Avances: Mortal Kombat

Una nueva versión de un film que adapta al famoso videojuego de pelea, Mortal Kombat, que se estará estrenando en abril de este año.

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La furia de mi gente

La furia contra el mundo (entendiendo al mundo como un sistema establecido por el régimen emperador de los fragmentos de humanidad afortunada) es una opinión compartida por prácticamente todo ser humano nacido en un hogar sin dinero, sin poder y sin título. La ausencia de dinero no es el paupérrimo andar de la miseria sino una suficiencia cuotidiana bastante satisfactoria a nivel de necesidad; sin embargo, en comparación con la realidad económica del poderío social, tener dinero significa ser pobre. La falta de poder es la resignación a depender de dios, la suerte o la bondad de la historia humana para dirigir, corregir y regir la existencia que entendemos aunque ellos no pertenezcan a la misma. La carencia de título refiere al nacimiento sin etiquetas salvo por el apellido y la nacionalidad, nacer sin futuro, nacer sin planes, nacer sin herencia, nacer sin membresía para los clubes más elitistas del ajedrez, el golf y la dominación del tránsito especiático previsionario. En fin, la ignorancia permeante en la dejadez social del entretenimiento imperial impuesto al valor filosófico desemboca inevitablemente en una furia generalizada contra el mundo. Más temprano que tarde, los artistas comienzan a hacer su trabajo, plasmando, describiendo, informando, protestando, exigiendo y lamentando el contexto, la situación, la realidad. En cuanto a música refiere hay innumerables canciones por mencionar, así que aquí me limitaré a un puñado de piezas que obtienen mayor profundidad gracias a la forma en que llegaron al sustentante de esta digresión.

A) El vals del obrero de Ska-P. La clase trabajadora, la comunidad que se gana el pan de cada día con el sudor de su frente, la constante oprimida en pie de lucha, los obreros, la misma descripción aplicable a tus padres, tus abuelos y todos tus vecinos, amigos y conocidos de conocidos. Dos grandes epifanías surgen al escuchar esta canción a una edad alborea: 1) “Orgulloso de estar entre el proletariado” es la línea de apertura, prácticamente a cappella… ¿Orgullo? He ahí un gran ramalazo a las expectativas del entorno clasemediero siempre mirando hacia arriba, soñando, deseando, mintiéndose a sí mismos, ¡pero no más! porque ahora pertenecer al flanco inferior es digno de orgullo; 2) “Somos la revolución” dice a poco de iniciada la canción… ¿Revolucionarios nosotros? Contrario a lo que la historia institucionalizada tradicionalmente dicta, los héroes patrios no son propietarios absolutos de la revolución o bien nosotros (los obreros insistentes, consistentes y resistentes) somos los héroes de la patria.

B) Gimme tha power de Molotov. Un grito directo, sin miedo y con desprecio total, un mensaje claro, grosero, sincero, un golpe enfurecido hacia el monopolio del poder, un himno nacional que verdaderamente representa a la nación, una verdad, la verdad, la nuestra.

C) La carencia de Panteón Rococó. Una canción que la misma estupidez del sueño aspiracional se ha encargado de desvalorar pero cuyo mensaje primigenio es tan severo como cualquiera otra canción de esta lista. Lamentablemente la tercera persona y las conjugaciones verbales en modo impersonal dentro de la letra alejan al narratario del narrador, no completamente pero de pronto parece que el emisor no perteneciera a esta categoría reflejada en la lírica. Eso sin mencionar que los últimos dos minutos de la canción está llena de palabras huecas y descontextuadas, llegando al punto de lo idiota y absurdo. Sin embargo, las ocho líneas iniciales son una tremenda palanca de fuerza. Simplemente hay que escuchar el grito certero: “En un mundo globalizado, la gente pobre no tiene lugar.”

