The Smiths – Rank (1988)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. The Queen Is Dead: 8
  2. Panic: 7
  3. Vicar in a Tutu: 7
  4. Ask: 7.5
  5. His Latest Flame/Rusholme Ruffians: 7
  6. The Boy with the Thorn in His Side: 8
  7. Rubber Ring/What She Said: 6,5
  8. Is It Really So Strange?: 7
  9. Cemetry Gates: 7,5
  10. London: 8
  11. I Know It’s Over: 8,5
  12. The Draize Train: 7
  13. Still Ill: 7,5
  14. Bigmouth Strikes Again: 9

Una banda que marco época como The Smiths merecía un directo dentro de su corta pero rica discografía y Rank, lanzado en 1988 pero grabada dos años antes en el «National Ballroom» de Londres cumple a medias con su cometido de reflejar la grandeza de los británicos.

Para muchos de legión de seguidores Rank es lo más cercano de una performance en vivo de Morrissey, Johnny Marr y compañía. Los catorce temas seleccionados por el propio cantante (dejaría afuera «I Want the One I Can’t Have», «There Is a Light That Never Goes Out», «Frankly, Mr. Shankly», «Never Had No One Ever», «Meat Is Murder» y «How Soon Is Now?»), formaban parte de una obligación contractual con su disquera, mientras en algunos casos se beneficiaron bastante por su versión en directo (“Bigmouth Strikes Again”, “I Know It’s Over”), otras mermaron un poco en su calidad con respecto a la original (“Cemetry Gates”, “Panic”).

El concierto se dio en el marco de los últimos meses de vida activa de la banda, cuando The Smiths interpretaba en modo rock-star al estilo The Rolling Stones, en bastantes pasajes queda claro que Morrissey estaba más preocupado por el show que por cantar bien (en especial si se lo pone en contraste con el brillante Live At The Earl’s Court de mediados del 2000).

Se podría concluir que Rank tiene sus momentos y no está mal, es esencial para toda colección de fanáticos, pero no logra reflejar la grandeza de un grupo distinto que cambiaría la historia del rock, abriendo la ventana a toda una nueva generación de bandas que buscaron sonidos alejados del mainstream a partir de la década de los noventa.

F.V.

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[Total: 2 Average: 4]

Food Wars: Shokugeki no Soma

Puntaje de la Temporada:

  • Año: 2015
  • Género: Comedia, Anime
  • Director de Serie: Yoshitomo Yonetani

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Focus – Moving Waves (1971)

Puntaje del Disco: 8

  1. Hocus Pocus: 9,5
  2. Le Clochard (Bread): 8
  3. Janis: 7
  4. Moving Waves: 7,5
  5. Focus II: 6,5
  6. Eruption: 8

En los Países Bajos se desarrolló una movida valiosa de bandas de rock y pop especialmente a finales de la década del sesenta y principios de los setenta y sin dudas de este grupo la más popular a nivel internacional fue la banda de rock progresivo, Focus.

Formada en Amsterdam en 1969 por cuatro músicos con formación musical clásica: el tecladista y flautista Thijs van Leer, el guitarrista Jan Akkerman, el bajista Martin Dresden y el batero Hans Cleuver. Su primer trabajo principalmente instrumental, Focus Plays Focus (1970), tuvo un éxito moderado, y llevó a Akkerman a tomar decisiones drásticas como el cambio de formación convocando a dos antiguos compañeros como Cyril Havermans en bajo y Pierre van der Linden en batería para la grabación del aclamado Moving Waves (título internacional) o Focus II.

El resultado fue un disco mucho más logrado tanto en lo musical como en lo técnico, logrando colarse entre los primeros lugares del difícil ranking inglés, gracias a su perspicaz combinación de Hard Rock, cambios de ritmo, excelentes solos de Akkerman, adaptaciones clásicas fusionadas con jazz y sobre todo por la inclusión del himno máximo del conjunto el sencillo “Hocus Pocus”, tema por el cual ganaron su popularidad mundial y se convirtió en todo un clásico instrumental. «La canción nació durante una zapada. El guitarrista tocó un buen riff, hubo un corte por parte de la batería y salió la melodía. El resto lo compuse en muy poco tiempo», contaría van Leer después de una entrevista reciente. «Eruption» es otro de los celebrados de Moving Waves, una pieza progresiva que rememora a Crimnson o Yes de 23 minutos de duración, que en resumen es una gran improvisación perfectamente ejecutada con momentos cercanos a la música clásica, al blues con excelentes solos de guitarra y de batería.

Moving Waves y “Hocus Pocus” cambió la vida de estos holandeses que pasaron de tocar en conciertos íntimos en Amsterdam a grandes estadios en Inglaterra y Estados Unidos, situación que disfrutaron por un período demasiado corto, hasta comienzos de 1976 con la lamentable salida de Akkerman para abocarse a su carrera solista y la magia pareció llegar al fin.

F.V.

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[Total: 2 Average: 4.5]

Alfajores: Degustación y Análisis Gastronómico

Antes de que se desate todo el problema del Coronavirus a nivel país (y mundial), con su consecuente cuarentena general, nos juntamos un pequeño grupo de amigos a hacer una degustación de los alfajores de marcas más comerciales que se pueden encontrar en la Argentina, con resultados sorpresivos.

