Elton John – Goodbye Yellow Brick Road (1973)

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Puntaje del Disco: 10

Disco 1:

  1. Funeral for a Friend / Love Lies Bleeding: 9
  2. Candle in the Wind: 10
  3. Bennie and the Jets: 9
  4. Goodbye Yellow Brick Road: 10
  5. This Song Has No Title: 8.5
  6. Grey Seal: 8
  7. Jamaica Jerk-Off: 8
  8. I’ve Seen That Movie Too: 9

Disco 2:

  1. Sweet Painted Lady8
  2. The Ballad of Danny Bailey (1909-1934): 8
  3. Dirty Little Girl: 8.5
  4. All the Girls Love Alice: 9
  5. Your Sister Can’t Twist (But She Can Rock ‘n’ Roll): 9
  6. Saturday Night’s Alright for Fighting: 10
  7. Roy Rogers: 8
  8. Social Disease: 8.5
  9. Harmony: 9.5

Ideado originalmente como un sólo disco, Goodbye Yellow Brick Road, el séptimo material de Elton John, vio finalmente la luz en 1973 como un disco doble; principalmente gracias al impulso creativo que significó para el británico el traslado del estudio desde Jamaica a Château d’Hérouville, donde antes había grabado Honky Château y Don’t Shoot Me, I’m Only the Piano Player.

La recepción del disco fue muy favorable, tanto entre la crítica, como entre el público, llegando a más de treinta millones de copias vendidas. Si con “Cocodrile Rock” y “Daniel” de sus anteriores trabajos había alcanzado un rotundo éxito, con Goodbye Yellow Brick Road, confimó su estatus de super estrella.

La melodramática “Funeral for a Friend / Love Lies Bleeding” de casi once minutos muestra tal vez lo más progresivo del inglés, mientras que “Candle in the Wind”, dedicada a Marilyn Monroe quien había fallecido en 1962, sería décadas más tarde reinterpretada por John en homenaje a su amiga la Princesa Diana de Gales, durante su funeral. Luego “Bennie and the Jets” y el tema que da nombre al disco, cambian el clima y se alzan como dos nuevos grandes clásicos.

Durante el resto del disco la dupla John-Taupin muestran un poco su versatilidad para pasar del pop con “Grey Soul”, algo de reggae en “Jamaica Jerk Off”, una balada como “I’ve Seen That Movie Too” y algo de rock con “Your Sister Can’t Twist (But She Can Rock & Roll)” y “Saturday Night’s Alright for Fighting”.

En el final la hermosa “Harmony” da cierre a este fantástico material, que terminó de consagrar a Elton John y posicionarlo como a un artista de enorme calidad.

Piro

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Black Sabbath – Born Again (1983)

Puntaje del Disco: 4

  1. Trashed: 6,5
  2. Stonehenge:
  3. Disturbing the Priest: 4
  4. The Dark:
  5. Zero the Hero: 4,5
  6. Digital Bitch: 3
  7. Born Again: 5,5
  8. Hot Line: 4
  9. Keep It Warm: 4,5

Todavía no me decido si el contenido del disco es más horrible que la tapa del mismo. Lo cierto es que Born Again es un álbum malo por dentro y por fuera. Para este trabajo, Ian Gillan (el mítico cantante de Deep Purple) se sumó como vocalista en lugar de Dio, que tiene un estilo totalmente distinto al de Black Sabbath. Mientras Purple con Gillan denotaba poder y velocidad en sus primeros años, Sabbath sembraba un metal más oscuro y tenebroso.

Así que la llegada de Ian a Black Sabbath hace que se choquen sus influencias y los estilos. Y como resultado terminan sonando como una banda de metal bastante genérica y sobre todo ridícula.

Gillan nunca parece sentirse demasiado a gusto con el estilo de la banda. Se nota que se esfuerza por sonar satánico y diabólico interpretando cada canción, pero está más cerca de ser un payaso que actúa a ser demoniaco con sus graciosas risas y gritos que juegan a ser macabros, como sucede en “Disturbing the Priest”.