D) Los techos de cartón de Alí Primera. Esta canción llega al alma común de todo un pueblo, no sólo por la opresión y explotación sino por la muerte, la masacre, la desgracia del orden natural del poder humano. Parece que el sufrimiento está ligado a la gente nacida de la tierra, como si fuera su herencia, como si la miseria fuera su virtud. “Usted no me lo va a creer pero hay escuelas de perros y les dan educación…” ¿y nosotros qué tenemos? Hambre, ignorancia, muerte. Una canción espléndidamente colocada en la película del 2004 Voces Inocentes, magistralmente dirigida por Luis Mandoki. Una escena perfecta en que el ejército y la guerrilla combaten a metrallazos en las calles irrelevantes, hogar de civiles empobrecidos por el destino, y de pronto como consuelo y resistencia al mismo tiempo comienza el canto acústico dentro de las casas de cartón. Una canción tan magnífica que ni Marco Antonio Solís podría echarla a perder.

E) Pan y circo de Juan José Lavaniegos. El humor permea esta gran canción que pareciera inocente al principio… bueno, en realidad, parece inocente casi completa, pero al final viene ese fuerte impacto en el rostro, en el alma, en la consciencia y en la moral. Un payaso de circo que se esfuerza por entretener a un puñado de niños que pagan sus entradas para ver la función, pero tarde o temprano los niños crecen y dejan de disfrutar el show repetitivo de ese payaso viejo; así que el payaso abre su negocio, una panadería para vender pan a los ahora adultos hambrientos, quienes siguen pagando al mismo payaso por sus servicios, primero el circo y luego el pan. Maravillosa metáfora política genialmente amasijada en esta canción.

F) Más circo y más pan de Amistades Peligrosas. Una canción de las más atrevidas por directa y ofensiva. Regularmente este tipo de mensajes se canta en la trova, en el rock o en el blues, pero aquí está puesto en un grupo de música pop, cosa extrañísima y por supuesto muy aplaudida por un servidor. Claro que es un grupo sin demasiada difusión, por obvias razones, así que será mejor permitir que cada uno le brinde una escuchada a su trabajo para finalmente entender que la música sí puede ser artística, política, filosófica, útil y necesaria.

G) Se vende mi país de Óscar Chávez. Esta canción tiene un motivo doble por lo que provoca una reacción doble también. Por una parte, el coraje y el enojo salen a relucir al notar que el país está en venta y sobre todo por pensar en aquéllos quienes son los vendedores, esos malditos egoístas codiciosos, avariciosos déspotas, fríos, corruptos, inhumamos. Por otra parte, es inevitable el brote de tristeza, de lástima y sufrimiento, incluso de desesperanza y desolación, esto no por ver que el país se vende y que uno no quiera venderlo sino precisamente porque uno no lo quiera, porque uno no lo venda… pobrecillo aquel hombre bueno, honrado, honorable y largamente prescindible. Pobre hombre-mercancía.

H) El jefe de Ricky Luis. Vaya, uno creería que después de tanto el tema se agotaría y que no habría más que decir, recriminar, denunciar. Pero siguen y siguen las injusticias y por lo tanto seguirán y seguirán las canciones. “Qué poder tiene el dinero que hasta simpático ya veo a este cabrón” dice en algún punto de la letra; la pregunta sería si en verdad es un tinte humorístico del artista o un retrato fiel del control político. No obstante la realidad histórica o paranoia fúrica que resulte, lo cierto es que esta canción es un excelente remate para esta lista.

Kobda Rocha

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Jorge Drexler – Salvavidas de Hielo (2017)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Movimiento: 8,5
  2. Telefonía: 7,5
  3. Silencio: 6,5
  4. Pongamos Que Hablo de Martínez: 7,5
  5. Estalactitas: 7
  6. Asilo: 6
  7. Abracadabras: 8
  8. Mandato7
  9. Despedir a los Glaciares: 8,5
  10. Quimera: 7
  11. Salvavidas de Hielo: 6,5

Salvavidas de Hielo (2017), el último álbum a la fecha del talentoso músico y productor uruguayo Jorge Drexler, cuenta con la particularidad de moverse alrededor de un solo instrumento: su guitarra (las cuerdas, la caja de madera, la piel de un banjo, el metal de un dobro. Múltiples elementos que proceden de la guitarra se han convertido en una gran band, de acuerdo a lo que explica en su sitio oficial).