De esta forma inauguramos una nueva sección de gastronomía en el sitio, contándoles todo el proceso de degustación y sus resultados finales.

Proceso de Degustación

Selección de Alfajores
Alfajores al aire libre. La mayoría tenían pinta.

Para hacer el proceso de degustación, elegimos 8 de los alfajores que más se pueden encontrar a nivel comercial, todos de chocolate rellenos de dulce de leche, de diferentes precios y calidades. Las marcas seleccionadas fueron las siguientes:

  • Cachafaz
  • Guaymallen
  • Havanna
  • Jorgito
  • Ser
  • Terrabusi
  • Tofi
  • Vauquita

Para hacerlo más interesante, a estos alfajores, les sumamos dos alfajores de reconocidas marcas más artesanales, Olla de Cobre y Bocana; junto a un alfajor de supermercado, que en este caso fue de Día; y uno de mousse de chocolate muy reconocido que es el Suchard. De esta forma quedaron 12 alfajores en total.

Proceso de preparación

Antes de iniciar la preparación, hicimos una clasificación y agrupamiento con un fin más que nada informativo y estadístico.

Por peso:

Por precio promedio:

Y por calorías:

Ahora sí, para arrancar con la preparación, los alfajores se fraccionaron en partes iguales y fueron introducidos en sobres iguales con un papel en su interior a qué indicaba de qué marca se trataba. Los sobres se mezclaron y de esta forma se garantizaba la posibilidad de hacer la degustación a ciegas.

Los participantes de la degustación debían probar sin ver cada alfajor y adivinar a qué marca correspondía, qué puntaje le daban y en qué posición lo ubicarían en su ranking personal.

Luego, de que todos degustaron el alfajor de cada sobre, se marcó cada sobre con un número para luego saber de qué alfajor se trataba.

Ranking de los Mejores Alfajores

Finalizada la degustación, reveladas los contenidos de los sobres y las puntuaciones de los alfajores el resultado final fue el siguiente:

  1. Havanna – Puntaje: 8,74
  2. Bocana – Puntaje: 8,1
  3. Cachafaz – Puntaje: 7,96
  4. Olla de Cobre – Puntaje: 7,76
  5. Alfajor Día – Puntaje: 7,5
  6. Vauquita: – Puntaje: 7,3
  7. Jorgito – Puntaje: 6,6
  8. Suchard – Puntaje: 6,6
  9. Guaymallen – Puntaje: 6,6
  10. Tofi – Puntaje: 6
  11. Ser – Puntaje: 5,6
  12. Terrabusi – Puntaje: 4,3

Premios de la Degustación

El Mejor Alfajor: Havanna. No solo fue el que mayor puntaje recibió, sino que es el más caro y uno de los que más pesa entre todos los alfajores que se degustaron. Sin embargo, solo estuvo en la primera posición del ranking personal de uno solo de los participantes de la degustación.

La Gran Revelación: Alfajor de Día. Para ser un producto de supermercado, y sobre todo de marca Día (si tenemos en cuenta el prejuicio que comúnmente puede haber al respecto), el alfajor de esta cadena fue una verdadera sorpresa cosechando muy buenas notas en general.

La Gran Decepción: Terrabusi. Un alfajor popular, que no está asociado como una marca berreta, aunque tampoco está a la altura de los de élite. Sin embargo, para ser una marca “intermedia” el bajo puntaje fue unánime en todos los participantes. Realmente muy flojo.

Otros datos interesantes

Triple empate: Jorgito, Suchard y Guaymallen protagonizaron un dato muy particular, los 3 terminaron con el mismo promedio. Dando evidencias que alfajores populachos como Jorgito y Guaymallen, pueden tranquilamente competirle a uno más caro y de mousse de chocolate (que dicho sea de paso el mouse en general mucho no le sumó) como Suchard.

Confusiones más comunes: al ser una degustación a ojos cerrados, las confusiones comunes estuvieron en identificar entre Havanna y Cachafaz. Y también hubo otras confusiones más sorpresivas entre Tofi y Guaymallen.

El más identificado: Suchard. Claramente ser un alfajor de mousse de chocolate hizo que todos pudieran adivinarlo sin mayores esfuerzos. Además de ser el más calórico y no tan bien puntuado.

Artesanales al frente: Si bien Bocana y Olla de Cobre no pudieron superar a Havanna, terminaron muy bien posicionados dentro de los 5 mejores. Por algo se compran alfajores artesanales de regalo cuando uno se va de viaje.

Saludable, pero no agradable: Nadie le ponía muchas fichas a un alfajor de Ser. Y si bien costó identificarlo quedó demostrado que puede ser bastante insípido si estás dispuesto a castigarte con una línea “saludable”.

Guaymallen, barato pero no por su peso: Si bien el Guaymallen quedó mejor parado en el Ranking de lo esperado y parece ser de lo más barato del mercado, no es tan así, porque es un alfajor que pesa casi la mitad que el de Cafachaz (38gs vs 60gs). Por lo que su precio habría que duplicarlo si quisiéramos ser más justos con el resto y medir su precio/calidad.

