Brujería – Pocho Aztlan (2016)

Puntaje del Disco: 0

  1. Pocho Aztlan: 0
  2. No aceptan imitaciones: 2
  3. Profecía del Anticristo: 0
  4. Ángel de la frontera: -1
  5. Plata o plomo: 0
  6. Satongo: 0
  7. Isla de la fantasía: -1
  8. Bruja: -10 (Ya no tiene sentido seguir escuchando este disco)
  9. México campeón: ??
  10. Culpan la mujer: ??
  11. Códigos: ??
  12. Debilador: ??
  13. California über Aztlan:

Brujería nació en 1990 como una rev[b]elación mexicana ante los grandes monstruos capitalistas de EEUU: una banda de greñudos locos, marihuanos y chingones.

Matando Güeros (1993), su álbum debut, apareció bajo el entonces excepcional sello Roadrunner Records, lo cual en su momento era un símbolo de pura chingonería: aun con el claro mensaje de odio hacia el país gabacho, lograron ser producidos por una disquera gringa. Además, con su abierta y cínica declaración de asesinatos y rituales satánicos, incluso Monte Conner se sentía intimidado y vulnerable ante los integrantes de la banda: El Brujo, El Asesino, El Fantasma, El Greñudo, El Hongo, El Güero Sin Fe y El Pinche Peach, al punto de abrirles las puertas de RR de par en par, pues lo contrario (él lo sabía bien) significaría su inminente decapitación.

Raza Odiada (1995) llevó el nacionalismo al extremo. Dejó de ser una amenaza y se convirtió en una declaración de choque y revolución. Al escuchar el segundo álbum de la banda, uno en verdad se alistaba para atacar a los culeros del norte; sólo habría que escuchar las órdenes del Patrón para aplicarles la ley del plomo a esos pinches gringos hijos de la chingada. Eso sin mencionar que también invitaban al narcotráfico, el satanismo, las putas y la marihuana.

Brujerizmo (2000) llevó su ideología a su máxima expresión y su música a una brutalidad tal que ni el diablo mismo se resistía a mover sus cuernos al ritmo de las guitarrotas del Asesino, las súper batakas del Greñudo y el gran bajísimo del Fantasma. ¡Este disco está cabrón! Se necesitan muchos huevos para aguantar una descarga tan chingona de metal mexicano. Tras escuchar las trece rolas de este discazo, uno ya se sentía bautizado por Satanás.

Dieciséis años más tarde, con puro pinchi gringo pendejo en su alineación, Juan Brujo queda huérfano y capado. Su contrato expiró, Satanás ya no lo cuida.

Kobda Rocha

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Korn – Take a Look in the Mirror (2003)

Puntaje del Disco: 6

  1. Right Now: 8
  2. Break Some Off: 6
  3. Counting On Me: 6
  4. Here It Comes Again: 7
  5. Deep Inside: 5
  6. Did My Time: 8
  7. Everything I’ve Known: 7
  8. Play Me: 8
  9. Alive: 8
  10. Let’s Do This Now: 5
  11. I’m Done: 4
  12. Y’All Want A Single: 8
  13. When Will This End: 4

“Es el peor disco que hemos hecho”, dijo sin vueltas Brian “Head” Welch, guitarrista de KoRn, unos años después de la salida de Take a Look in the Mirror, su sexto álbum de estudio. Una opinión debatible, pero se entiende si tenemos en cuenta que Head se fue de la banda después de la publicación de este trabajo y no participó en los aún peores See You on the Otherside o Untitled.

En cualquier caso, las prisas, falta de inspiración y el hastío interno del grupo se notan y mucho en este disco “de manual”, compuesto y grabado a las apuradas durante la gira del Ozzfest. El álbum anterior, Untouchables, había demorado dos años y costado 4 millones de dólares, sin lograr las ventas esperadas y dejando a la banda endeudada. Así, Take a Look in the Mirror suena a un trabajo hecho por obligación para pagar las cuentas.

El disco nos presenta riffs de lo menos inspirados (nótese la similitud entre el puente de “Did my time” y la intro de “Everything that I’ve known”, que para colmo están secuenciados uno después del otro), letras que siguen los moldes típicos de Jonathan Davis (“todo está mal, todos me odian, estoy deprimido y furioso”) y una interpretación vocal desganada. Si en los primeros discos de Korn Davis hacía creíbles sus letras, era porque sus guturales gruñidos e inquietantes susurros no dejaban margen para la duda. Acá, es simplemente un hombre de 32 años, multimillonario, con esposa e hijos, intentando hacer creer que sigue sufriendo porque le hacían bullying en la secundaria.

Flaco favor le hace al disco estar producido por el propio Davis, quien se limita a seguir la fórmula KoRn a pie juntillas, comprimiendo los instrumentos de su otrora furiosa banda en un Pro-Tools estéril. Todo suena forzado, intentando recuperar elementos de un pasado glorioso ya extinto. ¿A Untouchables le faltaron las tradicionales gaitas de discos anteriores? Listo, ponemos una breve intro de gaitas en “Let’s do this now”. ¿En “Life is peachy” y “Follow The Leader” tuvimos colaboraciones con raperos? Listo, ponemos a Nas a rapear encima de una base en la más pura vena Korn. ¿Nos piden que volvamos al sonido del primer disco? Listo, reciclamos “Alive”, una canción de 1993 que no llegó a incluirse en el álbum debut. ¿La moda es renegar de las discográficas y la industria musical en general? Listo, hacemos un single pegadizo con un video en el que destrozamos una disquería. Y así podríamos seguir… Cada movimiento en Take a Look in the Mirror trasluce una demagogia berreta y una falta de ideas inquietante.