Peor aún es saber que tenemos un Iommi en guitarra totalmente falto de inspiración. No hace un solo Riff memorable, tornando a Sabbath en una banda genérica como en “Hot Line”.  Y su solos de guitarras son tristes para su talento, como en “Zero the Hero”. De hecho Iommi y todo Sabbath tocan fondo en “Digital Bitch”, el ejemplo de lo que se denomina “Cock Rock”. Un rocker sin sentido, medio cabeza, cuadrado y defenestrado por la influencia de los ochenta.

Born Again es un álbum para olvidar ,que en general hasta los más fanáticos de Black Sabbath llegan a odiar.

Persy

Neil Young – Everybody’s Rockin’ (1983)

Puntaje del Disco: 5

  1. Betty Lou’s Got a New Pair of Shoes: 6
  2. Rainin’ in My Heart: 5
  3. Payola Blues: 6
  4. Wonderin’: 4,5
  5. Kinda Fonda Wanda: 4
  6. Jellyroll Man: 5
  7. Bright Lights, Big City: 6,5
  8. Cry, Cry, Cry: 4,5
  9. Mystery Train6
  10. Everybody’s Rockin’: 5

Las tensiones entre Neil Young y David Geffen, propietario de su disquera Geffen Records, fueron creciendo a principios de los ochenta exponencialmente.

La experimentación futurista de Trans (1982) significó un fracaso comercial inédito en su carrera, con sobrados motivos, y como respuesta Neil le ofreció a Geffen lo que mejor sabía hacer un álbum country llamado Old Ways. Sin embargo su discográfica lo rechazó y le exigió un disco de rock & roll.

Como respuesta Young se dedicó al rockabilly y creó una banda para la ocasión, los “Shocking Pinks”,  con la que grabaría una selección de canciones retro (algunos covers y otras originales) con reminisencias al nacimiento del rock and roll en los años cincuenta de tan solo veinticinco minutos de extensión bajo el título Everybody’s Rockin’ en Agosto de 1983.
Claramente esta jugada, inexplicable y poco comercial, enfureció aún más a Geffen Records que hasta intentó sabotear las grabaciones y terminó demandando al artista. Para el momento de su lanzamiento Everybody’s Rockin’ obtuvo las peores críticas en su carrera y a pesar de su pobre repercusión salió a presentarlo en vivo con baja concurrencia a sus conciertos, estaba claro que este no era el Young que todos querían ver y el chiste del canadiense pareció haber llegado demasiado lejos.

“¿Acaso me creen estúpido o que enloquecí? ¿Realmente creen que lo saque pensando que sería lo mejor que alguna vez grabaría? Obviamente sabía que no lo era.” Respondería el viejo Neil demostrando que no le importaba demasiado lo que digan de el.

F.V.

Bon Jovi – Estadio de Vélez Sarsfield (16/09/2017)

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Como parte de la Gira This House is not For Sale, iniciado en los Estados Unidos en Febrero de este año, Bon Jovi se presentó en el Estadio José Amalfitani del Club Vélez Sarsfield de la Ciudad de Buenos Aires.

Casi cuatro años después de aquel recital que la banda liderada por Jon Bon Jovi brindó en este mismo escenario, el grupo se reencontraba con sus seguidores para presentar parte de su último material de 2016 y repasar algunos de sus mayores hits.

En una noche apacible y muy agradable y ante un público de variada edad pero mayoritaria de treintañeros, la banda de New Jersey salió a escena media hora más tarde de lo pactado abriendo el espectáculo con “This House is Not For Sale”, con  Tico Torres en batería, David Bryan en teclados, Hugh McDonald en bajo y Phil X en guitarra (éstos dos últimos confirmados  oficialmente como parte del grupo). Continuó “Raise Your Hands” del consagratorio disco Slippery When Wet de 1986 y luego de un breve saludo al público siguió “Knockout”, también del último material, para darle paso a “You Give Love a Bad Name”, el primer gran clásico, que tuvo a todo el estadio sonando al unísono en los coros.