Asi termina nuestra primera degustación, habrá más en el futuro, cuando logremos reponernos del condenado coronavirus.

Persy

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[Total: 3 Average: 4.7]

Ramones – Too Tough to Die (1984)

Puntaje del Disco: 7

  1. Mama’s Boy: 8
  2. I’m Not Afraid Of Life: 7,5
  3. Too Tough To Die: 6
  4. Durango 95:
  5. Wart Hog: 7,5
  6. Danger Zone: 5
  7. Chasing The Night: 6
  8. Howling At The Moon (Sha-La-La): 7
  9. Daytime Dilemma (Dangers Of Love): 8,5
  10. Planet Earth 1988: 8
  11. Humankind: 5
  12. Endless Vacation: 5
  13. No Go: 4

A mediados de la década de los ochenta vería la luz el octavo álbum de la banda punk rock neoyorkina, Ramones. Para este disco habrían varios cambios en lo que concierne a la banda, el primero es la expulsión final del baterista Marky Ramone debido a sus problemas con el alcohol, y lo que sería el primer álbum de Richie Ramone a cargo de la batería. Y como dato no menos importante, vuelve a producirles un disco el antiguo batería y productor de grupo Tommy Ramone.

Para el nuevo disco la banda tomaría un giro totalmente más pesado dejando atrás el punk rock clásico del grupo y las canciones pop melódicas de Joey. Inclinandose por el Hardcore-Punk y el Heavy Metal que estaban en pleno auge en esos momentos, aún así pueden apreciarse algunos destellos melódicos que aún convivían en la banda. Algo de esto se había visto en el disco anterior que tenía más presencia de riffs y protagonismo de Johnny en guitarra, pero que aquí termina de desarrollarse. La nueva inclusión de Richie le aporta solos más densos y pesados de batería al disco. Es quizá el álbum con más protagonismo compositivo del bajista y principal compositor de la banda Dee Dee Ramone, que compuso 9 de las 13 canciones y cantó en dos de ellas.

El disco abre con la pesada «Mama’s Boy» que quizás lo más flojo sea el estribillo porque por lo demás es buena y diferente a lo que la banda nos tenía acostumbrado. El segundo track es otra canción pesada «I’m Not Afraid Of Life» con aires oscuros al estílo Misfits, que cuenta con una letra algo existencialista por parte de Dee Dee. Luego continua «Too Tough To Die» que Dee Dee abre con su particular conteo, a partir de esta Joey comienza cantar con su característica voz melódica, canción que concibo como una de las más flojas del disco. A esta le sigue «Durango 95» una instrumental repetitiva de menos de un minuto, siendo lo instrumental poco común en la banda. De manera inesperada aparece «Wart Hog» una canción hardcore-punk y una de las dos que canta el bajista, de la letra mucho no se puede decir más que es una burla misántropa de la sociedad y el mundo en que vivimos, un tema que puede agradarte o puede parecerte totalmente repulsivo no tiene términos medios. Lo que si se puede destacar es la velocidad en que rapea cada palabra Dee Dee. «Danger Zone» es casi lo mismo que la anterior pero esta vez el Joey el que se encarga de cantar y rapear entre palabras alguna partes, una de las más flojas claramente del disco porque ni la letra ayuda a levantarle algunos puntos. Con la batería de Richie arranca «Chasing The Night» con una letra resacosa y sonidos que parecieran salidos de una consola, esta muestra un poco de mejora que las últimas pero aún así no termina de convencer. La siguiente «Howling At The Moon (Sha-La-La)» reafirma el sonido de la anterior que parece salido de una consola family, con una letra más positiva del bajista, demostrando sus estados atemporales y la bipolaridad que sufría Dee Dee. En la popera «Daytime Dilemma (Dangers Of Love)» se ve una evolución lírica de Joey que alguna vez demostró en «Here Today, Gone Tomorrow» que cuenta la vida y la historia de amor de una joven, al estílo Morrissey, una muy buena canción en la que también pueden escucharse fugazmente algunos teclados, definitivamente una de las mejores del álbum sino la mejor. El décimo track «Planet Earth 1988» con un riff repetitivo hasta el coro y un estribillo triste, contiene una de las mejores letras a mi parecer del disco y de la banda en general y esto como buen punto. Concientizando de las catástrofes que ocurren en el mundo. La siguiente con un ambiente más denso «Humankind» y un estribillo que no está a la altura, es similar en letra a la anterior pero a un nivel más bajo, critíca a las acciones de la humanidad. Volvemos a un estilo similar a la pista 5, la segunda cantada por Dee Dee que no supera los dos minutos, con estilo nuevamente hardcore, y varios cambios de ritmo, la letra extremadamente negativa y oscura pero sin mucho que decir también, los tempos de la canción son buenos pero no fueron acompañados por una buena letra y la voz rasgoza y descuidada de Dee Dee terminan de liquidar al tema. Se cierra el disco con «No Go» con ritmos de rockabilly y un Joey imitando la voz de Elvis, pero esto no alcanza para salvar a la canción que se repite por tres minutos y la letra deja mucho que desear.