Apenas sobreviven un puñado de canciones decentes (“Right Now”, “Did my time”, “Alive”, “Let’s do this now”) aunque ninguna memorable. Lo más interesante del disco, sin dudas, es su cuidado booklet, repleto de memorabilia y fotos de los comienzos del grupo. Imposible dejar de interpretarlo como una señal. Apenas una década después de su revolucionaria irrupción en la escena, Korn veía su estrella de gloria apagarse y no podían evitar sentirse nostálgicos. Triste pero cierto.

Camilo Alves

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Back To The Future Part II

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Puntaje de la Películastar-rating-5

  • Año: 1989
  • Género: Aventura, Ciencia Ficción
  • Director: Robert Zemeckis
  • Reparto: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover, Thomas F. Wilson

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Peter Gabriel – So (1986)


Puntaje del Disco: 9

  1. Red Rain8,5
  2. Sledgehammer9,5
  3. Don’t Give Up: 8
  4. That Voice Again: 9
  5. In Your Eyes: 9
  6. Mercy Street: 8,5
  7. Big Time: 8,5
  8. We Do What We’re Told (Milgram’s 37): 7,5
  9. This Is the Picture (Excellent Birds): 8

Desde su desprendimiento de Genesis, Peter Gabriel supo diseñar una carrera solista convincente e innovadora, siendo uno de los pioneros en la fusión del rock con todo tipo de música étnicas de culturas diversas.

Tras haberse rehusado a darle nombre a sus primeros cuatro álbumes, los cuales se llamaron todos Peter Gabriel (acompañados del número por su orden de salida I, II, III, IV) usando distintas portadas donde su cara se encontraba tapada o parcialmente oscurecida de alguna forma, se vio obligado a colocarle nombre a sus siguientes incursiones y decidió utilizar una serie de palabras de dos letras, el primero de ellos sería So de 1986.

Grabado en su lujosa casa de campo en 1985, Ashcombe House, en el sur de las islas británicas, contaría con “Sledgehammer” como principal carta de presentación, tanto el tema alegre y pegadizo como su avanzado video para la época seducieron al público de inmediato. Sin embargo Gabriel, que se encontraba en uno de sus momentos de gracia, tendría otras cartas potenciales para captar la atención de todos en este variado trabajo como “Red Rain”, “That Voice Again”, “Big Time”  y “Mercy Street“.

So es considerado uno de los trabajos más fuertes de toda la década del ochenta y de los más importantes en la trayectoria del artista británico. Accesible y enfocada a la vez, masivo pero con ambiciones artísticas y letras inteligentes al mismo tiempo, un disco que dejaría un estatus de icónico y hoy en día, tres décadas después, continúa siendo recordado y referencia.

F.V.

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Forrest Gump

 

Puntaje de la Película: 

  • Año: 1994
  • Género: Drama, Comedia
  • Director: Robert Zemeckis
  • Reparto: Tom Hanks, Robin Wright, Gary Sinise, Sally Field, Mykelti Williamson

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¡¡Felices 10 años Persi Music!!

10 Años de Persi Music. Dibujo de Matías Guerra.

Un día como hoy, hace exactamente 10 años nacería este proyecto llamado Persi Music. Por aquel entonces era un mero experimento entre amigos, en el cual íbamos a empezar reseñando discos de bandas de Rock Internacional. Y teníamos un mundo entero por delante de bandas y artistas para abordar.

En estos 10 años, llegamos a reseñar más de 750 bandas de Rock Internacional, muchas con discografías ya completas, y nos expandimos haciendo reseñas de Rock Argentino y en Español (ya van más de 300 grupos que repasamos en reseñas, coberturas y entrevistas) y además nos seguimos expandiendo al mundo del Cine, de las Series, de los Libros y Videojuegos. Y casualmente la publicación de hoy es la número 4500 en estos 10 años.

Para celebrarlo en primer lugar, inauguramos un formato del sitio Web, como ya se habrán dado cuenta. Les contamos un resumen de las novedades.

Aclaración: para una mejor experiencia en la navegación les sugerimos ingresar desde una PC, en lugar de celular.

Se unificaron todos los sitios

Antes habíamos abierto distintos sitios. Uno para Rock Internacional (Persi Music), otro para Rock en Español (Persi MusicA) y el último para Series y Películas (Persi Movies). Hoy el contenido se encuentra todo unificado en un solo sitio, ordenado por su puesto por categoría.

Si quieren ver reseñas de Rock Internacional, Nacional, o Cine, simplemente tienen que elegirlo en el menú superior:

Y si quieren entrar a la categoría de sus grupos simplemente lo buscan a la derecha del sitio.

Dos Líneas del Tiempo

Las clásicas líneas del tiempo con los discos que reseñamos hasta el momento ordenados por puntaje siguen estando. Encontraran una por Rock Internacional y otra por Rock Argentino:

Próximamente se inaugurará la Línea del Tiempo de Series y Películas.