Entre sus mejores momentos se encuentran “Movimiento”, el hit que abre el disco con letras directas sobre la inmigración, “Telefonía” es otra pista estelar con frases sobre las telecomunicaciones de antes y actuales, “Pongamos Que Hablo de Martínez” en claro homenaje a Joaquín Sabina, los ritmos cálidos de “Estalactitas” y “Despedir a los Glaciares” y “Abracadabras” muy bien acompañado por la mejicana Julieta Venegas.

Salvavidas de Hielo es otro trabajo positivo de Drexler, calmado, con algo de experimentación, buenas melodías, plagado de detalles y siempre moderno, vigente demostrando en mayor medida originalidad y sofisticación.

F.V.

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Avances: Zack Snyder’s Justice League

Esta no es otra película de la Liga de la Justicia, sino que sería la versión original de Zack Snyder de la película que conocemos de The Justice League del 2017.

Por aquel entonces, la película sufrió muchas modificaciones en su guion, lo que llevó a que Zack Snyder renuncié y se haga cargo Joss Whedon, quedando como resultado final un film olvidable.

Sin embargo, a pedido de los fans, que solicitaban se publique la versión original, luego  de idas y vueltas Warner dio el visto bueno, y el 18/03/2021 se estará estrenando en HBO Max la versión de Snyder (conocida como  «Snyder Cut»), que dura nada menos que 4 horas y tiene la aparición de algunos personajes que no vimos en la versión del 2017 como Joker y Darkseid.

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Amanecer en el mundo

Hoy el mundo amaneció con un sol precioso

y su trino matutino el ave entonó,

el río su flujo dulce al orbe donó

y el árbol su gran ramaje encumbró frondoso,

nuestro cielo sobre un lago es esplendoroso,

la montaña a su deslave al fin dijo que no

y el rugido de una fiera en el bosque sonó,

es la flor y su lindura un panorama hermoso.

Toda la belleza despertó esta mañana;

con mil perfecciones todo el orbe se engalana.

De dios la grandeza en el mundo a ver se alcanza

pero, infortunado destino sin esperanza,

estas maravillas no verá la humanidad

porque, como siempre, está gris en la ciudad.

Kobda Rocha

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Lenny Kravitz – Baptism (2004)

Puntaje del Disco: 6

  1. Minister of Rock ‘n Roll: 8
  2. I Don’t Want to Be a Star: 6,5
  3. Lady: 7
  4. Calling All Angels: 6
  5. California: 6
  6. Sistamamalover: 7,5
  7. Where Are We Runnin?: 8
  8. Baptized: 7
  9. Flash: 5
  10. What Did I Do With My Life?: 6
  11. Storm: 6
  12. The Other Side: 5
  13. Destiny: 5,5

Como pasa con la mayoría de las estrellas musicales, tras un período de gracia tanto en lo creativo como en lo comercial, Lenny Kravitz atravesó momentos erráticos y de decadencia promediando la década del 2000 con el lanzamiento de su séptimo CD: Baptism, en Mayo 2004.

Grabado en Miami, Florida Lenny apeló a un rock simple y accesible tratando de emular sus comienzos, pero salvo algunas gratas excepciones como “Minister of Rock ‘n Roll”, “Sistamamalover”, ”Lady” o “Where Are We Runnin?” caería en la mayor parte del álbum en la intrascendencia llegándote a repensar como pasaste casi una hora de tu tiempo escuchando semejante bodrio. Sorprende el dúo con él por aquellos años emergente rapero Jay-Z en “Storm” en otro de los pocos temas que aporta algo de variedad y color al listado de temas.