Un disco algo bueno por una nueva propuesta musical que en algunos casos funciona, pero que en otros también es bastante irregular de la banda, que no lograba reivindicarse con un nuevo estilo en una nueva década en que ya los teclados y sintetizadores habían terminado de hacer desaparecer al punk.

Johnny Prz.

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[Total: 1 Average: 4]

El encierro

La soledad se ha ganado el aprecio de muchos y el repudio de otros tantos. El arte le ha dedicado extensas obras y los filósofos la han mirado de cerca, casi enamorados de ella. Los poetas, por supuesto, también han merecido mil versos en su honor. Dediquemos tautológicamente una página más al tema.

Alguna vez escuché (no sé dónde) que aquella persona que disfruta su soledad tiende a escoger mejor sus compañías, pues quien huye de su soledad termina aceptando cualquier mala compañía sólo por desesperación. Esto me recuerda un poco a eso que dijo (espero recordar bien) Jean-Paul Sartre: “Si te sientes solo cuando estás solo, entonces estás mal acompañado”. Ah, porque eso es una vuelta de tuerca al dicho popular “Más vale sólo que mal acompañado”. Hay una canción de Molotov, lo digo como paréntesis, Más vale cholo que también se prende de esta frase, y es buena rola ya de paso… Algo más: cuando se habla de soledad lo primero que siempre viene a mi mente es aquella frase contradictoria de Bécquer que dicta “La soledad es muy bella cuando tienes a alguien con quien compartirla”. Es como el acertijo de mi abuelo: “Si unimos tu soledad y la mía, ¿tenemos dos soledades o ninguna?”.

Sin embargo, a pesar de todo lo que se puede decir y se ha dicho sobre la soledad, hay una soledad de particular interés: la causada por el encierro. Pensemos en un prisionero que ha sido aislado de todo contacto humano, guardado en una celda psiquiátrica o en una cárcel policiaca. No es lo mismo estar solo por ser feo y no tener amigos que por estar encerrado. Cómo pasar por alto El castillo de la pureza o el magnífico Yellow wallpaper y otras maravillas similares.

La soledad es superable y combatible, pero el encierro es insoportable y abisal. Hundido en la soledad del encierro, cualquiera podría, un día u otro igual que cualquiera, terminar, quizá por aburrimiento, tedio o desesperación, creando el cielo, la tierra y todas las cosas. Tal vez es ésa la cosmogonía de los artistas. Tal vez ésa es la teogonía de la creación.

Kobda Rocha

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[Total: 1 Average: 5]

Grand Funk Railroad – Phoenix (1972)

Puntaje del Disco: 7

  1. Flight of the Phoenix: 7
  2. Trying to Get Away: 7,5
  3. Someone: 7
  4. She Got to Move Me: 6,5
  5. Rain Keeps Fallin’: 8
  6. I Just Gotta Know: 6,5
  7. So You Won’t Have to Die: 8
  8. Freedom Is for Children: 7
  9. Gotta Find Me a Better Day: 7
  10. Rock ‘N Roll Soul: 8

Para la grabación de su sexto disco de estudio, Phoenix (1972), Grand Funk Railroad experimentaría un montón de cambios. En primer lugar, despidieron a su clásico y fundacional productor y manager Terry Knight, pasando la producción a manos del propio grupo e incorporarían un cuarto componente el tecladista Craig Frost quien rompería con la tradición del trío Grand Funk de guitarra, bajo y batería.

Bajo su propia tutela el grupo se las arregló para madurar en cuanto a lo musical, con un sonido variado como nunca antes, trataron de bajar un cambio de su hard rock entre frenético y rudimentario con baladas, blues calmo y temas fuertes en lo melódico. En temas como “Rain Keeps Fallin’”, “So You Won’t Have to Die” y “Rock ‘N Roll Soul” se puede ver la mejor faceta de un conjunto por primera vez sin brújula, por las suyas y que no tenía demasiada idea que hacer.

Los conflictos legales posteriores con Knight por el derecho a la utilización del nombre provocaron un período de descanso en la labor de la banda derivando en el acortamiento del nombre para sus futuros lanzamientos a tan solo Grand Funk.

F.V.

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[Total: 2 Average: 4.5]

Últimos Lanzamientos: Enero y Febrero del 2020

Of Montreal – Ur Fun

Fecha de Lanzamiento: 17/01/2020

Puntaje del Disco:

Cada un par de año Kevin Barnes y Of Montreal nos acostumbró a sacar un nuevo trabajo siempre con virtudes y atractivos que ameritan sin dudas consumir tiempo en su escucha.

Con Ur Fun van absolutamente al grano. Temas accesibles de rock bailable que suenan al Bowie o al Iggy Pop de prinicipios de los ochenta (“Polyaneurism”, “Peace to All Freaks”, “Don’t Let Me Die in America”) mezclado con algunas baladas (“You’ve Had Me Everywhere”) y con pasajes de indie rock alternativo que le dan el toque moderno (“Get God’s Attention By Being an Atheist”, “St. Sebastian”).