Formato de Revista

Ahora contamos con un Slider donde estarán viendo las última publicaciones en la sección central:

Indice de Bandas

El antiguo apéndice de Bandas ordenado por letras alfabéticas ahora se transforma en un indice que encontrarán cuando ingresen a la categoría de cada Bandas:

De a poco se irán sumando los indices de todos los grupos que faltan.

Festival de Críticos

Y para celebrarlo finalmente, decidimos hacer un Festival de Críticos y Escritores de la pagina. Donde durante las próximas semanas se estará publicando una reseña o una nota por día por escritor, en donde estarán colaborando los escritores ya conocidos de la pagina, antiguos conocidos del sitio y donde le daremos la bienvenida a nuevos escritores que se sumaron.

Si te queres sumar al festejo, envíanos tu reseña o nota (puede ser de discos, películas, series, libros, lo que te guste) a la casilla persimusic@gmail.com y lo estaremos sumando. Siempre es bienvenida la colaboración de nuevos escritores.

Les queremos agradecer nuevamente a quienes nos siguen leyendo y acompañando. A quienes comentan, colaboraron y a quienes escribieron a lo largo de estos 10 años en la pagina.

¡¡Muchas gracias a todos y Felices 10 años Persi Music!!

Staff de Persi Music

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Kasabian – 48:13 (2014)

Puntaje del Disco: 7

  1. (shiva):
  2. bumblebeee: 8
  3. stevie: 7,5
  4. (mortis): –
  5. doomsday: 6
  6. treat: 6,5
  7. glass: 5,5
  8. explodes7,5
  9. (levitation)5
  10. clouds: 7
  11. eez-eh: 8
  12. bow7
  13. s.p.s7

El declive de Kasabian comienza aqui. Venían atravesando los primeros años de su carrera convincentemente, renovándose, enriqueciendo sus propuestas y sorprendiendo disco tras disco, hasta que llegó el turno de 48:13 (2014), donde la magia comenzó paulatinamente a perderse.

48:13 el título elegido por los de Leicester, es la duración total del disco, con canciones que se acercan a un Indie directo, bailable y electrónico de sus primeros trabajos que al rock alternativo y experimental que habían incorporado como propio desde West Ryder Pauper Lunatic Asylum y ratificado en Velociraptor! Una decisión reprochable teniendo en cuenta el producto final dejando en claro que esta vez no tenían demasiado que decir.

Si bien no deja de ser un buen disco y de poseer temas disfrutables como “bumblebeee”, “explodes” o “eez-eh”, estos no serían más que una anécdota en cualquiera de sus anteriores álbumes. Para colmo de males su siguiente y más reciente placa For Crying Out Loud no logra levantar cabeza y la pendiente en la carrera de una banda que supo ser confiable como Kasabian, continuaría acentuándose.

F.V.

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La sonrisa del camaleón

 Extraído del libro “.el abc de la estupidez”, publicado en 2016.

Arianna es el nombre de mi guitarra. Fue un regalo de mi padre en la última Navidad que estuvo con nosotros. Yo tenía dieciséis años y quería ser rockstar. Mi madre se oponía, insistía en que fuera abogado o doctor; pero mi padre me apoyaba, decía que todo trabajo es bueno siempre que uno estuviera feliz con ello.

Ahora soy un hombre casado, un hombre común con una vida común. Mi esposa es una mujer hermosa, inteligente y talentosa; lee al menos treinta páginas antes de dormir, es gerente general en la compañía donde trabaja, tiene hábitos saludables, hace deporte, conoce gente importante. Es una mujer importante. Tenemos dos niñas, de cinco y tres años. Las amo tanto. Son mi vida, son mi amor. Amo a mi esposa, pero son ellas mi razón para seguir con este estilo de vida. Ellas son mi fuerza; sin ellas, me hubiera derrumbado hace tiempo (cuando mi esposa y yo dejamos de platicar sobre asuntos sin importancia, cuando cambiamos nuestra medianoche de amor y charla por veinte minutos de café y cigarrillo en silencio). Tengo un empleo mediocre con un sueldo miserable en una empresa de alto prestigio. Mi padre ―donde quiera que esté― debe estar decepcionado de mí. Mi trabajo en la oficina no me hace feliz, y lo que hago ni siquiera lo hago bien. Pero no puedo dejarlo, es lo que me mantiene al día. Mi esposa dice que tenemos la vida que soñamos, y la sonrisa de mis hijas lo comprueba.

Soy un hombre feliz. No me quejo de lo que no tengo ni me disculpo por lo que no hice. Cada mañana, cuando el despertador me susurra que es tiempo de comenzar la rutina, abro los ojos y sonrío. Día a día, debo preguntarme por qué tengo esta vida y por qué hago lo que hago, y mi respuesta siempre es la misma: lo hago porque soy un hombre feliz.

El sábado por la noche, como cada semana, estoy en un bar al sur de la ciudad. Es un bar sin concurrencia a cinco minutos del metro Xola. Mi esposa dice que es absurdo e infantil que siga yendo a ese lugar; cada semana se molesta por ello. Debo confesar que algunas veces me da miedo que el asunto termine con nuestro matrimonio. Hago esto a pesar de mi esposa. No quiero molestarla ni lastimarla, pero esto es mi válvula de escape. Sin ello, explotaría.