Aunque por aquellos años Kravitz parecía con ganas de abandonar el negocio definitivamente y su estrella se iba apagando lentamente, este bajón temporario pudo ser revertido a partir de la siguiente década y apostando mayormente al funk, volviendo a tener fe en su capacidad y habilidad como uno de los principales representantes del revival del rock retro.

F.V.

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Alice in Borderland: Primera Temporada

Puntaje de la Temporada:

  • Año: 2020
  • Género: Fantasía, Thriller, Acción
  • Director: Shinsuke Sato
  • Reparto: Kento Yamazaki, Tao Tsuchiya, Nijirô Murakami, Keita Machida, Sho Aoyagi, Ayaka Miyoshi, Dori Sakurada

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The Moody Blues – To Our Children’s Children’s Children (1969)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Higher and Higher: 7
  2. Eyes of a Child I: 7,5
  3. Floating: 6
  4. Eyes of a Child II: 6,5
  5. I Never Thought I’d Live to Be a Hundred: 5
  6. Beyond: 5,5
  7. Out and In: 6,5
  8. Gypsy (Of a Strange and Distant Time): 8
  9. Eternity Road: 7,5
  10. Candle of Life: 6
  11. Sun Is Still Shining: 7
  12. I Never Thought I’d Live to Be a Million:
  13. Watching and Waiting: 6,5

To Our Children’s Children’s Children (A los hijos de los hijos de nuestros hijos) sería el nombre seleccionado por los legendarios The Moody Blues para su quinto álbum de estudio y el segundo lanzado en el año 1969, luego del mejor logrado On the Threshold of a Dream.

Los de Birmingham consolidarían su éxito inicial en este año manteniendo su apego a las composiciones con acentuados rasgos de música sinfónica, rock y folk. El tema estrella a lo “Nights In White Satin” de este LP sería “Gypsy (Of a Strange and Distant Time)”, el cual también se convirtió en un favorito de los fans y narra la historia de una gitana de tiempos remotos, viajando en pánico sin dirección.

Por otro lado, el sencillo seleccionado como promoción “Watching and Waiting” no funciono en el mercado. Aunque otros pasajes interesantes si dan la talla como “Eyes Of A Child Part I”, con su belleza instrumental y “Eternity Road”, con un sonido cláisco de fines de los años sesenta.

To Our Children’s Children’s Children forma parte del legado de este grupo comandado por Justin Hayward y John Lodge, quienes supieron reinventarse a través de los años, llegando a dejar su zona de confort y abrazar el synth pop en los ochenta con buena repercusión.

F.V.

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100 cien 100

El 6 de septiembre de 2018 se publicó la primera digresión en este espacio virtual destinado para compartir música llamado Persi Music, inaugurando así esta sección titulada Digresiones Musicales, y hoy, aproximadamente dos años y medio después, se está publicando ésta, la cual resulta ser la digresión número cien. Por lo tanto, es un día de fiesta y como toda buena ocasión la mejor forma de hacer honor a tan gran suceso es con música. Había pensado en abreviar este texto a una sola canción que mereciera ser el soundtrack de este festejo, pero resultó complicado reducirlo a una sola; así que, aquí va la lista de las piezas que podrían ser bien el fondo musical de esta centésima digresión.

A) Lo primero que uno quiere escuchar cuando se piensa en fiesta es en algo escandaloso y rítmico tal como los Vengaboys sonaban por allá a finales de los años 90’s en canciones como “Boom Boom Boom Boom”, “Up & Down” o la definitiva “We Like To Party”. El dance, el disco y la euforia semisexual es lo primero que comienza a correr por la sangre cuando se presenta la oportunidad de festejo. Es ésa la primera emoción, el primer calor, el primer ritmo.

