The Black Crowes – Three Snakes and One Charm (1996)

The Black Crowes - Three Snakes and One Charm (1996)

 Puntaje del Disco: 7,5

  1. Under a Mountain: 7,5
  2. Good Friday: 8,5
  3. Nebakanezer: 9
  4. One Mirror Too Many: 7
  5. Blackberry: 7,5
  6. Girl from a Pawnshop: 8
  7. (Only) Halfway to Everywhere: 7,5
  8. Bring On, Bring On: 7
  9. How Much for Your Wings?: 7,5
  10. Let Me Share the Ride: 7,5
  11. Better When You’re Not Alone: 8
  12. Evil Eye: 7,5

Three Snakes and One Charm, cuarto álbum de estudio de The Black Crowes, se editó en 1996 y si bien no formará parte de la galería de los grandes trabajos de su carrera hay que decir que sigue siendo una muy buena colección de canciones roqueras que pocas bandas como los “cuervos” nos pueden ofrecer.

Para mediados de la década del noventa ya se puede afirmar que los Black Crowes cuentan con un sonido absolutamente reconocible y en Three Snakes and One Charm siguen esa linea de blues, rock sureño y toques de psicodelia, en este caso estamos ante un material directo hasta monótono y repetitivos en algunos momentos. De todas formas podemos rescatar algunas piezas realmente efectivas como el sabiamente elegido como single “Good Friday”, las guitarras adictivas en “Nebakanezer” y un par de temas más disfrutables como “Better when you’re Alone” y “Girl from a Pawnshop”.

Es probable que cierta merma en la calidad de sus composiciones se debió a que pasaban por ese entonces por un período de crisis muy fuerte dentro de la banda y las relaciones personales entre sus miembros se encontraban realmente deterioradas. Lo cierto es que significó su primer bajón importante de ventas y fue muy poco valorado en su momento, algo que comenzó a revertirse con los años recibiendo el reconocimiento de sus fanáticos como suele pasar en muchos casos pasados los años.

Por talento y su valía como músicos uno espera más de un disco de los Black Crowes pero si en su momento lo hicieron a un lado por sus críticas negativas háganse un tiempo y escuchen aunque sea los mejores momentos de una de las bandas que supo interpretar como pocas al glorioso rock de los setentas.

F.V.

Faith No More – The Real Thing (1989)

Faith No More – The Real Thing (1989)

Puntaje del Disco: 10

  1. From Out Of Nowhere: 9
  2. Epic: 10
  3. Falling To Pieces: 9
  4. Surprise! You’re Dead!: 8,5
  5. Zombie Eaters: 9,5
  6. The Real Thing10
  7. Underwater Love: 8,5
  8. The Morning After: 8
  9. Woodpecker From Mars: 9,5
  10. War Pigs: 10
  11. Edge Of The World: 8

Faith No More es una banda de Metal alternativo formada en San Francisco (California) en 1982, formada por el tecladista Roddy Bottum, el guitarrista Jim Martin, el bajista Billy Gould, Mike Bordin en la batería y Chuck Mosley como vocalista. Pero debido a los problemas con el alcohol del vocalista, este es despedido después de haber sacado solo dos discos We Care A Lot (1985) y Introduce Yourself (1987) los cuales tuvieron muy poco éxito comercial, pero que le permitieron a la banda hacerse de un nombre en el circuito alternativo que en ese momento estaba empezando a florecer en los Estados Unidos. Dado el escenario complejo que se le presentaba a la banda, Jim Martin sugiere a sus compañeros de grupo la inclusión del joven cantante de Mr Bungle llamado Mike Patton. En un principio los miembros del grupo no entendían porque a Jim Martin le gustaba. Igualmente accedieron a probarlo, y Mike Patton  los dejo totalmente sorprendidos, casi sin dudarlo fue integrado al grupo y en menos de dos semanas, Patton tenía todas las melodías y letras de las canciones que ya habían sido creadas por el resto de la banda para lo que sería The Real Thing.

El sonido que caracteriza este disco es la mezcla entre Metal, Funk, Rap, Lounge y Soul. Pese a lo dispar que son estos estilos, este álbum logra que estos cohesionen de gran manera a lo largo de todo el disco. Sustentado principalmente por la gran actuación de Mike Patton, con un estilo agudo algo “bufonesco”, que le permite cantar desde Metal clásico hasta melodías dulces.