Cuando voy a tocar al bar, mi esposa no me deja usar el auto ni llevar dinero; cuando está de buen humor dice que es por mi seguridad, que lo hace para cuidarme; cuando está de mal humor dice que no le importa si muero allá un día de estos, pero que no soportaría vivir una semana sin el auto. Creo que es mejor así. Me gusta caminar entre faros y estrellas de regreso a casa. Alfredo, mi compañero, me ofrece un aventón aunque sabe que, como cada sábado, me negaré. Lo hace automáticamente por cortesía, tal vez por aprecio o amistad; sin embargo, ambos sabemos que si aceptara, el viaje sería incómodo para los dos. Seguimos yendo a ese bar a tocar juntos, pero nuestras vidas han tomado rumbos separados y totalmente distintos. Además, me gusta caminar de regreso a casa entre faros y estrellas. Creo que es mejor así.

La caminata sobre la Calzada de Tlalpan se embellece con prostitución a cada paso. De vez en vez, cuando me canso de caminar, les canto una canción a cambio de un tabaco y una historia ―debo confesar que soy adicto a sus amores. Anoche me detuve en el parque Xotepingo para rendir un homenaje a Luis Álvarez; las chicas contaban bromas y soltaban carcajadas al ir escuchando la letra de la canción:

“Sólo quiero eyacular mis ideas en tu mente,

Sólo quiero eyacular mis sentimientos en tu vientre.”

Al terminar la canción, los cigarrillos se encendieron y los tacones se disiparon sin despedidas ni miradas. Sólo Wendy permaneció inmóvil frente a mí, con la intención en los ojos de doblegar su fortaleza. “Me encanta eso que haces con la guitarra; parece que llora, parece que se lamenta”. Wendy era, siempre lo creí, una chica muy inteligente. Sabía de temas políticos y científicos, a veces hasta más que yo. Decía que todo lo leía en el periódico o que sus clientes se lo contaban, pero yo siempre sospeché que había algo más.

Gracias, le respondí, y ¿dónde van al baño? La pregunta que me trajo aquí. Jamás debí pedirlo; debí orinar en un árbol como hacen todos. Pero necesitaba refrescarme. Ella entró conmigo, dijo que de otra forma no me dejarían pasar. Si mi esposa hubiera visto aquella escena, en este momento estaría firmando el divorcio en lugar de haberme traído flores al hospital.

No sé en qué pensaba mientras estuve en el baño. Recargado en el lavabo, tratando de no tocar las paredes —como si eso me librara del contagio—; no sé o tal vez no quiero recordar qué pensaba. Habían pasado alrededor de diez minutos cuando me decidí a salir. Wendy ya no estaba, yo me retiré de ahí sin dar las gracias. Afuera había una escena grotesca: un hombre barrigón de unos cuarenta años manoseándola enfurecidamente y lamiéndole de la nariz al pecho. De pronto, el hombre se detuvo por un segundo y luego la golpeó dos veces en el estómago. Al instante, sin premeditar en lo que me estaba metiendo, corrí para defenderla; pero el tipo sacó una pistola… y disparó.

Definitivamente, mi esposa no me dejará volver a tocar mi guitarra por el resto de mi vida. Quizá pueda aprenderme Las Mañanitas y cantar en los cumpleaños de nuestras hijas. Ni siquiera sé si Arianna sobrevivió a la noche de ayer. La enfermera dice que mi esposa está allá afuera con un ramo de flores esperando la hora de las visitas. Yo no sé si tendré el valor de mirarla a los ojos y explicarle lo que sucedió.

“Estás vivo. Si es lo que quieres saber.” Dijo el doctor al acercarse a mi cama. “La pregunta es: ¿qué vida vivirás a partir de hoy?” Me miró inquietantemente, intrigado y muy serio. Supuse que quería saber qué hacía yo en ese lugar. En cualquier momento preguntaría ¿qué le dirá a su esposa cuando suba? o haría señas de confidencialidad machista, guiñándome un ojo para hacerme saber que mi secreto estaba a salvo. Pero Dios sabe que jamás he tenido sexo con ninguna de ellas. Así que me anticipé a cualquier cosa que estuviera pensando decirme y exclamé: “¡Viviré una vida feliz, con mi esposa e hijas!”.

Me miró fijamente por unos segundos y entonces dijo: “Las estrellas sólo son estrellas. Realmente ellas no conocen su condición, tú eres quien ve la belleza en ellas. Eso no significa que una estrella sea feliz sólo por ser estrella. Al igual que tú no eres feliz sólo por ser quien eres.” Al terminar, sonrió. Yo había visto esa sonrisa antes; una sonrisa sincera, sin burla, plena, real. Antes de dar la vuelta para salir de la sala, me dijo: “Reza y agradece, porque estás vivo de milagro… Por cierto, te gusta caminar entre faros y estrellas, ¿verdad?”.