B) Después del primer arranque de energía, el oído exige un poco más de complejidad aunque el cuerpo sigue acelerado y excitado por el estruendo del ruido primigenio. Y encontraremos más fiesta cuanto más retrocedamos en el tiempo, pues la juventud, la alegría y las orgías de amor, drogas y plenitud no se hacían esperar por el recato, la vergüenza ni la moral. Así que el sonido máximo de fiesta musical, corporal, líquida y turística se encuentra en las notas de B-52’s, sobre todo en piezas como “Roam”, “Channel Z”, “Good Stuff” y la suprema pachanga “Love Shack”.

C) El viaje es casi interminable, sobre todo cuando los años sesentas y setentas se aparecen para musicalizar una fiesta; sin embargo, la búsqueda de un sonido festivo y actual comienza pronto. Invariablemente, tarde o temprano llegaremos a Diablo Swing Orchestra con grandes piezas de alegría, euforia y emotividad, de las cuales una sobresale por encima de todas, y estoy hablando de “A Tap Dancer’s Dilema”, una canción con energía, fuerza, ritmo, complejidad musical, sobreposiciones compositivas maravillosas y una sensación de celebración magnánima.

D) Haciendo brincos agigantados por el swing, el fussion, el glam y las interminables variantes del electro, nombraremos aquí una canción que bien podría musicalizar una fiesta de cien digresiones publicadas en una plataforma virtual: “Frau & Mann” de Lindemann. Mantiene la energía, la emoción y la alegría, además es lo más contemporáneo que podría sonar una festividad de estas magnitudes.

D) Finalmente, para no extenderme en este asunto y dejando pasar infinidad de canciones festivas, nombraré la que sin duda será la musicalización exacta y perfecta de esta digresión. Aclaro por anticipado que para estas alturas la euforia y la excitación sanguínea, corporal y emotiva a mermado ya, y el sonido que se busca ya no sólo es el de festejo y alegría sino también el de orgullo y satisfacción, aderezado con el vanidoso trofeo de la victoria (porque todo logro, más que una fiesta, merece un reconocimiento); no sólo es la celebración por haberlo logrado sino también la altivez egocéntrica de haberlo logrado (redundancia que sólo los campeones comprenderán). En este punto, quien haya sentido alguna vez en su vida esa sensación de ser la cima del mundo sabrá que el soundtrack perfecto para una situación tal es la magna composición de Wagner. Y no me refiero a la tan manoseada entrada de los dioses al Valhalla; aspirando un poco más alto y a riesgo de obtener etiquetas fatales de fascismo y mezquindad, me refiero a la cabalgata de las Valkirias.

Aquí termina esta digresión número cien… y que cada quien escuche en sus logros personales la vasta victoria que merezca la templanza y altivez de su corazón, su alma y su entereza.

Kobda Rocha

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Ben Harper – Diamonds On the Inside (2003)

Puntaje del Disco: 7

    1. With My Own Two Hands: 7,5
    2. When It’s Good8
    3. Diamonds On the Inside: 8
    4. Touch from Your Lust: 7
    5. When She Believes: 6
    6. Brown Eyed Blues: 7,5
    7. Bring the Funk: 8,5
    8. Everything: 6
    9. Amen Omen: 7
    10. Temporary Remedy: 7,5
    11. So High So Low: 8
    12. Blessed to Be a Witness: 6,5
    13. Picture of Jesus: 6
    14. She’s Only Happy in the Sun: 7

Diamonds on the Inside (2003), es el quinto esfuerzo de estudio del inquieto cantante y compositor estadounidense Ben Harper, el cual significó una piedra angular dentro de su repertorio por ser uno de los más emocionales y donde su clásico sonido de guitarras acústicas mejor se conjugo con una paleta de sonidos variada que van desde el world music, funk, el reggae el soul y el folk.