El disco comienza con “From  Out Of Nowhere” con un teclado omnipresente en la totalidad de la canción, melodías altas principalmente en el estribillo, un gran inicio, que se ve reforzado con la siguiente canción y primer single de éxito de Faith No More a nivel internacional. Estoy hablando de “Epic” una de las mejores  canciones del disco que refleja lo ecléctico que es este grupo, que desde su inicio invita a dar brincos y  cantar esta canción de pseudo rap para después desencadenar en el estribillo funk pasando por un buen solo, para luego terminar en la melodía final del teclado que da la sensación que algo está terminando, lo cual está muy lejos , esto lo afirma la pegadiza “Falling To Pieces” con el bajo dominando gran parte de la canción, la poderosa “Surprise! You’re Dead!” y “Zombie Eaters” la que en un principio parece una balada, pero que posteriormente desemboca toda su fuerza muy similar a la canción anterior. Mención aparte se merece la canción homónima “The Real Thing” que con un comienzo melódico y tranquilo que dan paso a un riff demoledor acompañados de manera genial por el resto de la banda, especialmente la batería y por las vocales de Patton en una misma dosis tanto melódicas y potentes.

El álbum finaliza con una muy buena canción instrumental llamada “Woodpecker From Mars” donde el teclado de Roddy Bottum se roba el protagonismo, que conecta de gran manera con la siguiente, que es nada menos que el cover del himno de Black Sabbath “War Pigs” donde el grupo muestra estar a la altura de semejante canción, brindándonos una versión muy cerca del nivel de la original, eso ya es mucho. La última canción es la juguetona y bizarra “ Edge Of The World” dominada por el teclado, una canción extraña que se mueve entre los  límites del soul el jazz y el pop.

En definitiva este disco logra que salieran al mundo, con un disco único en su estilo, con melodías lo suficientemente atrayentes para ser más comercial de lo que fue, pero debido a lo extraño que es logro repeler al consumidor común. El disco logro que las megas bandas banda del Momento como Guns N roses y Metallica citaran este disco como uno de sus favoritos y a Faith No More como su banda favorita del naciente movimiento alternativo que empezaba a sacudir la escena de la música. No podría afirmar tajantemente si este es el mejor disco de la banda, pero reúne los méritos  suficientes  para considerarlo así.

Diego

The White Stripes – De Stijl (2000)

The White Stripes - De Stijl (2000)

Puntaje del Disco: 9

  1. You’re Pretty Good Looking (For a Girl): 9
  2. Hello Operator: 9
  3. Little Bird: 8,5
  4. Apple Blossom: 8
  5. I’m Bound to Pack It Up: 8,5
  6. Death Letter: 9
  7. Sister, Do You Know My Name?: 8,5
  8. Truth Doesn’t Make a Noise: 9,5
  9. A Boy’s Best Friend: 8,5
  10. Let’s Build a Home: 8,5
  11. Jumble, Jumble: 8
  12. Why Can’t You Be Nicer to Me?: 9,5
  13. Your Southern Can Is Mine: 8

De Stijl, el estilo en holandés, seria el titulo que elogiaran los por entonces casi desconocidos White Stripes para su segunda placa, si bien habían logrado captar algo de atención un año atrás con su disco inicial con De Stijl comenzarían a formar parte de las primeras planas de la escena garage rock alternativa del nuevo siglo.

Jack y Meg White nos ofrecen algunas de sus canciones más brillantes de su carrera (aunque no sus más populares y que el público masivo conoce) como “You’re Pretty Good Looking (For a Girl)”, “Hello Operator”, “Death Letter”, “Truth Doesn’t Make a Noise” y “Why Can’t You Be Nicer to Me?”, con una variedad de estilos innedita hasta ese entonces en su repertorio que van desde el punk al blues demostrando el crecimiento de la banda de Detroit.

Curiosamente las ventas de De Stijl comenzaron a subir en forma considerables dos años después cuando The White Stripes había elevado su popularidad gracias a su siguiente trabajo White Blood Cells (2001) y como ocurrió en mi caso y en muchos otros comenzamos a interesarnos con su obra anterior luego de conocerlos.

De Stijl estuvo dedicado al mito del blues Blind Willie McTell del que además harían un cover que cierra el álbum, “Your Southern Can Is Mine”, y a su vez al diseñador de muebles y arquitecto holandés Gerrit Rietveld, admirado por Jack White y del que conocieron en un tour por Holanda donde pudieron conocer y hacerse fanáticos de su obra.

F.V.

 

The Wallflowers – Rebel, Sweatheart (2005)

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Puntaje del Disco: 8.5

  1. Days of Wonder: 8.5
  2. The Passenger: 8
  3. The Beautiful Side of Somewhere: 8
  4. Here He Comes (Confessions of a Drunken Marionette): 8.5
  5. We’re Already There: 8
  6. God Says Nothing Back: 7
  7. Back to California: 8.5
  8. I Am a Building: 8
  9. From the Bottom of My Heart: 8
  10. Nearly Beloved: 7.5
  11. How Far You’ve Come: 8
  12. All Things New Again: 8

Con una trayectoria de quince años, The Wallflowers se encontraba al momento del lanzamiento de su quinto material, en una posición reconfortante tanto en lo musical como en lo comercial.