Era él…

Era ella…

Sonriente, sincero. Ése es el rostro detrás de la fortaleza impenetrable y el maquillaje de Wendy. Y no tiene interés en esconderlo… Simplemente es. Un ser completo, un humano íntegro, seguro de sí mismo, sin temores, sin debilidades. Y yo… me estremezco al ver los claveles y la sonrisa de mi esposa, quien, por primera vez en cinco años, está usando su anillo de bodas.

Kobda Rocha

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Sin Final: Una banda under que cumple

Cuando la calidad del sonido del escenario no se caracteriza por ser la mejor, hay que saber tocar muy bien para que no resulte cacofónico para el público. Sobre todo si antes de tu banda tocó una que más o menos, a duras penas, se tiraba algunas que otras buenas frases musicales. Pero no mucho más que un par de acordes con formas monótonas en los cuatro o cinco temas que sonaron. Sin Final logró purificar esos viejos y empolvados parlantes con una impronta propia para llevarse todos los aplausos del festival. Porque cuando hay ensayo se nota y aún más cuando los músicos saben de lo que se trata. Más aún cuando es gente que tiene sapada encima y que logran, entre sus miembros, captar mutuamente la idea de cada uno, que se entienden como si fuera un equipo de fútbol.

Sería difícil encajar esta banda con algún género pero tiene una marcada inspiración en famosas bandas como Iron Maiden. Una suerte de post-rock, rock metal, post-punk a mi parecer, aunque, para ser más específicos, ellos se definen como metal fusión progresivo. Pero bueno, lo decía Spinetta,  cada cual haga la música que le guste sin necesidad de encajarla en una etiqueta predeterminada. Una chunga combinación de estilos que da su fruto con buenos cambios en el tiempo. La banda cuenta con seis integrantes; 2 guitarras (“El Chino” Ogura y Martín Nocito), 1 bajo (Tebo Penovi), 1 cantante (Andrés Recchia) y 1 baterista (Nicolás Diebra).

El baterista siempre es clave para que una banda se exprese como desea. Sin Final no tiene excepción en esta regla pues todo lo propuesto en el escenario estuvo muy bien conseguido. En este caso, manejaba muy bien el tempo, por lo que la banda podía hacer puentes que quedaban bien (algunos con silencios en el medio) para unir las distintas partes que tenían las composiciones. El primer tema arrancó con mucha energía, coordinando muy bien las escalas entre las guitarras.

En general, la técnica lograda mediante la práctica y la perseverancia de esta gente ayudó mucho. ¿Por qué? ¿Cómo te das cuenta de eso? Por la versatilidad de las melodías. Se puede notar que cualquier escala no va con cualquier escala y esto remite a la prueba de que los integrantes de Sin Final saben perfectamente lo que están haciendo. Además, el registro del cantante, Andrés Recchia, hace que se acople con los diversos tonos por los que se mueven los temas. Los dos guitarristas van turnándose casi espontáneamente los acompañamientos y los solos con silencios que retoman el riff característico de cada canción. Asimismo, el uso de las pedaleras es mesurado y en el momento justo.

El guitarrista apodado “El Chino”, merece un párrafo aparte. Charlando con algunos de los integrantes, me lo habían advertido; “este tipo es un animal”. La verdad, se notó demasiado. Excesivamente. Un tipo que toca cinco horas por día hace que no tenga ningún tipo de sentido lo bueno que es cuando se sube a un escenario. Para él, las cuerdas parecían de manteca.

En fin, una gran banda under. Cuando hay esfuerzo, dedicación y, por sobre todo, amor por lo que uno hace, las cosas salen bien. No fue menos de lo que esperaba, ya sabía que eran muy buenos músicos. Y si los vas a saludar y te quedás charlando, están con la mejor onda, hasta capaz te terminás tomando una birra cerrando el festival a todo rock.

Wilcrak Badios

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The 1975 – The 1975 (2014)

Puntaje del Disco: 7

  1. The 1975: 9
  2. The City: 7
  3. M.O.N.E.Y: 6
  4. Chocolate: 8
  5. Sex: 8
  6. Talk!: 5
  7. An encounter: 6
  8. Heart Out: 8
  9. Settle Down: 9
  10. Robbers: 7
  11. Girls: 8
  12. 12: 6
  13. She way Out: 8
  14. Menswear: 6
  15. Pressure: 7
  16. Is There Somebody Who Can Watch You: 7

Debo comenzar esta reseña admitiendo que estaba subestimando mucho el trabajo de estos chicos, ya que en realidad su música no es mala como yo pensaba. Sin embargo, creo que al mantenerme objetivo aún está lejos de ser un trabajo de una calidad aceptable, al menos desde mi sentido musical.

Su disco homónimo comienza con una ambientación muy bien producida, que me llevo a una atmosfera que me decía “agarrate bien que esto va a estar bueno”, lo cual hizo que inmediatamente mi percepción sobre su musicalidad cambiara por completo. Lamentablemente todo esto se fue en los primeros cinco segundos de la siguiente canción, ya que hace sentir totalmente fuera de contexto la ambientación que se utilizó brevemente.