“La diversidad de estilos significa libertad de exploración”, afirmaba Harper y agregaría: “Si solo hiciera una cosa, mi vida sería mucho menos estimulante. Tengo la suerte de no saber quién va a ser el próximo en llamarme por teléfono”. Quien nunca se vio atraído por las luces de la fama ni por las fórmulas pasajeras que impongan la industria musical.

Diamonds on the Inside inicio a todo ritmo con la Marleyesca “With My Own Two Hands” y continua mejor aún con el country blues “When It’s Good” y la soberbia balada que dio el título a la obra. Promediando el disco el momento funk con “Brown Eyed Blues” y “Bring the Funk”, como así también merece las palmas y su veta más roquera en “Temporary Remedy” y “So High So Low”. El resto de los temas hasta el cierre continúa con el espíritu general del álbum con algún que otro relleno innecesario como “Everything” o “Picture of Jesus”.

Gracias a este tipo de lanzamientos Harper supo ganarse su reputación y que su nombre sea equivalente al de un héroe del under, valorado por sus colegas y por su público que a través del boca en boca fue divulgando su música por todo el mundo.

F.V.

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Veinte 20

El año pasado fue extrañísimo para la producción artística en general. Por lo regular, las bandas y sobre todo sus compositores principales tienen un ciclo de creación intermitente, es decir, por temporadas están ocupados en giras, grabaciones de videoclips, entrevistas, etcétera, y aunque tal vez haya genios creadores que no pueden parar de componer, lo cierto es que no tienen el tiempo ni las condiciones para sentarse tranquilamente a dedicar toda su concentración en ello salvo por un pequeño período al año, reducido a un par de meses o incluso sólo cinco o seis semanas. Aun a pesar de todo, las bandas siempre (bueno, casi siempre) ofrecen un trabajo musical compositivo culminado y de calidad. Lo extraño es que durante el año pasado la mayoría de las distracciones desaparecieron de sus agendas y tuvieron casi nueve meses libres para dedicarse a la creación. Resultado de ello, forzosamente algunos trabajos debieron salir excelentes. He aquí un breve inventario:

A) Transmetal, la banda cumbre del metal mexicano por excelencia, quienes de por sí durante sus más de treinta años de carrera siempre han hecho un trabajo de primera con los hermanos Partida a la cabeza de su producción creativa. El disco Demiurgo ofrece temas veloces sin descanso tales como “México Decapitado” que traen un halo de memoria a lo que fueron los inicios de la banda, cuando la euforia del thrash los invadía y el sonido de su música se enfurecía con la velocidad ininterrumpida. Y aún más, los grandes íconos del metal en México ofrecen un EP con cuatro de sus canciones clásicas regrabadas, destacando la nueva versión del cover a Killers, simplemente brutal.

B) Brebaje Extraño con su disco Un día más, buena señal y su canción homónima al álbum se llevan una calificación perfecta. Musicalmente, el disco está muy blusero y a ratos hasta rockanrolero; cada track tiene un beat exacto que deja satisfecho hasta al oído más exigente del género; la base rítmica ensamblada entre el bajo y la batería es firme, precisa y plena de dinámicas; además, la conversación solística de guitarras y armónicas dan al álbum un sentido de completud y sabrosura auditiva. En cuanto a las líricas, decir que es bueno se queda corto, porque es más que bueno, es bello, sublime, supremo y sensiblemente artístico, humano y poético.

C) Ultratumba es una banda que en muchas formas ha rebasado los límites de la creatividad musical dentro del metal en español. Su constante cambio de alineación brinda una sensación continua de renovación estilística. Cada álbum es diferente entre sí y al mismo tiempo es majestuoso dentro de sí mismo. Y por supuesto su nuevo disco Aquelarres de ultratumba está al nivel de los más grandes sonidos producidos por el genio y líder del grupo Lorenzo Partida. Basta con escuchar la prima canción “En las retinas del alma” para enamorarse de este disco perfecto, sin mencionar que líricamente el trabajo de Lorenzo cada vez va en aumento, solo el título de la rola ya es una explosión de poesía y profundidad. Simplemente ¡una chulada!

