuaría acentuándose.

F.V.

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La sonrisa del camaleón

 Extraído del libro “.el abc de la estupidez”, publicado en 2016.

Arianna es el nombre de mi guitarra. Fue un regalo de mi padre en la última Navidad que estuvo con nosotros. Yo tenía dieciséis años y quería ser rockstar. Mi madre se oponía, insistía en que fuera abogado o doctor; pero mi padre me apoyaba, decía que todo trabajo es bueno siempre que uno estuviera feliz con ello.

Ahora soy un hombre casado, un hombre común con una vida común. Mi esposa es una mujer hermosa, inteligente y talentosa; lee al menos treinta páginas antes de dormir, es gerente general en la compañía donde trabaja, tiene hábitos saludables, hace deporte, conoce gente importante. Es una mujer importante. Tenemos dos niñas, de cinco y tres años. Las amo tanto. Son mi vida, son mi amor. Amo a mi esposa, pero son ellas mi razón para seguir con este estilo de vida. Ellas son mi fuerza; sin ellas, me hubiera derrumbado hace tiempo (cuando mi esposa y yo dejamos de platicar sobre asuntos sin importancia, cuando cambiamos nuestra medianoche de amor y charla por veinte minutos de café y cigarrillo en silencio). Tengo un empleo mediocre con un sueldo miserable en una empresa de alto prestigio. Mi padre ―donde quiera que esté― debe estar decepcionado de mí. Mi trabajo en la oficina no me hace feliz, y lo que hago ni siquiera lo hago bien. Pero no puedo dejarlo, es lo que me mantiene al día. Mi esposa dice que tenemos la vida que soñamos, y la sonrisa de mis hijas lo comprueba.

Soy un hombre feliz. No me quejo de lo que no tengo ni me disculpo por lo que no hice. Cada mañana, cuando el despertador me susurra que es tiempo de comenzar la rutina, abro los ojos y sonrío. Día a día, debo preguntarme por qué tengo esta vida y por qué hago lo que hago, y mi respuesta siempre es la misma: lo hago porque soy un hombre feliz.

El sábado por la noche, como cada semana, estoy en un bar al sur de la ciudad. Es un bar sin concurrencia a cinco minutos del metro Xola. Mi esposa dice que es absurdo e infantil que siga yendo a ese lugar; cada semana se molesta por ello. Debo confesar que algunas veces me da miedo que el asunto termine con nuestro matrimonio. Hago esto a pesar de mi esposa. No quiero molestarla ni lastimarla, pero esto es mi válvula de escape. Sin ello, explotaría.

Cuando voy a tocar al bar, mi esposa no me deja usar el auto ni llevar dinero; cuando está de buen humor dice que es por mi seguridad, que lo hace para cuidarme; cuando está de mal humor dice que no le importa si muero allá un día de estos, pero que no soportaría vivir una semana sin el auto. Creo que es mejor así. Me gusta caminar entre faros y estrellas de regreso a casa. Alfredo, mi compañero, me ofrece un aventón aunque sabe que, como cada sábado, me negaré. Lo hace automáticamente por cortesía, tal vez por aprecio o amistad; sin embargo, ambos sabemos que si aceptara, el viaje sería incómodo para los dos. Seguimos yendo a ese bar a tocar juntos, pero nuestras vidas han tomado rumbos separados y totalmente distintos. Además, me gusta caminar de regreso a casa entre faros y estrellas. Creo que es mejor así.

La caminata sobre la Calzada de Tlalpan se embellece con prostitución a cada paso. De vez en vez, cuando me canso de caminar, les canto una canción a cambio de un tabaco y una historia ―debo confesar que soy adicto a sus amores. Anoche me detuve en el parque Xotepingo para rendir un homenaje a Luis Álvarez; las chicas contaban bromas y soltaban carcajadas al ir escuchando la letra de la canción:

“Sólo quiero eyacular mis ideas en tu mente,

Sólo quiero eyacular mis sentimientos en tu vientre.”