Me gustaría resaltar como siempre los puntos buenos antes que los malos. Para empezar la producción del disco es impecable, en verdad para una banda que recién estrena su primera producción de larga duración me sorprende lo orgánico que llega a sonar todo, incluso los sintetizadores. La premisa que utilizan al momento de fundamentar su música es interesante, tomar como influencia central bandas de los setentas, ochentas y noventas para crear su música me pareció algo muy inteligente puesto que es algo que ya había funcionado antes. Al traerlo a generaciones más actuales ha funcionado de igual manera (ya que recibieron múltiples premios y nominaciones por este álbum).

La ejecución musical de The 1975  es decente, a pesar de que entre  bajo y guitarras no hacen la gran cosa, funciona de acuerdo a lo que sus canciones les están pidiendo. Pero debo mencionar que la manera de ejecutar los ritmos del baterista con ese increíble Groove y matiz perfecto que encaja como pieza de rompecabezas al resto de sonidos. Y la voz está muy bien articulada melódicamente dentro de cada pieza.

Bueno, dicho esto proseguiré con lo malo, ¿Cómo decirlo? Al menos en este punto de su carrera se nota que existía una gran inexperiencia al componer, lo cual sería totalmente justificable si no tuviesen tres o cuatro EP’s detrás que fundamentan una “evolución” como banda. Las canciones a pesar de ser pegajosas, melosas y si… pop, llegan a ser muy repetitivas, incluso llegan a repetirse muchas estructuras dentro del disco o tonalidades o arreglos con octavas y palm mute en la guitarra. Ya sé que mencione que todo esto funciona bien, pero si fuese un disco más corto con un poco más de variedad en los sonidos creo que podría ser considerablemente mejor. Canción a canción van haciendo que muevas la cabeza y el cuerpo al ritmo de la música, pero creo que es muy tedioso escuchar todo el disco completo por lo que ya mencione.

Se supone que al ser un material homónimo debería funcionar como una carta de presentación de sí mismos, por lo que no lleva un concepto en general y no tiene nada de malo, pero pretende que quien entienda las letras sepa qué clase de mensajes quiere llevar la banda a la sociedad. Pero la verdad es que en este sentido son una banda más con letras acerca de cualquier cosa que hace identificar a cualquier persona.

Dentro del disco hay dos ambientes más que a mi parecer son más que innecesarios, no conectan con nada y no tienen otro propósito más que el de hacer pensar al escucha “que bonitos sonidos hacen”.

Para finalizar me gustaría mencionar que The 1975 no me parecen una mala banda en lo absoluto. Si tuviesen un poco más de ingenio yo mismo sería un fan muy aguerrido, pero esa falta de chispa y autenticidad al querer copiar canciones que ya han sido un éxito me hace entrar un poco en conflicto con que la música que hacen suene bien. Sin embargo, estoy hablando de su primer etapa y al menos lograron captar mi atención para seguir escuchando su música y solo espero que mejoren y logren conseguir su propia esencia sin ser tan repetitivos dentro de un mismo trabajo discográfico.

Jack In Blue

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Dante Spinetta – Puñal (2017)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Mística: 7,5
  2. Mi Vida8
  3. Pesadilla7
  4. Puñal: 6
  5. Eclipse: 6,5
  6. Soltar: 7,5
  7. Laberinto: 6,5
  8. La Verdad5
  9. Supremacía6
  10. Toda Mi Fe: 5,5
  11. Salta Mi Cruz8,5
  12. Te Pido: 6,5
  13. Así Será: 7

El retorno celebrado de Illya Kuryaki and the Valderramas, grabando dos discos en cinco años Chances (2012) y L.H.O.N. (2016) con sus consiguientes largas giras, nunca supuso el agotamiento de la carrera solista de sus integrantes que habían sabido cultivar durante toda la década pasada.

En el año 2017 tanto Dante como Emmanuel retomarían su trabajo individual y sería el hijo del legendario Luis el primero en lanzar una novedad musical ese mismo año, Puñal, un disco intenso y personal.

“Este es el disco que sonañaba hacer desde chiquito”, comentaba Dante acerca de la identidad de su nuevo material alejado del hip hop que predominaba años anteriores y agregaría: “Es una mezcla real de todo lo que soy, sin artilugios. Está todo mi ser urbano, pero también tiene esa cosa tan de piel que tiene un disco como Ciudad de Pobres Corazones, de Fito Paez, que yo amaba cuando era chico. Y por ahí hay temas con notables influencias spinetteanas, que me encantó que pasara eso, porque es mi sangre y no puedo evitarlo.”

Entre los temas que sobresalen dentro de un disco con buenas intenciones pero que se quedó a mitad de camino, están las acústicas “Mística” y “Soltar”, el rock accesible “Mi Vida” y “Salta Mi Cruz”, esta última con claras influencias hendrixeanas. Sobre su fanatismo por Jimi contaría: “Lo descubrí a los 15 años, porque antes lo negaba completamente. Mi viejo me hinchaba las pelotas con Hendrix y yo le decía “sacame a estos hippies”. Y de golpe lo echuché de otra manera y ahí me volví loco con la guitarra y empecé a tocar en serio.”

F.V.