D) Alkatraz Records sacó un disco acoplado titulado RockMex donde aparecen algunas bandas poderosas con material potente. Mamá José presenta su rola “Mi Barrio” cuya letra tan nostálgica hace recordar el origen y la cuna de un citadino mejicano. Deliriuz pone el ingrediente Punk. Lokuraz con “Locura Errante” nos brinda una experiencia desastrosa y reventada. Y lo mejor de todo, la canción imperdible “Tu último adiós” a cargo de la magnífica Venus.

E) Para el Blues también ha sido un tiempo prolífico. Discos Denver ha tenido a bien lanzar una antología en dos volúmenes titulada Cuántos años Blues. Hay muchos grupos que son dignos de reconocimiento: Castalia, Tenconten, Posiblues, Diableros, Himber Ocampo, Storm Monday y los ejemplares San Luis Blues. Un par de discazos que merecen ser escuchados sin pretexto.

F) Emigrante es una banda de rock and roll que ha forjado su carrera dentro de la escena con una línea temática tradicional en cuanto a la actitud del rockero se refiere. Nacidos en Naucalpan, Estado de México, en su nuevo disco Sexo, drogas y Rock&Roll cometieron el gran acierto de añadir a sus filas la estupenda voz de Edith Araceli quien le da un toque delicioso al sonido de la banda; en esencia, agregó el ingrediente maestro a las grandes composiciones de Erik Barrón. Para prueba, sólo hay que escuchar los temas “El Lago”, “Ella lloraba” y la pieza clave “Manipulación”.

G) Alma Viajera es una banda nueva que precisamente en este año formó su primer material grabado en un EP titulado Un viaje a la vez con temas exquisitos como “El signo de pesos” y “En donde estés”. Es ésta una propuesta con visión y promesa para entregar mucho en el futuro. Esperemos que lo que se ha forjado en estos meses perdure por largo tiempo y sobre todo que nos ofrezca bastante más material que escuchar. Por lo pronto, a disfrutar de este genial trabajo rocker.

Kobda Rocha

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The Strokes – The New Abnormal (2020)

Puntaje del Disco: 8

  1. The Adults Are Talking8
  2. Selfless: 8,5
  3. Brooklyn Bridge to Chorus: 7
  4. Bad Decisions: 8
  5. Eternal Summer: 8
  6. At The Door: 9
  7. Why Are Sundays So Depressing?: 7
  8. Not the Same Anymore: 7,5
  9. Ode To The Mets: 7

Tras una larga inactividad The Strokes volverían en plena pandemia a nivel global con su ansiado sexto LP, The New Abnormal, producidos por el mítico Rick Rubin, alcanzando la madurez en una mezcla de indie rock guitarrero, baladas desgarradoras, experimentación electrónica y new wave, con una colección de canciones casi tan fuerte como las de sus consagratorios primeros años.

Repasando el listado de temas se puede ir percibiendo cada etapa de la carrera de los neoyorquinos: en “The Adults Are Talking” estamos ante los Strokes clásicos, en otros highlights como “Brooklyn Bridge to Chorus” o “Endless Summer” podemos ver su versión más pop con sintetizadores, “Selfless” y “Not the Same Anymore” baladas depresivas y en “At The Door” una de sus mejores y más originales composiciones donde Julian Casablancas despliega todo su registro y matices vocales.

En definitiva, The New Abnormal puede ser catalogado como su álbum más fresco e interesante que The Strokes haya lanzado últimamente, volviendo a sonar como una banda de nuevo y nos deja con ganas de poder disfrutarlos en directo pronto, sin embargo, todavía está lejos de estar a la altura de Is This It (2001), como muchos insinuaron.

F.V.

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