Eminem – Music to Be Murdered By

Fecha de Lanzamiento: 17/01/2020

Puntaje del Disco:

Eminem volvió a ser noticia en el amanecer de 2020 por su participación sorpresiva en la ceremonia de los premios Oscars hace algunas semanas, y también en menor medida por su nuevo lanzamiento Music to be Muerderer By, con la particularidad de encontrarse narrado, a través de interludios sampleados, por Alfred Hitchcock, quien editó un disco titulado igual en 1958.

El Eminem versión 2020 no ofrece nada demasiado novedoso pero todavía rapea con la precisión de un maníaco y tiene chispazos del fuego que lo convirtieron en una leyenda del rap. Siempre polémico en sus mejores tracks del listado: se pone en la piel del tirador asesino de la masacre de Las Vegas en 2017, Stephen Paddock, llegando a reproducir con detalle el recorrido que hizo desde su hotel hasta el evento en “Darkness” y se atreve a bromear con el bombardeo del Manchester Arena en un concierto de Ariana Grande también de 2017 llegando a ser tildado de profundamente irrespetuoso por el alcalde de esa ciudad inglesa.

Wire – Mind Hive

Fecha de Lanzamiento: 24/01/2020

Puntaje del Disco:

Que una banda legendaria y de culto como Wire continúe activa con más de cuatro décadas encimaes toda una noticia alentadora en si misma y si a esto se suma que estamos ante una obra integral de pura fibra y belleza como Mind Hive, esta claro que han sabido reciclar su pasado en una forma refrescante.

Para muchos especialistas si en vez de ser un lanzamiento de la banda liderada por Colin Newman y Graham Lewis se tratara de una nueva bandita de jovenes estaríamos hablando de un hype incontestable. Lo demuestran despachándose con temazos como “Cactused”, “Primed and Ready”, “Hung” y en especial “Oklahoma” que rememora a sus mejores momentos de finales de los setenta.

Lil Wayne – Funeral

Fecha de Lanzamiento: 31/01/2020

Puntaje del Disco:

Sorpresivamente para fines de Enero Lil Wayne anunció el flamante lanzamiento de su disco de estudio número 13: Funeral. Un material donde el rapero de 37 años que ha vivido una vida tan agitada (desde la adicción a las drogas y la cárcel, a la fama más estelar) le ha hecho pensar en su propia muerte antes de llegar a los 40.

Funeral se queda a mitad de camino, sin ser necesariamente un fiasco, podría haber estado en una mejor consideración dentro de la discografía de Wayne si hubiera cortado el listado de canciones a la mitad y optar por la calidad sobre la cantidad.

Green Day – Father of All…

Fecha de Lanzamiento: 07/02/2020

Puntaje del Disco:

Muchas veces uno se puede preguntar hasta cuándo va a seguir existiendo una banda a la qiue parece que se le pasó el cuarto de hora. Green Day parecer ser uno de esos casos, pero aquí lo tenemos sobreviviendo a su manera. Sin embargo, en esta nueva entrega, Father of All (Motherfuckers) no parece el clásico Green Day que nosotros conocemos. De todas formas, sigue siendo Punk Rock, con un estilo que se mezcla tal vez un poco más con el Indie Rock y el Garage Rock. En ese aspecto lo positivo es que no es una versión comercial de Green Day. De hecho, no se caracteriza por tener por ejemplo esas baladas superpomposas, aunque también es más difícil resaltar Hits. Asi que Father of All… es un buen intento, porque mejora en sus intenciones de hacer algo diferente, aunque tampoco inventaron algo particularmente nuevo. Así que el álbum es decente, pero no superlativo.

Stone Temple Pilots – Perdida

Fecha de Lanzamiento: 07/02/2020

Puntaje del Disco:

En la segunda incursión de Stone Temple Pilots con su nuevo vocalista Jeff Gutt, los hermanos DeLeo sacaron la conclusión que lo que mejor se adapta a la voz de Jeff son composiciones entre acústicas, folk y medio tiempos melancólicas, inaugurando con Perdida un nuevo camino en la carrera del grupo.

El resultado del disco a pesar de algunas buenas intenciones es insuficiente para que su carrera repunte, se extraña horrores el carisma de Weiland y termina siendo tedioso, insulso y totalmente olvidable.

Tame Impala – The Slow Rush

Fecha de Lanzamiento: 14/02/2020

Puntaje del Disco:

Como fanático de Innerspeaker (2010) y Lonerism (2012) uno se queda bastante decepcionado al escuchar lo nuevo de Tame Impala, The Slow Burn, una combinación de synth pop, música disco y electrónica más cercano a Daft Punk y a Pharrell Williams que al rock psicodélico de sus inicios.

Entre 2015 y 2019 Kevin Parker trabajó con otros músicos como Lady Gaga, Travis Scott y Mark Ronson. “Quería trabajar con gente diferente, quería un cambio, normalmente trabajo por mi cuenta. Quería hacer cosas por las que no me tuviera que preocupar, porque Tame Impala es una parte profunda de mi alma, pero trabajar con otras personas es divertido”, claramente esto influenció en el resultado final un disco demasiado producido con un puñado de buenos momentos y por sobre todo demasiado repetitivo.