“Lost Highway”, “We Weren’t Born to Follow” y “”I’ll Sleep When I’m Dead” continuaron con la lista (que no presentaría variantes respecto a la ofrecida en Santiago de Chile dos días antes), y “Runaway” con su inconfundible introducción volvió a trasladar al público en el tiempo al primer disco de 1984. “Someday I’ll Be Saturday Night” tuvo al carismático cantante al frente con la guitarra acústica y la versión de “Bed of Roses” sonando con el estribillo intercalando la versión en castellano, terminó de desatar la locura entre las fieles seguidoras.

“It’s My Life” de principios de milenio sacudió nuevamente al todo el Estadio que saltaba y coreaba con fuerzas, y luego “God Bless This Mess” mostraba en las tres pantallas gigantes imágenes de titulares periodísticos que cuestionaban la vigencia de Bon Jovi, a quien las diversas dificultades que tuvo que atravesar a lo largo de su extensa trayectoria, sirvieron como combustible para fortalecerse. Las pegadizas “Wanted Dead or Alive” y “Lay Your Hand on Me” teniéndolo casi como un predicador, dieron lugar al cierre del primer tramo del recital con “Bad Medicine”, uno de los más cantados de la noche.

En los bises “In This Arms”, la gran balada “I´ll Be There For You” y el mega clásico “Livin’ on a Prayer” parecían que cerrarían la presentación. Sin embargo, habría lugar para otros dos inmortales temas como “Theses Days” y “Keep the Faith” del Bonjo de los noventa, culminando una presentación de dos horas y media.

Se presentó una vez más en nuestro país una de las mayores bandas de rock de estadios, y a pesar de algunas cuestiones como el bajo volumen o la dificultad que por el final mostró Bon Jovi en los coros, el show fue muy sólido, entretenido y sobre todo afianzó la lealtad del público local con el estadounidense.

Piro

The Dead Weather – Dodge and Burn (2015)

Puntaje del Disco: 8

  1. I Feel Love (Every Million Miles): 8,5
  2. Buzzkill(er): 8
  3. Let Me Through: 8
  4. Three Dollar Hat: 8
  5. Lose the Right: 7,5
  6. Rough Detective: 6,5
  7. Open Up: 8
  8. Be Still: 7,5
  9. Mile Markers: 7,5
  10. Cop and Go: 8,5
  11. Too Bad: 7,5
  12. Impossible Winner: 9

Desde su nacimiento de The Dead Weather fue una banda que prometió más de lo que cumplió por las figuritas que lo componían. En sus dos primeros discos no llegaron a cubrir las expectativas que generaron, y ahora en Dodge and Burn lograron mejorar un poquito.

Dodge and Burn es su disco más consistente a la fecha, donde The Dead Weather ciertamente rockea, con un estilo de Garage Rock que toma influencias de bandas de Hard Rock de los setenta, pero sin dejar de sonar como una banda de Rock Alternativo moderna. En esa línea la guitarra de Dean Ferlita y su sonido distorsionado contundente es lo que más sobresale en el álbum.

De todas formas siguen teniendo esa gran falla a la hora de componer canciones, que si bien son buenas y potables, no están a la altura de transformarse en clásico. El problema es que no hay ni grandes melodías ni mucho menos estribillos memorables. Y los Riff pese a ser potentes no llegan a ser trascendentes.

Aun así se destacan temas como “I Feel Love (Every Million Miles)”, con su riff agresivo a lo Black Sabbath y la voz perversa de Alison Mosshart, junto a “Cop and Go”, que es de las mejores canciones a la hora de transmitir el estilo del grupo. Aun así la canción que más sobre sale es una balada a piano de Alison, “Impossible Winner”, que resulta un poco chocante, ya que es excelente pero poco tiene que ver con lo que hacen en el resto del disco.

En definitiva Dodge and Burn muestra mejorías, pero aún queda esa sensación de que pueden dar más considerando la calidad de músicos que integran la banda.