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Lostprophets – Liberation Transmission (2006)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Everyday Combat: 7
  2. A Town Called Hypocrisy: 8
  3. The New Transmission: 8
  4. Rooftops (A Liberation Broadcast): 8,5
  5. Can’t Stop, Gotta Date With Hate: 8
  6. Can’t Catch Tomorrow (Good Shoes Won’t Save You This Time): 9
  7. Everybody Screaming!!!: 6,5
  8. Broken Hearts, Torn Up Letters And The Story of a Lonely Girl: 7
  9. 4AM Forever: 8,5
  10. For All These Times Son, For All These Times: 6,5
  11. Heaven For The Weather, Hell For The Company: 7
  12. Allways All Ways (Apologies, Glances and Messed Up Chances): 7,5

Nota Importante: Si ustedes son de investigar mucho acerca de lo que anda pasando en el mundo de la música últimamente, estoy seguro de que están enterados acerca de quiénes son Lostprophets, que pasó con ellos durante su separación y que pasó con su repugnante vocalista. No me vayan a odiar por qué me ponga a analizar su trabajo, simplemente me parece una banda genial y curiosa en el ámbito musical, separando toda su genialidad musical de los innombrables hechos sucedidos en referencia a su desquiciado frontman. Para los que no saben, más tarde investiguen por su cuenta, es preferible no tocar esos temas en esta página. Solo hago propaganda a su música, nada más. Comencemos.

Después del éxito de su anterior trabajo, Start Something, la banda decide rápidamente trabajar en un nuevo material que duró 2 años más tarde después. Durante este período, su baterista Mike Chiplin, decide irse de la banda, ingresando el nuevo baterista, Ilan Rubin, que estuvo 4 años hasta la entrada de Luke Johnson.

Liberation Transmission fue lanzado en 2006, y el proceso de producción fue de casi el mismo tiempo que Start Something. Este disco fue producido por Bob Rock, conocido mundialmente por haber producido a The Cult, Metallica, Motley Crüe y un largo etc.

Sin duda este es el disco con el que la banda se consagró a un nivel comercial mucho más amplio, llegando a ser el disco más exitoso de la banda gracias a la masiva difusión del single “Rooftops (A Liberation Broadcast)”, que junto con “Last Train Home” vendría a ser la canción más reconocida de la banda.

Definitivamente este trabajo llevó a dividirse entre un montón de fans que conocían a la banda desde el principio, llegándolos a considerarlos como “vendidos”, y representa un grandísimo cambio en el sonido de la banda lejos de The Fake Sound of Progress e incluso con Start Something, representando un sonido muchísimo más comercial.

Pero gracias a esto, a diferencia del primer disco, la banda cambia el sonido Nu Metal y Funk Rock por canciones mucho más accesibles, puramente pop y punk rock con estribillos sumamente pegadizos, caracterizadas como “canciones de estadio” (llamadas por los fans de la banda a partir de este álbum), absteniéndose de los screams del tecladista Jamie Oliver (a excepción de “The New Transmission”), teniendo grandiosos temas como “A Town Called Hypocrisy”,  el reconocido single “Rooftops (A Liberation Broadcast)” y “Can’t Catch Tomorrow”, esta última como la mejor del disco con un gran estribillo y ritmo pegadizo. Luego de esta última, el álbum empieza a bajar los grandes decibeles musicales, hasta la balada “4AM Forever”.

Con este disco, la banda pudo darse a conocer a más países, siendo este disco uno de los primeros que llegó a comercializarse por América Latina, aunque nunca pudieron realizar un tour por ninguna de las zonas.

Toto

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Royal Blood – Royal Blood (2014)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Out of the Black: 9
  2. Come On Over8
  3. Figure It Out8
  4. You Can Be So Cruel7,5
  5. Blood Hands8,5
  6. Little Monster: 8,5
  7. Loose Change: 8
  8. Careless: 7,5
  9. Ten Tonne Skeleton: 8,5
  10. Better Strangers: 9

No tan reconocidos fuera de su tierra natal como deberían ser, Royal Blood es un dúo de rock conformado por el bajista y cantante Mike Kerr y el baterista Ben Thatcher en la ciudad costera de Inglaterra Brighton en 2013.

Su sonido tiene reminiscencias tanto al blues y al hard rock clásico como a grupos de rock alternativo modernos como The White Stripes, Arctic Monkeys o Muse. El estilo particular de Kerr a la hora de tocar el bajo, por los efectos de pedal que la asimilan a una guitarra, es su característica distintiva además de cómo la rompen y la energía que trasmiten en sus shows en vivo.

Comenzarían a llamar la atención en el verano europeo de 2013 con la edición de un par de singles, pero principalmente cuando Matt Helders, el baterista de Arctic Monkeys, usó una remera de Royal Blood durante la performance de los monos en Glastonbury (ambas bandas compartían el mismo manager).

Su homónimo debut se produjo en Agosto de 2014 bajo el sello Warner Bros, y comienza a pisar fuerte desde su track inicial el demoledor “Out of the Black” en el que cuesta creer que no estemos ante una banda de cuatro piezas en lugar de un dúo, luciéndose también en otros como “Blood Hands”, “Little Monster”, “Ten Tonne Skeleton” y “Better Strangers”.

Royal Blood son los encargados más jóvenes en salvar al rock and roll. Si bien su debut no es revolucionario y algo repetitivo, cuenta con impecable producción, composiciones, sonar compactos, y además con un enorme potencial para expandir al genero hacia nuevos horizontes a pesar de consistir solamente en dos integrantes.

F.V.