Tennis – Swimmer

Fecha de Lanzamiento: 14/02/2020

Puntaje del Disco:

Tennis es un duo de Denver conormado por Alaina Moore (vocalista y tecladista) y Patrick Riley (guitarrista), que este año lanzó su cuarto disco de estudio Swimmer, que recibió algunas buenas referencias de la crítica especializada. Y a decir verdad el álbum tiene buenas melodías, pero no deja de ser Indie Pop que en cierto punto es algo genérico, agradable pero genérico y nada revelador. Un problema que es muy común en grupos Indies de hoy en día. Les cuesta ofrecer algo que los haga sobresalir en el género. De todas formas, Swimmer tiene sus pasajes de encanto y uno se puede enganchar con algunas de sus melodías.

Ozzy Osbourne – Ordinary Man

Fecha de Lanzamiento: 21/02/2020

Puntaje del Disco:

El retorno de Ozzy en su carrera solista (luego del retorno de Black Sabbath) tras nada menos que 10 años.. En Ordinary Man vuelve a desplegar su Metal y Hard Rock con mucha actitud, con un sonido que brilla principalmente por la calidad de su producción y la solidez. En el álbum además colaboraron numerosos artistas de renombre, empezando por Duff McKagan (bajo) de los Guns y Chad Smith (batería) de los Red Hot, como personal que partició en todo el disco. Pero además se sumaron invitados especiales como Slash y Elthon John. Sin embargo, como el mismo Ozzy reconoce, la pieza fundamental de Ordinary Man, es Andrew Watt no solo como productor sino también como guitarrista, aportando muy buenos riffs y solos a lo largo del disco. Muy buen disco, tal vez no el mejor de Osbourne porque en cierto punto es un tanto genérico, pero la actitud nos deja un resultado más que aceptable.

Grimes – Miss Anthropocene

Fecha de Lanzamiento: 21/02/2020

Puntaje del Disco:

Miss Anthropocene es el quinto álbum de estudio de Grimes, en el que desarrolla un Electro Pop bastante atmosférico y envolvente, que es sutilmente sensual y sobre todo bastante oscuro. El nivel compositivo de Grimes es consistente, las melodías en general son buenas, la paleta de arreglos atractiva y la producción es de lo más destacable del álbum. En ese aspecto Miss Anthropocene es un producto efectivo, sin embargo, si lo comparamos con Art Angels, que hacía más foco en el Art Pop, se pierde un poco esa parte “Art” y hace más foco en el “Pop”, por lo que tal vez no es tan interesante. De todas formas, el disco en sí es bastante bueno.

Soccer Mommy – Color Theory

Fecha de Lanzamiento: 28/02/2020

Puntaje del Disco:

Sophie Allison, más conocida como Soccer Mommy, es una cantautora estadounidense de Nashville, que en estos dos meses sacó uno de los discos más potables en lo que va del 2020: Color Theory. Color Theory no se caracteriza por inventar algo particularmente nuevo, es Indie Rock y punto. Pero las melodías de Soccer Mommy son realmente muy buenas y su estilo es bastante simple, no es pretenciosa en lo que hace. Y algunos de sus temas como “Royal Screw Up” podrían tranquilamente ser de los mejores del 2020. Muy buen disco.

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[Total: 3 Average: 4.3]

Heraud, un río que dio a la mar

Confieso que me gusta visitar museos, lo barroco junto con la quietud de sus recintos me es agradable ante el trafalgar de la ciudad. Muchas veces me he maravillado ante algún objeto que conocía vía bibliográfica, verlo en directo en su forma real no tiene parangón. Los mantos fúnebres de los paracas son una maravilla en su confección, por ejemplo. Hay obras maestras como Venus y Marte de Botticelli que exigen al receptor pasearse ante el cuadro para contemplar la belleza en su extensión horizontal, comprender las tonalidades en los cuerpos de los dioses, esa línea delicadamente oscura que contornea sus figuras, así como la pincelada blanca en el casco de Marte el cual es llevado por uno de esos pequeños sátiros juguetones, entre otras bondades de tan exquisita pintura.

Muchas veces la visita al museo cultiva y enriquece los saberes previos con los que el espectador va. Por ejemplo, amo a Eielson en la experiencia artística de su vida. Me explico: su existencia fue todo un arte, a su paso dejó regada su obra, la cual es variada y compleja en clasificar. Un artista al ciento por ciento. Pocos pueden ser catalogados así. Alguna vez leí que su poemario Canción y muerte de Rolando era importantísimo y que había sido publicado por la histórica editorial La Rama Florida de Javier Sologuren. Sabía que bajo ese sello habían salido significativos poemarios de la literatura peruana. No obstante, ver la edición príncipe en un museo me impactó. Yo me hacía la idea de que el ejemplar era monumental. La realidad era otra: el libro era pequeñísimo y sencillo. Provenía de la biblioteca de Ricardo Silva-Santiesteban y estaba encerrado en una vitrina junto a otros objetos del poeta. El libro en cuestión era bonito en su sencillez, ya después me enteré que La Rama Florida trabajaba de manera artesanal, pero eso sí, muy cuidadosos en sus ediciones.                      