Rebel Sweatheart fue lanzado en mayo de 2005 y tuvo como encargado de la producción a Brendan O’Brien, que había trabajado con Bruce Srpingsteen, Pearl Jam y Train, entre otros. “The Beautiful Side of Somewhere” fue el corte promocional que tuvo buena repercusión en las radios y “Gos Says Nothing Back”, el segundo.

Dejando de lado las odiosas comparaciones entre Jakob con su padre y pasado el tiempo de los noventa durante los cuales el grupo debió insertarse entre el éxito del brit pop, The Wallflowers suena más suelto y consolida el estilo que desea interpretar.

Más sólido y con más variedad de canciones respecto a Red Letter Days, este disco encuentra en los arreglos las texturas y condimentos ideales para crear uno de los más destacados trabajos del conjunto californiano.

Piro

Porcupine Tree – In Absentia (2002)

Porcupine Tree - In Absentia (2002)

Puntaje del Disco: 9,5

  1. Blackest Eyes: 9,5
  2. Trains: 10
  3. Lips of Ashes: 8,5
  4. The Sound of Muzak: 8,5
  5. Gravity Eyelids: 9
  6. Wedding Nails: 7,5
  7. Prodigal: 9,5
  8. .3: 8,5
  9. The Creator Has a Mastertape: 9
  10. Heartattack in a Lay By 9
  11. Strip The Soul: 8,5
  12. Collapse the Light Into the Earth: 8,5

Si tengo que inspirarme por algunas de las bandas del nuevo siglo, sin duda, Porcupine Tree es una de ellas. Formada en 1987 por el cerebro, productor, multi-intrumentista y compositor Steven Wilson, se ha caracterizado por combinar el rock progresivo de los 70’s con recursos mas modernos y psicodelicos, tal y cual como lo quiere Steven Wilson, que parece causarle placer combinar diversos tipos de géneros que también se incluyen en sus discos como solista y en sus proyectos paralelos.

In Absentia es el séptimo álbum de la banda, lanzado en 2002, marca un antes y un después en el transcurso de la banda, a nivel musical y compositivo, pulieron mucho respecto a sus álbumes anteriores. También en la formación es el 1er disco donde entra el baterista Gavin Harrison, luego de la salida de Chris Maitland.

Basicamente, In Absentia no es un álbum conceptual, pero si, la temática principal es sobre asesinos. Las diversas temáticas psicologicas se representan en cualquier canción, exceptuando “The Sound of Muzak” (es una queja personal de Wilson acerca de la Banalidad musical de los medios masivos), “Wedding Nails” y “.3″ (Insturmentales) y “Heartattack In a Lay By” (Que cuenta la historia de una persona que sufre un ataque cardíaco en la carretera y su deseo de volver a estar con la persona que ama. No se sabe si esta reunión sucede o no.). El resto, es principalmente del tema ya dicho.

Y musicalmente, In Absentia es el mas diverso, cálido y atrevido de la banda, acompañado de una producción exquisita. “Blackest Eyes” comienza con un riff super enganchable con sonidos sintetizados con un ritmo de batería muy bueno, para luego comenzar con paisajes acústicos de parte de Wilson con psicodelía. “Trains” sería la canción mas inocente y tranquila, además de estar considerada la mejor canción de la banda por algunos,principalmente tiene paisajes acústicos, voces y coros de Wilson y compañía cuidados.

Voy a omitir algunas canciones, para no hacer tan cansina la critica, “Gravity Eyelids” tiene unos fantasmales coros de mellotron acompañada de una base trip hop y pianos siniestros, es la mas atmósferica del disco. “Prodigal” tiene unas melodías intensas y nostálgicas que la hacen excelente y por ende el tema mas hermoso del LP. “.3″ y “Strip the Soul” suenan similares, porque tienen una linea de bajo similar, aunque “.3″ tiene razgos de belleza, pero “Strip the Soul” no, aparte de sus letras violentas, los riffs son muy violentos con influencias funky y por ende es la canción mas oscura de todo el disco. Se nota también la influencia de la banda Tool. “The Creator Has a Mastertape”  es la más frenética del disco tan solo por el bajo y la batería vertiginiosos. En melodías tristes y depresivas, “Heartattack in a Lay By” es principalmente esa cosa dentro del album, es la mas triste, y también por las letras que causan dolor. Y finalmente “Collapse the Light Into the Earth” es la única balada dentro del album, con solamente lineas de piano.