Persy

Hot Chip – In Our Heads (2012)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Motion Sickness: 8
  2. How Do You Do?7,5
  3. Don’t Deny Your Heart: 8
  4. Look at Where We Are: 8
  5. These Chains7
  6. Night & Day: 8,5
  7. Flutes7,5
  8. Now There Is Nothing7
  9. Ends of the Earth: 7,5
  10. Let Me Be Him: 6,5
  11. Always Been Your Love: 7

Desde The Warning (2006), trabajo que los sacó del anonimato en el ambiente de la música electrónica, cada paso que realiza la agrupación londinense Hot Chip es examinado al detalle.

In Our Heads, difundido en Junio de 2012, cosechó críticas favorables desde un comienzo y les permitió demostrar que continúan siendo capaces de producir melodías dance y alternativas capaces de estremecer a cualquiera.

Los singles funk bailables “How Do You Do?” y “Night & Day” dan fe instantáneamente que son uno de los números principales de la escena electrónica del momento. Asimismo, otros tracks que se “viralizaron” menos como “Motion Sickness”, “Don’t Deny Your Heart” y “Look at Where We Are” son altamente recomendables y siguen la misma senda.

Si bien se les perdió el rastro masivamente y no se alejen de su formula conocida Hot Chip es una banda que dentro de su género apuesta por la calidad y están decididos a perdurar en el tiempo.

F.V.

Lou Reed – Mistrial (1986)

Puntaje del Disco: 4,5

  1. Mistrial: 7
  2. No Money Down: 5,5
  3. Outside: 4
  4. Don’t Hurt a Woman: 5,5
  5. Video Violence: 3,5
  6. Spit it Out: 4,5
  7. The Original Wrapper: 4,5
  8. Mama’s Got a Lover: 6
  9. I Remember You: 5
  10. Tell It To Your Heart: 7

La década de los 80 no fue una época tan terrible para Lou Reed como lo fue para otros artistas. Lo vio sacar grandes clásicos de su discografía como The Blue Mask y New York. Sin embargo, durante estos años, Reed también tuvo desaciertos, como en el caso de Mistrial.

Mistrial fue el intento comercial más bajo del ex Velvet. Es simplemente malísimo. Tanto, que si no fuese por el hecho de que Metal Machine Music es directamente inescuchable, se ganaría el premio a su peor álbum.

El LP abre con el tema homónimo, un rock decente, con un riff copado que engancha. No es brillante ni mucho menos, pero es lo más zafable del disco. Una curiosidad sobre esta canción es que, diez años más tarde, la banda británica Oasis tomaría prestado su riff para su tema “Be Here Now” (los invito a compararlos ustedes mismos, son sospechosamente iguales).

Los tristes intentos de hit de Mistrial, “No Money Down” y “The Original Wrapper”, tienen un sonido ochentero horrible, más que nada proporcionado por la caja de ritmos. El primero mencionado al menos es escuchable (lo rescata un poco el saxo de Rick Bell en el estribillo, que a mi gusto suena bastante bien), pero el hip hop “The Original Wrapper” es inaguantable. Me parece genial que Reed haya intentado expandir sus horizontes musicales, pero en este caso no le funcionó bien. Se agradece que por lo menos no hayan puesto la versión del videoclip, porque esa es todavía peor.

Además, el disco contiene dos baladas, que a pesar de no ser tan terribles como lo anteriormente nombrado, suenan bastante similares entre sí, cosa que demuestra la gran falta de inspiración de Lou a la hora de componer. La primera, “Don’t Hurt a Woman”, no corta ni pincha, sinceramente no me produce nada. La segunda, “Tell It to Your Heart”, es el cliché de balada romántica comercial, pero estaría mintiendo si dijera que no la disfruto.

La pegadiza “Mama’s Got a Lover” es una canción súper básica, pero que cumple bien el simple objetivo de entretener.

Yendo a lo peor del álbum nos encontramos con temas faltos de inspiración y horriblemente repetitivos, como “Outside”, “Spit It Out” y la pop “I Remember You”. Pero el colmo de lo desagradable es “Video Violence”, un tema que, además de ser de malísimo gusto, es re monótono, cosa que lo hace parecer interminable.

En fin, Mistrial es un disco pésimo, para nada recomendable, que nos haría mejor a todos (más que nada a la memoria del gran Lou Reed) dejar en el olvido.

Juanse el Mono