También me quedé conmovido con un poemario que conocía, Minúsculas de Gonzáles Prada. Yo en mi ignorancia, pensaba que solo se titulaba así por los poemas de corta extensión. Pero no. Tuve que recorrer un museo para darme cuenta de que llevaba este nombre porque los primeros ejemplares habían sido manufacturados en una pequeña imprenta de juguete que el maestro había regalado a su niño. O sea, este libro tenía un mensaje editorial rebelde a la vez que vanguardista. Increíble fue mi reacción, puesto que no me cansaba de observar y observar a la pequeña imprenta que se encontraba en exhibición en un salón de La Casa de la Literatura Peruana, ahí en La Estación de los Desamparados.  

En este mismo recinto he visitado reiteradas veces una exposición sobre el poeta Javier Heraud, la muestra se llama Heraud-Dimensiones de un viaje. Y en sí, el recorrido es todo un viaje de experiencias. Fascinado me quedé al encontrarme con fotografías de su niñez y juventud. Ellas nos muestran sus actividades familiares, deportivas y académicas. Si uno abre las compuertas a la imaginación, presenciaremos las condiciones sociales y culturales que influenciaron su obra. Cierto es que pertenecía a una clase acomodada limeña, por ello el acceso y admiración por parte del joven poeta hacia clásicos líricos como T.S Eliot, Dylan Thomas, Ginsberg, Machado, Hernández o Alberti, autores que se encontraban en su biblioteca personal. Su temprana inclinación hacia la literatura se pone en evidencia con una pequeña copia de la traducción del cuento Las hermanas de Joyce, aparecido en El Comercio.

Ver sus objetos personales como su máquina de escribir, sus cartucheras con sus acuarelas, juntamente con sus dibujos nos invita a pensar en su labor artesanal. La tinta y la aguada en confluencia y experimento. Siempre hemos valorado a los poetas solo como artífices de la palabra, pero en muchos hay como un valor agregado en la práctica del dibujo. Recordemos los bocetos, los garabatos de Vallejo, las pinturas y fotografías de Eguren, las ilustraciones de Valdelomar; si nos remontamos tiempo atrás, el caso de Guamán Poma de Ayala es muy significativo, en la modernidad, Eielson se constituye en todo un paradigma. Heraud no escapa de esa pléyade. Existe una gran relación entre la palabra y la imagen, entre la labor artesanal de forjar el verso con la labor de mover el pincel tratando de expresar formas. La copia facsimilar de Las sombras y los días nos muestran el ser artístico experimental y juguetón que era el poeta. 29 páginas tipeadas a máquina donde hay poemas, collages, con correcciones y enmiendas. Un juego poético practicado en casa, en donde en la cotidianidad de sus días el poeta se mostraba como tal.     

Cada vez estoy convencido más y más que el sujeto lírico es como un brujo, quizá un chamán, manipulando signos para mostrar las formas, las texturas, los colores de su alma; y es que el poder mágico de la poesía también en su espiritualidad puede sugerirnos vaticinios. Los verdaderos poetas se adelantan hacia visiones más allá de la realidad de lo simple y evidente, y en Heraud se observa esta característica envuelta en cierta ternura lúdica de muchacho inocente, pero consciente de su talento. Ello se pone en evidencia cuando se contempla la anotación que hace en una portada príncipe de El río: “Este papel pasará a la posteridad y por él se pagarán enormes cantidades de dinero”, dedicado a su amigo y editor Javier Sologuren. Heraud sabía que en los próximos años su figura se iba convertir en un mito de su generación, como símbolo de lo social y lo puro en su máxima expresión.       

Vallejo también sabía de su propio genio y lamentaba su pobreza. Heraud nos daba pistas de su muerte, él era un río que pronto iba a dar a la mar, él era un viaje. La muestra también nos guía en su recorrido por Europa, su impacto ante el arte monumental y las dinámicas sociales del Viejo Continente, pero además, el recuerdo y añoranza hacia la tierra que le vio nacer. Las cartas tiernas a su familia lo evidencian. En esas últimas etapas de su vida podemos ver cómo poco a poco las circunstancias van confabulando para que los vaticinios del poeta se vuelvan realidad. Como participante del Foro Mundial de la Juventud, participa activamente en los intereses de su tiempo. Entre sus pertenencias un ejemplar de un minilibro de El Manifiesto Comunista de Marx adquirido por el joven poeta en París nos sugieren su ideología, su compromiso de existencia con la vida. 

¿Qué ideas de justicia rondaban por la mente del poeta? ¿Qué injusticias las que quería combatir? La siguiente escala de su viaje fue La Habana. El poema Elegía es estremecedor. El bardo confiesa: “Yo nunca me río / de la muerte. / Simplemente / sucede que / no tengo / miedo / de morir / entre / pájaros y montes.” Lamentablemente el viaje tenía que llegar a su fin. Unas cuantas balas segaban la vida del hombre. Sabemos que el poeta no se ríe de la muerte nunca. Nosotros lloramos su desaparición. En este recorrido he imaginado el estremecimiento de la naturaleza, esos pájaros, ese monte, el blanco rostro de la muerte y su túnica tétrica, el poeta acompañándola solitario, solitario. A nosotros solo nos queda leer sus poemas, maravillarnos ante su obra, contemplar el mito de este hombre, la magia de este poeta. Su viaje.