Al terminar la canción, los cigarrillos se encendieron y los tacones se disiparon sin despedidas ni miradas. Sólo Wendy permaneció inmóvil frente a mí, con la intención en los ojos de doblegar su fortaleza. “Me encanta eso que haces con la guitarra; parece que llora, parece que se lamenta”. Wendy era, siempre lo creí, una chica muy inteligente. Sabía de temas políticos y científicos, a veces hasta más que yo. Decía que todo lo leía en el periódico o que sus clientes se lo contaban, pero yo siempre sospeché que había algo más.

Gracias, le respondí, y ¿dónde van al baño? La pregunta que me trajo aquí. Jamás debí pedirlo; debí orinar en un árbol como hacen todos. Pero necesitaba refrescarme. Ella entró conmigo, dijo que de otra forma no me dejarían pasar. Si mi esposa hubiera visto aquella escena, en este momento estaría firmando el divorcio en lugar de haberme traído flores al hospital.

No sé en qué pensaba mientras estuve en el baño. Recargado en el lavabo, tratando de no tocar las paredes —como si eso me librara del contagio—; no sé o tal vez no quiero recordar qué pensaba. Habían pasado alrededor de diez minutos cuando me decidí a salir. Wendy ya no estaba, yo me retiré de ahí sin dar las gracias. Afuera había una escena grotesca: un hombre barrigón de unos cuarenta años manoseándola enfurecidamente y lamiéndole de la nariz al pecho. De pronto, el hombre se detuvo por un segundo y luego la golpeó dos veces en el estómago. Al instante, sin premeditar en lo que me estaba metiendo, corrí para defenderla; pero el tipo sacó una pistola… y disparó.

Definitivamente, mi esposa no me dejará volver a tocar mi guitarra por el resto de mi vida. Quizá pueda aprenderme Las Mañanitas y cantar en los cumpleaños de nuestras hijas. Ni siquiera sé si Arianna sobrevivió a la noche de ayer. La enfermera dice que mi esposa está allá afuera con un ramo de flores esperando la hora de las visitas. Yo no sé si tendré el valor de mirarla a los ojos y explicarle lo que sucedió.

“Estás vivo. Si es lo que quieres saber.” Dijo el doctor al acercarse a mi cama. “La pregunta es: ¿qué vida vivirás a partir de hoy?” Me miró inquietantemente, intrigado y muy serio. Supuse que quería saber qué hacía yo en ese lugar. En cualquier momento preguntaría ¿qué le dirá a su esposa cuando suba? o haría señas de confidencialidad machista, guiñándome un ojo para hacerme saber que mi secreto estaba a salvo. Pero Dios sabe que jamás he tenido sexo con ninguna de ellas. Así que me anticipé a cualquier cosa que estuviera pensando decirme y exclamé: “¡Viviré una vida feliz, con mi esposa e hijas!”.

Me miró fijamente por unos segundos y entonces dijo: “Las estrellas sólo son estrellas. Realmente ellas no conocen su condición, tú eres quien ve la belleza en ellas. Eso no significa que una estrella sea feliz sólo por ser estrella. Al igual que tú no eres feliz sólo por ser quien eres.” Al terminar, sonrió. Yo había visto esa sonrisa antes; una sonrisa sincera, sin burla, plena, real. Antes de dar la vuelta para salir de la sala, me dijo: “Reza y agradece, porque estás vivo de milagro… Por cierto, te gusta caminar entre faros y estrellas, ¿verdad?”.

Era él…

Era ella…

Sonriente, sincero. Ése es el rostro detrás de la fortaleza impenetrable y el maquillaje de Wendy. Y no tiene interés en esconderlo… Simplemente es. Un ser completo, un humano íntegro, seguro de sí mismo, sin temores, sin debilidades. Y yo… me estremezco al ver los claveles y la sonrisa de mi esposa, quien, por primera vez en cinco años, está usando su anillo de bodas.