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Bon Jovi – These Days (1995)

Puntaje del Disco: 4

  1. Hey God: 8
  2. Something For The Pain: 7,5
  3. This Ain’t a Love Song: 6
  4. These Days: 4,5
  5. Lie To Me: 4
  6. Damned: 5
  7. My Guitar Lies Bleeding In My Arms: 7
  8. (It’s Hard) Letting You Go: 3,5
  9. Hearts Breaking Even: 3,5
  10. Something To Believe In: 5
  11. If That’s What It Takes: 5
  12. Diamond Ring: 5,5

Nunca pensé que iba a extrañar tanto a Luquitas Bonjo como crítico de la página, hasta que escuché These Days de Bon Jovi. O tal vez, ahora entiendo por qué dejó de reseñar discos de Bon Jovi cuando llegó a esta altura de su discografía. Porque These Days no es otra cosa que el principio del fin de la banda.

Pese a que el Glam Metal nunca fue un género del cual tenga mucha afinidad, Bon Jovi supo cómo explotarlo ganando mucha popularidad en la década de los ochenta. Sin embargo, la poca originalidad del Glam Metal y su desmesurada comercialización se terminaría en los noventa. Por lo que Bon Jovi necesitaba un cambio. Y para mediados de los noventa con These Days intentarían evolucionar.

En These Days Bon Jovi para abandonar sus raíces buscaría tomar las influencias de otras bandas que fueron referentes en ellos, anclando sus colmillos principalmente en Aerosmith. Sin embargo, en lugar de emular lo mejor del conjunto de Steven Tyler, reproducirían su versión más decadente que casualmente también se vio en los noventa. De esta forma Bon Jovi se focalizaría en hacer Hard Rock, bastante inflado por las pretensiones de Jon Bon Jovi de transmitir emotividad en sus canciones (lo cual es traumático para el oyente). Y para transmitir esta pomposa y absurda necesidad de sonar emotivo, lo llenaría con una catarata de baladas de amor, como las insoportables “Lie To Me” y “Hearts Breaking Even” y la aburridísima “(It’s Hard) Letting You Go”. Estas Power Ballads hacen de These Days, un álbum no solo largo en duración (dura más de una hora), sino que  tambiénlo transforman en una experiencia exasperante. La única que podríamos salvar de esta clase es “This Ain’t a Love Song” porque su melodía funciona mejor, pero la fórmula que emplean es igual de insufrible.

En el resto del disco encontramos momentos en los que Bon Jovi demuestra no tener muchas luces como en la Funky “Damned”, con un Richie Sambora cuyo mayor aporte es sobreproducir la melosidad de Jon Bon Jovi. Al pobre Richie no se le cae un Riff o un solo de guitarra que sea memorable.

Pero no todos los temas son verdaderamente malos. “Hey God” y “Something For The Pain” es Hard Rock bastante sólido aunque no impresionante, pero sólido al fin. Mientras que “My Guitar Lies Bleeding In My Arms” (tomando como referencia “While My guitar Gently Weeps”) es el tema menos Bon Jovi del álbum, por su sonido más oscuro, más medido y sutilmente más blusero. Lamentablemente no llega a mayores por estirarse innecesariamente.

Pese a los esfuerzos de Bon Jovi, de aggiornarse, de tratar de adoptarse a lo que pedían los noventa, su época dorada (por así decirle) en los ochenta había terminado. E iría empeorando a lo largo de los años.

Persy

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Sociopayasos

Sólo hace falta leer los diarios para estremecerse de miedo, de ira o de risa según la noticia expuesta. Muerte, hambre, pobreza, miseria, enfermedad, injusticia, odio y crimen. Donald Trump y su neofascismo se preparan un rico sandwich de mundo, mientras Yessica Procil Montalvo se casa con la honestidad. Se extinguen las especies, los polos se deshielan, el SIDA se propaga. Los gobiernos latinoamericanos se aferran cual esparadrapos a la panacea mediática para no colapsar. Los libros se pudren deshojados en las bibliotecas. El internet resultó más estupidizante que la televisión. El hombre se vuelve violador; la mujer, pornografía. Los teléfonos son más inteligentes que sus usuarios. La escuela es una simple capacitación laboral y no ya una educación intelectual real. Desaparecidos, presos políticos, narcotráfico, asesinatos, corrupción, degeneración moral, asaltos a mano armada. Jóvenes decepcionados con vacíos existenciales y tendencias suicidas. Ancianos olvidados en asilos o puestos como souvenirs en la vitrina de su casa. La justicia está del lado de quien pueda pagar un mejor abogado. El amor caduca en menos de siete años. El divorcio es más practicado que la caridad. Las religiones se pelean por los feligreses aunque sus almas se las lleve el diablo. Pederastas incógnitos, racistas justificados, madres solteras incongruentes, millennials posmodernos y lesbianas feminazis. Se vive con miedo, sin dinero y buscando copular a cada paso. La estadística dicta que en el mundo muere una persona cada dos segundos; es decir, la muerte, el dolor, el sufrimiento y la tristeza se renuevan (se reinventan) cada dos segundos.

…¿y el cuerpo?

¡Relajado! ¡¡Relajado!! ¡¡¡Relajado!!!

Kobda Rocha

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