Jesús Humberto Santivañez Valle

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Oscuros rincones de mi habitación

Alondra Montero, una voz en las letras, un sonido en el nombre.

El salón está lleno de rostros pálidos, son rostros tan inexpresivos como inalterables. Las copas tintinean, los vestidos caen, los perfumes se mezclan. La danza comienza, las parejas se reúnen, la música susurra notas menores a los piés de los invitados. Es la pesadilla irreal, es la ficticia celebración de los cuatro, es el oscuro paisaje en mi mente.

La necesidad en mi aflicción. La necesidad en mi dolor. Sangre bajo la piel, el infierno bajo la carne. No intentes tocarme, no intentes amarme. Puedo lastimarte, incluso podría matarte. Déjame descender sin tu ayuda, sin tus brazos, sin tu nombre.

La lluvia sobre tus hombros, respetando tu silueta, figuró un ángel hermoso. El sueño compartido: busca pareja para el gran baile; el vuelo del gorrión nos invitó a cabalgar las nubes. Majestuoso espectro ronda mi palpitar, amenaza con volver… ¡Vuelve, bello espantajo, vuelve a mí! Vuelve en sueños y aléjate de mi realidad.

Si te encuentro, existirás en mis andamios interiores. Si te salvo, será para extirpar el corazón, para lastimarte, para mutilar el vínculo cenizo entre nosotros. Beligerante, combativo, contendiente. Duerme y bésame. Duerme, abrázame, sálvame. Despierta y olvídame. Despierta, olvida mi nombre, olvida mi voz. No soy belleza, no eres amor; somos cúspide inmaculada en remoto panorama imaginario.

Culto divino, cuento de hadas, perfecto mesías. Poema bajo las manos, esperanza en tinta colonial, fábula sin musa. ¿Dónde está la psicosis de mi doncella? ¿Dónde está el tacto, los dedos persistentes? El ciego enmudece, el inválido ensordece. La máscara a través de tus ojos, el ancla a través del torso, el sendero sobre mi corona de espinas.

Los puentes desfallecen mis ojos, la caída estimula mi mente, tu imagen perdura aun cuando camino sin sueño por la ciudad. Las calles cubiertas de sal y ceniza: terremoto impávido. Perfecta esclavitud de mis propios deseos: sortilegio incrédulo.

Mi adicción a tu silencio ha intoxicado mi juicio. Mi veneno, tu voluntad. Tu veneno, mi perdición. Tus manos me asfixian, tu cuerpo me estrangula, mi soledad me conforta. Tiempo y esperanza. Poder y utopía. Mito sin personajes, crucifixión sin agonía, dolor sin cuerpo.

Quiero que me odies, necesito que me odies… porque te amo, porque me amas. Quiero que te vayas, necesito que te alejes… para no lastimarte, para no matarte.

Hoy desperté sola en mi habitación, y eras tan perfecto… eras tan etéreo.

Kobda Rocha

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Metronomy – Summer 08 (2016)

Puntaje del Disco: 8

  1. Back Together: 8,5
  2. Miami Logic: 8
  3. Old Skool: 8
  4. 16 Beat: 6,5
  5. Hang Me out to Dry: 8,5
  6. Mick Slow: 8
  7. My House: 7
  8. Night Owl: 8,5
  9. Love’s Not an Obstacle: 7,5
  10. Summer Jam: 6

Joseph Mount, líder y cerebro de la banda inglesa Metronomy, siempre hizo lo que se le dio la gana sonando fascinante sin seguir las conveniencias ni modas, y su quinto trabajo, Summer 08 (2016), no sería la excepción.

El álbum es una retrospectiva de su carrera haciendo foco en su despegue, Nights Out (muchos lo han calificado como su continuación), sin dejar de lado los sonidos de sus siguientes y elogiados trabajos como The English Riviera y Love Letters.

Elegantes guitarras, lineas de bajos y sintetizadores demuestran el pico de madurez que atravesaba la banda en especial en temas explosivos como “Back Together”, “Old Skool”, “Night Owl”, “Mick Slow” y “Hang Me out to Dry” en dueto con la estrella pop sueca Robyn.

Acerca de su reminiscencia a Nights Out, Mount lo plantearía de la siguiente forma: “Nights Out fue la primera introducción a Metronomy para mucha gente, para la gente que estaba interesada. Ese álbum es muy significativo porque fue el primero, con el que verdaderamente empezó mi carrera. Todo lo que ha ocurrido entre ese lanzamiento y ahora, empezó con ese álbum. Por eso siempre ha sido muy importante para mí, y me gusta muchísimo. Sentía que era un buen momento para demostrar lo mucho que significa para mí y lo ligado que aún me siento a ese sonido.”

F.V.

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Avances: Black Widow

Para los fans de Marvel. Black Widow está llegando al cine con película propia (y no como personaje del montón) en abril de este año.

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"Tu dosis diaria de discos, películas, series y más"

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