Kobda Rocha

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Sin Final: Una banda under que cumple

Cuando la calidad del sonido del escenario no se caracteriza por ser la mejor, hay que saber tocar muy bien para que no resulte cacofónico para el público. Sobre todo si antes de tu banda tocó una que más o menos, a duras penas, se tiraba algunas que otras buenas frases musicales. Pero no mucho más que un par de acordes con formas monótonas en los cuatro o cinco temas que sonaron. Sin Final logró purificar esos viejos y empolvados parlantes con una impronta propia para llevarse todos los aplausos del festival. Porque cuando hay ensayo se nota y aún más cuando los músicos saben de lo que se trata. Más aún cuando es gente que tiene sapada encima y que logran, entre sus miembros, captar mutuamente la idea de cada uno, que se entienden como si fuera un equipo de fútbol.

Sería difícil encajar esta banda con algún género pero tiene una marcada inspiración en famosas bandas como Iron Maiden. Una suerte de post-rock, rock metal, post-punk a mi parecer, aunque, para ser más específicos, ellos se definen como metal fusión progresivo. Pero bueno, lo decía Spinetta,  cada cual haga la música que le guste sin necesidad de encajarla en una etiqueta predeterminada. Una chunga combinación de estilos que da su fruto con buenos cambios en el tiempo. La banda cuenta con seis integrantes; 2 guitarras (“El Chino” Ogura y Martín Nocito), 1 bajo (Tebo Penovi), 1 cantante (Andrés Recchia) y 1 baterista (Nicolás Diebra).

El baterista siempre es clave para que una banda se exprese como desea. Sin Final no tiene excepción en esta regla pues todo lo propuesto en el escenario estuvo muy bien conseguido. En este caso, manejaba muy bien el tempo, por lo que la banda podía hacer puentes que quedaban bien (algunos con silencios en el medio) para unir las distintas partes que tenían las composiciones. El primer tema arrancó con mucha energía, coordinando muy bien las escalas entre las guitarras.

En general, la técnica lograda mediante la práctica y la perseverancia de esta gente ayudó mucho. ¿Por qué? ¿Cómo te das cuenta de eso? Por la versatilidad de las melodías. Se puede notar que cualquier escala no va con cualquier escala y esto remite a la prueba de que los integrantes de Sin Final saben perfectamente lo que están haciendo. Además, el registro del cantante, Andrés Recchia, hace que se acople con los diversos tonos por los que se mueven los temas. Los dos guitarristas van turnándose casi espontáneamente los acompañamientos y los solos con silencios que retoman el riff característico de cada canción. Asimismo, el uso de las pedaleras es mesurado y en el momento justo.

El guitarrista apodado “El Chino”, merece un párrafo aparte. Charlando con algunos de los integrantes, me lo habían advertido; “este tipo es un animal”. La verdad, se notó demasiado. Excesivamente. Un tipo que toca cinco horas por día hace que no tenga ningún tipo de sentido lo bueno que es cuando se sube a un escenario. Para él, las cuerdas parecían de manteca.

En fin, una gran banda under. Cuando hay esfuerzo, dedicación y, por sobre todo, amor por lo que uno hace, las cosas salen bien. No fue menos de lo que esperaba, ya sabía que eran muy buenos músicos. Y si los vas a saludar y te quedás charlando, están con la mejor onda, hasta capaz te terminás tomando una birra cerrando el festival a todo rock.

Wilcrak Badios

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The 1975 – The 1975 (2014)

Puntaje del Disco: 7

  1. The 1975: 9
  2. The City: 7
  3. M.O.N.E.Y: 6
  4. Chocolate: 8
  5. Sex: 8
  6. Talk!: 5
  7. An encounter: 6
  8. Heart Out: 8
  9. Settle Down: 9
  10. Robbers: 7
  11. Girls: 8
  12. 12: 6
  13. She way Out: 8
  14. Menswear: 6
  15. Pressure: 7
  16. Is There Somebody Who Can Watch You: 7

Debo comenzar esta reseña admitiendo que estaba subestimando mucho el trabajo de estos chicos, ya que en realidad su música no es mala como yo pensaba. Sin embargo, creo que al mantenerme objetivo aún está lejos de ser un trabajo de una calidad aceptable, al menos desde mi sentido musical.