Considerar a In Absentia como el mejor trabajo de la banda, es casi competitivo, ya que por otro lado están el excelente y oscuro Fear of a Blank Planet, pero podemos decir que musicalmente es el mas extenso y logrado de la banda.

Toto

Buzzcocks – A Different Kind of Tension (1979)

Buzzcocks - A Different Kind of Tension (1979)

Puntaje del Disco: 8

  1. Paradise: 8
  2. Sitting Around at Home: 8,5
  3. You Say You Don’t Love Me: 8
  4. You Know You Can’t Help It: 7,5
  5. Mad Mad Judy: 8,5
  6. Raison D’etre: 7,5
  7. I Don’t Know What to Do with My Life: 8
  8. Money: 7,5
  9. Hollow Inside: 7
  10. A Different Kind of Tension 8
  11. I Believe: 9
  12. Radio Nine: -

Inesperadamente el tercer trabajo de una de las bandas del momento de punk rock en Inglaterra, los Buzzcocks, A Different Kind of Tension (1979) sinificó el cierre de su primera etapa de existencia.

En A Different Kind of Tension encontramos un trabajo ambicioso y para nada monótono, diferenciandose de contemporaneos del punk como los Ramones y hasta de sus propias primeras canciones, entre ellas se destacan buenas composiciones como “Paradise”, “Sitting Around at Home”, “Mad Mad Judy”, “I Don’t Know What to Do with My Life” y “I Believe”.

No es descabellado afirmar luego de escuchar este álbum que la banda estaba interesandose más por sonidos del renaciente new wave que del punk de sus inicios. Algo que por un lado los hizo sonar más profesionales y evolucionados pero también con menos furia y frescura.

Es por esto que muchos afirman que Buzzcocks decidió separarse (por primera vez se reunirían en 1989) justo antes de volverse una banda aburrida y caer en la mediocridad. Aunque las versiones oficiales afirman que conflictos con su compañía EMI llevaron al grupo a su primera ruptura el 6 de Marzo de 1981.

Durante la década del ochenta su cantante Pete Shelley emprendió su carrera solista logrando destacarse con su segundo solista: Homosapien. Steve Diggle formó junto a John Maher una banda alternativa que adquirió bastante relieve durante los ochenta en el Reino Unido, Flag Of Convenience y Steve Garvey fundó en Manchester el proyecto de mayor intrasendencia de todos la banda Motivation que duró tan solo cuatro años activa.

F.V.

 

Boston – Don’t Look Back (1978)

Boston - Don’t Look Back (1978)

Puntaje del Disco: 8

  1. Don’t Look Back: 8,5
  2. The Journey: -
  3. It’s Easy: 8
  4. A Man I’ll Never Be: 9
  5. Feelin’ Satisfied: 8
  6. Party: 8
  7. Used to Bad News: 7,5
  8. Don’t Be Afraid: 7,5

El exitoso debut de Boston fue algo que nunca se había visto antes en la historia hablando desde un punto de vista meramente comercial. La publicidad que la agrupación consiguió fue enorme y pronto se les escuchaba por toda la radio Norteamericana. Los nuevos fans de la banda pedían una continuación  y a dos años después lo recibieron con el nombre de Don’t Look Back.

Para este disco la banda se apegó a la misma fórmula que les dio éxito: Arena Rock potenciado con los riffs de guitarra de Tom Scholz y las vocales sobre encimadas de Brad Delph. Ya que si algo tiene Boston es un sonido único que los hace distinguibles. La base del disco está formado por “Don’t Look Back” una pieza solida que pareciera buscar emular al éxito de la banda “Peace of Mind” y la extensa pero poderosa “A Man I’ll Never Be” que con sus solos de guitarra y buena línea de teclado se convierte en uno de los temas más destacadas en la historia de la agrupación.

El punto malo del disco es que es bastante lineal, le falta el punch que tenía Boston y al final se torna algo tedioso (A menos que seas un gran fan de la banda), inclusive el mismo Tom Scholz quedó insatisfecho con el disco considerándolo muy corto e incompleto y es que esa sensación da al oírlo de corrido. Un par de canciones extras de buen nivel le hubieran sentado muy bien al trabajo.

La producción de Don’t Look Back estuvo marcada por tiempos turbios para la banda; disputas con el manager y la disquera (quienes querían explotar el buen momento comercial de la banda) llevaron a que el perfeccionista Tom Scholz se decidiera a tomarse su tiempo para crear su próximo disco. Pasarían ocho largos años para que Boston diera continuación a su carrera musical.

Gera Ramos