Su disco homónimo comienza con una ambientación muy bien producida, que me llevo a una atmosfera que me decía “agarrate bien que esto va a estar bueno”, lo cual hizo que inmediatamente mi percepción sobre su musicalidad cambiara por completo. Lamentablemente todo esto se fue en los primeros cinco segundos de la siguiente canción, ya que hace sentir totalmente fuera de contexto la ambientación que se utilizó brevemente.

Me gustaría resaltar como siempre los puntos buenos antes que los malos. Para empezar la producción del disco es impecable, en verdad para una banda que recién estrena su primera producción de larga duración me sorprende lo orgánico que llega a sonar todo, incluso los sintetizadores. La premisa que utilizan al momento de fundamentar su música es interesante, tomar como influencia central bandas de los setentas, ochentas y noventas para crear su música me pareció algo muy inteligente puesto que es algo que ya había funcionado antes. Al traerlo a generaciones más actuales ha funcionado de igual manera (ya que recibieron múltiples premios y nominaciones por este álbum).

La ejecución musical de The 1975  es decente, a pesar de que entre  bajo y guitarras no hacen la gran cosa, funciona de acuerdo a lo que sus canciones les están pidiendo. Pero debo mencionar que la manera de ejecutar los ritmos del baterista con ese increíble Groove y matiz perfecto que encaja como pieza de rompecabezas al resto de sonidos. Y la voz está muy bien articulada melódicamente dentro de cada pieza.

Bueno, dicho esto proseguiré con lo malo, ¿Cómo decirlo? Al menos en este punto de su carrera se nota que existía una gran inexperiencia al componer, lo cual sería totalmente justificable si no tuviesen tres o cuatro EP’s detrás que fundamentan una “evolución” como banda. Las canciones a pesar de ser pegajosas, melosas y si… pop, llegan a ser muy repetitivas, incluso llegan a repetirse muchas estructuras dentro del disco o tonalidades o arreglos con octavas y palm mute en la guitarra. Ya sé que mencione que todo esto funciona bien, pero si fuese un disco más corto con un poco más de variedad en los sonidos creo que podría ser considerablemente mejor. Canción a canción van haciendo que muevas la cabeza y el cuerpo al ritmo de la música, pero creo que es muy tedioso escuchar todo el disco completo por lo que ya mencione.

Se supone que al ser un material homónimo debería funcionar como una carta de presentación de sí mismos, por lo que no lleva un concepto en general y no tiene nada de malo, pero pretende que quien entienda las letras sepa qué clase de mensajes quiere llevar la banda a la sociedad. Pero la verdad es que en este sentido son una banda más con letras acerca de cualquier cosa que hace identificar a cualquier persona.

Dentro del disco hay dos ambientes más que a mi parecer son más que innecesarios, no conectan con nada y no tienen otro propósito más que el de hacer pensar al escucha “que bonitos sonidos hacen”.

Para finalizar me gustaría mencionar que The 1975 no me parecen una mala banda en lo absoluto. Si tuviesen un poco más de ingenio yo mismo sería un fan muy aguerrido, pero esa falta de chispa y autenticidad al querer copiar canciones que ya han sido un éxito me hace entrar un poco en conflicto con que la música que hacen suene bien. Sin embargo, estoy hablando de su primer etapa y al menos lograron captar mi atención para seguir escuchando su música y solo espero que mejoren y logren conseguir su propia esencia sin ser tan repetitivos dentro de un mismo trabajo discográfico.

Jack In Blue

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